가장 유명한 10 가지 추상 그림

제목 - 첫 번째 추상 수채화 우리는 대부분의 그림에서 발견되는 것처럼 좋은 색상을 발견하지만 오일 대신 수채화를 사용하면 눈에 띄게 다른 완성이 남아 1910 년 에이 작품이 흥미롭고 생산에 매우 독특하게 만듭니다. 페인팅이 매우 빠르게 건조되기 때문에이 예술 형식의 전형적인 이는 빠르게 완성되었습니다. 그는 또한 정밀도에 대해 너무 걱정하지 않고 표현 적으로 일하지만 색상 선택에 더 집중하고 캔버스를 다른 모양과 선으로 채우는 데 더 집중합니다. 그것은 정말로 추상적이었고, 그는 그가 사용한 방식으로 현실에서 점점 더 멀리 떨어져서 그의 경력에서 발전함에 따라 점점 더 많이 보였습니다.

Kandinsky는 석유를 전문으로했지만 때때로 수채화와 함께 일했습니다. 나는이 쉬운 일을위한 수단과 빠른 연구 작품에 잘 적응 한 것을 발견했을 것입니다. 여기서 나는 미래의 작품을위한 디자인을 이해하려고 노력했습니다. 그는 또한 특히 실험적 일 때 특히 경력의 초기 단계에서 석판화, 자일 그래프 및 에칭을 사용했습니다.

수채화와 함께 일하면서 Kandinsky는 단 3 일 만 에이 그림을 완성 할 수 있습니다. 그러나 칸딘스키는 서두르지 않더라도 최종 구성을 시작하기 전에이 예술 작품에 대한 여러 연구를 수행했습니다. 제목으로 해석 할 수있는 속도에 합류 한 것은 그의 색상 선택이었습니다. 칸딘스키는 그 당시 자신의 감정을 충실하게 표현할 것이라는 사실을 독창적으로 선택했기 때문에 그의 색상 선택이었습니다. 또한이 그림을 볼 수있는 혼란과 긴급 성을 그려주고 강조하고 강조한 선과 모양.

추상화는 또한이 예술 작품에서 표현 된 느슨하고 모호한 선을 통해 명확하게 입증되며, 당시 예술적 군중들 사이에 상당한 관심을 불러 일으켰습니다. 제목은 추상 예술 운동의 중요한 주요 영향으로 존재하지 않습니다. 왜냐하면 원격으로 분리 된 것이 처음이었고 제한없이 제한없이 예술 작품 내에서 적절한 주제로 받아 들여 졌기 때문입니다. 제목 없음 그것은 전통적인 예술 작품의 출발과 같은 유럽 예술 내에서 더 추상적이고 억제되지 않은 예술 작품을 향한 결정적인 요점을 나타 냈습니다.

1910 년에서 1914 년 사이의 기간은 Kandinsky의 경력의 절정과 그의 가장 큰 예술적 업적의 정점으로 간주되었습니다. 그러므로 제목이 없으면 그것은 모든 언급을 인식 가능한 형태로 뻔뻔스럽게 폐기하고 서유럽 회화의 대표에 의한 규칙에 의해 제기 된 한계에서 나온 최초의 예술 작품 중 하나로 존재했다.

이 전체 자유라는 개념은이 기간 동안 Kandinsky가 만든 대부분의 작품에서 눈에 띄는 장소를 차지했습니다.

2 번 성인 #7 -Hilma Af Klint

그녀는 당시의 많은 남성 예술가들만큼 잘 알려져 있지는 않지만 스웨덴 예술가 Hilma Af Klint는 많은 남성 동시대 사람들 이전에 급진적 인 그림이있는 추상 개척자 예술가였습니다. 그는 그의 위대한 일, 대부분의 생애 동안 전시되지 않은 그의 위대한 일은 사망 후 20 년 동안 숨겨져 있었다. 

이 컬렉션은 어린 시절, 청소년, 성숙 및 노년을 포함한 삶의 단계를 나타냅니다. 그들은 생년월일과 성장을 나타내는 식물 요소와 인식 가능한 유기농 대상을 결합합니다.

그만큼 나이 성인 Hilma Klint의 7 번 높이가 3 미터, 폭 2 미터 인 거대한 캔버스이며 종이, 스튜디오 바닥에 페인트를 칠한 다음 캔버스에 붙어 있습니다.

Af Klint는 성인을 전체 개화 그림으로 해석합니다. 라일락 배경에서 다양한 크기와 색상으로 자유롭게 흐르는 몇 가지 형태를 해석합니다. 중앙 노란색 기호는 꽃과 비슷하지만 나선과 생체 형태는 성장과 생식의 상징입니다.

No. 3 Senecio -Paul Klee

1922 년에 완료, Senecio 그림 그것은 유머 감각과 바울의 아프리카 문화의 표현입니다. 간단한 색상과 모양 인 Paul은 오렌지, 빨간색 및 노란색의 여러 색조를 사용하여 노인의 초상화를 드러냅니다. 형태의 예술적 사용은 눈이 제기된다는 잘못된 인상을줍니다. 왼쪽 눈썹은 삼각형으로 표시되는 반면 다른 눈썹은 간단한 곡선으로 형성됩니다. 초상화는 또한 노인성을 가진 남자의 머리라고 불리며, 최소한의 얼굴 세부 사항이있는 모호한 형태와 형태를 사용하여 아이들의 예술 작품을 의도적으로 모방합니다.

인간의 얼굴의 이러한 적응은 사각형의 색으로 나뉩니다. 평평한 기하학적 사각형은 가면을 입은 얼굴을 나타내는 원 안에 유지되며 Harlequin의 다색 정장을 보여줍니다. 공연자 Senecio 아티스트의 초상화는 예술, 환상 및 드라마의 세계 사이의 변화하는 관계의 상징으로 볼 수 있습니다. 이 그림은 Klee의 예술의 원리를 보여줍니다. 여기서 선, 색상 및 우주 계획의 그래픽 요소가 작가의 마음에서 에너지에 의해 움직이게됩니다. 그의 상상력이 풍부한 낙서에서 그는 자신의 말로 "워킹 라인을 가져 가라"는 것을 좋아했다.

No. 4 Etail Bleue -Joan Miró

etoile bleue 그림 그것은 비 유적 예술과 추상 예술 사이의 미로의 전환이었습니다.

이 그림은 Miro의 경력에서 가장 중요한 그림 중 하나 인 것으로 유명합니다. 특히, 사용 된 푸른 파란색은 그의 미래 작품 중 일부에서 볼 수 있으며 Mark Rothko 및 Yves Klein과 같은 화가들에게도 영향을 미쳤습니다.

Etoile Bleue는 훌륭한 그림이지만 답보다 더 많은 질문의 그림입니다.

Miró는 오늘날과 같은 다양한 아이디어의 시대의 훌륭한 신디사이저 였지만 당시의 예술적 아이디어는 오늘날보다 훨씬 더 복잡했습니다.

이 그림은 시청자가 시각적으로 반복해서 탐색 할 수있는 작품에서 Fauvistas 색상, 입체파 모양 및 초현실적 인 의도를 결합합니다. 그것은 많은 것들 중 하나이며, 당신은 많은 질문이 그림과 마찬가지로 꿈처럼 많은 질문을합니다.

왼쪽 상단 모서리에서 파란색 모양이 관찰되는 경우. 새입니다. 아마도 그럴 가능성이 높지만 어떤 새가 명확하지 않습니다. 한동안 그것을 보면, 그것은 역동적 인 형태라고 말할 수 있지만, 그것이 왼쪽이나 오른쪽 또는 심지어 우리쪽으로 날아 다니는다고 쉽게 논쟁 할 수 있습니다.

하단 중앙의 큰 빨간 조각. 발입니까? 파란색 조각이 역동적이기 때문에 확실히 안정적이고 고정 된 것으로 보입니다.

이 그림은 연인을위한 보석입니다. 언뜻보기에, 그것은 약간 흔들리고 움직입니다. 그러나 잠시 동안, 그것은 오른쪽 하단의 탄력적 인 그림에 대항합니다.

1893 년 바르셀로나에서 태어난 카탈로니아 예술가 인 미로 (Miró)는 1927 년 그의 초현실적 인 꿈의 풍경 Peinture (étoile Bleue)라고 불렀으며, 나중에 반복적으로 사용할 수있는 상징을 통합했으며, 심지어 화려한 파란색 색상조차도 마크를 포함하여 나중에 화가에 영향을 미쳤다. 로스 코와 이브. 클라인

No. 5. Composition VII -Wassily Kandinsky

그만큼 그림 구성 vii Wassily Kandinsky의 많은 팬들은 추상 예술의 많은 팬들에 의해 고려됩니다.

이 작품은 Composition V의 논리적 연속입니다. 구성 vi . 세 가지 그림은 묵시록의 주제로 연결되어 있습니다. 이 작업에서 홍수와 부활이 어떻게 추적 될 수 있는지 구성 VI의 이러한 요소. 그것의 주요 주제는 최종 판단이지만, 재앙이 아니라 해방으로 여겨지는 세상에서 물질에서 영적으로의 전환으로 전환됩니다. 따라서 Composition VII는 명확한 색상과 반짝이는 대비 라인에 대해 시리즈의 다른 작품과 다릅니다.

Kandinsky는 각 작곡을 만들어 시청자가 마치 그녀의 내부를 돌리는 것처럼 이미지를 입력 할 수 있도록했습니다. 그는 구성의 하단 가장자리를 더 무겁게 만들어 앞으로 밀고, 상단 부분은 시청자에게 더 가볍고 먼 거리에 있습니다. 아티스트의 주요 대조 중 하나 인 파란색과 노란색은 활성 운동의 중심 영역을 형성합니다.

Kandinsky는 자신의 구성 VII를 준비하는 데 몇 달을 보냈지 만 그녀를 칠하는 데 4 일 밖에 걸리지 않았습니다. 작가는이 그림에 대한 약 30 개의 연구를 수행했습니다. 그들 중 일부는 직물 주름, 나무의 잎 또는 인간 사지에 대한 자세한 연구를 통해 Caravaggio 또는 Leonardo da Vinci가 기억합니다. 이 시리즈에서 일부 작품은 동일한 곡선 선을 반복적으로 제시하고, 다른 작품은 구성의 기본 구조 요소를 개략적으로 보여주고 일부는 구성의 상세한 평면을 포함합니다. 또한 구성 VII와 관련된 약 15 개의 다른 그림이 있습니다. 오일 스케치 또는 연필, 수채화, 유리 및 새겨진 그림입니다.

이 그림의 창조를 목격 한 가브리엘 미터 (Gabriel Minter)는 1913 년 11 월 25 일 신문에서 작곡 VII의 캔버스가 Murnau에있는 그의 집에서 배달되었고 칸딘스키는 같은 밤에 일하기 시작했다고 썼다. 다음날 아침 그는 그림의 첫 번째 사진을 찍었고 점심을 먹은 후 두 번째를 가져갔습니다. Diario de Minter에서 11 월 28 일의 입구는 그림이 완성되었다고 말했다. 11 월 29 일에 그는 완성 된 작품의 사진을 찍었다. 따라서 위대한 걸작의 탄생이 등록되었습니다.

조성 VII는 위치 번호를 차지합니다. 우리 목록에 100 유명한 그림

No. 6 Composition X -Kandinsky

추상 회화의 첫 번째 챔피언 중 하나로 인용 된 Wassily Kandinsky는 러시아 화가뿐만 아니라 예술 이론가였습니다. 미술 세계와 추상화로 남은 영향은 예술 그룹 Phalanx와 그 이후로 새로운 예술가 그룹 이후 예술가로서 몇 년 동안 동시대 사람들을위한 전시회를 조직 한 이후로 엄청났습니다. 그는 경력을 통해 600 개 이상의 작품을 제작했으며 1913 년 그림은 2017 년 4160 만 달러의 경매 가격에 도달했습니다. 

이 인상적인 기록에도 불구하고 그의 가장 중요한 작품은 아마도 작곡 x. 그의 삶에서 '작곡'의 마지막. 그것으로 그는이 작품을 통해 형태와 표현의 순도에 대한 그의 연구를 끝내려고 노력했다. 이 시점까지 검은 색을 적당히 사용한 후,이 작품은 생명이 끝날 때 다가오는 우주와 어둠을 불러 일으킨다는 비판을 받았습니다. 

처음에, 조성 X의 생성은 생체 형태의 초현실주의에 의해 영향을 받았다.

그러나 Wassily Kandinsky는 나중에 그녀의 그림에서 유기적 형태를 사용하는 기술을 사용했습니다. 이것은 그가 나중에 그의 그림 전체에서 사용한 스타일입니다.

스타일은 그의 작품에 특이점을 주었다. Wassily Kandinsky가 전시회 나 다른 장소에서 보여 졌을 때 만든 그림을 인식하지 못하는 것은 쉽고 거의 불가능했습니다.

또한 컴포지션 X는 프랑스에서 만들어졌습니다. 페인트를 밀접하게 보면 화가가 검은 색 배경을 사용했음을 보여줍니다. 검은 색 배경을 사용하는 주된 이유는 전경의 색상이 명확하게 보이는 것입니다.

No. 7 Convergence -Jackson Pollock

수렴 냉전의 위기를 반영합니다. 그것은 그의 걸작 중 하나이며, 추상 표현 주의자의 가장 잘 알려진 그림 일 수도 있습니다. 1964 년 Springbok Editions는 그림의 퍼즐을 만들어 "세계에서 가장 어려운 퍼즐"으로 홍보되었으며 수십만 명의 미국인들이 그것을 샀습니다.

1951 년 폴락은 이렇게 말했다. 각 시대는 자체 기술을 찾습니다. " Pollock은 집과 물방울의 그림에서 자신의 기술을 발견하여 자신의 시간을 표현하는 데 사용했습니다.

크기가 237 x 394 센티미터 인 수렴은 대부분의 야심 찬 그림 폴락의. 그는 시각적 광채와 시청자에게 깊은 감정을 불러 일으키는 것으로 유명합니다. 잭슨의 작품은 미술 전문가들조차도 해독하기가 어렵지만 그의 그림은 표현의 자유의 표현으로 간주됩니다. 그런 의미에서 두드러진 예인 수렴은 가장 유명한 걸작 중 하나입니다.

스페인 공화국의 8 번 우아함 -Robert Motherwell

로버트 마더 웰 (Robert Motherwell)은 스페인 내전이 발발했을 때 21 세에 불과했지만 그의 잔학 행위는 다음 해에 그에게 큰 영향을 미쳤다. 이로 인해 그는 그에 대한 응답으로 일련의 200 개 이상의 그림을 만들었습니다. '스페인 공화국으로 선출 된이 시리즈'는 인간의 고통을 기념하는 다중 성의 역할을하며, "생명과 죽음의 부정확 한주기에 대한 추상적이고 시적 상징"이라는 역할을합니다.

우아함에 대해 Motherwell은 다음과 같이 선언했다. 그것들은 본질적으로 스페인의 흑인 죽음이 Matisse와 같은 햇빛의 눈부심과 대조됩니다.”

그의 우아함은 삶과 죽음에 대한 확장 된 추상 명상을 구성합니다. 시리즈 전체에서, 수평 흰색 캔버스는 리듬 적으로 2 ~ 3 개의 수직 막대로 나뉘어져 있으며, 난소 모양에 의해 여러 간격으로 자유롭게 그려지고 구멍을 뚫습니다. 그림은 일반적으로 흑백, 애도의 색과 빛, 죽음과 생명으로 완전히 구성됩니다. 마더 웰은이 세력의 얽힘에 대해 살아있는 경험에 대한 이해를위한 은유로 언급했다.

그는 스페인 공화국이 유기농과 기하학, 우발적이고 고의적 인 기하학의 장엄한 통과를 묘사했다. 다른 추상 표현 주의자들과 마찬가지로, Motherwell은 예술가의 의식 의도로 탈출 한 방법의 초현실주의 원리에 매료되었으며 그의 뇌졸중은 정서적 부담이지만 특정 심각성의 일반적인 구조 내에 있습니다. 실제로, Motherwell은 신중한 색상과 형태의 배열을 추상 예술의 핵심으로 보았습니다. "리듬, 공간 간격 및 색상 구조를 강화하기 위해 다른 것들이 제거되었습니다."

9 번 Black Iris -Georgia O'Keeffe

이 기념비적 인 꽃 그림은 O'Keeffe의 첫 번째 걸작 중 하나입니다. 자연 크기의 비율을 넘어 꽃잎을 확대함으로써 시청자는 간과 할 수있는 작은 세부 사항을 관찰해야합니다. 이 그룹의 그림이 1924 년에 처음 전시되었을 때, 그녀의 남편이자 상인 인 Alfred Stieglitz조차도 그녀의 대담함에 놀랐습니다.

Georgia O'Keeffe의 Black Iris는 꽃의 주제, 특히 상징이 풍부한 꽃인 아이리스에 관한 그의 많은 작품 중 하나의 예입니다. 그러나 Black Iris III에서 O'Keeffe의 목표는이 상징주의를 언급하거나 추가하는 것이 아니라 시청자가 꽃을보고보고 사람들이 보는 다양한 방법을 고려하도록 격려하는 것이 었습니다. 따라서 그것은 예술뿐만 아니라 생명에 대한 외모의 예술에 대한 깊은 명상이됩니다. 이 기사에서 SingularArt는 O'Keeffe의 그림에서 투영 된 상징주의와 Black Iris III를 만들 때의 의도를 분석합니다. 

조지아 오키프 (Georgia O'Keeffe)는 수년간 아이리스 페인팅 문제, 특히 블랙 아이리스 (Black Iris)에 대해 걱정했다. 아이리스는 서구 세계의 가족 상징입니다 : 그리스 신화에서, 여신 아이리스는 무지개와 하늘과 땅의 연결을 의뢰합니다. 기독교에서 아이리스는 그리스도의 열정과 부활뿐만 아니라 마리아의 고통을 상징합니다. 미술사 인 린다 노 클린 (Linda Nochlin)은 오키프의 홍채를 페미니스트 상징으로 바꾸어 여성 생식기의 "형태 학적 은유"로 묘사하여 "여성과 자연 질서의 통일성"을 반영했다. Black Iris IIIY의 Black IIIY에 대한 설명 O'Keeffe의 다른 아이리스 그림은 예술의 역사와 페미니즘과 페미니스트 예술의 역사에서 그것들을 고정시켰다.

그러나 O'Keeffe는이 설명을 거부하면서 다음과 같이 말했습니다.“아무도 꽃을 보지 못합니다. 우리는 시간이없고, 친구를 사귀는 시간은 시간이 걸립니다. 내가 보는 것처럼 꽃을 정확히 페인트 할 수 있다면, 꽃이 작기 때문에 작은 그림을 그리기 때문에 아무도 내가 보는 것을 볼 수 없습니다. 그래서 나는 나 자신에게 말했다 : 나는 내가 보는 것을 그릴 것이고, 꽃이 나를 위해 무엇인지, 그러나 나는 그것을 크게 칠할 것이고, 당신이 그것을 볼 시간을 내면 놀랄 것이다. 내가 꽃에 대해보고있는 것을보기 위해. 나는 당신이 내가 본 것을 보는 데 시간을 걸렸고, 당신이 내 꽃을 실제로 눈치 채기 위해 시간을내어, 당신의 모든 당신의 연관성을 내 꽃에 꽃과 함께 내 꽃에 넣고 마치 당신이 생각하고 생각하고 생각하는 것처럼 내 꽃에 대해 썼습니다. 보다 . 꽃, 나는 그렇지 않습니다.

No. 10 Exchange -William de Kooning

1955 년 Kooning Willem은 작업 교환을 완료했습니다. 그는 1948 년에 시작한 여성과 관련된 인물에 대한 연구에 오랫동안 초점을 맞췄다. 이들은 1953 년에 개별 전시회, 여성의 주제에 관한 그림과 관련이 있으며, 당시 뉴욕시에 개장했다. 이 작품의 일부 제목으로는 여성 I, 여성 III 및 Women V뿐만 아니라 죽은 자연을 가진 두 명의 여성이 포함됩니다.

1955 년까지 Kooning에서 그는 인간의 인물을 그리는 것을 멈추고 뉴욕시의 건축과 지역 사회의 추상적 표현을 계속 사용했습니다.

Kooning Willem은 캔버스에 빠른 제스처 자국을 사용했습니다. 이미지는 의자에 앉아있는 여성을 보여 주지만 여자는 덩어리의 정점으로 보입니다. 그의 그림을 임명 할 때, 그는 항상 자신이 살았던 지역과의 연결을 선호했습니다. 교환은 주변의 이름, 뉴욕의 중심, 그가 그 기간 동안 살았던 곳을 얻었습니다.

원래 그림은 1955 년 아티스트가 4,000 달러에 팔렸습니다.

그 후 David Geffen Foundation은 2015 년 9 월 Kenneth C. Griffin에 3 억 달러에 팔렸고, 더 비싼 그림 목록에서 2 위를 차지했으며 Salvator Mundi de Leonardo da Vinci가 450.3으로 판매되었습니다. 2017 년 11 월에 백만 달러.

Kuadros ©, 벽에 유명한 페인트.