Cele mai cunoscute 10 picturi abstracte

În titlu - Prima acuarelă abstractă Găsim o explozie bună de culoare, așa cum se găsește în majoritatea tablourilor sale, dar utilizarea acuarelor în loc de uleiuri lasă un finisaj vizibil diferit, care face ca această funcție să fie interesantă și destul de unică pentru producția sa în 1910. Lucrarea pare să fie îndeaproape Completat rapid, ceea ce este tipic acestei forme de artă, deoarece pictura se usucă foarte repede. De asemenea, lucrează expresiv, fără să -și facă griji prea mult despre precizie, dar concentrându -se mai mult pe alegerea culorilor și umplerea pânzei cu diferite forme și linii. A fost într -adevăr abstract și acesta a fost ceva care a apărut din ce în ce mai mult pe măsură ce a avansat în cariera sa, în timp ce se îndepărta din ce în ce mai mult de realitate în modurile pe care le -a folosit.

Kandinsky s -a specializat în uleiuri, dar a lucrat din când în când cu acuarele. Aș fi găsit acest mijloc ușor pentru a lucra și ceva care s -a adaptat bine la piesele de studiu rapide, unde am căutat să înțeleg designul pentru o viitoare piesă. De asemenea, a folosit litografii, xilografii și gravuri în alte momente, în special în primele etape ale carierei sale, când a fost deosebit de experimental.

Lucrând cu acuarele, Kandinsky ar putea finaliza acest tablou în doar trei zile. Cu toate acestea, în ciuda grabei sale, Kandinsky a efectuat mai multe studii pentru această lucrare de artă înainte de a începe compoziția finală. Ceea ce s -a alăturat vitezei care poate fi interpretat în titlu a fost alegerea lui de culoare, deoarece Kandinsky a ales în mod ingenios culorile că știa că își vor reprezenta cu credință emoțiile la acea vreme. Liniile și formele care au fost, de asemenea, desenate și accentuate și accentuate haosul și urgența care se experimentează pentru a vedea acest tablou.

Abstracția este, de asemenea, clar demonstrată în cadrul acestei opere de artă prin liniile libere și vagi reprezentate, ceea ce a stârnit un interes considerabil între mulțimea artistică la acea vreme. Niciun titlu nu există ca un instigator important al mișcării de artă abstractă, deoarece a fost prima dată când ceva separat de la distanță și fără restricții a fost acceptat ca o temă adecvată în cadrul operelor de artă la acea vreme. Fara titlu Acesta a marcat un punct definitoriu în cadrul artei europene, cum ar fi plecarea operelor de artă tradiționale către piese de artă mai abstracte și dezinhibate.

Perioada dintre 1910 și 1914 a fost considerată apogeul carierei lui Kandinsky și apogeul celor mai mari realizări artistice ale sale. Prin urmare, Untitled a existat ca una dintre primele opere de artă care a renunțat cu nerăbdare la toate referințele la forme recunoscute și a ieșit din limitările impuse de convențiile reprezentaționale ale picturii vest-europene.

Această noțiune de libertate totală a ajuns să figureze proeminent în majoritatea lucrărilor create de Kandinsky în această perioadă.

Nr. 2 Vârsta adultă #7 – Hilma AF Klint

Deși nu este la fel de cunoscută ca mulți dintre artiștii bărbați ai timpului ei, artista suedeză Hilma af Klint a fost o artistă abstractă de pionierat ale cărei picturi radicale i-au precedat pe mulți dintre contemporanii ei bărbați. El a cerut ca marea sa lucrare, dintre care cea mai mare parte nu a fost expusă în timpul vieții sale, să rămână ascunsă până la 20 de ani de la moartea sa. 

Colecția reprezintă etapele vieții, inclusiv copilăria, tinerețea, maturitatea și bătrânețea. Ele combină elemente botanice și obiecte organice recunoscute care se referă la naștere și creștere.

The Vârstă Adult nr. 7 de Hilma Klint Este o pânză imensă, de 3 metri înălțime și 2 metri lățime, a fost pictată pe hârtie, pe podeaua studioului, apoi lipită pe o pânză.

Af Klint interpretează vârsta adultă în plină floare pictând diverse forme care curg liber în diferite dimensiuni și culori pe un fundal liliac. Simbolul galben central seamănă cu o floare, în timp ce spiralele și formele biomorfe sunt simboluri ale creșterii și fertilității.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Finalizată în 1922, pictura Senecio este o manifestare a simțului umorului și a culturii africane a lui Paul. Culori și forme simple, Paul folosește diferite nuanțe de portocaliu, roșu și galben pentru a dezvălui portretul unui bătrân. Utilizarea artistică a formelor dă falsa impresie că un ochi este ridicat. Sprânceana lui stângă este reprezentată de un triunghi în timp ce cealaltă este formată dintr-o linie curbă simplă. Portretul se mai numește și Capul unui bărbat care devine senil și imită în mod intenționat lucrările de artă ale copiilor folosind forme și forme ambigue cu detalii faciale minime.

Această adaptare a feței umane este împărțită după culoare în dreptunghiuri. Pătratele geometrice plate sunt păstrate în interiorul unui cerc înfățișând o față mascată și arătând costumul multicolor al unui arlechin. Un portret al artistului interpretat Senecio, poate fi văzut ca un simbol al relației schimbătoare dintre artă, iluzie și lumea dramei. Acest tablou demonstrează principiile artei lui Klee, în care elementele grafice de linie, planuri de culoare și spațiu sunt puse în mișcare de o energie din mintea artistului. În doodle-urile sale imaginative, îi plăcea, în propriile sale cuvinte, „să ia o linie pentru o plimbare”.

Nr 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Pictura Etoile Bleue A fost tranziția lui Miró între arta figurativă și cea abstractă.

Acest tablou este cunoscut ca fiind unul dintre cele mai importante picturi din cariera lui Miro. În special, albastrul arzător folosit poate fi văzut în mai multe dintre lucrările sale viitoare și chiar a influențat pictori precum Mark Rothko și Yves Klein.

Etoile Bleue este un tablou grozav, dar este un tablou de întrebări mai mult decât răspunsuri.

Miró a fost marele sintetizator al unei ere a multor idei diverse, ceva ca astăzi, dar ideile artistice de atunci erau mult mai complexe decât cele de astăzi.

Tabloul combină culori fauviste, forme cubiste și intenții suprarealiste într-o lucrare pe care privitorul o poate explora vizual din nou și din nou. Printre atât de multe lucruri, rămâi cu multe întrebări ale căror răspunsuri sunt la fel de onirice ca tabloul.

Dacă vedeți forma albastră în colțul din stânga sus. Este o pasare. Cel mai probabil este, dar care pasăre este neclară. Privindu-l o vreme, poți spune cu siguranță că este o formă dinamică, dar poți argumenta cu ușurință că zboară în stânga sau în dreapta sau chiar în jos și spre noi.

Piesa mare roșie din centrul de jos. Este un picior? Cu siguranță arată la fel de stabil și ancorat, pe cât este dinamică piesa albastră.

Acest tablou este o bijuterie pentru iubitorii săi. La prima vedere, se clătină și se mișcă puțin, dar așteptați, se mișcă împotriva acelei siluete elastice din dreapta jos.

Miró, un artist catalan născut la Barcelona în 1893, a numit peisajul său de vis suprarealist Peinture (Étoile Bleue) din 1927 o imagine cheie, încorporând simboluri pe care le va folosi în mod repetat în anii următori, iar chiar și culoarea albastră arzătoare a influențat pictorii de mai târziu, inclusiv Mark Rothko și Yves. Klein.

Nr. 5. Compoziţia VII - Wassily Kandinsky

The pictura Compoziţia VII de Wassily Kandinsky este considerat de mulți fani ai artei abstracte cea mai importantă operă de artă a secolului al XX-lea, poate chiar cea mai importantă pictură abstractă creată vreodată.

Această lucrare este o continuare logică a Compoziției V și Compoziția VI . Cele trei tablouri sunt unite de tema Apocalipsei. Asemenea elemente ale Compoziției VI, cum ar fi Potopul și Învierea, pot fi urmărite în această lucrare. Tema sa principală este judecata finală, dar nu este văzută ca un dezastru, ci ca o eliberare, trecerea lumii de la material la spiritual. Prin urmare, Compoziția VII se diferențiază de celelalte lucrări din serie prin culorile sale deschise și liniile de contrast strălucitoare.

Kandinsky și-a construit fiecare compoziție astfel încât privitorul să poată intra în imagine ca și cum s-ar fi rotit în ea. El a făcut ca marginea de jos a compoziției să fie mai grea, împingând-o înainte, în timp ce partea de sus rămâne mai ușoară și mai îndepărtată de privitor. Unul dintre principalele contraste ale artistului, albastrul și galbenul formează zona centrală a mișcării active înăuntru și afară.

Kandinsky și-a petrecut multe luni pregătindu-și Compoziția VII, dar i-au luat doar patru zile să o picteze. Artistul a realizat aproximativ 30 de studii ale acestui tablou. Unele dintre ele amintesc de Caravaggio sau Leonardo da Vinci cu studiile lor detaliate ale pliurilor de țesătură, frunze de copac sau membre umane. În această serie unele lucrări prezintă în mod repetat aceeași linie curbă, altele prezintă schematic elementele structurale de bază ale compoziției, iar unele conțin un plan detaliat al compoziției. În plus, există aproximativ 15 picturi diferite care au legătură cu Compoziția a VII-a: acestea sunt schițe în ulei sau în creion, acuarele, picturi pe sticlă și gravuri.

Gabrielle Munter, care a fost martoră la crearea acestui tablou, a scris în jurnalul său pe 25 noiembrie 1913 că pânza pentru Compoziția a VII-a a fost livrată acasă la ea din Murnau, iar Kandinsky s-a pus pe treabă în aceeași noapte. A doua zi dimineața a făcut prima fotografie a tabloului și după prânz a făcut-o pe a doua. Înregistrarea din 28 noiembrie din jurnalul lui Munter spunea că pictura era completă. Pe 29 noiembrie a făcut o fotografie a lucrării terminate. Astfel a fost înregistrată nașterea unei mari capodopere.

Compoziția a VII-a este clasată nr. 100 pe lista noastră tablouri celebre

Nr. 6 Compoziţia X - Kandinsky

Citat ca unul dintre primii campioni ai picturii abstracte, Wassily Kandinsky nu a fost doar un pictor rus, ci și un teoretician de artă. Influența care a instigat și a plecat în lumea artei și în abstracție a fost imensă de la grupul de artă Phalanx și noul grup de artiști de atunci, organizând expoziții pentru contemporanii lor de -a lungul anilor ca artist. El a produs peste 600 de lucrări de -a lungul carierei sale, cu un tablou din 1913 care a atins prețul record de licitație de 41,6 milioane de dolari în 2017. 

În ciuda acestui record impresionant, cea mai semnificativă muncă a fost posibil Compoziția x. Ultima în viața sa de „compoziții”. Cu ea a căutat să -și culmineze cercetările cu privire la puritatea formei și a expresiei prin această lucrare. După ce a folosit culoarea neagră cu moderație în practica sa până în acest moment, s -a criticat că această lucrare evocă atât cosmosul, cât și întunericul omenului care se apropie la sfârșitul vieții sale. 

Inițial, crearea compoziției X a fost influențată de formele biomorfe ale suprarealismului.

Cu toate acestea, Wassily Kandinsky a folosit mai târziu arta de a folosi forme organice în tablourile ei. Acesta este un stil pe care l -a folosit mai târziu de -a lungul tablourilor sale.

Stilul i -a oferit operei sale singularitatea. A fost ușor și aproape imposibil să nu recunoaștem tablourile create de Wassily Kandinsky când au fost arătate în expoziții sau în alte locuri.

În plus, compoziția X a fost creată în Franța. Văzând vopseaua îndeaproape arată că pictorul a folosit un fundal negru. Motivul principal al utilizării fundalului negru a fost ca culorile din prim -plan să fie văzute clar.

Nr. 7 Convergență - Jackson Pollock

Convergenţă „Un tablou alb -negru pe care Pollock a aruncat culori primare”, reflectă criza Războiului Rece. Este una dintre capodoperele sale și ar putea fi și cel mai cunoscut tablou al unui expresionist abstract. În 1964, edițiile Springbok au produs un puzzle de pictură, care a fost promovat drept „cel mai dificil puzzle din lume”, iar sute de mii de americani l -au cumpărat.

În 1951, Pollock a spus: „Mi se pare că pictorul modern nu își poate exprima timpul, avionul, bomba atomică, radioul, în vechile forme ale Renașterii sau ale oricărei alte culturi trecute. Fiecare epocă își găsește propria tehnică ". Pollock și -a găsit tehnica în pictura caselor și a picăturilor și a folosit -o pentru a -și exprima propriul timp.

Cu o dimensiune de 237 x 394 centimetri, convergența este una dintre Cele mai ambițioase picturi din Pollock. Este cunoscut pentru strălucirea sa vizuală și evocarea emoțiilor profunde în privitor. Deși lucrările lui Jackson sunt încă dificil de descifrat chiar și pentru experții în artă, tablourile sale sunt considerate manifestări ale libertății de exprimare. Convergența, care este un exemplu proeminent în acest sens, rămâne una dintre cele mai cunoscute capodopere ale sale.

Nr. 8 Elegorii către Republica Spaniolă -Robert Motherwell

Deși Robert Motherwell avea doar 21 de ani când a izbucnit războiul civil spaniol, atrocitățile sale l -au afectat foarte mult în anii următori. Acest lucru l -a determinat să creeze o serie de peste 200 de tablouri ca răspuns la el. Seria „aleasă în Republica Spaniolă” servește ca o multiplicitate a comemorării suferinței umane, precum și „simboluri abstracte și poetice pentru ciclul inexorabil al vieții și al morții”.

Despre elegii, Motherwell a declarat că, „După o perioadă de pictare a acestora, am descoperit Negru ca una dintre problemele mele și cu alb negru, contrastant, un sentiment de viață și moarte care pentru mine este destul de spaniol. Ele sunt în esență moartea neagră spaniolă contrastată cu strălucirea unei lumini solare precum Matisse. ”

Elegiile sale constituie o meditație abstractă extinsă asupra vieții și a morții. De -a lungul seriei, pânzele albe orizontale sunt împărțite ritmic la două sau trei bare verticale desenate liber și punctate în mai multe intervale de forme ovoidale. Picturile sunt de obicei compuse complet din alb și negru, culorile doliu și strălucirea, moartea și viața. Motherwell a comentat înțelegerea acestor forțe ca o metaforă pentru înțelegerea lor despre experiența de a fi în viață.

El a ales Republica Spaniolă descrie o trecere maiestuoasă a organicului și geometricului, accidentalului și deliberatului. Ca și alți expresioniști abstracti, Motherwell a fost atras de principiul suprarealist al automatismului - a metodelor care au scăpat de intenția conștientă a artistului - iar accidentul vascular cerebral are o povară emoțională, dar într -o structură generală de o anumită severitate. De fapt, Motherwell a văzut aranjamentele atente ale culorii și formei ca inima artei abstracte, care, „este dezbrăcată de alte lucruri pentru a -l intensifica, ritmurile, intervalele spațiale și structura culorilor”.

Nr. 9 Iris negru - Georgia O'Keeffe

Această pictură monumentală cu flori este una dintre primele capodopere ale lui O'Keeffe. Prin lărgirea petalelor mult dincolo de proporțiile dimensiunii naturale, obligă privitorul să observe micile detalii care altfel ar putea trece cu vederea. Când picturile acestui grup au fost expuse pentru prima dată în 1924, chiar și Alfred Stieglitz, soțul și comerciantul ei, a fost surprinsă de îndrăzneala ei.

Irisul negru al lui Georgia O'Keeffe este un exemplu al uneia dintre numeroasele sale lucrări pe tema florilor și, în special, a irisului, o floare bogată în simbolism. Cu toate acestea, în Black Iris III, obiectivul lui O'Keeffe nu a fost să se refere la acest simbolism sau să -l adauge, ci să încurajeze privitorul să privească și să vadă floarea și să ia în considerare diferitele moduri în care oamenii văd. Astfel devine o meditație profundă asupra artei de a privi, nu numai la artă, ci la viață. În acest articol, SingularArt analizează simbolismul proiectat în tabloul lui O'Keeffe, precum și propriile intenții atunci când creează Iris Black III. 

Georgia O'Keeffe a fost îngrijorată de problema picturii Iris de mai mulți ani, în special de Irisul Negru, care a fost mai dificil de găsit și a fost disponibil doar pentru câteva săptămâni pe an la New York. Iris este un simbol al familiei în lumea occidentală: în mitologia greacă, zeița Iris personifică curcubeul și legătura dintre cer și pământ; În creștinism, Iris simbolizează pasiunea lui Hristos și Învierea, precum și suferința Mariei. La rândul său, Linda Nochlin, istoricul artei, a transformat Irisul lui O'Keeffe într -un simbol feminist atunci când le -a descris ca o „metaforă morfologică” a organelor genitale feminine, reflectând „unitatea feminină și ordinea naturală”. Descrierea lui Black Iris IIIY a Black IIIY celelalte picturi iris ale lui O'Keeffe le -a ancorat în istoria artei și în istoria feminismului și a artei feministe.

Cu toate acestea, O'Keeffe a respins această descriere, afirmând că: „Nimeni nu vede o floare, într -adevăr, este atât de mică. Nu avem timp și vedem că timpul a avea un prieten necesită timp. Dacă aș putea picta floarea exact așa cum o văd, nimeni nu ar vedea ce văd pentru că aș picta -o mică, deoarece floarea este mică. Așa că mi -am spus: voi picta ceea ce văd, care este floarea pentru mine, dar o voi picta mare și voi fi surprins când îți vei lua timpul să o privesc, voi face ca chiar și New York -urile ocupate să -și facă timp Pentru a vedea ce văd despre flori. Te -am făcut să -mi faci timp să te uiți la ce am văzut și când ai luat timpul să -mi observi cu adevărat floarea, îți pui toate asociațiile cu flori în floarea mea și ai scris despre floarea mea ca și cum aș fi gândit și să văd ce credeți și vedea . Floarea și eu nu.

Schimbul nr. 10 - William de Kooning

În 1955, Kooning Willem a finalizat schimbul de lucrări. El s -a concentrat mult timp pentru a reface studiile asupra figurilor implicate de femei care au început în 1948. Acestea au fost asociate cu expoziția lor individuală în 1953, tablouri pe tema femeilor, care s -au deschis în New York la acea vreme. Unele titluri ale acestor lucrări includ Women I, Woman III și Women V, precum și două femei cu natură moartă.

Până în 1955, de la Kooning, el a încetat să picteze figuri umane și a continuat să folosească reprezentări abstracte ale arhitecturii și comunităților din New York.

Kooning Willem a folosit semne gestuale rapide pe pânză. Imaginea arată o femeie care stă pe un scaun, dar femeile apar doar ca o masă de vârf. Când și -a numit tablourile, a preferat întotdeauna o legătură cu zona în care locuia. Schimbul a obținut numele împrejurimilor, centrul din New York, locul unde locuia în acea perioadă.

Inițial pictura a fost vândută de artist în 1955 pentru 4.000 de dolari.

Apoi a fost vândută de Fundația David Geffen către Kenneth C. Griffin pentru 300 de milioane de dolari în septembrie 2015, plasându -l pe locul doi pe lista picturilor mai scumpe, depășită doar de Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, care a fost vândută pentru 450,3 milioane de dolari în noiembrie 2017.

Kuadros ©, o vopsea faimoasă pe peretele tău.