수세기에 걸쳐 Christian Art는 광범위한 미디어에서 실행 된 다양한 유형의 그림을 제시했습니다.
종교 예술은 일반적으로 인식 할 수있는 도덕적 이야기가 있거나 시청자에게 강한 영적 감정을 유발하려는 종교 문제와 동기를 사용합니다. 서구 세계에서는 종교 예술이 기독교 주제를 가진 예술 작품으로 정의 될 수 있습니다. 서양의 종교 그림은 구약과 예수 그리스도의 삶의 장면에 의해 지배됩니다.
가장 대표적인 주제 중에는 십자가에 자녀 예수와 그리스도와 함께 성모 마리아의 표현이 있습니다. 가장 유명한 종교 그림 중 다수는 이탈리아에서 시작된 영향력있는 문화 운동 인 르네상스에서 만들어졌습니다.
르네상스 레오나르도 다빈치 (Leonardo da Vinci), 미구엘 반겔 (Miguel Ángel), 라파엘 (Rafael)의 세 명의 위대한 주인 이이 목록에 여러 번 나타납니다. Kadros는 가장 유명한 10 가지 종교 그림을 제공합니다.
No.1 Adam의 창조 -Miguel Ángel (1512)
시스틴 예배당 지붕의 가장 유명한 부분은 미구엘 반겔 (Miguel Ángel)의 아담을 창조하는 것입니다. 이 장면은 방 중앙에있는 패널 인 Eva와 제단에 더 가까운 물의 회중 옆에 있습니다.
Miguel Ángel이 수행 한 작품은 르네상스 예술의 초석입니다. 이 그림은 하나님 께서 첫 번째 사람 아담에게 생명을 불어 넣는 창세기의 창조에 대한 성서적 이야기를 보여줍니다.
Adam의 창조는 지금까지 그려진 전형적인 창조 장면과 다릅니다. 여기서 두 인물이 장면을 지배합니다. 오른쪽으로 하나님과 왼쪽의 아담. 하나님은 커튼과 다른 인물들로 구성된 떠 다니는 성운 형태 안에 보여집니다. 모양은 날개없이 날아 다니는 천사를 기반으로하지만 그 아래에 돋아 나는 커튼으로 비행기가 분명하게 보입니다. 하나님은 노인으로 대표되지만 근육질, 회색 머리카락과 비행의 전진 운동에 반응하는 긴 수염이 있습니다. 이것은 서쪽에서 다른 방법으로 창조 된 하나님의 제국의 이미지와는 거리가 멀고 늦은 고대의 시대로 거슬러 올라갑니다. 실제 옷을 사용하는 대신 전능 한 통치자로 대표되는 대신, 그는 팔과 다리의 많은 부분이 노출되는 가벼운 가운 만 사용합니다. 당신은 그것이 만질 수없고 인간으로부터 멀리 떨어져 있지 않지만 그에게 접근 할 수 있기 때문에 하나님의 훨씬 더 친밀한 초상이라고 말할 수 있습니다.
확장되고 높은 하나님의 모습과 달리, 아담은 하나님의 임박한 터치에 무관심하게 반응하는 게으른 인물로 표현됩니다. 이 터치는 아담에게 생명을 줄뿐만 아니라 모든 인류에게 생명을 줄 것입니다. 그러므로 그것은 인류의 탄생입니다. 아담의 몸은 오목한 형태를 취하며, 성운과 떠 다니는 형태의 볼록한 자세에있는 하나님의 몸의 형태를 반영합니다. 다른 사람과의 어떤 방식 으로든이 서신은 사람이 하나님과 일치한다는 더 넓은 생각을 강조하는 것 같습니다. 즉, 사람이 하나님의 형상과 유사성에서 사람이 만들어 졌다는 생각, 미켈란젤로가 친숙해야했던 생각을 반영하는 것 같습니다.
페인트는 많이 분석되었으며 무엇보다도 페인트의 가장자리는 뇌의 내부 및 외부 표면, 뇌 트렁크, 기저 동맥, 뇌하수체 샘 및 광 키아마. 하나님의 손은 아담을 만지지 않지만, 아담은 시냅스 틈을 통해 생명의 불꽃이 전달되는 것처럼 이미 살아 있습니다. 하나님의 오른쪽 팔 아래에는 누군가가 슬픈 생각을 경험할 때 때때로 애완 동물 탐험 (단층 촬영)에서 활성화되는 뇌 영역에 슬픈 천사가 있습니다. 하나님은 변연 체계, 뇌의 감정적 중심 및 아마도 인간 영혼의 해부학 적 상대와 겹칩니다. 하나님의 오른팔은 가장 창의적이고 독창적 인 인간의 뇌 지역 인 전전두엽 피질로 확장됩니다. 하나님을 둘러싼 붉은 직물은 인간의 자궁 모양을 가지고 있습니다. 그리고 녹색 스카프는 새로 자르는 제대라고 믿어집니다. 아담의 창조물은 아마도 모나 리사 이후 가장 잘 알려진 그림 일 것입니다. 그리고 마지막 저녁 식사와 함께, 그것은 역사상 가장 복제 된 종교적인 그림입니다. 거의 만지는 하나님과 아담의 이미지는 인류의 아이콘이되었으며 모방되고 무수한 시대를 패러디했습니다.
시스 티나 예배당의 지붕은 수세기 동안의 연기의 유해한 영향으로 지붕이 상당히 어두워졌습니다. 1977 년이 되어서야 천장 청소가 시작되었습니다. 청소는 1989 년에 완료된 후 놀랍습니다. 이전에 어둡고 단조로운 것이 생생 해졌습니다. 후속 청소의 사전 청소의 변화는 너무 커서 일부 사람들은 처음에 미구엘 반겔이 그린 것으로 믿기를 거부했습니다. 오늘날, 우리는 미켈란젤로의 컬러 팔레트를 훨씬 더 잘 이해하고 그가 페인트 칠한 세계가 시스틴 예배당의 지붕에 아름답게 포착 된 것을 이해합니다.
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No.2 The Last Supper -Leonardo da Vinci (1495-1498)
마지막 저녁 식사 또는 이탈리아의 세나 콜로 (The The Bestian Cenacolo)는 레오나르도 다빈치 (Leonardo Da Vinci)가 아마도 1495 년에서 1498 년 사이에 도미니카 수도원 산타 마리아 델리 그라지 (Maria Maria Delle Grazie)에 의해 그려진 가장 유명한 예술 작품 중 하나입니다.
이 유명한 그림은 마태 복음 26 : 21-28을 포함하여 복음과 밀접한 관련이있는 순간에 묘사 된 극적인 장면을 나타냅니다. 예수께서는 사도 중 한 명이 그를 배신한 다음 성찬례를 시행하실 것이라고 선언합니다. 레오나르도의 입장, 제스처 및 표현이 "마음의 개념"을 나타내야한다는 믿음에 따르면, 12 명의 제자 각각은 레오나르도가 사도의 성격에 적합한 것으로 간주 한 방식으로 반응합니다. 그 결과, 기만적으로 간단한 구성으로 표현 된 다양한 인간 감정에 대한 복잡한 연구가 있습니다.
레오나르도는 그러한 큰 그림에서 일하지 않았으며 프레스코의 표준 벽화에 대한 경험이 없었습니다. 페인트는 마른 석고 벽에서 직접 실험적인 안료를 사용하여 수행되었으며, 안료가 습한 석고와 혼합되는 프레스코와는 달리 시간의 흐름은 잘 저항되지 않았습니다. 그것이 끝나기 전에도 벽의 댐러 페인트에 문제가 있었고 레오나르도는 그것을 수리해야했습니다. 수년에 걸쳐 무너졌으며, 기물 파손에 종속되어 폭격을 당하고 회복되었습니다. 오늘날 우리는 아마도 원래 그림을 거의보고있을 것입니다.
마지막 만찬의 주제는 유다가 그를 체포하는 당국 앞에서 그리스도를 식별하기 전에 사도들과 함께 그리스도의 마지막 음식입니다. 마지막 만찬 (그것은 유대인 부활절의 세더에 해당한다고 믿어집니다)은 두 가지 사건으로 기억됩니다. 그리스도께서는 사도들에게 "당신 중 하나가 나를 배신하실 것"이라고 말하고 사도들은 각각의 성격에 따라 반응합니다. 레오나르도는 복음을 언급하면서 펠리페를 대표합니다. 그리스도께서는 대답합니다. "접시에 나와 함께 손을 넣는 사람은 나에게 줄 것입니다"(마태 복음 26 장). 우리는 그리스도와 유다가 유다가 수비로 돌아갈 때조차도 그들 가운데있는 요리를 향해 동시에 퍼지는 것을 본다. 레오나르도는 또한 동시에 빵을 축복 하시고 사도들에게“먹고 먹는다. 이것은 내 몸입니다. "와인을 축복하고"모든 것을 마시십시오. 이것은 죄의 용서를 위해 흘린 협정에서 나온 나의 피이기 때문에”(마태 복음 26 장). 이 말은 성찬례의 성찬식의 창립 순간입니다 (그리스도의 몸과 피의 빵과 와인의 기적적인 변화).
균형 잡힌 구성은 그리스도의 몸에 의해 형성된 정상 삼각형에 의해 고정됩니다. 그는 아치형 페디먼트 아래에 앉아 완료되면 원을 그립니다. 이러한 이상적인 기하학적 형태는 신 플라 토톤주의에 대한 르네상스의 관심 (그리스 철학의 측면을 기독교 신학과의 조정하는 인본주의 중생의 요소)을 나타냅니다. 그의 우화 인 "La Cueva"에서 그리스 철학자 플라톤은 지상 왕국의 불완전 성을 강조했다. 그리스인들이 하늘의 완전성을 표현하기 위해 사용한 기하학은 레오나르도가 지상에서 하늘의 화신으로 그리스도를 축하하기 위해 사용되었습니다. 레오나르도는 창문 너머로 녹색 풍경을 그렸습니다. 종종 천국으로 해석되는이 천상의 성소는 그리스도를 통해서만 성취 될 수 있다고 제안되었습니다. 12 명의 사도들은 3 개 그룹으로 구성되며 3 개의 창문도 있습니다. 3 번은 가톨릭 예술의 삼위 일체에 대한 참조입니다. 대조적으로, 네 번째는 고전 전통에서 중요합니다 (예 : 플라톤의 네 가지 미덕).
마지막 저녁 식사가 완성 된 이후, 그가 걸작으로 선언되었을 때, 벽화는 렘브란트 반 리류 (Rembrandt Van Rijn)와 피터 폴 루벤스 (Peter Paul Rubens)와 요한 볼프강 (Johann Wolfgang von Goethe)과 메리 울 스톤 크래프트 셸리 (Mary Wollstonecraft Shelley)와 같은 작가들의 칭찬을 얻었습니다. 그는 또한 수많은 번식, 해석, 음모 이론 및 소설 작품에 영감을주었습니다. 마지막 저녁 식사의 섬세한 상태는 그림의 매력을 줄이지 않았습니다. 대신, 그것은 예술 작품의 유산의 일부가되었습니다.
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3 번 탕자의 귀환 -Rembrandt (1669)
탕자의 비유에는 아버지에게는 두 자녀가 있습니다. 막내는 그의 상속을 요구하고, 불행을 겪은 후 그의 재산을 낭비하고 집으로 돌아갑니다. 그는 그의 종 중 하나를 만들도록 아버지를 간청하려고하지만, 아버지는 반면에 그의 귀환을 축하합니다. 그의 장남이 반대 할 때, 아버지는 그에게 잃어버린 그의 형제가 이제 의미를 되찾았 기 때문에 축하한다고 말합니다.
렘브란트의 마지막 단어는 탕자의 귀환에 대한 그의 기념비적 인 그림에서 발생합니다. 여기서 그는 마치 이것이 세상에 대한 그의 영적 의지 인 것처럼 자비에 대한 그리스도인 아이디어를 특별한 엄숙함으로 해석합니다. 그것은 종교적 유머와 인간의 동정을 불러 일으키는 다른 모든 바로크 예술가들의 작품을 넘어선 것입니다. 노인 예술가의 현실주의의 힘은 감소하지 않지만 심리적 인식과 영적 의식에 따라 증가합니다. 선택의 단순성과 함께 조명과 표현 색상 및 기술의 마법 적 제안은 이벤트의 전체 영향을 느끼도록 도와줍니다.
아버지와 탕자의 주요 그룹은 거대한 어두운 표면에 대해 빛을 발합니다. 특히 생생한 아들과 장로의 소매의 너덜 너덜 한 드레스는 황금색 올리브와 함께 염색 된 황토입니다. 아버지의 맨틀에서 강렬한 주홍색과 결합 된 황토색은 잊을 수없는 컬러리스트 하모니를 형성합니다. 관찰자는 특별한 사건의 느낌으로 깨어납니다. 아들은 대머리 머리와 추방자의 모습으로 파멸되고 역겨운 아들은 긴 모험과 많은 사기꾼 이후 아버지의 집으로 돌아옵니다. 그는 외국 땅에서 상속을 낭비했으며 vagabund의 상태에 가라 앉았다.
조수 인물처럼 풍부한 옷을 입은 그의 늙은 아버지는 서두르고 서두르고 가장 큰 친자의 사랑으로 잃어버린 아들을받습니다. 이 행사는 순간적인 폭력적인 감정이 없지만, 조각상의 자질 중 일부를 인물에 빌려주는 엄숙한 침착성으로 올라가고 감정에 지속적인 인물을 제공하며, 이는 더 이상 시간의 변화에 영향을받지 않습니다. 잊을 수없는 것은 아버지의 가슴과 그의 아들의 오래된 아버지로지지를받는 회개 한 죄인의 이미지입니다. 아버지의 특징은 숭고함과 8 월의 선의에 대해 말합니다. 노년의 강성이 없어도 그들의 확장 된 손을 마찬가지입니다. 전체는 부드러움으로 조명 된 모든 귀환, 인간 존재의 어둠, 하나님의 자비의 피난처에서 피난처를 취하는 피곤하고 죄 많은 인류의 상징을 나타냅니다.
이 유명한 그림이 전달한다는 고유 한 메시지는 분명합니다. 하나님은 항상 회개 한 죄인을 용서하실 것입니다.
스페인 식민지 요크와 가톨릭 교회의 네덜란드가 석방 된 후에 발생한 종교적 상징적 인은 칼빈주의 교회를 맨손으로 숭배, 설교 및기도에 전념했습니다. 네덜란드 당국은 제단, 신선한 또는 다른 유형의 종교 예술로 숭배 장소를 꾸미고 싶지 않았습니다.
다른 한편으로, 네덜란드는 네덜란드 현실주의, 그림 스타일의 유형과 소규모 성별 초상화로 유명해졌으며, 세부적이고 현실적으로 다양한 유형의 도덕적 메시지가 포함되어 있습니다.
네덜란드의 현실적인 예술가들이 두드러지는 세 번째 유형의 예술은 죽은 자연 (특히 바니 타스 페인팅)의 그림으로 도덕적 메시지, 때로는 종교적인 메시지를 담고있었습니다. 이것은 많은 네덜란드가 "개신교 예술"에 왔습니다.
따라서 렘브란트와 같은 네덜란드 개신교 화가가 성서적 장면에 대한 통찰력있는 통역사가 된 것은 더욱 놀라운 일입니다.
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No.4 Cana의 결혼식 -Paolo Veronese (1562-1563)
이 유명한 그림의 주제는 성 요한 복음 (요한 복음 2 : 1-11)에서 말한 성서적 역사를 기반으로합니다. 결혼식 파티가 끝날 무렵, 와인이 다가 오기 시작하면 예수께서는 석재 항아리가 물로 가득 차라고 요청하여 선생님이 와인으로 변합니다. 예수의 신성한 상태를 증명하는 요한 복음의 7 가지 징후 중 첫 번째 에피소드는 성찬례의 선구자입니다.
Paolo Veronese의 Cana 's Weddings (또는 Cana's Wedding Banquet)는 1563 년 베니스의 San Giorgio Maggiore의 베네딕토 인 수도원을 위해 페인트 된 캔버스의 기름입니다. Veronese는 성서 이야기를 일반적으로 사치스러운 베네치아 결혼식의 가장 현대적인 단계로 바꿨습니다.
Cana의 결혼식은 여러 가지 다른 스타일의 요소를 결합하여 Leonardo, Rafael 및 Miguel Ángel의 작품으로 예시 된 높은 르네상스의 일치를 구성합니다. 이를 위해 매너리즘의 하나 또는 두 가지 특성뿐만 아니라 우화적이고 상징적 인 특징의 양이 추가되었습니다.
그림의 내용은 또한 신성한, 종교적, 종교적, 세속적, 연극과 평범한 유럽과 동부의 복잡한 혼합으로 구성됩니다. 현대 베네치아 사회의 위대한 스타일로 대표되는이 연회는 Doric과 Corinthian 기둥이 옆에있는 안뜰 내부에서 이루어지며 난간이 낮은 곳으로 둘러싸여 있습니다. 멀리서 Padua Andrea Palladio에서 태어난 건축가가 디자인 한 문합 타워를 볼 수 있습니다. 전경에서, 한 음악가 그룹은 여러 류트와 끈 악기를 만집니다. 뮤지컬 인물에는 베니스의 4 명의 위대한 화가 : 베로네스 자신 (흰색 옷을 입고 비올라 다 감바 연주), 야 코포 바사노 (플루트), 틴토 레토 (바이올린) 및 티지 아노 (레드 레드, 첼로를 만지기)가 포함됩니다.
신부 테이블의 식당, 모두를 기다리는 다양한 로열티 회원, 고귀한, 공무원, 직원, 종 및 기타와 함께 베네치아 사회의 대표 샘플과 성경, 베네치아 또는 동양인과 함께 다양한 방식으로 드레스를 대표합니다. 화려한 헤어 스타일과 보석상 기사로 장식 된 장식 된 의상. 카를로스 v 황제 카를로스 v, 레오노르 드 오스트리아, 프랑스의 프란시스코 1 세, 영국의 마리마 1 세, 웅장한, vittoria colonna, giulia gonzaga, 카데널 폴 및 소콜루 메트 패스를 포함하여 수많은 역사적 인물이 카나의 결혼식에 나타납니다. 전체적으로, 130 개의 독특한 인물에 대한이 유명한 깔끔한 그림에서 대표됩니다.
이 작품에서 종교적 열정의 상징은 16 세기의 고급스러운 은색 선박과 함께 포함됩니다. 가구, 편안한, 주전자 및 유리 잔 및 꽃병은 파티를 모든 화려하게 드러냅니다. 테이블의 각 손님은 냅킨, 포크 및 나이프로 완성 된 개별 장소가 있습니다. 이 의미의 복제에서, 세부 사항은 예술가의 눈을 벗어나지 않습니다.
화가는 베네치아 가맹점에 의해 동쪽에서 수입 된 비싼 안료를 선택했습니다. 이 색상은 그림의 가독성에 중요한 역할을합니다. 그들은 대조를 위해 각 수치의 개별화에 기여합니다.
참고 : 이미지의 많은 인물이 서로 상호 작용하지만 실제로는 아무도 이야기하지 않습니다. 이것은 그림이 매달릴 수있는 모든 베네딕틴 승려들이 관찰 한 침묵 규범을 충족시키는 것입니다.
카나의 웨딩 파티에는 많은 상징주의가 포함되어 있습니다. 예를 들어, 전체 작업은 지상의 즐거움과 지상의 사망률 사이의 상호 작용을 상징합니다. 난간 뒤에, 예수의 인물에, 동물은 희생되어 하나님의 어린 양처럼 예수의 다음 희생을 암시하여 그림의 발에 뼈를 씹는 개에 의존하는 언급입니다. 한편, 예수의 왼쪽으로, 성모 마리아 아 큐 카 (Mary Mary Ahueca)는 인류의 새로운 와인, 즉 그리스도의 피를 포함 할 유리를 나타냅니다. 또한 음악가 앞에는 모래 시계가 있으며, 인간의 허영을 포함한 지상의 즐거움의 일시적인 참조가 있습니다.
San Giorgio Maggiore de Venice의 수도원의 베네딕토스는 1562 년 에이 엄청난 그림을 의뢰하여 새로운 식당을 장식했습니다. 결혼식 연회 실현에 Veronese를 저지른 계약은 매우 정확했습니다. 승려들은 수사의 벽 전체를 채우기 위해 그 작품이 기념비적이라고 주장했다. 지상에서 2.5 미터 높이에 매달려있는 것은 확장 된 공간의 환상을 만들기 위해 설계되었습니다. 이 작품 70m²는 15 개월 동안 베로너스를 점령했으며, 그의 형제 베네 데토 칼리아리의 도움으로 가능성이 높습니다. 위원회는 Veronese의 경력의 전환점이었다. 그림이 성공한 후, 다른 종교 공동체는 자신의 수도원에서 비슷한 일을 위해 울었습니다. 예외적 인 차원에도 불구하고, 1797 년 나폴레옹의 군대가 파리로 압수, 등록하여 파리로 보내졌다.
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5 번 아테네 스쿨 - 라파엘 (1509-1511)
Rafel이 그의 유명한 프레스코에서 밝게 상상하는 전 철학자와 수학자, 정치인, 천문학 자들의 영원한 만남에 수백만의 눈이 놀랐습니다.
특히, Rafael 's Fresco, Athens School은 이탈리아의 재건의 독특한 인감이었던 예술, 철학 및 과학의 연합을 상징하게되었습니다. 1509 년에서 1511 년 사이에 그려진이 곳은 Rafael 인 Stanza Della Segnatura가 디자인 한 4 개의 객실 중 첫 번째에 위치하고 있습니다. 그 당시 교황의위원회는 모든 예술가의 경력의 수술이었습니다. Rafel에게는 이미 번성하는 경력의 검증이었습니다.
라파엘은 도전에 부응하여 그의 모든 프레스코 화를위한 광범위한 준비 스케치 카탈로그를 만들었습니다. 그런 다음 디자인을 습식 석고로 옮기는 데 도움이되는 대형 스케일 만화로 확장됩니다. 시스틴 예배당의 지붕에있는 미구엘 반겔 (Miguel Ángel)과 동시에 일하면서, 이것은 경쟁적인 본질을 자극함으로써 라파엘을 향상시키고 영감을주는 데 도움이된다고 믿어집니다.
Rafel은 철학, 신학, 문학 및 법학을 반영하는 대량 구성으로 아이디어를 완전히 새로운 차원으로 가져 왔습니다. 전체적으로 읽으면서 그들은 즉시 교황의 지성을 전달 했으며이 개인 공간에 들어갈만큼 운이 좋은 교육받은 마음 사이의 토론을 일으켰을 것입니다. 아테네 스쿨은 라파엘이 분쟁 (신학을 나타내는)과 파르 나스 (문학을 나타내는) 이후에 완료 한 세 번째 그림이었습니다. 그것은 분쟁에 반대하고 철학을 상징하여 종교적 신념과 세속적 신념 사이의 대조를 설정합니다.
엄청난 건축 환상으로 설정된 아테네 스쿨은 지적 개념을 시각적으로 나타내는 걸작입니다. 그림에서 Rafael은 인물 그룹을 사용하여 철학의 역사와 위대한 그리스 철학자들이 개발 한 다양한 신념에 대한 복잡한 교훈을 제시했습니다. Rafael은 Bramante가 조직 한 Progreso에있는 Sistine Chapel의 개인 전시회를 확실히 알고 있었을 것입니다.
아테네 스쿨의 인물은 누구입니까?
센터 자체의 두 사상가 인 아리스토텔레스는 오른쪽과 플라톤의 왼쪽에 서구의 사고에 대단히 중요했습니다. 다른 방식으로 그들의 다른 철학은 기독교에 포함되었다.
플라톤의 왼쪽에 소크라테스는 그의 독특한 특징 덕분에 알아볼 수 있습니다. 라파엘은 철학자의 오래된 흉상 초상화를 가이드로 사용할 수 있다고한다. 그는 또한 Giorgio Vasari가 예술가들의 삶에서 지적한 것처럼 그의 손의 몸짓으로 식별됩니다.
포 그라운드에서 피타고라스는 학생들로 둘러싸인 책과 잉크 웰과 함께 앉아 있습니다. 피타고라스는 수학적, 과학적 발견으로 잘 알려져 있지만, 또한 Metempsychosis를 굳게 믿었습니다.
반대편에서 피타고라스의 위치를 반영한 유클리드는 나침반으로 무언가를 보여 주려고합니다. 그들의 어린 학생들은 그들이 가르치는 교훈을 포착하려고합니다.
위대한 수학자이자 천문학 자 프톨레마이오스는 유클리드 바로 옆에 있으며 시청자에게 등을 맞이합니다. 노란 옷을 입고 그는 손에 육지 풍선을 가지고 있습니다. 수염이있는 사람은 천상의 풍선을 들고있는 그의 앞에서 멈췄다 고 믿어집니다. 흥미롭게도, 시청자를보고 조로스터 옆에 서있는 젊은이는 라파엘 자신 외에는 아무도 없습니다. 이러한 유형의 자기 포장선의 통합은 그 당시에 들어 본 적이없는 것이 아니지만, 예술가가 그러한 지적 복잡성의 작품과 그의 유사성을 통합하는 것은 대담한 운동이었다.
계단에 누워있는 나이 든 주님은 Diogenes라는 것이 보편적으로 받아 들여졌습니다. 냉소 철학의 창시자는 당시 논란의 여지가있는 인물로 단순한 삶을 살고 문화적 관습을 비판했습니다.
작곡의 가장 눈에 띄는 인물 중 하나는 전경에 앉아 사려 깊은 사람입니다.
철학자들의 분야에서 그는 자기가 가르친 지혜의 선구자 인 헤라 클리 투스입니다. 그는 우울한 인물이었고 다른 사람들의 회사를 즐기지 않았기 때문에 프레스코에서 격리 된 몇 안되는 캐릭터 중 하나가되었습니다.
라파엘의 프로그램을 마치면서 두 개의 위대한 동상이 학교 뒤쪽에 틈새 시장에 앉아 있습니다. 플라톤의 오른쪽으로, 우리는 아폴로를 볼 수 있고, 아리스토텔레스의 왼쪽에는 미네르바가 있습니다. 지혜와 정의의 여신 인 미네르바는 프레스코의 도덕 철학의 측면에서 적절한 대표자입니다. 흥미롭게도, 그 입장은 또한 왼쪽으로 직접 발전하는 법학에 관한 Rafael의 Fresco에 더 가깝습니다.
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6 번 변형 -Rafael (1520)
1517 년 Giulio de 'Medici 추기경 (1478-1534) (Florentine Medici Family)에 의해 곧 교황 Clemente VII (1523-34)가 될 프랑스 Narbonne의 프랑스 대성당의 제단에서 경쟁 경쟁에서 경쟁합니다. Sebastiano del Piombo의 Lázaro의 부활)는 대주교였던이 유명한 종교 예술 작품은 1520 년 Rafael에 의해 미완성되었으며 그의 조수 Giulio Romano (1499-1546)와 Giovanni Francesco Penni (1496)에 의해 완성되었습니다. -1536).
결국, 추기경은 로마에서 그림을 유지했으며 1523 년 교황권에 접근함으로써 그는 로마 몬 토리오에있는 산 피에트로 교회에 그것을 주었다. 1774 년에 새로운 교황 비오 6 세 (1775-99)는 모자이크로 사본을 주문하여 산 페드로 대성당에 설치했습니다. 그림 자체는 1797 년 나폴레옹에 의해 약탈되었고 1815 년에 송환 된 곳에서 파리로 가져 갔다.
이 작품은 두 가지 관련이없는 성서적 사건을 말해줍니다. 위는 그리스도의 변형의 역사입니다. 아랫 부분에는 악마가 소유 한 청년의 이야기가 있습니다.
예수께서는 Tabor 산 (이스라엘)의 꼭대기에서 반짝이는 눈과 같은 흰 가운과 그 옆에 선지자 모세와 왼쪽의 엘리야를 보여줍니다. 예수 뒤에있는 구름이 조명됩니다. 예수께서는 팔을 들고 하나님을 바라 셨습니다.
예수 아래에는 왼쪽에서 오른쪽으로 산티아고, 페드로, 요한의 제자가 있습니다. 하늘이 눈에 너무 밝기 때문에 손으로 얼굴을 가리십시오. 왼쪽의 두 인물은 아마도 Justus와 Pastor 일 것입니다. 이들은 교회가 헌신적 인 두 명의 기독교 순교자이며, 그림이 처음에는 배치되었습니다.
아래에서 당신은 왼쪽에 위치한 산으로 올라 가지 않은 예수의 9 명의 제자들을 볼 수 있습니다. 그들은 악령으로 소유 한 청년을 치료하려고 노력합니다. 왼쪽 아래의 파란색 튜닉의 그림은 아마도 마테오 일 것입니다. 책을 참조하지만 청년을 치료할 수있는 해결책을 찾지 못합니다. 노란색 튜닉의 젊은 제자는 펠리페입니다. 펠리페의 오른쪽에는 빨간 가운과 함께 안드레가 있습니다. 아픈 아이를 가리키는 Andrés 뒤에있는 남자는 Judas Tadeo이며, 그의 왼쪽에서 가장 오래된 사람은 Simon입니다. 극단적 인 남은 사람은 아마도 유다 이스 카리엇 일 것입니다. 제자들은 청년을 치료할 수 없습니다. 이것은 붉은 제자가 왜 산 꼭대기에서 예수를 가리키는지를 설명 할 수 있습니다. 오른쪽에있는 아픈 청년은 허리에 푸른 천을 감싸고 있으며 야생 제스처를 만드는 동안 매우 창백 해 보입니다. 당신은 당신의 눈이 다른 방향으로 보이는 것을 볼 수 있습니다. 녹색 옷을 입은 사람은 그를 붙잡는 그의 아버지이며, 동시에 희망과 두려움으로 제자들을 바라 보는 아버지입니다. 청년 앞에서 두 여자는 청년을 가리키면서 제자들을보고 있습니다.
두 이야기 모두 마태 복음 17 장, 마르코스 9 장, 누가 복음 9 장에서 묘사되어 있습니다. 성서 역사는 예수가 세 명의 제자들과 함께 산에서 세 명의 제자들과 함께기도 할 때 어떻게 빛나는 영광으로 변형되는지 묘사합니다. 예수께서는 모세와 엘리야와 함께 말씀 하시고 또한 하나님의 음성을 듣습니다. 변형 당은 여전히 8 월 6 일 또는 8 월 19 일에 많은 교회에서 축하됩니다.
변형의 치수는 403x276 cm입니다. Rafael은 캔버스에 페인트를 칠하는 것을 선호했지만이 그림은 선택된 매체와 같이 나무에 유화로 만들어졌습니다. 라파엘은 실제로이 그림에서 바로크 시대의 진보 된 매너리즘과 기술을 보여주었습니다. 하단의 그림의 양식화되고 꼬인 포즈는 매너리즘을 나타냅니다. 이 인물들 안에서의 극적인 긴장과 어둠에 빛을 자유롭게 사용하거나 Chiaroscuro의 대조는 드라마, 긴장, 충동 또는 조명을 만들기 위해 과장된 운동의 바로크 기간을 나타냅니다. 그만큼 변형 그는 라파엘의 죽음이 너무 빨리 왔던 것처럼 그의 시간으로 발전했습니다.
그만큼 변형은 u였다마지막으로 라파엘의 위대한 작품과 알토 이탈리아 르네상스의 의심 할 여지가없는 걸작은 이제 바티칸 박물관 중 하나 인 사도 피나코 테카에 있습니다. 바티칸 보존 전문가들이 1977 년에 수행 한 중요한 복원의 결과로, 라파엘 르네상스 컬러 팔레트는 이제 완전히 보이고 그림은 깨끗한 화려 함을 회수했습니다. 복원은 또한 그림의 창조자에 대한 지속적인 질문을 소멸시켰다. 완성되지 않았지만이 위대한 걸작은 완전히 Rafael의 천재의 산물이었습니다.
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No.7 최종 판결 -Miguel Ángel (1475-1564)
Kuadros는 독자 에게이 상징적 인 프레스코의 역사를 자세히 살펴보고 최종 판단이 종교 예술의 세계에 어떻게 지속되는지 더 잘 이해합니다.
서구의 예언 종교 (즉, 조로아아아아 교양, 유대교, 기독교 및 이슬람)는 이미지가 풍부한 최종 판단의 개념을 개발했습니다.
"그것은 살아 있고 죽은 것을 판단하게 될 것이다"(기독교 신앙의 첫 번째 진술 중 하나 인 사도들의 신조에서).
최종 판단은 Paul III가 1534 년에 교황권에 선발 된 최초의 예술 작품 중 하나였다. 그가 물려받은 교회는 위기에 처해 있었다. 로마의 약탈 (1527)은 여전히 최근의 기억이었다. 바울은 개신교 개혁을 일으킨 많은 학대뿐만 아니라 가톨릭 교회의 정당성과 그의 교리의 정통 (교황권 제도 포함)을 확인하려고 노력했다. 시각 예술은 최종 판단을 의뢰했을 때 자신의 친밀한 서클에 대한 메시지로 시작하여 의제에서 중요한 역할을 할 것입니다.
Miguel Ángel이 그의 성숙한 스타일에 완전히 있었을 때 그려진 예술 작품은 즉각적인 영향을 미쳤으며 논쟁을 일으켰습니다. 인류에 대한이 마지막 판단은 르네상스의 예술가에게는 드문 주제가 아니었지만 미구엘 Ángel은 독점적으로 감사하고 눈에 띄는 스타일을 사용하여 독점적으로 수행했습니다.
이 새로운 시스틴 예배당의 벽에는 특정 주제 인 최종 판단이있을 것입니다. 예수 그리스도의 재림에 대한 묘사와 인류에 대한 하나님의 마지막 심판은 르네상스 전역에서 인기있는 주제였습니다. 시간이 지남에 따라 주제에 대한 Miguel Ángel의 비전은 상징적이되었습니다. 프레스코에서 우리는 전문가 들이이 이야기를 수행하기 위해 300 명 이상의 수치를 그려 보는 것을 볼 수 있습니다. 그리스도께서는 가운데에 앉아 지옥의 깊이에 빠지는 유죄 판결을받은 사람을 판단하기 위해 손을 들었습니다. 기복이있는 근육 으로이 그리스도는 인상적인 인물입니다. 그의 왼쪽에는 성모 마리아가 앉아 있습니다. 그는 게시 된 소유물을 채택했으며 구원받은 사람들을 향한 것입니다. 이 중앙 부부 주변에는 중요한 성도 그룹이 있습니다. 하늘의 열쇠를 가진 산 페드로와 세인트 요한 침례교는 그리스도와 같은 규모로 보여집니다. 카론테와 유죄 판결을받은 영혼. 일반적인 구성은 유동적 인 움직임으로 회전하며, 유죄 판결을받은 사람들은 지옥으로 밀려 나가는 동안 무덤에서 올라가는 사진에서 그리스도의 왼쪽으로 구원을 받았습니다. 프레스코의 아래쪽에서 우리는 신화적인 인물 인 카론테를 봅니다. 그리스와 로마 신화에서 그는 영혼들을 지하 세계로 옮겼습니다. 여기서 그는 그들을 지옥으로 직접 가져다가 무시 무시한 캐릭터로 가득합니다.
그의 위대한 서사시 인 신성한 코미디에서 단테로서, 미구엘 Ángel은 순간의 위대함에 합당한 서사적 인 그림을 만들려고했습니다. 그는 은유와 암시를 사용하여 자신의 주제를 장식했습니다. 그의 교육받은 청중은 그의 시각적, 문학적 참조로 기뻐할 것입니다. 원래 제한된 청중을 대상으로 한 Fresco의 생식 조각은 어디에나 빠르게 퍼져서 종교 예술의 장점과 학대에 대한 애니메이션 센터 토론에 배치했습니다.
일부 사람들은이 유명한 그림을 예술적 업적의 정점으로 응원했지만 다른 사람들은 그것을 종교 예술에 문제가 될 수있는 모든 것의 전형으로 생각하고 그들의 파괴를 요구했습니다. 결국, 약속에 도달했습니다. 1564 년 예술가가 사망 한 직후, Daniele Da Volterra는 커튼 조각으로 날카와 알몸으로 알몸을 덮기 위해 고용되어 원래 의류없이 묘사 된 산타 카탈리나 데 알레 잔드 리아 (Santa Catalina de Alejandría)와 스틸 빗으로 그녀를 위협하는 산 블라스 (San Blas) !).
16 세기에 제한된 청중과 달리, 이제 수천 명의 관광객들이 매일 최종 판결을 봅니다. 그러나 교황이 회복하는 동안 다시 한 번 구원의 역사에서 자신의 자리의 추기경 대학에 대한 강력한 알림이됩니다. 그들은 지상의 그리스도의 비카 (다음 교황)를 선택하기 위해 만나서 방목을 담당 할 사람입니다. 충실한. 선택한 사람들의 공동체에서.
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No.8 Babel의 타워 -Pieter Bruegel El Viejo (1563)
구약의 역사에 따르면, 하나님은 세 가지 방법으로 인류를 처벌하셨습니다.
첫 번째는 원래 죄 후 에덴에서 아담과 에바의 추방이었다. 그런 다음 큰 홍수, 인간의 죄악의 다수에 대한 처벌이왔다. 그리고 세 번째는 폭력적인 새로운 도시 바빌론 시민들의 자부심과 추정을 불신 할 때 하나님 께서 "모든 사람의 연설을 혼란스럽게하고 지구의 넓은 얼굴을 통해 그들을 전파했습니다."
바빌로니아 사람들은 염증성을 했습니까? 하나님의 눈 안에서 그들은 거대한 탑의 건축으로 대표되는 "위대한 사람들"이 되고자하는 선언 된 욕망으로 사물의 질서에 도전했습니다. 인간은 육체적이든 은유 적이든, 그러한 높은 높이를 열망해야했습니다. 이것을 위해 하나님이 선택한 형벌은 모든 사람들을 연합시키는 데 사용 된 공통 언어를 끝내고 "이해할 수 없도록"다양한 언어를 만들어내는 것이 었습니다. 그 결과 혼란은 "도시 건설이 끝났다"는 것을 의미했습니다. 성서에 따르면, "그것이 도시를 바벨이라고 불렀습니다"또는 바빌론에 따르면. 하나님을 너무 화나게 한이 위대한 탑의 모든 예술 표현 중에서 가장 기억에 남는 것은 Pieter Bruegel El Viejo (1563)의 바벨 탑입니다.
종교 예술에 전념하는 많은 그림 중 하나 인이 유명한 그림은 Pieter Bruegel이 그린 바벨 타워의 세 가지 버전 중 두 번째였습니다. 첫 번째 버전 (현재 잃어버린)은 크로아티아 Giulio Clovio (1498-1578)에서 태어난 이탈리아 미니어 주의자의 인벤토리에 있었던 상아 소형 미니어처였습니다. Bruegel이 1553 년 로마에서 공동 작업 한 사람 1564 년에 날짜가있는 Wood는 현재 로테르담의 Boijmans van Beuningen Museum에 위치하고 있습니다. 로테르담의 그림은 비엔나의 이미지 후 약 1 년 후에 날짜가 있다고 믿어집니다. "그레이트"비엔나 타워는 "작은"로테르담 타워보다 거의 두 배나 크며 대상의 전통적인 치료가 특징입니다. 주님 께서 "꼭대기가 하늘에 도달 할 수있는 탑"을 짓기 시작한 사람들을 혼란스럽게하는 창세기 11 : 1-9를 바탕으로 다른 버전이하지 않는 것처럼 니메로드 왕과 그의 측근의 장면이 포함됩니다. 수많은 무릎을 꿇는 노동자들 앞에. 이 사건은 성서에서 언급되지 않았지만 플라 비오 요세푸스 유대인의 골동품으로 제안되었습니다.
Bruegel에게는 그가 이미지를 강조 해야하는 왕의 자부심과 오만의 죄를 강조했기 때문에 중요했습니다.
세부적인 현실주의 바벨 타워는 의심 할 여지없이 건물 건설과 관련하여 많은 양의 세심한 세부 사항을 제시합니다. 채널. 오른쪽에는 Grimani Breviary의 항구에 눈에 띄게 배치 된 것과 매우 유사한 거대한 크레인이 있습니다.
개미는 비슷한 노동자들이 아래에서받은 거대한 돌 슬래브로 그것을 가지고 다니고 다른 사람들이받을 준비가되어있는 상단 경사로로 넘어갈 것입니다. 노동자는 해당 섹션을 향해 사다리를 올라가고 있으며,이 부분은 바위에서 다른 많은 사람들이 구성하는 건축물로 변형됩니다. 왼쪽에서, 외관의 일부는 이미 부분적으로 끝나고있다. 한 여성은 문 중 하나를 통해 들어가고 사다리는 상단 창 중 하나를 통해 나타납니다. 위의 또 다른 대규모 수많은 노동자들이 지붕에서 일하고 있으며 무한대로 일합니다.
이러한 개별 행동의 합리성이 무엇이든,이 시점은 아직 완전히 조사되지 않았으며, 관중은 전체 건설 회사의 광기뿐만 아니라 엔지니어링 미디어의 그로테스크 한 부족을 즉시 느낍니다.
열심히 일하는이 '개미'는 훌륭하게 입증 된 절망적 인 역경에 직면합니다. 같은 수준 내에서 마지막 세부 사항의 종료는 무기력 한 시간에 중간 단계가있는 상태에서 벌거 벗은 시작과 반대되는데, 이는 중간 단계가 중간 단계에 반대되는데, 이는 무질서한 시간에 대한 열렬한 경주를 암시하는 반면, 상단 부분은 여전히 구름에 의해 침입됩니다.
우리가 Bruegel의 그림을보고 그것을 해석하려고 할 때, 우리는 또한 번역 운동에 몰두하고 있습니다. 그는 단순히 성경 역사에 시각적 표현을 주었습니까? 아니면 더 넓은 일을하려고 했습니까? 아니면 단순히 둘 다의 조합입니까?
미술계에서는 Bruegel의 의도에 대한 동의가 반드시 동의하지는 않는다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 교사는 공개적으로 논란의 여지가없는 대신, 그의 작품을 표지판으로 내놓고 우리를 떠나 자신의 충실한 관중들을 우리 자신을 위해 해석했습니다.
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No.9 Virgen Del Jilguero -Rafael (1505-1506)
Rafael의 Florentine 패널 중 하나 인 Virgen Del Jilguero는 그녀의 친구 Lorenzo Nasi와 Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani의 결혼으로 Rafael에 의해 그려졌습니다. Vasari가 언급 한 것처럼 1547 년 NASI 하우스가 부분적으로 붕괴 된 후이 그림은 심각하게 손상되었습니다. 그 후, 그것은 아마도 라파엘의 영향을받은 Ghirlandio 워크숍의 동료 인 Michele di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini)에 의해 복원되었을 것입니다.
예수께서는 침례교의 아이가 방금 주신 jilguez 새를 사랑스럽게 쓰다듬고 있습니다. 따라서 열정의 상징 (가시를 먹이기 때문에 피크)은 첫 번째 수준의 의미에서 단순히 아이들이 놀고있는 것으로 볼 수있는 장면에서 결합됩니다.
라파엘은 당시 유럽의 최전선에 있었던 피렌체 예술의 업적을 흡수했다. 작가는 레오나르도의 인물에 크게 영향을 받았습니다. 위대한 예술가 과학의 영향은 최근에 회복 된 (2008) 현명하고 숙련 된 아름다운 마돈나 델 질지로 ( "마돈나 델 카 델리 노") (1506)에서 나타납니다. 라파엘은 피라미드 조성 접근법, 캐릭터들 사이의 희미한 빛과 정서적 대화의 부드러운 영향을 받아 레오나르도 그림의 요소를 드러냅니다. 그럼에도 불구하고, 라파엘의 개인적인 스타일이 무엇인지 분명합니다. 얼굴의 극단적 인 단맛, 특히 Madonnas, 색상의 훌륭한 사용, 풍경의 현실적인 재생산 및 인물 사이의 깊은 친밀감.
성모 마리아는 빨간색과 파란색으로 옷을 입고 있습니다. 레드는 그리스도의 열정의 상징이며 파란색은 교회와 마리아의 상징입니다. 그것은 가장 비싼 안료 중 하나 였으므로 마리아와 같은 중요한 인물에서 사용하기에 적합합니다. 유럽 질지로는 예수의 십자가에 못 박히신 것과 관련이 있습니다. 이 그림에서 세인트 요한은 그의 폭력적인 죽음에 대한 경고로 새를 예수에게 전달합니다. Mary가 보유한 책에서 전문가들은 "sedes sapientiae"라는 단어를 확인했습니다. 이것은 마리아에게 주어진 헌신적 인 제목 중 하나이며 "지혜의 자리"를 의미합니다. 마리아가 예수를 낳았다는 것을 강조합니다 (지혜를 나타내는). 마리아가 "지혜의 자리"의 역할로 표현 될 때, 그는 보통 무릎에 예수님과 함께 왕좌에 표시됩니다. 그러나이 경우 마리아가 느끼는 암석은 왕좌 역할을합니다.
그림에서 여러 꽃을 볼 수 있습니다. 모든 꽃이 결정적으로 식별 된 것은 아니지만 많은 사람들은 꽃이 다음과 같이 믿는다 : 아네모네 (예수의 열정으로 마리아의 고통을 나타내는), 마가리타 (아이 예수의 결백을 나타내는), 바나나 ( 예수님을 따르십시오)와 바이올렛. (겸손을 나타내는).
유럽 예술에서는 피크가 자주 상징으로 사용됩니다. 유럽의 질지로 (Carduelis Carduelis)는 붉은 얼굴을 가지고 있으며 흑백으로 머리를 가지고 있습니다. 수백 개의 중생 그림이 Jilguero를 대표했습니다. 유럽 질지로는 종종 부활뿐만 아니라 영혼, 희생 및 죽음과도 관련이 있습니다. 전설에 따르면 예수의 왕관에서 가시를 찢고 싶었을 때 예수의 십자가에 못 박히는 동안 플레이어가 머리에 붉은 반점을 받았으며, 예수의 피가 머리를 뿌렸습니다. 사실, 플레이어는 엉겅퀴와 가시를 먹는 것으로 알려져 있으며, 따라서 예수 께서 그의 십자가에 못 박히신 가시의 왕관과 관련이 있습니다.
풍경, 특히 아키텍처 형태는 플라멩코 예술의 영향을 반영하지만 여전히 Umbria의 방식으로 구성되어 있습니다. 이 영향은 콰트로 센토 후반의 우르 비노에서와 같이 피렌체에서 살아있었습니다. 아마도 그것은 경사 지붕과 높은 바늘, 지중해 풍경의 특이한 요소에서 더 잘 보입니다. 미구엘 야 겔의 영향은 아동 그리스도의 잘 구조화 된 인물에서 다시 분명합니다.
이 유명한 그림은 건물의 붕괴로 인해 16 세기 말에 심각한 피해를 입었습니다. 그는 목재 패널을 변형시킨 깊고 긴 컷과 같은 심각한 피해를 입었습니다. 수세기에 걸쳐 많은 수복물이 뒤따 랐지만 마지막 (2008 년 제작) 덕분에 작품은 원래 화려 함으로 돌아 왔습니다. 그러므로 Virgen del Jilguero는 Rafael의 위대한 화가 인 "Divine"의 가장 아름다운 예 중 하나로 다시 사랑 받고 존경받을 수 있습니다.
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San Juan de La Cruz의 10 위 - 살바도르 달리 (1951)
산 후안 데 라 크루즈 (San Juan de La Cruz)의 그리스도는 1951 년 스페인의 초현실적 인 화가 살바도르 달리 (Salvador Dalí)에 의해 페인트를 받았다.
의심 할 여지없이 Dalí의 가장 잘 알려진 종교 사업은 그의 "San Juan de la Cruz의 그리스도"이며, 그 수치는 포트 라리 가트 베이를 지배합니다. 이 그림은 그림에서 영감을 얻었으며 스페인 Ávila의 화신 수녀원에 보존되어 있으며 황홀경 중에이 그리스도의 비전을 본 후 San Juan de La Cruz가 스스로 만든 그림에서 영감을 얻었습니다.
Dali의 그림에서 배 옆 사람들은 Le Nain의 이미지와 Breda의 항복을 위해 Diego Velázquez의 그림에서 파생됩니다. 달리는 그리스도에 대한 그의 연구가 끝날 무렵, "1950 년에 나는 1950 년에 나는이 색상 이미지를 보았고 꿈에서 원자의 핵을 나타내는 '우주의 꿈'을 가졌다. 나중에 형이상학 적 의미를 얻었습니다. 나는 '우주의 통일성'에서 그리스도에게 고려했습니다. 기하학적으로 삼각형과 원으로, 이전 실험을 미적으로 요약 하고이 삼각형에 내 그리스도를 등록했습니다. "
초상화에서 살바도르 달리 (Salvador Dalí)는 독창적으로 파란색과 녹색을 포함하여 바다의 놀라운 풍경, 아마도 갈릴리 바다의 우화를 묘사하는 두 가지 다른 사실적인 색상을 독창적으로 사용했습니다. 화가는 그리스도의 몸이 십자가의 공기에 매달려있는 동안 눈의 수준에서 바다를 칠하기 위해 독특한 기술을 사용했습니다. 십자가 뒤에서 화가는 검은 기름 페인트를 사용했습니다. 이것은 그리스도의 몸을 관심의 중심으로 만드는 것이 었습니다.
Dalí는 그리스도의 근육을 훌륭한 어조로 묘사 할 수있었습니다. 그 외에도 그는 깊이를 만들어내는 그림자를 칠할 수있었습니다. 또한 살바도르는 눈의 높이에서 먼 산을 그렸습니다. 이미지의 바닥에서, 당신은 그의 보트와 함께 부두에 서있는 외로운 남자를 볼 수 있습니다. 유명한 화가는 현실적인 색상과 질서있는 디자인을 결합하여 종교적 인물의 인상적인 초현실적 인물을 만들 수있었습니다.
원래 16 세기 버전은 죽어가는 사람이 그것을 존경하는 것을 보여줄 때 볼 수있는 각도에서 십자가에 못 박히는 것을 묘사한다고합니다.
Dalí는 우리가 위에서 직접 그리스도와 십자가를 보게하고 아래의 구름 세트와 그 아래의 지구를 내려다 보게합니다. 그것은 실제로 아버지 하나님의 하늘의 관점입니다. 아들 그리스도 께서 아버지와 같은 관점을 공유한다는 것은 흥미 롭습니다. 그의 관점은 아버지의 관점을 따르고 계속됩니다. 네 번째 복음은 아들이 아버지에게서 왔으며 그와 하나라는 것을 강조합니다. 어떤 식 으로든, 아버지는 또한 아들을 세상에 제공하여 그를 구해주십시오.
산 후안의 그리스도의 그림에서, 예수의 성심은 외부에서 반영되지 않지만 십자가의 무지를 극복하는 힘의 예술적 배치에 관여합니다. 달리는 우리에게 승리 한 그리스도를 그립니다. 그것은 산 후안 드 라 크루즈의 그리스도가 사랑으로 죽음으로 만료되었다는 것을 보여줍니다.
달리의 "산 후안 데 라 크루즈 (San Juan de la Cruz)의 그리스도"에서, 십자가에서 매달려있는 예수는 권력과 권위를 무장 해제하고 그들을 대중의 광경으로 만들어 십자가에서 그들의 사랑의 힘으로 그들을 승리시켰다 (Col. 2 : Col. 2 :. 15).
따라서 십자가는 악으로 만료되는 곳입니다. 어둠이 빛에 의해 패배하는 곳입니다. 여자의 씨앗은 마침내 뱀의 머리를 부수고 (창 3:15) 세상에 대한 고발이 파괴되었습니다. 교차 할 때 못 박았다. 무엇보다도, 그것은 사랑이 고민하는 곳과 모든 형태의 악의를 정복하는 곳입니다.
이 유명한 달리 작품은 런던에서 처음 전시 될 때 중요한 예술 비평가에 의해 평범한 것으로 간주되었습니다. 그러나 몇 년 후, 그는 글래스고 박물관에 매달려있는 동안 팬에 의해 자르고 관중들에게 놀라운 반대의 영향을 증명했습니다.
그림에는 Dalí의 경이로운 재능의 표시 인 몇 가지 관점이 있습니다.
Dalí의 작품은 아직 공개 영역에 있지 않기 때문에 Kadros는이 화가의 복제본을 만들지 않고 물론 그를 감탄하지 않습니다.
Kuadros ©, 벽에 유명한 페인트.
1 논평
bobby
bellíssimo post