미술사의 기초는 고대 문명이 문화적으로 중요한 주제를 나타내는 기술과 수단을 사용했을 때까지 수만 년으로 거슬러 올라갑니다. 이 첫 번째 사례에서, 그들은 각각 다른 스타일과 특성을 가진 많은 예술적 운동을 따랐습니다.
Fauvism은 무엇을 의미하며 개념 예술은 무엇입니까? 예술에 대해 이야기하는 것은 그 자체로 훈련처럼 보이며, 당신이 예술계에서 새로운 것이라면, 아마도 예술과 다른 유형의 예술의 각 운동에 대해 많은 질문이있을 것입니다.
르네상스에서 모더니즘의 출현에 이르기까지 영향력있는 예술 장르는 의심 할 여지없이 역사에서 그들의 표를 남겼습니다.
역사와 예술적 운동의 중요성에 대한 분명한 개념을 가지고, 우리는 반 고흐, 피카소, 워홀과 같은 유명한 예술가들이 예술의 세계에 혁명을 일으킨 방법에 대한 명확한 이해를 가질 것입니다.
Kadros는 당신에게 가장 중요한 움직임 목록을 만들었습니다.
No.1 이탈리아 르네상스 (1400–1550)
Giberti Doors, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
14 세기 말에 d. C., 소수의 이탈리아 사상가들은 그들이 새로운 시대에 살았다 고 선언했다. 바바라는 "중세 시대"가 끝나지 않았다. 새로운 것은 학습과 문학, 예술 및 문화의 "Rinincità"( "르네상스") 일 것입니다. 이것은 현재 르네상스로 알려진 시대의 탄생이었습니다. 수세기 동안 학자들은 이탈리아의 중생 ( "중생"에 대한 또 다른 단어)이 정확히 그런 식으로 일어났다는 데 동의했습니다. 그는 오래된 아이디어를 대체했습니다. 사실, 너무 많은 르네상스의 과학적, 예술적, 문화적 업적의 대부분은 공통된 문제, 특히 인간이 자신의 우주의 중심이라는 인본주의 적 신념을 공유합니다.
15 세기 이탈리아의 맥락에서 이탈리아 르네상스는 유럽의 다른 곳과 달랐습니다. 그것은 각각 다른 형태의 정부를 가진 독립 도시 국가로 나뉘었다. 이탈리아의 중생이 시작된 피렌체는 독립 공화국이었습니다. 또한 은행과 상업 수도였으며 유럽에서 세 번째로 큰 도시인 런던과 콘스탄티노플 이후입니다. 부유 한 플로렌 틴은 돈을 과시하고 예술가와 지식인의 후원자 또는 지지자가 될 수있었습니다. 이런 식으로 도시는 유럽과 르네상스의 문화 중심지가되었습니다.
르네상스는 두 부분으로 나뉘 었다고 말할 수 있습니다.
초기의 중생 기간 동안 예술가들은 비잔틴 스타일의 종교적 그림을 거부하기 시작했고 인간의 형태와 공간을 표현하는 데 현실주의를 만들기 위해 고군분투했습니다. 현실주의에 대한이 목표는 Cimabue와 Giotto에서 시작하여 Andrea Mantegna 및 Paolo Uccello와 같은 "완벽한"예술가의 예술에서 최고점에 도달했습니다. 종교는 르네상스 기간 동안 살았던 사람들의 일상 생활에서 중요한 요소 였지만, 우리는 또한 신화적인 주제 인 헐떡 거리는 새로운 경로가 열려 있습니다. 많은 학자들이 지적합니다 금성의 탄생 신화 장면의 첫 번째 패널 그림으로서의 Botticelli.
높은 중생으로 알려진 기간은 초기 재생의 목표의 정점을 나타냅니다. 이 단계에서 가장 잘 알려진 예술가는 Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano 및 Miguel Ángel입니다. 그의 그림과 신선한 것은 가장 잘 알려진 예술 작품 중 하나입니다. 마지막 식사 다 빈치, 아테네 학교 Rafael과 Miguel Ángel의 Sistine Chapel의 지붕의 그림은 이시기의 걸작이며 높은 르네상스의 요소를 구현합니다.
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No.2 Barocco (1600–1750)
Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
바로크 용어는 궁극적으로 이탈리아 단어 바로코에서 파생되며, 철학자들은 중세 시대에 도식 논리의 장애물을 설명하기 위해 사용했습니다. 그 후,이 단어는 관련된 아이디어 나 관련된 생각의 과정을 나타냅니다. 또 다른 가능한 소스는 바로크 포르투갈어 (Spanish Barrueco)로 불규칙하거나 불완전한 진주를 설명하는 데 사용되는 바로크 포르투갈어 (Spanish Barrueco)이며,이 용도는 여전히 보석상의 바로크 진주 용어에서 남아 있습니다. 바로크는 17 세기 초부터 18 세기 중반까지 유럽에서 개발 된 예술과 건축의 운동입니다. 그것은 극적이고 과장된 운동과 초현실주의와는 거리가 멀어 드라마, 긴장, 충동 및 위대함을 만들어내는 명확하고 해석하기 쉬운 세부 사항을 강조합니다.
이탈리아에서 발생한 첫 번째 징후는 16 세기의 지난 수십 년부터 시작되었으며, 일부 지역, 특히 독일과 식민지 남미에서는 18 세기까지 바로크의 특정 업적이 발생하지 않았습니다.
예술가들은 르네상스의 아름다움의 이상을 계속 부활시켜 예술, 음악 및 건축 작품을 심어 주었고, 새로운 풍성한 화려 함과 화려한 성향으로 인해 고전주의가 더욱 향상되었습니다. 이 고도로 장식 된 스타일은 바로크로 만들어졌으며 혁신적인 기술과 세부 사항으로 특징 지어졌으며, 예술을 위해 비교적 감쇠시기에 새롭고 무성한 시각적 언어를 제공합니다. 바로크는 주로 로마 교황과 이탈리아, 프랑스, 스페인 및 플랑드르의 가톨릭 통치자들에 의해 유럽 전역에 퍼졌습니다. 그것은 광범위한 수도원과 수녀원 네트워크를 통해 강력한 종교 질서로 더 많이 퍼져 있습니다. 이 스타일은 프랑스, 북부 이탈리아, 스페인 및 포르투갈, 오스트리아와 남부 독일로 빠르게 확장되었습니다.
이 프로그램에서 개발 된 바로크 스타일은 역설적으로, 관능적이며 영적이었습니다. 자연주의적인 대우로 인해 평균적 교구민이 종교적 이미지를보다 접근 할 수있게되었지만, 드라마틱하고 환상적인 영향은 경건과 헌신을 자극하고 신의 화려함에 대한 인상을 전달하는 데 사용되었습니다. 바로크 교회의 지붕은 관찰자에게 무한대의 생생한 비전을 제시 한 페인트 장면에 녹아서 천상의 관심사에 대한 감각을 지시했습니다.
주제와 스타일조차 바로크 그림마다 다를 수 있지만,이 시대의 대부분의 작품은 드라마입니다. 화가의 작품에서 CARAVAGGIO 그리고 렘브란트드라마에 대한 관심은 빛나는 빛과 임박한 그림자 사이의 격렬한 대조로 구체화됩니다.
스페인 사람들이 주로 통치하는 가톨릭 지역의 위대한 교사는 화가였습니다. 피터 폴 루벤스폭풍우가 많은 대각선 구성과 완전한 혈액의 넓은 그림은 바로크 페인트의 전형입니다. Anthony Van Dyck의 우아한 인물 사진과 Jacob Jordaens의 강력한 비 유적 작품은 Rubens의 예를 모방했습니다. 네덜란드의 예술은 지배적 인 중산층 패턴의 현실적인 취향에 의해 조절되었으므로, 그 나라의 수많은 장르와 조경 화가들과 Rembrandt 및 Frans Hals와 같은 인상적인 교사들은 중요한 측면에서 스타일 바로크와 독립적으로 남아있었습니다. . 그러나 바로크는 영국, 특히 Christopher Wren 경과 John Vanbruch 경에 의해 설계된 교회와 궁전에서 영국에 큰 영향을 미쳤습니다.
Miguel Ángel의 상징적 인 David를 포함하여 르네상스의 동상과 마찬가지로, 바로크 조각품은 종종 장엄한 건물을 장식 할 운명이었습니다. 그들은 또한 황금 교회의 인테리어와 실제 정원과 같은 다른 위대한 시나리오를 의뢰했습니다.
마지막 바로크 개화는 독일 남부와 오스트리아의 가톨릭 로마였으며, 1720 년대에 원주민 건축가가 이탈리아 건축 모델과 분리되었습니다.
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No.3 Realism (1848–1900)
일부 지수 : Corot, Court, Daumier, Millet.
현실주의, 예술, 정확하고 상세한 표현과 자연이나 현대 생활의 장식품이없는 것. 현실주의는 외부 외관을 면밀히 관찰하기 위해 상상의 이상화를 거부합니다. 따라서, 넓은 의미의 현실주의는 다른 문명에서 많은 예술적 흐름을 다루었 다. 예를 들어, 시각 예술에서, 현실주의는 권투 선수와 오래된 혐의를 정확하게 묘사하는 고대 헬레니즘 그리스 조각에서 찾을 수 있습니다. Caravaggio, 네덜란드 장르의 화가, 스페인 화가 José de Ribera, Diego Velázquez 및 Francisco de Zurbarán과 같은 17 세기 화가의 작품은 프랑스의 Le Nain 형제입니다. 18 세기의 영국 소설가 인 Daniel Defoe, Henry Fielding 및 Tobias Smollett의 작품은 현실적이라고도합니다.
사실주의는 1850 년대 프랑스에서 발생했습니다. 1848 년 혁명 직후, 국가에서 "일할 권리"를 확립 한 사건 인이 운동은 평균, 노동 계급, 현대 시나리오, 현대 시나리오 및 일상적인 장면에 대한 아이디어를 소개했습니다. 괜찮은 예술적 테마로.
현실주의는 알레한드로 2 세의 러시아에서 빅토리아 여왕 영국, 독일의 독일, 길레르모 1 세에서 리시 오르 멘토 이탈리아, 합스부르크 제국, 스칸디나비아 및 국가에 이르기까지 유럽 전역에 걸쳐 확장되었습니다. 1855 년은 유럽의 현실주의 설립에서 중요했습니다.
Gustave Coubet 그것은 종종 사실주의의 주요 인물로 간주됩니다. 그는 1840 년대에 농민과 노동자들을 묘사하기 시작했을 때 운동의 기초를 마련했다. Courbet이 그들을 영화 롭게하지는 않았지만, 그는 대담하게 그들을 제시하고 예술계에서 폭력적인 반응을 심하게 만들었다는 사실.
Courbet의 스타일과 작업은 Barbizon School의 화가들에 의해 이미 깨진 들판에 지어졌습니다. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet 및 1830 년대 초반에 프랑스 마을 Barbizon에 풍경의 현지 특성을 충실하게 재현하기위한 목적으로 설립되었습니다.
프랑스 이외의 그림 현실주의는 아마도 미국에서 19 세기에 더 잘 대표되었을 것입니다. 그곳에서 토마스 아이 킨스 (Thomas Eakins)의 해양 문제와 초상화, 내비게이션 장면 및 기타 작품에 대한 Winslow 호머의 강력하고 표현력있는 그림은 솔직하고 매력적이지 않으며 현대 생활에 대한 매우 관찰 된 기록입니다. 현실주의는 20 세기의 예술에서 다른 모습이었으며 일반적으로 예술가들이 일상 생활에 대한 견해를 더욱 진실하고 진실하며 예술을 비판을위한 비평을위한 수단으로 사용하려는 시도를 이상적으로 제시하려는 예술가들의 욕구에서 비롯된 것입니다. .
8 명 (8)으로 알려진 미국 화가 그룹의 이음새와 함께 도시 생활의 거칠고 설명 된 거의 저널리즘 장면은 첫 번째 범주에 떨어집니다. Neue Sachlichkeit로 알려진 독일 예술 운동. 소비에트 연방에서 공식적으로 후원하는 사회주의 현실주의는 자연 주의적 이상화 기술을 사용하여 영웅적인 긍정적 인 것과 진정한 신뢰가 부족한 대담한 노동자와 엔지니어의 초상화를 만들었습니다.
또한 현실주의는 포토 리얼리즘과 과도주의와 같은 현대 미술의 중요한 움직임에 직접 영감을 주었다. 현대적으로 현대적인 현대의 접근 방식에 기초하여, 이러한 장르는 혁신적인 운동의 지속적이고 진화적인 유산을 보여줍니다.
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No.4 인상주의 (1865-1885)
일부 지수 : Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
프랑스 인상주의는 19 세기와 20 세기 초에 프랑스에서 주로 개발 된 그림과 음악에서 중요한 운동입니다. 회화에서 인상주의의 가장 주목할만한 특징은 종종 외부에있는 주변 환경에 대한 현실적인 표현에 정확하고 객관적으로 등록하려는 시도였습니다. 음악에서는 엄격한 공식 구조 대신 사운드 세척을 통해 아이디어 나 효과를 전달하는 것이 었습니다.
1860 년대 말, 예술은 마네 그것은 새로운 미학을 반영했는데, 이는 인상파 작품의 가이드 힘이되어야하며, 전통적인 주제의 중요성이 줄어들고 예술가의 색상, 톤 및 질감의 조작으로주의를 기울였다. 그것은 스스로 끝납니다.
1874 년에 화가, 조각가, 레코더 등을 불렀던 예술가 그룹. 그는 파리에서 인상주의라는 운동을 시작한 전시회를 조직했습니다. 창립 멤버로는 Claude Monet, Edgar Degas 및 Camille Pissarro가 포함되었습니다. 이 그룹은 프랑스 아카데미의 공식 홀과 무관하게 첫 번째 쇼를 만들었습니다. 모네의 그림 떠오르는 태양 인쇄 (1872)는 1874 년 풍자 잡지 Le Charivari에 쓴 기자 Louis Leroy의 초기라는 이름의 "인상 주의자"를 얻었습니다. 예술가들은 곧 "시각적 인상"을 정확하게 전달하려는 그들의 의도에 대한 설명으로 그 이름을 채택했습니다. 보수적 인 비평가들은 불완전한 외모와 스케치로 그들의 작품을 비판했지만, 가장 진보적 인 작가들은 현대 생활에 대한 그의 설명으로 그를 칭찬했다. 예를 들어, Edmond Duranty는 1876 년 The Nouvelle Peinture (The New Painting)의 에세이에서 그림의 혁명으로 적절하게 혁신적인 스타일로 현대 주제를 표현하는 것에 대해 썼습니다.
개념 이후, 인상주의는 일련의 특성에 의해 정의되었습니다. 여기에는 그림이 포함됩니다 : 그림 브러시 스트로크, 독특한 색상, 일반적인 문제의 표현, 빛에 대한 초점 및 사진에서 영감을 얻은 구성.
1880 년대 중반, 인상 주의자 그룹은 각 화가가 점점 더 많은 자신의 미적 관심과 원칙을 추구함에 따라 해산되기 시작했습니다. 그러나 짧은 존재에서는 미술사의 혁명을 달성하여 포스트 인상 예술가들에게 기술 출발점을 제공했습니다. 세잔, 가스의, 폴 가구네, 빈센트 반 고흐 그리고 Georges Seurat와 전통 기술의 모든 후부 서양 그림을 발표합니다. 그리고 주제에 대한 접근.
오늘날 상속과 인상주의의 존재
당연히, 모더니즘의 출발점으로서, 인상주의는 많은 후속 운동에 영향을 미쳤다. 후임자들은 그들의 그림 브러시 스트로크를 채택했다. 추상 표현 주의자들은 모네; 그리고 많은 현대 예술가들은 심지어 신생상 스타일로 계속 일하고 있습니다.
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No.5 포스트 인상화 (1885–1910)
일부 지수 : Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
포스트 인상은 1880 년대의 인상주의에 대한 반응을 설명하는 데 사용되는 용어입니다. Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh 및 Georges Seurat가 감독했습니다. 포스트 인상 주의자들은 빛과 색상의 자발적, 자연주의 적 표현에 대한 인상주의의 우려를 거부했다.
반 고흐를 제외한이 화가들은 프랑스였으며 대부분은 인상가로 시작했습니다. 그들 각각은 스타일을 버리고 자신의 매우 개인적인 예술을 형성했습니다.
인상파처럼, 그들은 이미지의 인공성을 강조했습니다. 포스트 -인상 주의자들은 또한 색상이 의미의 감정적이고 미학적 인 소지자로서 형태와 구성과 무관 할 수 있다고 믿었습니다. 인상주의와 포스트 인상화는 다음과 같은 가장 유명한 현대 예술 작품을 포함합니다. 모네 워터 백합, 일련의 수생 풍경 별이 빛나는 밤 Van Gogh.
Post -Impressionists는 파리 전역의 독립적 인 전시회를 통해 대중과 함께 일을 공유했습니다. 1910 년, 저명한 예술 비평가, 역사가이자 큐레이터 로저 프라이 (Roger Fry)는 그의 쇼, 마네 및 포스트 인상파와 함께 "포스트 -인상"이라는 용어를 만들었습니다. Post -Impressionists 자신과 마찬가지로 Fry는 예술의 아름다움이 본질적으로 인식에 뿌리를두고 있다고 믿었습니다. "예술은 실생활의 사본 대신 상상력이 풍부한 삶에 대한 표현과 자극"이라고 Fry는 미학의 에세이에서 설명합니다.
Fry가 설명했듯이, 포스트 인상 주의자들은 예술 작품이 스타일, 프로세스 또는 미적 접근을 중심으로 반전되어서는 안된다고 믿었습니다. 대신, 당신은 상징주의를 강조하고, 예술가의 잠재 의식에서 메시지를 전달해야합니다.
포스트 인상 주의자들은 종종 함께 전시되었지만, 매우 연합되고 고유 한 그룹으로 시작한 인상파와는 달리 주로 단독으로 그려졌습니다. Cézanne은 프랑스 남부의 Aix-en-Provence에서 분리하여 그려졌습니다. 그의 외로움은 1891 년 타히티에 설치된 Paul Gauguin의 외로움과 Arles의 들판에 그려진 Van Gogh와 일치했습니다. Gauguin과 Van Gogh는보다 개인적인 영적 표현에 찬성하여 인상주의의 무관심한 객관성을 거부했습니다.
"얼마나 깊고 신비한 색상!
자연광이 색조에 미치는 영향을 포착하기 위해 고군분투 한 인상파와는 달리, 포스트 인상 주의자들은 의도적으로 인공 색상 팔레트를 세상을 둘러싼 인식을 묘사하는 방법으로 사용했습니다. 포화 톤, 멀티 컬러 그림자 및 풍부한 색상 범위는 대부분의 비상성 피해자 그림에서 분명하며, 예술가들의 혁신적이고 상상력이 풍부한 접근 방식을 보여줍니다.
일반적으로, 포스트 인상은 자연주의 적 접근에서 멀어지고 20 세기 초 예술의 두 가지 주요 움직임으로 갔다.
No.6 Fauvism과 표현주의 (1900-1935)
두껍고 페이지에서 나오는 색상과 반 자연적인 색조로 배치 된 그림 : Fauvism과 표현주의는 이러한 특성에 생명을주는 두 가지 움직임입니다. 그렇다면 같은 방식으로 설명 할 수 있다면 그들 사이의 차이점은 무엇입니까? 먼저, 우리는 Fauvism과 표현주의를 스스로 설명 할 것입니다.
fauvism
일부 지수 : Matisse, Derain, Signac
Fauvismo는 1905 년부터 1910 년까지 예술적 장면을 다소 압수했으며 강렬한 색상과 대담한 브러시 스트로크가 특징입니다. 어떤 경우에는이 기간의 아티스트가 병에서 직접 페인트를 적용했습니다. 색상은 반드시 자연에 충실 할 필요는 없었습니다. 그들은 감정을 보여주기 위해 변화 할 수 있습니다. 그들은 간단한 문제를 선택했고, 이로 인해 그림은 거의 추상적으로 보였습니다. 미술 비평가 루이 vauxcelles는 파리의 거실 D 'Am Automne에서 1905 년 전시회에서 "Les Fauves"또는 Beasts와 같은 Henri Matisse와 Andre Derain의 작품을 묘사 한 후이 용어를 만들었습니다. Matisse and Derain 전시회에서의 작품은 캔버스의 부 자연스러운 색상 옵션과 야생 페인트 얼룩으로 가득 차있었습니다. 그것은 fauvism의 시작 일 것입니다.
Fauvism 예술가들은 19 세기의 색깔의 과학 이론에 깊이 관심이있었습니다. 구체적으로, 보완적인 색상을 사용하면 Fauvistas는 이러한 이론을 통합하기 위해 색상을 더 밝고 대담하게 만드는 방법을 이해했습니다.
Henri Matisse의 그림 "모자와 여자". 그것은 여자의 얼굴에 반 자연적인 색상으로 비판을 받았다. Paul Signac (1863-1935)은 그의 요점으로 유명합니다. 그는 또한 Henri Matisse의 멘토였습니다. Puntillismo는 작은 기본 색상이 함께 배치되는 기술입니다. 멀리 이동하면 단일 이미지로 결합됩니다. 컴퓨터 화면의 픽셀과 비교할 수 있습니다. 각 개별 픽셀은 다른 색이지만 약간의 거리가 보이면 이미지를 만듭니다. Point Rill의 스타일은 아티스트가 기본 색상으로 무엇을 할 수 있는지, 그리고 작품에서 착시를 어떻게 사용할 수 있는지 보여주었습니다.
Matisse와 Derain 외에도 다른 중요한 Fauvistas 예술가로는 Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault 및 Maurice de Vlaminck가 있습니다.
표현주의
일부 지수 : Munch, Carr, Kandinsky, Klee
표현주의는 예술가의 내부 감정, 견해 또는 아이디어와 일치하도록 현실을 왜곡시키는 모든 예술 작품에 대한 일반적인 용어입니다. 요컨대, 그것은 외부 세계에서 내부 현실을 표현하는 예술입니다. 이것은 상당히 일반화 된 정의이지만 표현주의의 독특한 특성이 있습니다. 특히, 표현주의에 사용 된 색상은 강렬하고 종종 부자연주의 자일 것이며, 이는 누군가의 피부가 황갈색 대신 파란색으로 칠해질 수 있음을 의미합니다. 페인트는 또한 표현주의 스타일로 대량으로 자주 사용되며, 이는 캔버스에 많은 질감을 만듭니다.
표현주의는 "내부에서"에서 나 왔으며, 장면의 표현 이상의 예술가의 감정을 반영한 것입니다. 두 명의 영향력있는 표현주의 예술가가 Emily Carr와 Edvard Munch.
주제에 관해서는 표현주의 예술은 정서적 인 경향이 있으며 때로는 표현주의가 낭만주의의 확장이라고 가정 할 때까지도 신화적인 경향이있다. 표현주의는 그렇게 넓은 용어이기 때문에 언제든지 예술에 귀속하기가 쉽습니다. 그런 다음 대부분 표현주의는 일반적으로 20 세기의 예술에 적용됩니다. Vincent Van Gogh의 작품으로 시작하여 오늘날 우리가 알고있는 것처럼 현대 미술으로 확장된다고합니다.
표현주의 운동의 주요 납세자는 Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch 등과 같은 예술가입니다.
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Fauvism은 표현주의의 하위 집합으로 볼 수 있습니다. 표현주의는 이러한 광범위한 예술과 움직임을 포함하여 실제로 다른 것으로 분리하는 것이 거의 불가능합니다. 그들은 동일한 기술을 사용하며 동일한 특성으로 분류되며 표현주의의 일반적인 특성과 대조적으로 Fauvism의 특정 특성입니다.
Fauvista로 간주 될 수있는 것도 표현주의 분야의 일부가 될 수 있습니다. 그러나 표현 주의자로 간주되는 것이 반드시 Fauvista 스타일에있는 것은 아닙니다. Fauvism은 조금 더 거칠지 만 더 단순한 주제를 가지고 있습니다.
따라서 Fauvism과 표현주의는 한 가지가 아닙니다. 하나는 단순히 하나의 버전의 버전이기 때문에 서로 경쟁하지 않습니다.
7 번 입체파 (1905-1920)
일부 지수 : Pablo Picasso, Georges Braque
입체파, 20 세기의 매우 영향력있는 시각 예술 스타일은 주로 예술가 Pablo Picasso와 1907 년에서 1914 년 사이에 파리의 Pablo Picasso와 Georges Braque에 의해 만들어졌습니다. Cubist 스타일은 이미지의 평면의 평면과 2 차원 표면을 강조하여 전통적인 기술을 거부했습니다. . 예술이 자연을 모방 해야하는 고대 이론을 모방하고 반박하는 Scorzo, Modeling 및 Reputing의 관점에서. 입체파들은 서구 예술의 전통이 소진되어 그들의 작품을 활성화하기 위해 다른 문화, 특히 아프리카 예술의 예술의 표현 에너지에 의지한다고 믿었다.
입체파는 큐브로 구성된 L 'Estaque에있는 1908 년 주택에서 Braque의 작품을 처리 한 비평가 Louis Vauxcelles의 의견에서 그 이름을 도출했습니다. Braque의 그림, 주택의 양, 나무의 원통형 모양 및 갈색과 녹색 계획은 Paul Cézanne의 풍경을 기억하며, 첫 번째 개발 단계에서 입방체들에게 깊은 영감을주었습니다 (1909 년까지). 그러나 1907 년 피카소에 의해 그려진 Les Demoiselles d 'Avignon은 새로운 스타일을 예고했다. 이 작업에서 5 개의 여성 누드의 형태는 각도 및 골절 형태가됩니다.
입체파는 초기 및보다 엄격한 분석 입체파, 합성 입체파로 알려진 입체파의 후방 단계 인 두 가지 단계로 발전했다는 것을 알 수있다. 분석 입체파는 1908 ~ 12 년 사이에 개발되었습니다. 그의 예술 작품은 더 심각 해 보이며 비행기와 선의 조합으로 형성됩니다. 합성 입체파는 입체파의 후방 단계이며, 일반적으로 약 1912 년에서 1914 년까지 거슬러 올라가며 더 간단한 모양과 더 밝은 색상으로 특징 지어집니다. 합성 입체파 작품에는 일반적으로 신문과 같은 실제 요소가 포함됩니다. 예술에 직접 실제 대상을 포함시키는 것은 현대 미술의 가장 중요한 아이디어 중 하나의 시작이었습니다.
이 새로운 시각적 언어의 창조는 피카소와 브라크에 기인하지만 Fernand Léger, Robert 및 Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes 및 Jean Metzinger를 포함한 많은 화가들에 의해 채택되고 개발되었습니다. 그것은 주로 회화와 관련이 있지만, Cubism은 또한 20 세기의 조각과 건축에 깊은 영향을 미쳤다. 주요 입방체 조각가는 Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon 및 Jacques Lipchitz였습니다. 스위스 건축가 Le Corbusier의 입체파 미학을 채택하는 것은 1920 년대에 디자인 된 주택의 형태로 반영됩니다.
1912 ~ 13 년 겨울에 피카소는 다수의 Papiers Collés를 처형했습니다. Picasso와 Braque는 "높은"분석 작업에 남아있는 3 차원 공간 (Illusionism)의 마지막 흔적을 휩쓸 었습니다.
입체파에 의해 시작된 공식적인 해방 개념은 또한 다다와 초현실주의뿐만 아니라 독일, 네덜란드, 이탈리아, 영국, 미국 및 러시아에서 추상화를 추구하는 모든 예술가들에게도 큰 영향을 미쳤다.
No.8 Dada and Surrealism (1917–1950)
다다스트
일부 지수 : Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
주어진 국제 범위와 다양한 예술적 제작, 주어진 초현실주의와 초현실주의는 20 세기 초의 예술적, 문학적, 지적 운동이었으며, 이는 모더니즘을 정의하는 데 기본이된다. 1916 년 취리히에서 시인들과 트리스탄 츠라 (Tristan Tzara)와 한스 아프 (Hans Arp)와 같은 예술가들에 의해 시작된 주어진 운동은 1 차 세계 대전의 학살, 선전, 광기에 대한 직접적인 반응이었습니다. 뉴욕에서 얼마 지나지 않아 일반적인 아이디어와 관련된 독립 단체가 나타났습니다. , 베를린, 파리 및 기타 장소. 이 다양한 그룹은 보편적 인 스타일을 공유하지 않았지만 이상주의, 쓸모없는 예술적, 지적 관습에 대한 거부, 현대 사회의 통제되지 않은 포옹으로 "합리주의"와 "진보"에 연결되었습니다.
취리히, 스위스 및 뉴욕의 초기 센터와 함께 유럽 전위 예술 운동 이었기 때문입니다.
1916 년 취리히의 사전에서 추출한이 이름은 프랑스어로 "흔들리는 말"또는 루마니아어와 러시아어의 "예"를 의미합니다. 그러나 운동의 이름이 실제로 아무 의미가 없습니다. 제 1 차 세계 대전의 대학살을 일으킨 문화가 아파서 모든 신성한 소에 도전하고 창문을 통해 표현과 저자를 던지고 기회와 부조리를 축하합니다.
다다 뿌리는 전쟁 전에 아방 -가드에서 발견됩니다. DADA의 선구자 인 Antiarte라는 용어는 1913 년 경 Marcel Duchamp에 의해 만들어져 예술의 제한에 도전하는 작품을 특성화했습니다.
Dadaist 운동에는 공개 회의, 시연 및 예술 / 문학 잡지 출판이 포함되었습니다. 예술, 정치 및 문화의 열정적 인 적용 범위는 종종 다양한 미디어에서 논의되었습니다.
이 운동은 Avant -Garde 및 Central Music Movements와 같은 후방 스타일과 초현실주의와 팝 아트를 포함하는 그룹에 영향을 미쳤습니다.
그런 다음 초현실주의는 Marcel Duchamp와 같은 Dadaists의 반드시 에너지를 박물관으로 돌려 보내기 위해 도착했습니다.
초현실주의
일부 지수 : Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
20 세기의 가장 중요하고 파괴적인 운동 중 하나 인 초현실주의는 특히 1920 년대와 1930 년대에 번성했으며 입체파의 합리적이고 공식적인 특성에 대한 급진적 인 대안을 제공했습니다. 20 세기의 문학적, 철학적, 예술적 운동은 마음의 기능을 탐구하고 비이성적, 시적, 혁명을 방어합니다.
여러 가지면에서 발생한 다다와는 달리, 이전 전통의 비관적이 아니라 긍정적 인 거부를 강조했습니다.
'초현실주의 자'( '현실을 넘어서서'제안)이라는 단어는 프랑스의 아방 아방 시인 기 illa 아폴리네이어 (Guillaume Apollinaire)가 1903 년에 쓰여져 1917 년에 대표 된 작품에서 만들어졌습니다. 그러나 새로운 시인과 예술가 그룹의 리더 인 André Breton이었습니다. 그의 초현실적 인 선언문 (1924)에서 초현실주의를 다음과 같이 정의 한 파리에서는 다음과 같이 정의했다. 미학적, 도덕적 관심을 넘어서 이유를 위해 행사 된 통제가 없을 때 사고의 절차.
초현실주의의 시각적 표현에서 몇 가지 다른 실이 구별 될 수 있습니다. Max Ernst와 André Masson과 같은 예술가들은 의식적 통제가 억제되고 잠재 의식이 통제 할 수있는 자동화를 선호했습니다. 반대로 살바도르 달리와 르네 마 그 리트는 장면이 대표되는 놀라운 초현실적 감각을 추구했습니다. 세 번째 변형은 관련없는 요소의 병치였으며 정상적인 현실의 한계를 벗어난 미현실 불가능한 현실을 확립했습니다. 초현실주의는 원래 파리에서 시작되었습니다. 그 영향은 일련의 국제 잡지와 전시회를 통해 확장되었으며, 후자의 가장 중요한 예는 뉴 벌링턴, 런던, 환상적인 예술의 Fada, 현대 미술관의 초현실주의에서 열린 국제 초현실적 전시회의 가장 중요한 예입니다. 1936. 제 2 차 세계 대전이 발발하면서 초현실주의 활동의 중심이 뉴욕으로 옮겨졌고 전쟁이 끝날 무렵 운동은 일관성을 잃었다. 그러나 그것은 강력한 영향력을 유지했으며, 추상 표현주의의 측면과 20 세기 후반의 다른 예술적 표현에서 분명히 분명하게 나타났습니다.
많은 사람들은 식별 가능한 문화 운동으로서 초현실주의가 1966 년 브레튼의 죽음으로 끝났다고 주장한다.
No.9 Abstract Expressionism (1940–1950)
일부 지수 : Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
"추상 표현주의"는 1940 년대와 1950 년대에 뉴욕에서 개발 된 운동을위한 이상적인 레이블이 아니 었습니다. 어떤 식 으로든, 캔버스를 들판으로 채우는 화가의 작품뿐만 아니라 들판 색상으로 채워질 수있을 것입니다. 추상 모양뿐만 아니라 격렬한 제스처 표현으로 캔버스를 공격 한 사람들도 있습니다. 모두는 깊은 감정과 보편적 인 주제로 태어난 자아의 표현으로서 예술에 전념했으며, 대부분은 초현실주의의 유산에 의해 형성되었으며, 이는 불안과 외상의 분위기에 적응하는 새로운 스타일로 번역 된 운동입니다. 이 뉴욕 화가들은 성공으로 현대 미술의 리더로서의 맨틀로 파리를 훔쳤으며 국제 예술 세계에서 미국의 숙달을위한 무대를 준비했습니다. 추상 표현주의는 뉴욕시의 영향의 시작을 서양 예술의 세계의 중심으로 시작했다. 추상 표현주의 예술가의 세계는 맨하탄에 뿌리를두고있었습니다. 8th Street를 따라 산책하면 Waldorf 카페테리아에서 돈이없는 예술가들이 뜨거운 물과 무료 케첩으로 "토마토 수프"를 만든 예술가들에게 가져갈 것입니다. Hans Hofmann School of Plastic Artists 이후 같은 이름의 화가가 설립 한 후; 클럽에, 예술에 대한 회의와 격렬한 논쟁이 밤 늦게까지 계속 된 다락방. Jackson Pollock의 연구는 East 8th Street, Kooning과 Philip Guston Willem이 East 10th에 있었고 Franz Kline 은이 지역의 여러 집과 연구로 이사했지만 대부분의 밤은 Cedar Street Tavern에서 그를 발견했습니다. 대학 사이트.
이 운동에는 기술과 표현의 품질 모두에서 다양 한 다양한 그림 스타일이 포함되었습니다. 그들은 종종 추상화 정도를 사용합니다. 즉, 그들은 비현실적이거나 극단적 인 형태로 눈에 보이는 세계에서 추출되지 않은 형태 (비 관습)를 나타냅니다. 그들은 자유롭고 자발적이며 개인적인 감정적 표현을 강조 하고이 목표를 달성하기 위해 기술과 실행의 상당한 자유를 행사합니다. ). , 폭력, 미스터리, 서정).
1930 년대에 추상 표현주의와 관련된 대부분의 예술가들은 시대의 좌파 정책에 영향을 받았으며 개인적인 경험을 바탕으로 예술을 소중히 여기게되었습니다. 이전의 급진적 인 정치적 견해를 유지하는 사람은 거의 없지만 많은 사람들이 Frank Avant -Garde의 입장을 계속 채택했습니다.
추상 표현주의 운동의 다양성에도 불구하고, 세 가지 일반적인 접근법이 구별 될 수있다. 하나의 액션 페인팅은 브러시 스트로크를 스캔하거나 절단하는 데 페인트의 느슨하고 빠르고, 역동적이거나 활력이 넘치고, 캔버스에서 페인트를 직접 떨어 뜨리거나 흘리는 것과 같이 우연히 부분적으로 지시하는 기술로 특징 지어집니다. 아티스트 : Pollock, Kooning.
추상 표현주의 내에서 평균 용어는보다 서정적이고 섬세하며 유동적 인 형태에 이르기까지 다양한 스타일로 표시됩니다. 아티스트 : Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
세 번째 덜 표현적인 접근법은 Rothko, Newman 및 Reinhardt의 접근 방식이었습니다. 이 화가들은 넓은 지역, 또는 들판, 평평하고 미세한 페인트 및 횡격증을 사용하여 침묵하고 미묘하며 거의 명상적인 효과를 얻었습니다.
이 운동은 역사적 문서 전체에 걸쳐 그림이 그림으로 점재 된 영웅 남성 예술가에 속한 것으로 대표되었지만 1940 년대와 1950 년대에 뉴욕과 샌프란시스코에서 나온 몇 가지 중요한 여성 추상 표현 주의자들이 있었는데 수수료.
No.10 팝 아트 (1960)
일부 지수 : Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist 및 Claes Oldenburg
팝 아트는 뉴욕 예술가 Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist 및 Claes Oldenburg와 함께 시작되었으며, 인기있는 이미지에서 영감을 얻었으며 실제로 국제 현상의 일부였습니다.
그것은 예술과 문화의 지배적 인 접근과 예술이 무엇인지에 대한 전통적인 의견에 대한 반란이었다. 젊은 예술가들은 학교 예술 학교에서 가르친 것과 박물관에서 본 것이 그들의 삶이나 매일 주변에서 본 것과 아무 관련이 없다고 생각했습니다. 대신, 할리우드 영화, 광고, 제품 포장, 팝 음악 및 만화와 같은 소스는 이미지를 얻습니다. 추상 표현 주의자들의 인기를 얻은 후, POP (미디어와 대중 문화에서 추출한)에 의한 식별 가능한 이미지의 재 도입은 모더니즘의 방향에서 중요한 변화였습니다.
1957 년 팝 아티스트 Richard Hamilton은 친구에게 보낸 편지에 '팝 아트의 특성'을 나열했습니다. 건축가 Peter and Alison Smithson : Pop Art Is : Popular (대중을 위해 설계), 일시적 (단기 솔루션), 소비 가능 (잊어 버리기 쉬운), 저렴한 비용, Mass, Young (청소년으로 향함), 독창적이고, 섹시하고, 진실, 화려하고, 대기업. 현대주의 비평가들은 그러한 '낮은'주제의 팝 아티스트를 사용하고 그에 대한 비판적인 대우가 거의 없었기 때문에 끔찍했습니다. 사실, 팝은 새로운 주제 영역에 예술을 가져와 예술에서 그것을 제시하는 새로운 방법을 개발했으며 포스트 모더니즘의 첫 번째 표현 중 하나로 볼 수 있습니다.
비슷한 문제에서 영감을 얻었지만 British Pop은 종종 독특한 미국 팝으로 여겨집니다. 영국의 초기 팝 아트는 멀리서 볼 수있는 미국 대중 문화에 의해 주도되었으며, 미국 예술가들은 그 문화 내에서보고 경험 한 것에 영감을 받았습니다. 미국에서 팝 스타일은 대표 예술 (인식 가능한 방식으로 시각 세계를 대표하는 예술)과 추상 표현주의의 그림 느슨 함 후에 단단한 가장자리와 다른 형태의 사용으로 돌아 왔습니다. 팝 아티스트는 비인간적이고 평범한 이미지를 사용함으로써 추상 표현주의를 특징 짓는 개인적인 감정과 개인 상징에 대한 강조에서 벗어나기를 원했습니다. 영국에서는이 운동이 접근 방식에서 더 학문적이었습니다. 아이러니와 패러디를 사용하는 동안 그는 미국 인기 이미지와 사람들의 생활 방식을 조작하는 힘에 더 집중했습니다. 50 년대의 예술 그룹 인 독립 그룹 (IG)은 영국 대중 예술 운동의 선구자로 간주됩니다. 팝 아트는 다다의 후손이었습니다.
대부분의 팝 아티스트는 자신의 작품에서 비인간적이고 도시적인 태도를 열망했습니다. 그러나 팝 아트의 일부 사례는 예를 들어, 올덴 부르크의 타락한 대상과 같은 평범한 이미지의 워홀의 단조로운 반복은 의심 할 여지없이 혼란스러운 효과를 가지고 있으며, 신비하고 외로운 세게 간과로 공개적으로 표현 주의자입니다.
아마도 상업 이미지의 통합으로 인해 팝 아트는 현대 미술의 가장 잘 알려진 스타일 중 하나가되었습니다.
11 번 포스트 모더니즘 (1970-)
일부 지수 : Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
하늘의 마릴린 ©제임스 길
포스트 모더니즘은 정의 할 수 없다는 것은 진실입니다. 그러나 그것은 차이, 반복, 추적, 시뮬레이션 및 초현실 성과 같은 개념을 사용하여 존재, 정체성, 역사적 진보, 확실한 전염성 및 의미의 단일성과 같은 다른 개념을 불안정하게하는 비판적, 전략적 및 수사적 관행으로 설명 할 수 있습니다.
"포스트 모더니스트 예술"이라는 용어는 1970 년 이후에 만들어진 광범위한 범주의 현대 예술을 말합니다. "포스트 모더니스트 예술"의 독특한 인감은 전임자 인 "Modern Art"(1870-1970)가 기반을 둔 미학을 거부하는 것입니다. 이러한 거부 된 가치 중 하나는 "예술"이 "특별한"이라는 아이디어는 "인기있는 취향"이라는 아이디어입니다. 일련의 새로운 기술 개발과 일치하면서 포스트 모더니즘은 "개념 예술", 다양한 유형의 "공연 예술"및 "설치 예술"을 포함한 새로운 미디어 및 새로운 예술 형식에 대한 거의 50 년간의 예술적 실험을 이끌어 냈습니다. 해체와 투영 예술과 같은 움직임. 이 새로운 형태를 사용하여 포스트 모더니즘 예술가들은 예술의 정의를 "모든 것이 가치가 있다는 점"으로 확장했습니다.
르네상스 이후 최초의 중요한 예술 스타일은 아카데미 교사들이 가르친 고전적인 자료 인 학계 예술이었습니다. 학술 예술은 전통적인 "정장과 넥타이"와 동등한 예술적입니다. 다음으로 1870 년경에는 "현대 예술"이 온다. 이것은 "셔츠와 바지"또는 "재킷과 바지"와 동등한 예술적입니다. 다음으로, 1970 년경에는 "Jeans and T -Shirt"와 동등한 예술적 인 "포스트 모던 예술"이 온다. 의류 코드가 공식적으로 덜 공식화되고 "모든 것이 가치가 있습니다"와 마찬가지로, 오늘날의 예술가들은 예술이 무엇인지에 대한 오래된 아이디어에 감명을받지 않고 눈에 띄는 것보다 무언가를 창조하는 데 더 집중합니다.
본질적으로 반 권한 주의적으로, 포스트 모더니즘은 예술이 무엇인지에 대한 스타일이나 정의의 권위를 인정하기를 거부했다. 높은 문화와 대중 문화의 구별은 예술과 일상 생활 사이에서 무너졌습니다. 포스트 모더니티는 스타일에 대한 확립 된 규칙을 어기었기 때문에 새로운 자유 시대와 "모든 것이 가치가 있다는 느낌"을 소개했습니다. 종종 재미 있고 아이러니하거나 말도 안됩니다. 그것은 상충되고 논란의 여지가 있으며, 맛의 한계에 도전 할 수 있습니다. 그러나 가장 중요한 것은 스타일 자체의 자기 인식을 반영한다는 것입니다. 종종 다른 스타일과 예술적, 대중 미디어를 혼합 한 포스트 모더니스트 예술은 과거의 다양한 스타일에 대해 의식적으로나 의식적으로 또는 아이러니하게 언급 할 수 있습니다. 따라서 포스트 모더니즘 자들은 그들의 이론적 입장이 매우 포용적이고 민주적이라고 생각합니다. 왜냐하면 그들은 비 엘리트 그룹의 똑같이 유효한 관점에 대한 그림의 담론의 불공정 한 패권을 인식 할 수 있기 때문입니다.
1980 년대와 1990 년대에, 몇몇 민족, 문화, 인종 및 종교 단체라는 이름의 학문적 수비수들은 현대 서구 사회의 포스트 모더니즘 비판을 채택했으며 포스트 모더니즘은 "정체성 정책"의 새로운 운동의 비공식 철학이되었습니다.
Kuadros ©, 벽에 유명한 페인트.
