예수의 가장 유명한 10개의 그림'

예수의 모습은 역사상 가장 상징적인 모습 중 하나입니다.

예수 그리스도의 이미지를 둘러싼 예술은 아마추어 예술가와 위대한 거장들에 의해 이상화되었습니다.

인간적이며 동시에 신적인 모습을 캔버스에 나타내는 것이 가능할까요? 이런 종류의 예술적 대담함은 시도하기에도 매우 대담한 것입니다.

기독교 전통에서 그린 예술가들은 지난 2천 년 동안 정확히 그렇게 해왔습니다.

예수의 가장 유명한 10점의 그림

이는 Kuadros 전문가들이 선정한 역사상 가장 유명한 예수의 10점의 그림을 살펴보는 것입니다.

# 1 최후의 만찬 - 레오나르도 다 빈치

예수 그리스도의 가장 유명한 그림은 의심할 여지없이 레오나르도 다 빈치의 최후의 만찬입니다.

이 작품은 요한복음 13장에 묘사된 이야기를 바탕으로 예수와 그의 제자들 간의 마지막 유월절 만남을 재현합니다. 예술가는 제자들의 마음속에 스며드는, 마스터를 배신하는 사람이 누구인지 알고자 하는 욕망을 표현하고 있습니다.

15세기 말에 밀라노의 성 마리아 델레 그라치에 수도원의 식당 벽에 그려진 벽화입니다.

프레스코화는 일반적으로 칼슘 석고의 얇은 층인 인토나코에 색소를 도포하여 제작됩니다.

이것은 일반적으로 가장 좋은 기술로 간주되며, 이는 습기가 표면으로 이동하는 동안 벽의 자연적인 호흡이나 땀 배출을 처리할 수 있도록 해줍니다.

그러나 최후의 만찬에서 다 빈치는 기름 페인트를 사용하기로 결정했습니다. 이 재료는 훨씬 더 천천히 마르기 때문에 이미지를 훨씬 더 세밀하게 작업할 수 있었습니다.

레오나르도는 대다수의 석조 건물에 자연적으로 스며드는 습기가 기름 화를 사용하면 밀봉해야 할 것임을 알았고, 그렇지 않으면 습기가 그의 작품을 망치게 될 것이라는 것을 알았습니다.

그래서 예술가는 습기에 의한 부식을 방지하기 위해 이중의 석고, 회반죽 그리고 타르를 추가했습니다.

그럼에도 불구하고 이 예술 작품은 오랜 역사 속에서 여러 번 복원되어야 했습니다.

오늘날, 환경적인 피해와 의도적인 피해로 인해 기름 페인트의 초기 표면 층이 남아 있는 것은 거의 없습니다.

#2 변화 - 라파엘

라파엘의 변화는 은행가 메디치 가문의 카드날 줄리오에 의해 의뢰된 대가 라파엘의 마지막 작품입니다.

원래 이 작품은 프랑스 나르본 대성당의 중앙 제단에 걸리도록 구상되었으며, 현재는 바티칸 시국의 바티칸 미술관에 걸려 있습니다.

라파엘의 죽음 이후 이 그림은 프랑스로 보내지지 않았고, 카드날은 1523년에 로마의 성 피에트로 인 몬토리오 교회 대제단에 걸었습니다.

그러나 1797년 이 그림은 나폴레옹의 이탈리아 원정의 일환으로 프랑스 군대에 의해 빼앗겨 루브르에 걸리게 되었습니다.

이 그림은 가장 단순한 수준에서 그리스도의 구속력을 반영하는 이분법을 보여줍니다. 그림의 상단에서 그리스도의 순수함과 대칭으로 상징화된 구속력은 하단에서 암울하고 혼란스러운 장면들과 대조를 이룹니다.

변화는 마태복음의 후속 이야기와 관련이 있습니다. 그림의 상단은 구불구불한 구름 앞에 높이 솟은 그리스도를 묘사하며, 그 양쪽에는 예언자인 엘리야와 모세가 있습니다. 그림의 하단에는 제자들이 묘사되어 있으며, possessed 된 아이를 악마에게서 해방시키려 하지만 실패합니다. 상단은 변화된 그리스도를 보여주며, 기적을 행하여 아이를 치유하고 악에서 해방시키는 것처럼 보입니다.

변화의 크기는 거대하며, 410 x 279cm입니다. 라파엘은 캔버스에 그림을 그리는 것을 선호했지만, 이 그림은 선택된 매체로 나무에 기름 페인트로 제작되었습니다. 라파엘은 실제로 이 그림에서 매너리즘과 바로크 시대의 기술들을 보여줍니다.

하반신의 반신이 스타일화되고 왜곡된 포즈는 매너리즘을 나타냅니다. 이들 형체 속의 드라마틱한 긴장, 그리고 빛과 어둠, 즉 명암 대비 사용은 과장된 움직임으로 드라마, 긴장, 활기 또는 조명을 생성하는 바로크 시대를 나타냅니다. 사실 변화는 그 시대를 앞서갔고, 라파엘의 죽음 또한 너무 이른 것이었습니다.

이 작품은 라파엘이 1520년 4월 사망할 때까지 작업한 마지막 그림입니다.

1972년부터 1976년까지의 그림 청소에서 왼쪽 하반신의 형태들이 보조자가 완성했으며, 대부분의 그림은 작가 본인에 의해 그려졌습니다.

#3 최후의 심판 - 미켈란젤로

미켈란젤로의 최후의 심판은 시스티나 성당의 제단 뒤 벽에 위치해 있습니다. "최후의 심판"에서 그리스도의 재림을 나타낸 그의 묘사는 반개혁 가톨릭 교회로부터 즉각적인 논란을 불러 일으켰습니다.

미켈란젤로는 세상의 끝, 영원의 시작을 그려야 했습니다. 인간이 불멸로 변하고, 선택된 자들이 그리스도와 함께 그의 천국에서 합쳐지고, 정죄된 자들은 지옥의 끝없는 고통에 던져지게 됩니다.

16세기 이탈리아에서 이 작업을 수행할 수 있는 예술가는 미켈란젤로 외에는 없었습니다. 그의 마지막 작품은 그를 인류의 인물, 특히 남성 누드를 마스터로 만드는 것으로 명성을 확고히 했습니다. 교황 바오로 3세는 미켈란젤로가 최후의 심판으로 성당 제단 벽에 다시 그림을 그리는 것에 대해 잘 알고 있었습니다. 신체의 부활에 초점을 맞춘 이 주제는 미켈란젤로에게 적합했습니다.

강력한 구성은 그리스도의 지배적인 모습을 중심으로 하며, 최후의 심판의 판결이 내려지기 직전의 순간을 포착합니다.

그의 고요하고 위엄 있는 제스처는 주위를 진정시키고 주의를 끌어보이는 듯 합니다. 이미지에서는 모든 인물들이 참여하는 넓은 저속회전 동작이 시작됩니다. 패션의 상징을 날아올리는 천사들의 두 개의 상단 반원은 제외됩니다(왼쪽에는 십자가, 못, 가시관; 오른쪽에는 채찍의 기둥, 사다리, 식초에 적신 스펀지로 만든 창이 있습니다).

하단의 중앙 부분에는 아포칼립스의 천사들이 긴 나팔소리로 죽은 이를 깨우고 있습니다. 왼쪽에서 되살아난 자들은 몸을 회복하며 하늘로 올라가고 있고(육체의 부활), 오른쪽에서는 천사들과 악마들이 정죄된 자들을 지옥으로 떨어뜨리기 위해 싸우고 있습니다. 마지막으로, 배경에서 캐론은 그의 노와 함께 정죄된 이들을 그들의 심판관인 미노스 앞에 데려가기 위해 배에서 나오게 만듭니다. 그의 몸은 뱀의 회전에 감싸져 있습니다.

이 부분에서 다란 알리기에리의 신곡 지옥에 대한 언급은 명확합니다. 칭찬 외에도 최후의 심판은 동시대의 사람들 사이에서 폭력적인 반응을 불러일으켰습니다. 예를 들어, 의식의 거장 비아지오 다 체세나는 "이처럼 고귀한 장소에서 그렇게 많은 벌거벗은 인물들이 부끄러움을 이렇게 드러내며 그리는 것은 부끄러운 행위다. 이 작품은 교황의 성당에 적합한 것이 아니라 난로와 선술집에 적합한 것"이라고 말했습니다(지안니 바사리, 생애). 이러한 논란은 수년간 계속 되었고, 1564년 트렌트 회의에서 "외설스러운" 최후의 심판의 몇몇 인물들을 가리게 하기 위한 결정을 내렸습니다.

덮개를 그리는 작업, 즉 "브라게" (바지)는 다니엘레 다 볼테라에게 위탁되었으며, 이후 "브라게톤"으로 알려지게 됩니다. 다니엘레의 "브라게"는 다 그려진 최초의 것은 아닙니다. 사실, 이후 세기에 걸쳐 여러 개가 추가되었습니다.

#4 십자가를 지고 있는 그리스도 - 엘 그레코

엘 그레코는 스페인에서 긴 기간 동안 십자를 지고 있는 그리스도의 그림을 여러 점 그렸습니다. 십자가를 지고 있는 그리스도는 완벽한 인간성을 지닌 이미지입니다. 이 작품은 화가가 색을 사용해 볼륨을 모델링하고, 인물이 가진 영적 갈망을 반영하기 위해 몸을 왜곡하는 특징적인 붓놀림이 두드러집니다.

엘 그레코는 그리스도의 눈에 극적이며 과장된 눈물을 그립니다. 그의 눈은 그림의 핵심 요소입니다. 많은 감정을 표현하고 있습니다.

그의 강한 어깨와 여성적인 아름다움 사이에는 섬세한 대비가 있습니다. 그러나 그의 얼굴에는 고통의 흔적이 없습니다. 그의 수동적인 손이 십자를 지고 있다는 것에 대한 고뇌나 노력의 표현이 없습니다.

엘 그레코는 무거운 십자가에 눌린 고통받는 그리스도의 이미지를 차분하고 운명에 맞설 준비가 된 모습으로 바꿉니다. 그리스도의 희생에 대한 평온함은 관람객이 두려움과 의심의 순간에 자신의 운명을 받아들이도록 초대합니다.

#5 십자가에 못박힌 그리스도 - 디에고 벨라스케스

이 강렬한 이미지는 벨라스케스가 이탈리아에 자극적인 첫 여행 후 창작한 시기에 그려졌습니다. 아폴로가 불꽃로 이동하는 시점에서 올려다본 모습이 자주 나오는 것과는 달리, 그의 십자가에 못박힌 그리스도는 죽어가는 몸으로 다른 내러티브 요소 없이, 오로지 십자가와 함께 그려졌습니다. 그럼에도 불구하고 그는 이 작품에 큰 존엄성과 평온함을 부여합니다.

이 작품은 성 플라시도 수도원의 재단사에 대한 의뢰로 여겨지며, 십자가에 못박힌 그리스도의 처지는 네 개의 못이 있는 자세로, 발이 함께 붙어있고 작은 나무 받침대에 의해 지탱되는 것처럼 보입니다. 이로 인해 팔은 삼각형이 아닌 미세한 곡선을 형성합니다. 그의 머리는 후광으로 장식되어 있고, 얼굴은 가슴에 기대어 그의 얼굴을 드러내 줍니다. 그의 곱슬곱슬한 머리는 얼굴의 오른쪽으로 늘어져 있으며, 오른쪽 측면의 상처에서 흘러나오는 피로 그의 경로가 그려져 있습니다.

이 이미지는 벨라스케스의 회화에서 주요한 영향을 일으켜 주는 불가피하게 자전적인 것입니다. 먼저, 벨라스케스는 세비야에서 프란시스코 파체코의 지도 아래에서 획득한 예술 기법의 경향에 대해 기도를 하였습니다.

둘째로, 그는 스페인에서 스페인 르네상스 예술가들의 연구에서, 이탈리아에서 고전 고대의 미술, 로마 및 베네치아의 고급 르네상스 미술, 로마와 나폴리에서의 카라바조의 작품에서 습득한 인물화 능력을 반영합니다.

이 작품의 고전주의의 영향은 몸 전체의 평화로움과 이상화된 자세에 나타나며, 카라바조의 영향은 그리스도의 창백한 몸에 집중된 드라마틱한 어둠에서 나타납니다.

이미지는 바르크의 특징적인 드라마가 없어 보입니다. 담배는 일반적으로 케리여 테라미틸의 기도를 말씀드리고 있으며, 성 베드로의 십자가형이나 십자가 아래로와 같은 종교적 작품에서는 재현됩니다. 그러나 주제의 영성과 일치하는 이 조각적 품질은 그를 승격시키며, 구성은 전적으로 단순하지만, 화이트 바디에 대한 생생한 대비와 그의 머리가 그의 가슴 위로 떨어지는 자연주의와 형태가 있습니다. 그의 엉킨 머리는 벨라스케스가 베네치아 회화의 여러 가지 예에서 직접 보고 감탄했던 것으로 묘사되었습니다.

벨라스케스는 스페인의 가장 좋은 초상화가로써, 필립 4세의 공식 화가가 되었으며 (1621년에서 1640년 사이에 통치) 궁극적으로는 바르크 시대 스페인 회화의 최대 대표자가 되었습니다. 하지만 종교 미술이 특히 스페인에서는 중요한 반면, 개혁교회의 주요 후원자 중 하나인 스페인 왕국에서 믿어지게 된 종교적 작품은 상대적으로 적습니다.

반면, 그는 주변에서 보이는 세계를 그리기도 했고, 초상화 분야에서 전문화되거나 장르 회화 (문헌화) 및 역사적 작품도 그렸습니다. 아이러니하게도 그의 종교적 작품이 적은 저명함을 가진 만큼 그는 카라바조의 천재성에 영향을 받기도 했으며, 카라바조는 성경화로 특히 강조된 공격적으로 사실적인 스타일을 사용하여 его 작품을 만듭니다. 벨라스케스는 또한 그의 세비야 스승인 프란시스코 파체코에게서 얻은 이탈리아 르네상스의 사상을 강하게 영향을 받았습니다.

 

#6 십자가를 지고 있는 그리스도 - 티치아노 

1508년 또는 1509년경, 티치아노는 십자가를 지고 있는 그리스도라는 기름 화를 그렸습니다. 이 그림의 실제 기원은 다소 신비롭고, 여러 미술 역사학자들은 때때로 다른 이탈리아 화가인 죠르조네에게도 귀속시켰습니다. 두 화가 모두 학교와 교회와 결부된 예술가 Guild에 속해 있었고, 같은 시대와 장소에서 활동하며, 아마 소관을 위해 명시적으로 그려졌을 것입니다. 기름 화에 대한 또 다른 신비는 이 화가가 기도의 힘이 있다는 기록도 있다는 것입니다. 기도할 때 이 그림에 각각의 회화를 붙이 장애를 시기에 따라 설명했습니다.

작품의 전체적인 분위기는 어둡고 그늘진 톤입니다. 가장 밝은 색들은 우울한 피부염 색상이고, 팔레트는 여러 가지 갈색의 톤이 지배적입니다. 거의 검은 배경 위에, 그리스도가 어깨에 십자를 지고 반 옆모습으로 나타납니다. 왼쪽을 바라보며, 분노한 표정의 참수자가 그의 목에 줄을 조이고 있습니다. 누군가 조금 뒤에서 참수자 바로 뒤에서 이 장면을 지켜보고 있습니다. 이 구성은 그 당시 혁신적인 스타일을 표현하며, 어떤 시각은 친밀감과 세부 사항을 피하며 전경을 강조합니다. 티치아노의 특징답게, 그림은 행동으로 가득 차 있으며, 등장인물들에는 휴식이 멀리 있는 것처럼 보입니다.

#7 구세주 - 레오나르도 다 빈치

이 유명한 그림은 여전히 매우 매력적이지만, 이제는 레오나르도 다 빈치의 작품으로 치지 않고, 우리 목록의 역사상 가장 유명한 100점의 그림에서 차지하는 자리를 잃었습니다.

원래 레오나르도 다 빈치가 프랑스 국왕 루이 12세와 그의 아내 앤 브리타뉴를 위해 구세주를 그렸다고 생각되었습니다. 하지만 오늘날 전문가들은 이 그림을 이탈리아의 거장에게 귀속시키는 것에 의구심을 보이고 있으며, 2017년 11월에 450,312,500달러라는 세계 기록가격으로 경매에 팔겼습니다.

구세주는 한때 우리에게 더 유명한 그림 목록에 포함되어 있었으나, 대중과 화가들의 투표로 인해 다른 그림이 그 자리를 차지하게 되었습니다.

#8 에마우스의 제자들 - 카라바조

 

카라바조의 이 작품은 우리 주님의 에마우스 성지 여행이나 단순히 에마우스의 만찬으로 알려져 있습니다. 이 그림은 두 제자가 하루 내내 대화하며, 그들이 그와 함께 있던 사랑하는 스승임을 깨닫는 순간을 보여줍니다.

화가의 유명세가 정점에 달했을 때 그려진 에마우스의 제자들은 미술 역사상 가장 인상적인 종교적 그림 중 하나입니다. 이 그림에서 카라바조는 제자들이 처음엔 그들이 마주하고 있는 이를 단숨에 깨닫는 극적인 클라이맥스를 훌륭하게 포착합니다. 그들의 행동과 자연스러운 반응은 그들의 경탄을 전달합니다: 한 명은 의자에서 뛰어오를 듯하며 다른 한 명은 믿을 수 없다는 제스처로 팔을 뻗고 있습니다. 거친 조명은 장면의 강렬함을 강조합니다.

작품 속에서 카라바조는 제자들을 평범한 일꾼으로 묘사하며, 수염과 주름이 있는 얼굴과 누더기를 걸친 모습을 부여하여 젊은 그리스도를 대조합니다. 그의 그리스도는 다른 세계에서 온 듯한 모습입니다.

여러 지점에서 몇 가지 비밀이 숨겨져 있습니다. 이 작품 속에서 예술가는 예를 들어 부활절 달걀을 숨겼습니다. 테이블 위 과일 바구니의 그림자도 마치 물고기를 나타내는 듯하며, 이는 위대한 기적을 암시할 수 있습니다.

이 마스터피스 속에는 더 많은 숨겨진 보물이 있습니다. 때로 결함은 결함이 아닌 재능의 표현에 지나지 않을 수 있습니다. 예를 들어, 테이블 중앙에 있는 바구니의 직물은 그런 نحن 와 같으며, 의미가 있습니다.

무수한 눈들이 그늘진 여관의 내부에서 펼쳐지는 신비한 드라마에 놀라움을 표했지만, 거의 감지되지 않는 결함의 의미는 지금까지 세월이 지나도록 타락했습니다.

풀리는 지점은 그리스도의 생계를 위한 것으로, 카라바조의 저명한 캔버스를 대담한 행위로 변신시키고 관찰자에게 영적인 도전이 됩니다.

이 작은 거래의 모든 의미를 감상하려면, 카라바조가 작품에서 엿본 전반적인 분위기의 윤곽을 기억할 가치가 있습니다.

에마우스의 만찬 주제는 렘브란트부터 벨라스케스까지 역사적 대가들에게 영감을 주었던 하나입니다. 이 중요한 순간은 신약성경 누가복음에서 서술됩니다. 그는 예수와 두 제자, 루카스와 클레오파스가 이 동행의 정체를 몰라보았던 지극히 친밀한 식사를 나눈 이야기를 안내하세기기 들려줍니다. 이 그림은 빵을 나누고 축복한 상태에서 그리스도가 "눈을 뜨게" 해 "보이지 않게" 사라지는 순간입니다.

이 마스터피스는 어둠과 빛의 신비로운 경계, 그리스도가 버젓이 나타나면서 불과 사라지는 마지막 순간을 포착하고 있습니다. 드러나는 순간과 사라지는 순간 사이에 내재하는 그 미세한 순간에 카라바조는 두 세계 간의 마법적인 결합을 엮어갑니다.

진실이 드러나자 그리스도의 외삼촌인 클레오파스는 경악과 놀라움으로 그의 의자에서 일어납니다: 그의 팔꿈치가 동적으로 그의 겉옷의 소매를 넘으면서 높이 올라갑니다.

바구니 과일의 오른쪽에서 루카스는 두 팔을 활짝 펼치며 이 장면의 비현실성을 호소하고, 그의 비통한 인생의 죽음을 언급합니다. 사이에, 주인은 동요 없이 그리스도가 무척 놀라워하는 제자들에게 한 말을 듣고 있으며 의미를 깨닫지 못합니다.

에마우스의 제자들은 유명한 그림들 목록에서 82위를 차지하고 있습니다.

#9 전능하신 그리스도

전능하신 그리스도는 이집트 시나이를 위치한 산타 카탈리나 수도원에 소장된 6세기 목제 패널입니다. 이 그림은 가장 오래된 비잔틴 종교 아이콘 중 하나로 가장 오래된 전능자 스타일의 작품입니다.

그린 패널은 높이 84cm, 너비 45.5cm, 깊이 1.2cm입니다. 이 그림은 원래 더 컸던 것으로 여겨지지만, 알려지지 않은 이유로 상단과 측면이 잘려 현재의 크기를 가지게 되었습니다. 이 작품에서는 그리스도가 보라색의 튜닉을 입고 있습니다.- 이는 황제와 같다 나타내기 위해 일반적으로 선택된 색입니다. 이 색깔 선택은 그의 위상과 중요성을 상징합니다. 그리스는 왼손은 축복의 신호로 올리고 오른손으로 한 권의 책을 잡고 있습니다.

이 책은 아마도 복음서일 것으로 추측되며, 십자가 형태의 보석으로 장식되어 있습니다. 그림은 그리스도의 이중성의 본질을 나타내기 위해 일부러 비대칭하게 그려졌습니다. 그리스도의 왼쪽 측면은 그의 인간 본성을 상징하고, 그의 특징은 훨씬 더 부드럽고 가벼운 모습으로 표현됩니다. 오른쪽 측면은 그의 신성을 상징하며, 그의 심각한 표정과 강렬한 특징이 드러납니다. 그의 눈 자체도 모양과 크기가 다르고, 왼쪽 머리카락은 그의 어깨 뒤에 튼튼히 묶여져 있습니다.

전능하신 그리스도가 가장 중요한 그리스도교 아이콘 중 하나입니다. 이 이미지에서는 그리스도가 세계의 주권자로 묘사됩니다. 전능하신 그리스도는 예수의 가장 오래된 이미지 중 하나이며, 동굴 교회의 최고 관명에 등장합니다.

전능하신 그리스도 또한 그리스어 성경 LXX에서 "군들의 주님"와 "전능하신 하나님"의 번역으로 사용되는 용어입니다. 요한 계시록에서는 "전능자"는 하나님의 주권과 권능을 강조하는 제목으로 아홉 번 나타납니다.

전능하신 그리스도 아이콘은 예수의 전능함, 무엇이든지 할 수 있는 힘을 강조합니다. 그리스도는 모든 것을 붙잡고 있는 '모든 것의 지배자'입니다. 전능하신 그리스도의 상징성은 그의 주권적인 힘을 발휘하기 위해 로마의 의미를 차용합니다. 초대 그리스도인들은 문화적인 상징을 사용해서 부활한 그리스도의 주권적인 힘을 알리려 하였습니다.

또한 전능하신 그리스도가 지배하고 있는 부분과 (전면 성소의 벽) 역시 신학적 의미가 있습니다. 비잔틴 성당은 로마 성당의 기초로 구성되었으며, 지배자의 권위가 확립된 주재자를 지지하기 위해 사용하는 구조물에서 연상됩니다. 예수의 진술은 그가 모든 것의 정당한 지배자이자 궁극적인 심판자임을 선언합니다.

그리스도는 기독교인이 더 이상 핍박할 위험이 없었던 300년대 후반에 대중적으로 시각적으로 표현되기 시작했습니다. 이 초기 이미지는 예수님을 두루마리를 들고 왕위에 앉은 스토크 인물로 묘사합니다. 그리고 600년대에는 그리스도 Pantocrátor가 초기 이미지를 단순화하여 발전하게 됩니다. 전능하신 그리스도의 모습은 지난 1,500년 동안 거의 변화하지 않았습니다.

대부분의 초기 예수 이미지는 우상 파괴 논쟁 중에 파괴되었습니다.

#10 성 요한의 십자가 그리스도

거리가 멀어 보이는 다리의 가장 인기 있는 작품인 그의 "성 요한의 십자가 그리스도"는 Port Lligat 만을 지배합니다. 이 그림은 스페인 아빌라의 성화 수도원에서 보존된 그림에서 영감을 얻었으며, 성 요한이 에너지 속에서 이 그리스도를 관찰한 것을 그린 것입니다. 배 옆에 있는 사람은 렌나의 그림과 디에고 벨라스케스의 배가 라렌드 배와의 관련성을 묘사합니다.

그리스도를 위한 여러 연구의 바닥 아래에서, 달리는 그는 1951년에 환상적인 꿈을 꿨다고 적어 놓았습니다. 이 꿈에서 그는 이 그림을 색깔로 보았으며 원자는 나중에 더 추상적인 중요성을 나타내었습니다. 나는 "우주의 실질적인 존재"를 그리스도로 인식했습니다. 다른 한편으로, 브루노 아버지의 설명 덕분에, 나는 성 요한의 초기 그림을 그려냈고 나의 모든 이전 실험들을 통합할 수 있는 삼각형과 원을 기하학적으로 만들어, 나의 그리스도를 이 삼각형에 배치했습니다.

이 작품은 런던에서 처음 전시되었을 때 주요 비평가가 스스로를 과시하는 것으로 간주되었습니다. 

이 그림은 당시 글래스고 박물관의 소장품 구입으로 가장 논란이 있는 것이었습니다. 현재 박물관에서는 드. 회더가 김소연 관장이 되길 제안한 백화점의 결정을 벗어난 것입니다.

그는 백화점 매장에서 값이 감소하는 종류로 구입할 수 있었던 것이 아니라 소장 작품의 저작권을 샀던 것입니다.

하지만, 초기에는 이 그림이 모두 좋지 않았고 글래스고 예술학교의 학생들은 돈이 스코틀랜드 작가의 작품이나 글래스고의 필요한 작품을 구입하기에 더 좋은 길이었다고 주장했습니다.

1952년 켈빙턴에 전시된 후에 다리 작품은 손님을 많이 끌었습니다.

글래스고 박물관의 소장품에 있는 그림은 두 번하나의 드라마에서 논란의 여지 없음으로 두 번만 손상되었습니다. 가장 유명한 것은 손님이 날카로운 도구로 캔버스를 극도로 찢은 경우입니다. 켈빙턴의 보존자들은 그림을 수리하여 이제 아픔이 거의 보이지 않게 되었습니다.

구입 후 60년이 넘은 지금도 이 그림의 지속적인 매력은 감소의 기미가 보이지 않으며 현재 박물관의 가장 인기 있는 전시 중 하나입니다.

KUADROS ©, 당신의 벽에 유명한 그림.