가장 유명한 10개의 추상화

제목 없음 - 첫 번째 추상 수채화는 대부분의 그의 그림에서처럼 좋은 색채의 돌풍을 발견할 수 있지만, 유화 대신 수채화를 사용하여 가시적으로 다른 마감 처리가 되어 이 예술 작품을 흥미롭고 1910년에 제작된 그의 작품 중에서 꽤 독특한 것으로 만듭니다. 가까이에서 보면 이 작품은 빨리 완성된 것 같아 보이며, 이는 그림이 매우 빠르게 마르는 이 형태의 예술에서 전형적입니다. 또한 그는 표현적으로 작업하며 정밀함에 대해 너무 걱정하지 않고 색상 선택에 더 집중하고 다양한 형태와 선으로 캔버스를 채웁니다. 그의 예술은 정말로 추상적이며, 이는 그가 경력을 쌓아가면서 점점 현실과 사용한 형태에서 멀어져가는 것을 보여주는 것입니다.

칸딘스키는 유화에 전문화되었지만 가끔 수채화를 작업했습니다. 그는 이 매체가 작업하기 쉬운 것을 발견했으며, 미래의 작품을 위한 디자인을 이해하기 위해 빠른 스터디 조각에도 잘 맞았을 것입니다. 그는 또한 리소그래피, 목판화, 에칭을 사용했으며, 특히 그의 경력 초기 단계에서 실험적이었던 시기에 일반적으로 이러한 것들을 사용했습니다.

수채화 작업을 하는 동안 칸딘스키는 단 3일 만에 이 그림을 완성할 수 있었습니다. 그러나 그가 서두른 것과는 달리, 칸딘스키는 이 예술 작품을 최종 구성하기 전에 여러 연구를 수행했습니다. 제목 없음에서 해석할 수 있는 속도는 색상 선택에서 그가 그 순간 자신의 감정을 충실하게 표현할 수 있는 색상을 선택했다는 점이 있었습니다. 그려진 선과 형태는 또한 이 그림을 보는 동안 느껴지는 혼란과 긴급함을 강조하는 데 기여했습니다.

추상화는 또한 이 작품 내에서 느슨하고 모호한 선을 통해 명확하게 드러나며, 이는 그 당시 예술 군중 사이에서 상당한 관심을 불러일으켰습니다. 제목 없음은 추상 예술 운동의 중요한 촉매제로 존재하며, 그 당시 적어도 원격하게 분리되고 구속이 없는 것이 예술 작품의 적절한 주제로 수용되는 것은 처음이었습니다. 제목 없음 은 유럽 예술에서 전통적인 예술 작품에서 더 추상적이고 무제한인 예술 작품으로의 이탈을 나타내는 결정적인 포인트를 표시했습니다.

1910년에서 1914년 사이의 기간은 칸딘스키 경력의 정점이자 그의 가장 위대한 예술적 업적의 절정으로 여겨졌습니다. 따라서 제목 없음은 모든 인지할 수 있는 형태에 대한 모든 언급을 대담하게 폐기하고 서구 유럽의 회화 표현 convention에서 제기한 한계를 넘어선 최초의 예술 작품 중 하나로 존재했습니다.

이 완전한 자유에 대한 개념은 이 기간 동안 칸딘스키가 만든 대부분의 작품에서 두드러지게 나타났습니다.

2위 성인기 # 7 - 힐마 AF 클린트

남성 예술가들처럼 널리 알려지지 않았지만, 스웨덴 화가 힐마 af 클린트는 당시 많은 남성 동시대 작가들보다 앞선 혁신적인 추상 예술가였습니다. 그녀는 자신의 주요 작품, 대부분은 생전 동안 공개되지 않았던 작품이 20년 동안 비공식적으로 보관되기를 요청했습니다. 

이 컬렉션은 생애의 단계, 어린 시절, 청소년기, 성인기, 노년기를 포함합니다. 그것들은 탄생과 성장에 대한 것을 참조하는 식물적 요소와 인식 가능한 유기체를 결합합니다.

그녀의 성인기 No. 7는 높이 3미터, 너비 2미터의 거대한 캔버스이고, 바닥에서 종이에 그려지고 나중에 캔버스에 붙여졌습니다.

클린트는 만개한 성인기를 해석하여, 다양한 크기와 색상의 여러 형태를 보라색 배경 위에 자유롭게 흐르듯 그렸습니다. 중앙의 노란색 심볼은 꽃처럼 보이며, 나선형과 생물형 형태는 성장과 비옥함의 상징입니다.

3위 세네시오 - 폴 클레

1922년에 완성된 세네시오 그림는 폴의 유머 감각과 아프리카 문화를 나타냅니다. 단순한 색상과 형태로 폴은 오렌지, 빨강, 노랑의 다양한 톤을 사용하여 노인의 초상을 드러냅니다. 형태의 예술적 사용은 한 눈이 올라가는 잘못된 인상을 줍니다. 그의 왼쪽 눈썹은 삼각형으로 표현되고, 다른 쪽은 단순한 곡선으로 구성되어 있습니다. 이 초상화는 또한 '미치기 시작한 남자의 머리'라고 불리며, 최소한의 얼굴 세부 기능을 가진 모호한 형태와 형태를 사용하여 아동 예술 작품을 의도적으로 모방합니다.

이 인간 얼굴의 변형은 색상에 따라 직사각형으로 나뉩니다. 평면 기하학적 정사각형은 마스크 얼굴을 나타내는 원 안에서 유지되며, 하회 무늬를 아는 다양한 모습을 보여줍니다. 퍼포먼스 아티스트 세네시오의 초상화로, 예술, 환상, 드라마 세계 간의 변화하는 관계를 상징으로 볼 수 있습니다. 이 그림은 클레의 예술 원칙을 보여주며, 여기에서 선의 그래픽 요소, 색 발란스, 공간이 예술가의 마음의 에너지로 움직입니다. 그는 상상하는 낙서에서 "선을 산책시킨다"는 말을 좋아했습니다.

4위 에투알 블뢰 - 조안 미로

에투알 블뢰 그림은 미로가 형상 예술과 추상 예술 사이에서의 전환을 나타냅니다.

이 그림은 미로의 경력에서 가장 중요한 그림 중 하나로 알려져 있습니다. 특히 사용된 눈부신 파란색은 그의 여러 미래 작품에서 볼 수 있으며, 마크 로스코와 이브 클라인과 같은 화가에게 영향을 미쳤습니다.

에투알 블뢰는 대작이지만, 질문보다는 답변이 많은 그림입니다.

미로는 여러 다양한 아이디어의 시대에 대한 대단한 종합가였으며, 오늘날처럼 많은 아이디어가 있지만, 당시의 예술 아이디어는 오늘날의 것보다 훨씬 더 복잡했습니다.

이 그림은 폭주주의 색상, 큐비즘 형태, 초현실적 의도를 결합하여 관람자가 시각적으로 반복적으로 탐색할 수 있는 작품을 형성합니다. 그래서 많은 질문들이 생기며, 그 답변은 그림만큼이나 몽환적입니다.

왼쪽 상단 모서리에서 파란색 형태를 보면, 새입니다. 스스로 그것일 가능성이 높지만 어떤 새인지 명확하지 않습니다. 한동안 바라보면 확실히 역동적인 형태라고 할 수 있지만, 쉽게 왼쪽이나 오른쪽으로 또는 아래쪽 그리고 우리 쪽으로 날아오는 것이라고 주장할 수 있습니다.

하단 중앙의 큰 빨간색 요소. 발인가요? 확실히 매우 안정적이고 고정되어 보이는 것과 대비적으로 파란색은 동적입니다.

이 그림은 사랑하는 자에게 보석입니다. 처음 봤을 때 약간 흔들리며 움직이는 것 같지만, 한순간 그 하단 오른쪽의 탄력적인 형태와 맞서 움직입니다.

미로는 1893년 바르셀로나에서 태어난 카탈루냐 화가로서, 1927년 자신의 초현실적인 꿈의 경관 페인투르(Étoile Bleue)를 주요 이미지라고 부르며, 나중에 여러 번 사용할 상징을 통합했으며, 심지어 이 눈부신 파란색도 마크 로스코와 이브 클라인을 포함한 후속 화가들에게 영향을 미쳤습니다.

5위 구성 VII - 바실리 칸딘스키

바실리 칸딘스키의 구성 VII 그림는 많은 추상 예술 애호가들에 의해 20세기 가장 중요한 예술 작품으로 여겨지며, 어쩌면 추상화 중 가장 중요한 그림입니다.

이 작품은 구성 V 및  구성 VI 의 논리적 연속입니다. 세 개의 그림은 모두 묵시록의 주제로 연결되어 있습니다. 구성 VI의 홍수와 부활 같은 요소가 이 작업에서 발견됩니다. 주요 주제는 최후의 심판이지만, 이는 재앙으로 보지 않고 해방으로 보며, 물질 세계에서 정신 세계로의 전환입니다. 따라서 구성 VII는 시리즈의 다른 작품들과는 달리 밝은 색상과 반짝이는 대비 선이 특징입니다.

칸딘스키는 각각의 구성 요소를 관람자가 마치 그 안에서 회전하는 것처럼 이미지를 입장할 수 있게 만들어졌습니다. 구성의 하단 모서리를 더 무겁게 만들어 앞으로 다가오게 했고, 상단은 관람자에게 더 가볍고 멀리 떨어진 상태로 남습니다. 예술가의 주요 대비 중 하나인 파란색과 노란색이 내부 및 외부로 활동적인 움직임의 중심 영역을 형성합니다.

칸딘스키는 자신의 구성 VII을 준비하는 데 수개월을 보냈지만, 그리는데는 단 4일이 걸렸습니다. 이 그림에 대해 약 30개의 연구를 실시했습니다. 그 중 일부는 카라바지오나 레오나르도 다 빈치의 잘 다듬어진 천 주름이나 나뭇잎, 인간의 사지를 상세히 연구한 것과 유사합니다. 이 시리즈에는 반복적으로 같은 곡선을 그리거나, 구성의 기본 구조 요소를 도식적으로 보여주거나, 구성에 대한 상세한 평면도를 포함한 일부 작품들이 있습니다. 또한 구성 VII와 관련된 약 15개의 다른 그림들이 있으며, 이들은 유화 및 연필로 된 스케치, 수채화, 유리 화법, 판화 등입니다.

이 그림이 제작되는 것을 목격한 가브리엘 뮌터는 1913년 11월 25일 일기에 구성 VII을 위한 캔버스가 뮌하우 자택으로 배달되었다고 적고, 칸딘스키는 그날 밤 바로 작업에 착수했습니다. 다음 날 아침 그는 그림의 첫 번째 사진을 찍었고, 점심 후 두 번째 사진을 찍었습니다. 뮌터의 일기 속 28일자 기입에는 이 그림이 완성되었다고 적혀 있습니다. 11월 29일 그는 완성된 작품의 사진을 찍었다. 이로써 위대한 걸작의 탄생이 기록되었습니다.

구성 VII은 당사 목록에서   100위에 있으며, 유명한 그림

6위 구성 X - 칸딘스키

추상화의 초기 champions 중 하나로 인용된 바실리 칸딘스키는 단순한 러시아 화가가 아니라 예술 이론가였습니다. 그는 예술 세계와 추상화에 미친 영향이 막대하며, 이후 예술 그룹 팔랑크와 새로운 예술가 그룹을 공동 설립하여 예술가로서의 자신의 경력 동안 동료들을 위한 전시회를 조직했습니다. 그는 경력 전반에 걸쳐 600개 이상의 작품을 제작했으며, 2017년에 4160만 달러의 경매 기준 가격에 도달한 1913년의 한 그림이 있었습니다. 

이 인상적인 기록에도 불구하고, 그의 가장 중요한 작품은 아마도 구성 X일 것입니다. 그의 평생에 걸친 '구성' 시리즈에서 마지막 시리즈로, 그는 이 작업을 통해 형태의 순수성과 표현에 대한 연구를 정리하고자 했습니다. 이 시점까지 칸딘스키는 그의 작업에서 블랙 색상을 적절하게 사용했으며, 이 작업은 그의 삶의 끝에 다가오면서 우주 및 어두운 예감을 불러일으킨다고 비판받았습니다. 

처음에는 구성 X의 창작이 초현실주의의 생물형 형태에 영향을 받았습니다.

그러나, 바실리 칸딘스키는 나중에 그의 그림에 생물형적 형태를 사용하는 예술을 채택했습니다. 이는 그의 그림 전반에 걸쳐 사용한 스타일입니다.

이 스타일은 그의 작업에 독창성을 부여했습니다. 전시회나 다른 곳에서 전시된 바실리 칸딘스키의 그림을 인식하는 것은 쉽고 거의 불가능하지 않았습니다.

또한, 구성 X는 프랑스에서 제작되었습니다. 그림을 가까이에서 볼 때 화가가 검은 배경을 사용했다는 것을 알 수 있습니다. 검은 배경을 사용한 주된 이유는 전경의 색상이 뚜렷하게 보일 수 있도록 하기 위함이었습니다.

7위 융합 - 잭슨 폴록

융합 —폴록이 기본 색상을 쏟아 부은 흑백 그림—은 냉전 시대의 위기를 반영합니다. 그것은 그의 걸작 중 하나이며, 또한 추상 표현주의 화가의 가장 잘 알려진 그림 중 하나일 수 있습니다. 1964년 스프링복 에디션에서는 “세상에서 가장 어려운 퍼즐”이라고 홍보된 그림을 퍼즐로 제작하였으며 수십만 명의 미국인들이 구매하였습니다.

1951년 폴록은 이렇게 말했습니다: “현대 화가는 자신의 시대, 비행기, 원자 폭탄, 라디오를 르네상스 시대의 낡은 형태나 그 어떤 과거 문화의 형태로도 표현할 수 없다고 생각합니다. 각 시대는 자신의 기술을 찾습니다.” 폴록은 집 페인팅 및 드리핑에서 자신의 기술을 찾았습니다.

크기가 237 x 394cm인 융합은 폴록의 가장 야심 차고 있습니다. 시각의 뛰어남으로 알려져 있으며, 관람객에게 깊은 감정을 불러일으킵니다. 잭슨의 작품은 여전히 예술 전문가에게 해독이 어려운 것으로 여겨지지만, 그의 그림은 표현의 자유의 표현으로 간주됩니다. 융합은 그 의미에서 두드러진 예시로, 그의 가장 유명한 걸작 중 하나로 남아 있습니다.