Cele mai cunoscute 10 picturi ale lui Isus

Figura lui Isus este una dintre cele mai iconice din istorie. 

Arta din jurul imaginii lui Isus Hristos a fost idealizată atât de artiști amatori, cât și de mari profesori.

Cum este posibil să arătați pe pânză o cifră care este atât umană umană, cât și complet divină? Acest tip de îndrăzneală artistică este chiar îndrăzneț de încercat.

Artiștii care au pictat în tradiția creștină au făcut exact asta de două milenii.

Cele mai cunoscute 10 picturi ale lui Isus

Aceasta este o privire asupra celor mai cunoscute 10 tablouri ale lui Isus de -a lungul istoriei, conform clasificării făcute de experți din Kuadros.

# 1 The Last Cina - Leonardo da Vinci

Cel mai cunoscut tablou al lui Iisus Hristos este, fără îndoială, Ultima cină a lui Leonardo da Vinci.

Lucrarea recreează ultima întâlnire de Paște dintre Isus și apostolii săi, din povestea descrisă în Evanghelia lui Ioan, capitolul 13. Artistul și -a imaginat și a reușit să exprime, dorința care este în jurul minții apostolilor de a ști cine este cine este cine este trădându -și profesorul.

Pictat la sfârșitul secolului al XV -lea ca un mural pe pereții refectorului mănăstirii Santa Maria Delle Grazie din Milano.

Picturile fresce sunt de obicei create prin aplicarea pigmentului pe intonaco, un strat subțire de tencuială calmă umedă.

Aceasta este în mod normal cea mai bună tehnică de utilizat, deoarece permite frescoi să aibă grijă de respirația naturală sau de transpirație care face ca un perete să se deplaseze pe măsură ce umiditatea se deplasează spre suprafață.

Cu toate acestea, la ultima cină, Da Vinci decide să folosească vopsea în ulei, deoarece acest material se usucă mult mai lent, ceea ce i -a permis să lucreze în imagine într -un mod mult mai lent și mai detaliat.

Leonardo știa că umiditatea naturală care pătrunde prin cea mai mare parte a clădirilor de perete de piatră ar trebui să fie sigilată dacă ar folosi picturi în ulei sau umiditatea ar ajunge să -și strice opera.

Apoi, artistul a adăugat un dublu strat de tencuială, chit și pauză pentru a combate deteriorarea umidității.

În ciuda acestui fapt, opera de artă a trebuit să fie restaurată de mai multe ori în istoria sa lungă.

Astăzi, există foarte puțin din stratul superior inițial de vopsea în ulei ca urmare a deteriorării mediului și, de asemenea, deliberate.

#2 Transfigurare - Rafael

Rafael Transfiguration Este lucrarea finală a marelui artist renascentist Rafael, care a fost comandat de cardinalul Giulio de Medici din dinastia Medici Banqueros.

Inițial, opera de artă a fost concepută pentru a atârna ca o altară centrală a Catedralei Narbonne din Franța și acum atârnă de Pinacoteca Vaticanului din orașul Vaticanului.

După moartea lui Rafael, tabloul nu a fost niciodată trimis în Franța, iar cardinalul a atârnat -o în schimb în altarul principal al Bisericii Fericitei Amadeo din San Pietro din Montorio, Roma, în 1523.

Cu toate acestea, în 1797, tabloul a fost luat de trupele franceze ca parte a campaniei italiene a lui Napoleon și, ulterior, a fost atârnată în Luvru.

Se poate considera că tabloul reflectă o dicotomie la cel mai simplu nivel: forța răscumpărătoare a lui Hristos, simbolizată de puritatea și simetria jumătății superioare a tabloului. Acest lucru contrastează cu deficiențele omului, simbolizate în jumătatea inferioară de scene sumbre și haotice.

Transfigurarea este legată de poveștile succesive ale Evangheliei Matei. Partea superioară a tabloului reprezintă Hristos ridicat în fața norilor ondulați și iluminați și ambele părți ale acesteia sunt profeții Elijah și Moise. În partea inferioară a tabloului, apostolii sunt reprezentați, încercând fără succes, de a călări copilul posedat de demoni. Partea superioară îi arată lui Hristos transfigurat, care pare să facă un miracol, vindecând copilul și eliberarea lui de rău.

Dimensiunile transfigurației sunt colosale, 410 x 279 cm. Rafael a preferat să picteze pe pânză, dar acest tablou a fost făcut cu picturi în ulei pe lemn, ca media aleasă. Rafael a arătat de fapt indicații avansate de manierism și tehnici ale perioadei baroce din acest tablou.

Pozițiile stilizate și contorsionate ale cifrelor medii indică manierismul. Tensiunea dramatică din aceste figuri și utilizarea liberală a luminii și întunericului, sau contrastele de chiaroscururi, reprezintă perioada barocă a mișcării exagerate pentru a produce dramă, tensiune, exuberanță sau iluminare. De fapt, transfigurarea a fost avansată la vremea sa, precum și la moartea lui Rafael, care a venit prea curând.

Această lucrare ar fi ultima tablou a lui Rafael, care ar lucra la ea până la moartea ei în aprilie 1520.

Curățarea tabloului din 1972 până în 1976 a arătat că doar unele dintre figurile din stânga jos au fost completate de către participanți, în timp ce cea mai mare parte a tabloului era de la artist însuși.

#3 Judecata finală - Miguel Ángel

Judecata finală a lui Miguel Ángel Este pe peretele din spatele altarului din Capela Sixtină. Reprezentarea lui a doua venire a lui Hristos în „Judecata finală” a generat controverse imediate din partea Bisericii Catolice a contraformării contra -reformare.

Miguel Angel a trebuit să picteze sfârșitul timpului, începutul eternității, când muritorul devine nemuritor, când cei aleși se alătură lui Hristos în împărăția lor cerească, iar cei condamnați sunt aruncați în chinurile interminabile ale Iadului. 

Niciun artist din secolul al XVI -lea Italia nu a fost mai bine poziționat pentru această sarcină decât Miguel Ángel, a cărui lucrare finală și -a sigilat reputația de cel mai mare profesor al figurii umane, în special nud masculin. Papa Paul al III -lea a fost foarte conștient de acest lucru atunci când l -a acuzat pe Miguel Ángel că a repetat zidul altarului capelei cu judecata finală. Cu accentul său pe învierea corpului, aceasta a fost tema perfectă pentru Miguel Ángel.

Compoziția puternică, se concentrează pe figura dominantă a lui Hristos, capturată la momentul anterior celui pronunțat de verdictul judecății finale.

Gestul său liniștit și imperativ pare să atragă atenția și să plătească agitația înconjurătoare. În imagine începe o mișcare rotativă lentă largă în care intervin toate figurile. Cele două ferestre superioare sunt excluse cu grupuri de îngeri care transportă în zbor simbolurile pasiunii (la stânga crucea, unghiile și coroana de spini; în dreapta coloana flagelării, scările și sulița cu buretele vizat în oțet).

În centrul secțiunii inferioare se află îngerii apocalipsei care se trezesc morții cu sunetul trompelor lungi. În stânga, învierea își recuperează trupurile în timp ce urcă spre cer (învierea cărnii), spre îngerii drepți și demonii se luptă pentru a -i face pe cei condamnați la iad să cadă. În cele din urmă, în adâncime cu vâslele lor, împreună cu demonii lor, face ca condamnați să -și părăsească barca pentru a -i conduce în fața judecătorului infernal Minos, al cărui corp este înfășurat în spiralele șarpelui.

Referința din această parte la iadul Divinului Dante Alighieri este clar. Pe lângă laudă, judecata finală a provocat și reacții violente în rândul contemporanilor. De exemplu, stăpânul ceremoniilor Biagio da Cesena a spus că „a fost cel mai necinstit într -un loc atât de cinstit pentru a fi pictat atât de multe figuri goale, încât rușinea lor arată atât de necinstit și încât nu a fost o lucrare pentru o capelă a papei, ci pentru sobe și taverne "(G. Vasari, Vite). Controversele, care au continuat ani de zile, au luat în 1564 decizia congregației Consiliului de la Trent de a fi acoperit unele dintre cifrele procesului care au fost considerate „obscene”.

Sarcina de a picta perdelele acoperișului, „Braghe” (pantaloni) atât de numite a fost încredințată lui Daniele da Volterra, de atunci cunoscută sub numele de „Braghttone”. „Braghe” al lui Daniele a fost doar primul care a fost făcut. De fapt, mai multe au fost adăugate în secolele următoare.

#4 Hristos Încărcând crucea - El Greco

Pe parcursul lungului său carieră în Spania, Greco a făcut numeroase tablouri ale lui Hristos purtând crucea. Hristos încărcând crucea Este o imagine a umanității perfecte. Lucrarea se remarcă pentru caracteristicile accidentului vascular cerebral cu care pictorul folosește culoarea pentru a modela volumele și distorsionează corpurile pentru a reflecta dorința spirituală a personajului.

Greco pictează ochii lui Hristos cu lacrimi dramatice și exagerate în ele. Ochii lui sunt elementul cheie al picturii, deoarece exprimă multă emoție.

Există un contrast delicat între umerii lui robusi și frumusețea feminină a mâinilor sale. Cu toate acestea, nu există semne de durere pe fața lui. La fel cum mâinile lor pasive nu exprimă angoasa sau efortul de a transporta crucea.

Greco a transformat imaginea lui Hristos copleșit și dureros de la crucea grea în una care este calmă și gata să -și înfrunte destinul. Serenitatea lui Hristos înainte de sacrificiul său invită privitorul să -și accepte propriul destin în momente de frică și îndoială. 

#5 Hristos răstignit - Diego Velázquez

Această imagine intens puternică a lui Isus pe cruce a fost pictată în perioada creativă care a urmat prima călătorie stimulantă a lui Velázquez în Italia. Spre deosebire de ceilalți nuduri bărbați care au apărut în tablouri precum Apollo în Forge of Vulcano și tunica lui Iosif, Hristosul Său pe cruce este un trup mort sau muribund. Aceasta nu este însoțită de alte elemente narative, cu excepția crucii în sine. Cu toate acestea, artistul reușește să ofere opera unei mari demnități și seninătate.

Se crede că lucrarea a fost o comisie pentru sacristia mănăstirii din San Plácido, poziția austeră a Hristos răstignit Prezintă patru unghii, picioarele împreună și aparent susținute de un mic raft din lemn, care permite brațelor să formeze o curbă subtilă, în loc de un triunghi. Capul este încununat de un halou, în timp ce fața se sprijină pe piept, lăsându -ne să privim. Părul său drept și drept atârnă pe partea dreaptă a feței, calea sa posterioară este atrasă de sângele care scurge rana pe partea dreaptă.

Imaginea este neobișnuit de autobiografică în sensul că ilustrează toate influențele principale în tabloul lui Velázquez. Pentru început, amintiți -vă de tonul devoțional și iconografia vopselelor absorbite în primii ani la Sevilla, sub Francisco Pacheco, un membru activ al Inchiziției spaniole.

În al doilea rând, reflectă capacitatea sa de a picta figuri dobândite în Spania din studiul artiștilor Renașterii spaniole și, în Italia, a artei antichității clasice, a artei înaltei renașteri din Roma și Veneția și a Caravaggio Funcționează în Roma și Napoli. 

Influența clasicismului în lucrare este arătată în calmul general al corpului și în poziția sa idealizată. Influența caravagismului devine evidentă în întunericul dramatic care concentrează tot corpul palid al lui Hristos.

Este adevărat că imaginea nu are drama caracteristică a picturii baroce, care se vede în lucrări religioase, cum ar fi răstignirea Sfântului Petru sau a Coborâre încrucișată. În schimb, are o calitate sculpturală monumentală care o ridică, în funcție de spiritualitatea subiectului. Compoziția este absolut simplă, dar cu un contrast viu între corpul alb și fundalul întunecat și există naturalism în modul în care capul lui Hristos cade pe pieptul său. Părul încurcat este pictat cu ușurința pe care Velázquez o văzuse și admira din prima mână în exemple de pictură venețiană.

Velázquez a câștigat reputația de a fi unul dintre cei mai buni portrete din Spania, devenind pictorul oficial al Felipe IV (a domnit între 1621 și 1640) și, în cele din urmă, în cel mai mare reprezentant al picturii spaniole a perioadei baroce. Cu toate acestea, în ciuda faptului că arta religioasă a fost deosebit de importantă în Spania, o țară a cărei monarhie conducătoare era mândră de a fi unul dintre principalii sponsori ai artei contraformei catolice, Velázquez a pictat relativ puține tablouri religioase notabile.

În schimb, artistul a pictat lumea din jurul său, specializată în arta portretului, o pictură de gen (vieți nemișcate) și o altă pictură de istorie. În mod ironic, având în vedere deficitul de lucrările sale religioase, el a fost mai influențat de geniul italian Caravaggio, care se remarcă în principal pentru arta sa biblică, executată într -un stil agresiv realist. Velázquez a fost, de asemenea, puternic influențat de ideile renașterii italiene obținute de la profesorul său de sevillian Francisco Pacheco.

 

#6 Hristos încărcând crucea - Titian 

Până la 1508 sau 1509, Tiziano a pictat un ulei care este cunoscut ca Hristos încărcând crucea. Adevăratele origini ale picturii sunt oarecum misterioase și chiar mai mulți istorici de artă l -au atribuit uneori unui alt pictor italian, Giorgione. Ambii pictori au aparținut unei breasle de artiști legate de școală și biserică, ambii au acționat în același timp și loc, și este probabil ca lucrarea să fie pictată în mod expres pentru instituție. Un alt mister despre pictura în ulei este că s -a spus că are abilități miraculoase de vindecare, pe care a fost scrisă în multe narațiuni istorice. Pelerinii s -au rugat în biserică pe un altar lateral, unde a fost atârnată vopseaua și au raportat că s -au vindecat de afecțiuni.

Starea generală a lucrării este sumbră și întunecată. Cele mai strălucitoare culori sunt tonurile de carne, iar paleta este dominată de mai multe tonuri maro. Pe un fundal aproape negru, Hristos apare din semiperfil purtând crucea pe umăr. În timp ce privea spre stânga, un călău cu aspect furios îi strecoară o frânghie în jurul gâtului, iar o altă figură ușor în spatele călărețului privește în interiorul scenei. Compoziția are un stil care a fost inovator la acea vreme, o viziune strânsă care a evitat perspectiva și profunzimea pentru intimitate și detalii. Caracteristic pentru Tiziano, pictura este plină de acțiune și odihna pare îndepărtată pentru personajele reprezentate.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Acest celebru tablou, deși este încă foarte atractiv, nu mai este considerat o lucrare a lui Leonardo da Vinci și și -a pierdut locul între lista noastră cu cele mai cunoscute 100 de tablouri din istorie.

Inițial, s -a crezut că Leonardo da Vinci a pictat Salvator Mundi pentru regele Ludovic al XII -lea din Franța și consoarta sa, Ana de Marea Britanie. Experții pun la îndoială astăzi atribuirea picturii profesorilor italieni, deși a fost vândută la o licitație în noiembrie 2017 pentru 450.312.500 de dolari, un preț record pentru o operă de artă.

Salvator Mundi făcea parte din noi lista picturi celebre, dar și -a lăsat locul unui alt tablou votat de public și de artiștii noștri.

#8 Emaus Discipos - Caravaggio

 

Această lucrare a maestrului Caravaggio este cunoscută și sub numele de pelerinajul Domnului nostru la Emaus sau pur și simplu Cina Emaus. Pictura arată momentul în care cei doi apostoli care îl însoțesc își dau seama că cine le -a vorbit toată ziua a fost iubitul său profesor.

Pictat în apogeul faimei artistului, Emaus Ucesci Este unul dintre cele mai impresionante tablouri religioase din istoria artei. În acest tablou, Caravaggio surprinde în mod genial punctul culminant dramatic al momentului, al doilea exaxt în care discipolii înțeleg brusc cine a fost în fața lor de la început. Acțiunile și reacția sa naturală transmit uimirea sa dramatică: unul este pe cale să sară de pe scaunul său, în timp ce celălalt își întinde brațele într -un gest de neîncredere. Iluminarea brută subliniază intensitatea întregii scene.

În lucrare, Caravaggio arată discipolii ca muncitori obișnuiți, cu fețe cu barbă, haine încrețite și zdrobite, spre deosebire de tânărul Hristos, fără barbă, care pare să fi venit dintr -o lume diferită.

Există câteva secrete ascunse în diferite puncte. În lucrare, artistul a ascuns un ou de Paște, de exemplu. Umbra proiectată de coșul de fructe de pe masă pare să înfățișeze un pește, care ar putea fi o aluzie la marele miracol.

Și există mai multe comori ascunse în această capodoperă. Uneori, un defect nu este deloc un defect, ci o lovitură de geniu. Să luăm, de exemplu, țesătura coșului de răchită care se zvâcnește la marginea mesei din centrul vopselei.

Deși nenumărate ochi s -au minunat de drama misterioasă care se dezvoltă în interiorul acelui han, sensul unei imperfecțiuni aproape imperceptibile a trecut până acum neobservat de -a lungul secolelor.

O crenguță liberă, care iese în evidență din împletitura țesutului, transformă faimoasa pânză a Caravaggio într -un act îndrăzneț, o provocare spirituală pentru observator.

Pentru a aprecia toate implicațiile acestui mic detaliu, merită să ne amintim contururile mediului general pe care Caravaggio îl evocau în activitatea sa.

Tema Cina Emaus este ceva care a inspirat mari profesori din istorie, de la Rembrandt la Velásquez. Momentul cheie este povestit în Evanghelia lui Luca în Noul Testament. Există istoria mâncării intime a lui Hristos cu cei doi discipoli, Lucas și Cleofás, care ignoră adevărul însoțitorului. În pictură, pâinea a fost deja împărțită și binecuvântată, iar a venit vremea, potrivit poveștii Evangheliei, că Hristos „deschide” ochii adepților săi și dispare „din vederea lui”.

Capodopera surprinde un prag mistic între umbre și lumină, a doua magie înaintea lui Hristos, care este înfășurată de silueta unui străin din spatele lui, dispare din lume. În acel moment incomensurabil dintre Apocalipsa și dispariția, Caravaggio Hila, complotul său, întâlnirea principală dintre două lumi.

Când adevărul este unchiul patern al lui Hristos, Cleofás, se ridică de la președintele său prizonier de panică și uimire până la revelație: coatele sale sunt ridicate dinamic prin mânecile hainei sale.

Pe cealaltă parte a fructului de răchită, din dreapta, Lucas își deschide brațele înalte, ca revendicând implauzibilitatea scanării, atrăgând aceeași postură pe cruce în momentul morții sale dureroase. Între timp, hanul este imperturbabil, observând fără a înțelege în timp ce ascultă cuvintele pe care Hristos le -a vorbit cu discipolii săi uimiți, neputând capta sensul unui moment transcendental pentru umanitate.

Ucenicii Emaus ocupă poziția nr. 82 pe lista de picturi celebre 

#9 Pantocrador Hristos

Pantocrador Hristos Este un panou din lemn pictat care datează din secolul al șaptelea din Santa Catalina, situat în Sinai, Egipt. Acest tablou este considerat una dintre cele mai vechi icoane religioase bizantine și este cea mai veche lucrare cunoscută a stilului Pantocrayan.

Panoul pictat are o înălțime de 84 cm, cu o lățime de 45,5 cm și o adâncime de 1,2 cm. Se crede că vopseaua a fost inițial mai mare, dar a fost tăiată în partea de sus și în laturi la un moment dat, din motive necunoscute, pentru a produce dimensiunile actuale. Lucrarea îl arată pe Hristos îmbrăcat într -o haină purpurie.- O culoare aleasă în mod obișnuit pentru a le reprezenta pe cele ale statutului imperial și al regalității. Această alegere de culoare pentru tunica dvs. este un simbol al statutului și importanței dvs. Hristos este reprezentat prin ridicarea mâinii stângi ca semn de binecuvântare și cu dreapta ține o carte.

Putem presupune că această carte este probabil o Evanghelie, deoarece este împodobită cu bijuterii în formă de încrucișare. Pictura este asimetrică în mod deliberat pentru a simboliza natura dublă a lui Hristos. Partea stângă a lui Hristos este un simbol al naturii sale umane, cu trăsăturile sale reprezentate la fel de mai moale și mai ușoară. În timp ce partea dreaptă a lui Hristos simbolizează divinitatea Sa cu privirea sa severă și cu trăsăturile intense. Ochii înșiși sunt diferiți ca formă și dimensiune, precum și părul din partea stângă este colectat în spatele umărului.

Una dintre cele mai importante icoane creștine este Pantocker Hristos. Această imagine îl înfățișează pe Isus ca pe conducătorul suveran al lumii. Pantocker Hristos a fost una dintre cele mai vechi imagini ale lui Isus și apare în cele mai proeminente locuri ale bisericilor de stâncă.

Cuvântul Pantocker înseamnă „Atotputernic”. În versiunea greacă a Vechiului Testament (LXX), cuvântul Pantocker este traducerea „Domnului armatelor” și „Dumnezeului Atotputernic”. În cartea lui Apocalypse, Pantocrador apare de nouă ori ca titlu care subliniază suveranitatea și puterea lui Dumnezeu.

Pictograma Pantocrador Hristos subliniază atotputernicia lui Isus, puterea Lui de a face orice. Isus este „conducătorul tuturor” care deține toate lucrurile. Simbolismul lui Hristos Pantocrador (explicat mai jos) este inspirat de imaginile imperiale romane pentru a -și proiecta puterea suverană. Primii creștini au folosit simboluri culturale pentru a proclama puterea suverană a lui Hristos înviat.

În plus, locația Pantocradorului Hristos în absidă (peretele sanctuarului din față) are și un sens teologic. Bisericile bizantine aveau modelul bazilicii romane, Camera Regelui pentru a sărbători curtea. APSE a fost poziția de autoritate în care a stat oficialul de guvernare. Poziția lui Isus în absidă declară că El este conducătorul legitim și judecătorul suveran mai presus de toate. 

Creștinii au început să -l reprezinte vizual pe Isus la sfârșitul anilor 300, odată ce nu mai exista amenințarea persecuției. Aceste prime imagini îl prezintă pe Isus ca o figură stoică așezată pe un tron ​​cu un sul. În anii 600, Hristos Pantocrador a apărut ca o simplificare a acelei imagini timpurii. Aspectul pantocradorului Hristos abia s -a schimbat în ultimii 1.500 de ani.

Majoritatea primelor imagini ale lui Isus au fost distruse în timpul controversei iconoclastului.

#10 Hristos din San Juan de la Cruz

De departe, cel mai popular dintre toate lucrările religioase ale lui Dalí este, fără îndoială, „Hristosul lui San Juan de la Cruz”, a cărui figură domină Golful Port Lligat. Pictura a fost inspirată de un desen, păstrat în mănăstirea întrupării lui Ávila, Spaniei, și realizată de San Juan de la Cruz, după ce a văzut această viziune a lui Hristos în timpul unui extaz. Oamenii de lângă navă sunt derivați dintr -o imagine a lui Le Nain și un desen al lui Diego Velázquez pentru predarea lui Breda.

La poalele studiilor sale pentru Hristos, Dalí a scris: „În primul rând, în 1951, am avut un vis cosmic în care am văzut această imagine de culoare și că în visul meu a reprezentat nucleul atomului. Acest nucleu a luat ulterior ulterior Un sens metafizic: am considerat în „Unitatea universului” lui Hristos! În al doilea rând, datorită instrucțiunilor părintelui Bruno, un carmelit, am văzut Hristos desenat de Sfântul Ioan al Crucii, am elaborat geometric un triunghi și un triunghi și un Circle, care a rezumat estetic toate experimentele mele anterioare și mi -a înscris Hristos în acest triunghi. "

Această lucrare a fost considerată banală de un critic de artă important atunci când a fost expusă pentru prima dată la Londra. 

Pictura a fost una dintre cele mai controversate achiziții făcute de Dr. Tom Honeyman, apoi director al muzeelor ​​din Glasgow. Acum este recunoscut pe scară largă faptul că dr. Honeyman a luat o decizie foarte vicleană, propunând Corporației Glasgow de atunci că orașul a cumpărat tabloul.

Honeyman nu numai că a obținut tabloul pentru mai puțin decât prețul catalogului, dar a cumpărat și drepturile de autor a lucrării către Salvador Dalí, asigurând astfel o moștenire pe termen lung a achiziției.

Cu toate acestea, inițial, tabloul nu a fost bine primit de toți, iar elevii Școlii de Artă din Glasgow au susținut că banii ar fi putut fi folosiți pentru a cumpăra lucrări de artiști scoțieni sau Glasgow.

După ce a expus în Kelvingrove în 1952, Dalí a atras vizitatori în masă.

Pictura din colecția Muzeului Glasgow nu a fost scutită de dramă, deoarece a fost deteriorată de două ori, cea mai faimoasă când pânza a fost ruptă serios de un vizitator care a purtat o piatră ascuțită. Conservatorii Kelvingrove au reușit să repare vopseaua până la punctul în care daunele sunt abia vizibile.

La mai bine de 60 de ani de la achiziția inițială, atractivitatea de durată a tabloului nu prezintă semne de scădere și este acum una dintre cele mai populare expoziții ale muzeului.

Kuadros ©, o vopsea faimoasă pe peretele tău.