예수의 가장 유명한 그림 10 개

예수의 인물은 역사상 가장 상징적 인 것 중 하나입니다. 

예수 그리스도의 이미지 주변의 예술은 아마추어 예술가와 위대한 교사들 모두에 의해 이상화되었습니다.

캔버스에 omplestly 인간과 완전히 신성한 인물을 어떻게 보여줄 수 있습니까? 이런 유형의 예술적 대담함은 심지어 대담한 시도입니다.

기독교 전통으로 그린 ​​예술가들은 2 천년 동안 정확히 그 일을 해왔습니다.

예수의 가장 유명한 그림 10 개

Kuadros 전문가들이 만든 분류에 따르면 이것은 역사상 10 가지 가장 유명한 예수 그림을 살펴 봅니다.

# 1 마지막 만찬 -Leonardo da Vinci

예수 그리스도의 가장 유명한 그림은 의심 할 여지없이입니다 레오나르도 다빈치의 마지막 저녁.

이 작품은 요한 복음에 묘사 된 이야기에서 예수와 그의 사도들 사이의 마지막 부활절 회의를 재현합니다. 13 장. 예술가는 누가 누구인지 아는 사도들의 마음 주위에있는 욕망을 상상하고 표현할 수있었습니다. 그의 선생님을 배신합니다.

15 세기 말 밀라노의 산타 마리아 델리 그레이지 수녀원의 벽에 벽화로 칠해졌습니다.

프레스코 그림은 일반적으로 젖은 침착 한 석고의 얇은 층 인 Intonaco에 색소를 적용하여 만들어집니다.

이것은 일반적으로 사용하기 가장 좋은 기술입니다. 프레스코는 수분이 표면쪽으로 움직일 때 벽을 만들 수있는 자연 호흡이나 발한을 처리 할 수 ​​있기 때문에 사용하기 가장 좋은 기술입니다.

그러나 마지막 저녁 식사에서 Da Vinci는이 재료가 훨씬 느리게 건조되기 때문에 유성 페인트를 사용하기로 결정하여 훨씬 더 느리고 상세한 방식으로 이미지에서 작업 할 수있었습니다.

레오나르도는 유화를 사용하는 경우 대부분의 돌담 건물을 통해 침투하는 자연 습도가 봉인되어야한다는 것을 알고있었습니다. 그렇지 않으면 수분이 그의 작품을 망칠 것입니다.

그런 다음 아티스트는 석고, 퍼티 및 브레이크의 이중 층을 추가하여 수분 악화와 싸우고 있습니다.

그럼에도 불구하고, 예술 작품은 오랜 역사에서 여러 번 복원되어야했다.

오늘날, 환경 및 고의적 인 손상의 결과로 초기 상부 유성 유성 상부 층은 거의 없습니다.

#2 변형 - 라파엘

라파엘 변형 Medici Banqueros Dynasty의 Giulio de Medici 추기경에 의뢰 된 위대한 르네상스 예술가 Rafael의 마지막 작품입니다.

원래 예술 작품은 프랑스의 Narbenne 대성당의 중심 제단으로 매달려 있었고 현재 바티칸 도시의 바티칸 피나 코테카에 매달려 있습니다.

라파엘이 사망 한 후, 그림은 프랑스로 보내지 않았으며, 추기경은 1523 년 로마 몬 토리오에있는 산 피에트로에있는 축복받은 아마데오 교회의 주요 제단에 매달 렸습니다.

그러나 1797 년 에이 그림은 나폴레옹의 이탈리아 캠페인의 일환으로 프랑스 군대에 의해 채택 된 후 루브르 박사에 매달려있었습니다.

그림은 가장 간단한 수준에서 이분법을 반영한다고 생각할 수 있습니다. 그리스도의 구속력은 그림의 상단 절반의 순도와 대칭으로 상징됩니다. 이것은 우울하고 혼란스러운 장면으로 하반기에 상징 된 사람의 결함과 대조됩니다.

변형은 마태 복음의 연속적인 이야기와 관련이 있습니다. 그림의 윗부분은 기복과 조명 구름 앞에서 높은 그리스도를 나타냅니다. 그리고 그것의 양쪽은 선지자 엘리야와 모세입니다. 그림의 아래쪽에서 사도들은 악마를 소유 한 아이를 타는 데 성공하지 않고 노력하고 대표됩니다. 윗부분은 기적을 행하고 아이를 치유하고 악에서 해방시키는 것으로 보이는 그리스도를 수송하신 그리스도에게 보여줍니다.

변형의 치수는 410 x 279 cm의 거대합니다. Rafael은 캔버스에 페인트를 칠하는 것을 선호했지만이 그림은 선택된 매체와 같이 나무에 유화로 만들어졌습니다. 라파엘은 실제로이 그림에서 바로크 시대의 고급 매너리즘 적응증과 기술을 보여 주었다.

중간 수치의 양식화되고 뒤틀린 포즈는 매너리즘을 나타냅니다. 이 인물들의 극적인 긴장과 빛과 어둠의 자유주의 사용, 또는 Chiaroscuro의 대조는 드라마, 긴장, 충동 또는 조명을 생성하기 위해 과장된 운동의 바로크 기간을 나타냅니다. 실제로 변형은 그의 시대와 Rafael의 죽음뿐만 아니라 너무 빨리 나왔습니다.

이 작품은 1520 년 4 월에 죽을 때까지 그녀를 위해 일할 라파엘의 마지막 그림이 될 것입니다.

1972 년부터 1976 년까지 그림의 청소는 참석자들에 의해 왼쪽 하단 수치 중 일부 만 완성되었으며 대부분의 그림은 아티스트 자신의 것으로 나타났습니다.

#3 최종 판단 -Miguel Ángel

미구엘 Ángel의 최종 판단 그것은 시스틴 예배당의 제단 뒤에있는 벽에 있습니다. "최종 심판"에서 그리스도의 두 번째오고에 대한 그의 표현은 카운터 개혁의 가톨릭 교회에 의해 즉각적인 논쟁을 일으켰다.

미구엘 천사는 시간의 끝, 영원의 시작, 필사자가 불멸의 시작, 선택된 사람들이 하늘의 왕국에서 그리스도에 합류하고 유죄 판결을받은 사람들은 지옥의 끝없는 고통에 던져 질 때 영원의 시작을 그렸습니다. 

16 세기 이탈리아의 예술가는이 과제에 대한 아티스트가 미구엘 반겔보다 더 나은 위치에 있지 않았으며, 마지막 작품은 인간 인물, 특히 남성 누드의 가장 위대한 교사로 명성을 얻었습니다. 교황 바오로 3 세는 미구엘 야 겔 (Miguel Ángel)이 예배당 제단의 벽을 최종 판결로 다시 묻어 있다고 비난했을 때 이것을 매우 잘 알고있었습니다. 신체의 부활에 초점을 맞추면서 이것은 Miguel Ángel에게 완벽한 주제였습니다.

강력한 구성은 최종 심판의 평결에 의해 발음되기 전 당시에 포착 된 그리스도의 지배적 인 인물에 중점을 둡니다.

그의 조용하고 명령적인 제스처는 주변을 둘러싼 관심을 끌고있는 것 같습니다. 이미지에서 모든 수치가 개입하는 넓은 느린 로터리 운동이 시작됩니다. 두 개의 위 창문은 비행 중에 운반하는 천사 그룹이 열정의 상징 (왼쪽 십자, 손톱 및 가시의 왕관에; 오른쪽에 편모의 기둥, 계단 및 스폰지가있는 창에 제외됩니다. 식초를 목표로합니다).

아래쪽 부분의 중앙에는 긴 트럼펫 소리로 죽은자를 깨우는 묵시록의 천사들이 있습니다. 왼쪽에서 부활 된 것은 하늘로 올라가는 동안 (육체의 부활), 오른쪽 천사와 악마가 지옥에서 비난받은 ​​사람들을 싸우기 위해 싸우는 동안 몸을 회복합니다. 마지막으로, 노아와 깊은 곳에서 악마와 함께, 유죄 판결을받은 사람은 보트를 떠나 뱀의 나선에 감싸는 Minos 판사 앞에서 그들을 운전하게합니다.

이 부분에서 Dante Alighieri의 신성한 Commedia의 지옥에 대한 언급은 분명합니다. 칭찬 외에도 최종 판단은 동시대 인들 사이에서 폭력적인 반응을 일으켰습니다. 예를 들어, Biagio da Cesena는 의식의 주인은 "정직한 곳에서 가장 부정직 한 곳에서 가장 부정직 한 곳에서 가장 부정직 한 것으로 나타 났으며 교황의 예배당을위한 작품이 아니 었습니다. 스토브와 선술집 "(G. Vasari, Vite). 수년간 계속 된 논쟁은 1564 년에 트렌트 평의회의 회중의 결정을 "외설적 인"것으로 간주 한 재판의 일부를 다루기로 결정했다.

지붕의 커튼을 칠하는 임무, 너무 많은 "braghe"(바지)는 Daniele da Volterra에게 맡겨졌으며 그 이후로 "Braghettone"으로 알려져 있습니다. Daniele의 "Braghe"는 처음으로 만들어졌습니다. 사실, 앞으로 몇 세기 동안 몇 명이 추가되었습니다.

#4 크로스를 적재하는 그리스도 -El Greco

스페인에서 오랫동안 경력을 쌓는 동안 그레코는 십자가를 들고있는 그리스도의 수많은 그림을 만들었습니다. 그리스도는 십자가를 적재하셨습니다 완벽한 인류의 이미지입니다. 이 작품은 화가가 색상을 사용하여 볼륨을 모델링하고 신체를 왜곡하여 성격의 영적 욕구를 반영하는 뇌졸중 특성에 대해 눈에 띄게됩니다.

그레코는 그리스도의 눈을 극적이고 과장된 눈물로 페인트합니다. 그의 눈은 많은 감정을 표현하기 때문에 그림의 핵심 요소입니다.

그의 강력한 어깨와 그의 손의 여성의 아름다움 사이에는 섬세한 대비가 있습니다. 그러나 그의 얼굴에는 통증의 징후가 없습니다. 그들의 수동적 손이 십자가를 운반하려는 고뇌 나 노력을 표현하지 않는 것처럼.

그리코는 그리스도의 형상을 압도 당하고 무거운 십자가에서 아프고 평온하고 그의 운명에 직면 할 준비가 된 사람으로 변모했습니다. 희생 전에 그리스도의 평온은 시청자에게 두려움과 의심의 순간에 자신의 운명을 받아들이도록 초대합니다. 

#5 십자가에 못 박힌 그리스도 -Diego Velázquez

이 강력한 강력한 예수의 십자가 이미지는 벨라즈케스의 이탈리아로의 첫 자극 여행에 이어 창조적 인시기에 그려졌습니다. Vulcano의 위조에있는 Apollo와 Joseph의 튜닉과 같은 그림에 등장한 그의 다른 남성 누드와는 달리 십자가에있는 그의 그리스도는 죽거나 죽어가는 몸입니다. 그것은 십자가 자체를 제외한 다른 이야기 요소를 동반하지 않습니다. 그러나 예술가는 큰 존엄성과 평온의 작품을 제공합니다.

이 작품은 산 플라시도 (San Plácido)의 수녀원의 성찬을위한위원회라고 믿어있다. 십자가에 못 박힌 그리스도 그것은 4 개의 손톱, 발을 함께 모으고 작은 나무 선반에 의해지지되어 암이 삼각형 대신 미묘한 곡선을 형성 할 수 있습니다. 머리는 후광으로 선정되며 얼굴은 가슴에 놓여있어 우리를 엿볼 수 있습니다. 그의 똑 바르고 똑 바른 머리카락은 얼굴의 오른쪽에 매달려 있으며, 그의 후방 길은 오른쪽에 상처를 떨어 뜨리는 피에 의해 그려집니다.

이미지는 Velázquez의 그림에서 모든 주요 영향을 보여줍니다. 우선, 스페인 종교 재판소의 적극적인 회원 인 프란시스코 파 치코 (Francisco Pacheco)의 세비야에서 초기에 흡수 된 페인트의 헌신적 인 어조와 도상을 기억하십시오.

둘째, 스페인 르네상스 예술가들과 이탈리아에서 고전적인 유물, 로마와 베니스의 고등 르네상스 예술, 그리고 Caravaggio의 예술에 대한 연구에서 스페인에서 얻은 인물을 페인트하는 능력을 반영합니다. 로마와 나폴리에서 일합니다. 

작품에서 고전주의의 영향은 신체의 일반적인 평온과 이상적인 위치에 나타납니다. 캐러개의 영향은 그리스도의 창백한 몸에 초점을 맞추는 극적인 어둠에서 분명해집니다.

이미지에는 성 베드로 또는 크로스 하강. 대신, 그것은 주제의 영성에 따라 그것을 향상시키는 기념비적 조각의 질을 가지고 있습니다. 그 구성은 절대적으로 단순하지만 하얀 몸과 어두운 배경 사이에 생생한 대조를 이루며 그리스도의 머리가 가슴에 떨어지는 방식에는 자연주의가 있습니다. 얽힌 머리카락은 Velázquez가 베네치아 그림의 예에서 직접보고 존경하는 편리로 그려져 있습니다.

Velázquez는 스페인 최고의 초상화자 중 한 명으로 명성을 얻었으며 펠리페 IV (1621 년에서 1640 년 사이에 통치)의 공식 화가가되었으며 궁극적으로 바로크 시대의 스페인 회화 대표에서 가장 큰 대표자가되었습니다. 그러나 스페인에서는 종교 예술이 특히 중요하다는 사실에도 불구하고, 통치 군주국이 가톨릭 카운터 리포트 아트의 주요 후원자 중 한 사람임을 자랑스럽게 생각한 Velázquez는 비교적 주목할만한 종교적 그림을 그렸습니다.

대신, 예술가는 초상화의 예술, 일부 젠더 페인팅 (정물) 및 기타 역사 그림을 전문으로하는 세상을 그렸습니다. 아이러니하게도, 그의 종교 사업이 부족하다는 점을 감안할 때, 그는 주로 그의 성서 예술로 눈에 띄는 이탈리아 천재 Caravaggio의 영향을 받았으며, 적극적으로 현실적인 스타일로 실행되었습니다. Velázquez는 또한 Sevillian 교사 Francisco Pacheco로부터 얻은 이탈리아의 재생의 아이디어에 크게 영향을 받았습니다.

 

#6 그리스도는 십자가를 적재하셨습니다 - 티치아노 

1508 년 또는 1509 년까지 Tiziano는 다음과 같이 알려진 기름을 그렸습니다. 그리스도는 십자가를 적재하셨습니다. 그림의 진정한 기원은 다소 신비 롭고 몇몇 미술사들조차도 때때로 이탈리아 화가 인 Giorgione에 기인했습니다. 두 화가는 학교와 교회와 연결된 예술가 길드에 속해 있었으며, 둘 다 같은 시간과 장소에서 행동했으며, 그 일이 기관을 위해 명백히 그려 졌을 가능성이 높습니다. 유화에 대한 또 다른 미스터리는 기적적인 치유 기술이 있었으며, 많은 역사적 이야기로 작성된 것입니다. 순례자들은 페인트가 매달려있는 옆 제단의 교회에서기도하여 질병을 치유했다고보고했습니다.

작업의 일반적인 분위기는 우울하고 어둡습니다. 가장 밝은 색상은 육체 -오프 톤이며 팔레트는 여러 갈색 색조로 지배됩니다. 거의 검은 배경에서, 그리스도께서는 십자가를 어깨에 들고있는 세미 페르 필에서 나타납니다. 왼쪽을 바라 보는 동안 화가 난 집행자가 목 주위에 밧줄을 쥐고 사형 집행 인 뒤에 약간의 다른 인물이 장면 내부를 보게됩니다. 이 작곡은 당시 혁신적인 스타일을 가지고 있으며, 친밀감과 세부 사항에 대한 관점과 깊이를 피하는 가까운 뷰입니다. Tiziano의 특징적으로 그림은 행동으로 가득 차 있으며 표현 된 캐릭터에는 먼 것 같습니다.

#7 Salvator Mundi -Leonardo da Vinci

이 유명한 그림은 여전히 ​​매우 매력적이지만 더 이상 Leonardo Da Vinci의 작품으로 간주되지 않으며 역사상 가장 유명한 100 개의 그림 목록 사이에서 그 자리를 잃었습니다.

원래 레오나르도 다빈치 (Leonardo da Vinci)는 프랑스의 루이 16 세 왕과 그의 배우자 아나 데 영국인을 위해 살 베이터 문디 (Salvator Mundi)를 그렸다 고 생각되었다. 전문가들은 오늘 이탈리아 교사 그림의 속성에 의문을 제기했지만 2017 년 11 월 경매에서 예술 작품의 기록적인 가격 인 450,312,500 달러에 판매되었습니다.

Salvator Mundi는 우리의 일부였습니다. 유명한 그림그러나 대중과 우리 예술가들이 투표 한 다른 그림으로 그의 자리를 남겼습니다.

#8 Emaus 제자 - Caravaggio

 

Caravaggio 마스터 의이 작품은 Emaus 또는 Simply Emaus Dinner 로의 주님의 순례라고도합니다. 이 그림은 그와 동행 한 두 사도들이 하루 종일 그들과 이야기 해 온 사람이 그의 사랑하는 선생님이라는 것을 알고있는 순간을 보여줍니다.

예술가의 명성의 아가지에 그려진 에마우스 제자들 그것은 미술사에서 가장 인상적인 종교 그림 중 하나입니다. 이 그림에서 Caravaggio는 순간의 극적인 절정을 훌륭하게 포착합니다. 그의 행동과 자연적인 반응은 그의 극적인 놀라움을 전달합니다. 하나는 의자에서 뛰어 내리려고하는 반면, 다른 하나는 불신의 몸짓으로 팔을 뻗어 있습니다. 원시 조명은 전체 장면의 강도를 강조합니다.

작품에서 Caravaggio는 제자들을 수염이없는 젊은 그리스도와는 달리 수염이있는 얼굴, 주름진 얼굴, 주름진 옷을 입은 평범한 노동자로 보여줍니다.

다양한 시점에 숨겨진 비밀이 있습니다. 작품에서 예술가는 예를 들어 부활절 달걀을 숨겼습니다. 테이블 위의 과일 바구니가 투사 된 그림자는 또한 물고기를 묘사하는 것처럼 보이며, 이는 위대한 기적에 대한 암시 일 수 있습니다.

그리고이 걸작에는 더 많은 보물이 숨겨져 있습니다. 때로는 결함이 결함이 아니라 천재의 타격입니다. 예를 들어 페인트 중앙의 테이블 가장자리에서 흔들리는 고리 버들 바구니의 직물을 가져 가겠습니다.

수많은 눈이 그 여관 내부에서 발전하는 신비한 드라마에 놀랐지 만, 거의 눈에 띄지 않는 불완전 성의 의미는 수세기 동안 눈에 띄지 않았다.

티슈 브레이드에서 눈에 띄는 느슨한 나뭇 가지는 Caravaggio의 유명한 캔버스를 대담한 행동으로 변모시켜 관찰자에게 영적인 도전으로 변형시킵니다.

이 작은 세부 사항의 모든 의미를 높이기 위해 Caravaggio가 그의 작품에서 떠오르는 일반적인 환경의 윤곽을 기억하는 것이 좋습니다.

Emaus Dinner의 주제는 Rembrandt에서 Velásquez에 이르기까지 역사상 위대한 교사들에게 영감을 준 것입니다. 중요한 순간은 신약에서 누가 복음에서 나레이션됩니다. 동반자의 진실을 무시하는 두 제자 인 루카스와 클레 포스와 함께 그리스도의 친밀한 음식의 역사가 있습니다. 그림을 그릴 때 빵은 이미 나뉘어지고 축복을 받았으며, 복음의 이야기에 따르면, 그리스도께서는 그분의 추종자들의 눈을 "개방하고"그의 시야에서 사라지는 "시간이왔다.

걸작은 그림자와 빛 사이의 신비한 임계 값을 포착합니다. 계시와 실종 사이의 헤아릴 수없는 순간에 Caravaggio Hila는 그의 음모, 두 세계 사이의 주인이 만난다.

진실이 그리스도의 부계 삼촌 인 Cleofás는 공황과 놀랍게도의 의자 죄수에서 계시로 올라갑니다. 그의 팔꿈치는 그의 코트 소매를 통해 역동적으로 올라갑니다.

고리 버들 과일의 반대편에서, 오른쪽에서, 루카스는 스캔의 난자성을 주장하면서 팔을 엽니 다. 한편, 여관 주인은 그리스도 께서 그분의 기절 한 제자들에게 말씀하신 말씀을 듣지 않고 이해하지 않고 관찰 할 수 없으며 인류를위한 초월적인 순간의 의미를 포착 할 수 없었습니다.

에마우스 제자들은 그 입장을 차지합니다. 82 목록에 유명한 그림 

#9 Pantocrador Christ

판토 크라 도르 그리스도 그것은 이집트 시나이에 위치한 산타 카탈리나의 7 세기에서 나온 페인트 목재 패널입니다. 이 그림은 가장 오래된 비잔틴 종교적 아이콘 중 하나로 간주되며 판토 크레아 스타일의 가장 오래된 작품입니다.

페인트 패널의 높이는 84cm, 너비는 45.5cm이고 깊이는 1.2cm입니다. 페인트는 원래 더 크다고 생각되지만, 알려지지 않은 이유로 현재 치수를 생성하기 위해 어느 시점에서 상단과 측면에서 절단되었습니다. 이 작품은 그리스도 께서 자주색 옷을 입은 것을 보여줍니다.- 제국 지위와 로열티를 나타내는 색상. 당신의 튜닉에 대한이 색상 선택은 당신의 지위와 중요성의 상징입니다. 그리스도는 왼손을 축복의 표시로 올리며 권리를 가지고 책을 가지고 있습니다.

우리는이 책이 교차 형태의 보석으로 장식되어 있기 때문에 아마도 복음이라고 가정 할 수 있습니다. 그림은 의도적으로 그리스도의 이중 본성을 상징하기 위해 비대칭입니다. 그리스도의 왼쪽은 인간 본성의 상징으로, 그 특징은 훨씬 더 부드럽고 빛을 나타냅니다. 그리스도의 오른쪽은 그의 신성을 심각한 시선과 강렬한 특징으로 상징합니다. 눈 자체는 모양과 크기가 다르며 왼쪽의 머리카락은 어깨 뒤에 모입니다.

가장 중요한 기독교 아이콘 중 하나는 팬 타커 그리스도입니다. 이 이미지는 예수를 세상의 주권자로 묘사합니다. 판토 커 그리스도는 예수의 가장 오래된 이미지 중 하나였으며 바위 교회의 가장 두드러진 곳에 나타납니다.

Pantocker라는 단어는 "전능하신"을 의미합니다. 구약 (LXX)의 그리스어 버전에서 Pantocker 단어는 "군대의 주"와 "전능하신 신"의 번역입니다. Apocalypse의 저서에서 Pantocrador는 하나님의 주권과 권력을 강조하는 제목으로 9 배나 나타납니다.

Pantocrador Christ 아이콘은 예수의 전능성, 무엇이든 할 수있는 힘을 강조합니다. 예수는 모든 것을 붙잡는 "모든 것의 통치자"입니다. 그리스도 판토 크라 도르의 상징 (아래 설명)은 로마 제국의 이미지에서 영감을 받아 그의 주권을 투영합니다. 첫 번째 그리스도인들은 문화적 상징을 사용하여 부활하신 그리스도의 주권을 선포했습니다.

또한, 후진 (전면 성소 벽)에있는 판토 크라 도르 그리스도의 위치는 신학 적 의미를 가지고 있습니다. 비잔틴 교회는 로마 대성당의 모델 인 왕의 방으로 법정을 축하했습니다. 후진은 판결 공무원이 앉은 권위의 위치였습니다. 후진에서 예수의 입장은 그가 합법적 인 통치자이자 주권 판사라고 선언합니다. 

그리스도인들은 더 이상 박해의 위협이 없으면 300 년대 말에 예수를 시각적으로 대표하기 시작했습니다. 이 첫 번째 이미지는 예수를 두루마리로 왕좌에 앉아있는 스토아 인물로 제시합니다. 600 년대에 그리스도 판토 크라 도르는 초기 이미지의 단순화로 일어났다. 판토 크라 도르 그리스도의 측면은 지난 1,500 년 동안 간신히 바뀌지 않았습니다.

예수의 첫 번째 이미지의 대부분은 상징적 인 논쟁에서 파괴되었습니다.

#10 San Juan de la Cruz의 그리스도

멀리서, 달리의 가장 인기있는 것은 의심 할 여지없이 그의 "산 후안 드 라 크루즈 (San Juan de la Cruz)의 그리스도"이며, 그 인물은 포트 라리 가트만을 지배합니다. 이 그림은 그림에서 영감을 얻었고, 스페인의 Ávila의 화신의 수녀원에 보존되었으며, 황홀경 중에이 그리스도의 비전을 본 후 San Juan de La Cruz가 스스로 만든 그림에서 영감을 얻었습니다. 배 옆 사람들은 Le Nain의 사진과 Breda의 항복을 위해 Diego Velázquez의 그림에서 파생되었습니다.

Dalí는 그리스도에 대한 그의 연구의 발에 다음과 같이 썼습니다. "1951 년에 나는 1951 년에 나는이 색상 이미지를 보았고 내 꿈에서 원자의 핵을 나타내는 우주의 꿈을 가졌습니다. 형이상학 적 의미 : 나는 그리스도에게 '우주의 통일성'에서 고려했다! 둘째, Carmelite 인 Bruno 신부의 지시 덕분에 나는 십자가의 세인트 요한에 의해 그리스도를 그려 보았다. 나는 기하학적으로 삼각형과 Circle은 미적으로 모든 이전 실험을 요약 하고이 삼각형에 내 그리스도를 등록했습니다. "

이 작품은 런던에서 처음 전시 될 때 중요한 예술 비평가에 의해 평범한 것으로 간주되었습니다. 

이 그림은 글래스고 박물관의 이사 인 Tom Honeyman 박사가 만든 가장 논란의 여지가있는 구매 중 하나였습니다. Honeyman 박사는 당시 Glasgow Corporation에 도시가 그림을 구입했다고 제안함으로써 매우 교활한 결정을 내렸다는 것이 널리 알려져 있습니다.

Honeyman은 카탈로그 가격보다 적은 그림을 얻었을뿐만 아니라 Salvador Dalí에게 작품의 저작권을 구입하여 구매의 장기적인 유산을 보장했습니다.

그러나 처음에는 그림이 전혀 잘 받아 들여지지 않았으며 글래스고 스쿨의 학생들은 돈이 스코틀랜드 예술가 나 글래스고가 작품을 구매하는 데 사용될 수 있다고 주장했다.

1952 년 Kelvingrove에서 전시 한 후 Dalí는 대량 방문객을 끌어 들였습니다.

글래스고 박물관 컬렉션의 그림은 드라마에서 면제되지 않았습니다. 드라마는 두 번 손상 되었기 때문에 캔버스가 날카로운 돌을 휘두르는 방문객에 의해 심각하게 찢어 졌을 때 가장 유명합니다. Kelvingrove 보수당은 손상이 거의 보이지 않는 시점까지 페인트를 수리 할 수있었습니다.

원래 구매 후 60 년이 지난 후, 그림의 지속적인 매력은 감소의 징후를 보이지 않으며 현재 박물관의 가장 인기있는 전시회 중 하나입니다.

Kuadros ©, 벽에 유명한 페인트.