Jeesuksen 10 kuuluisinta maalausta'

Jeesuksen kuva on yksi historian ikonisimmista.

Taide Jeesuksen Kristuksen kuvasta on ollut idealisoitu sekä amatööritaiteilijoiden että suurten mestarien toimesta.

Kuinka on mahdollista esittää kankaalla hahmo, joka on samalla täysin inhimillinen ja täysin jumalallinen? Tämäntyyppinen taiteellinen röyhkeys on jopa rohkeaa yrittää.

Kristillisen perinteen mukaisesti maalanneet taiteilijat ovat tehneet juuri näin kahden vuosituhannen ajan.

10 kuuluisinta Jeesuksen maalausta

Tämä on katsaus aikojen ja historian mukaan 10 kuuluisimpaan Jeesuksen maalausta, jonka asiantuntijat ovat laatineet Kuadrosta.

# 1 Viimeinen ehtoollinen - Leonardo Da Vinci

Jeesuksen kaikkein kuuluisin maalaus on epäilemättä Leonardo Da Vincin Viimeinen ehtoollinen.

Teos kuvastaa viimeistä pääsiäiskokoontumista Jeesuksen ja hänen apostoliensa välillä, Johannuksen evankeliumin 13. luvun kertomuksesta lähtien. Taiteilija kuvitteli ja onnistui ilmaisemaan apostolien mielen päällä vaeltavan halun tietää, kuka on pettämässä heidän mestarinsa.

Se maalattiin 1400-luvun lopulla muurarina Santa Maria delle Grazie -luostarin ruokasalissa Milanossa.

Freskomaalaukset tehdään yleensä levittämällä pigmenttiä intonaco-pinnalle, ohuelle kosteasta kalkkilaastista tehdylle kerrokselle.

Tämä on yleensä paras tekniikka, koska se antaa freskomaalauksen käsitellä seinän luonnollista hengitystä tai hikoilua, kun kosteus liikkuu pinnalle.

Kuitenkin Viimeisessä ehtoollisessa Da Vinci päätti käyttää öljymaalia, koska tämä materiaali kuivuu paljon hitaammin, mikä mahdollisti hänen työskennellä Kuvan kanssa paljon hitaammin ja yksityiskohtaisemmin.

Leonardo tiesi, että suurin osa kiviseinistä tunkeva luonnollinen kosteus olisi tiivistettävä, jos hän käyttäisi öljymaaleja, tai kosteus tuhoaisi hänen työnsä.

Niinpä taiteilija lisäsi kaksinkertaisen kerroksen kipsiä, massaa ja tervaa kosteuden aiheuttamaa rapistumista vastaan.

Siitä huolimatta taideteosta on pitänyt restauroida monia kertoja pitkän historiansa aikana.

Tänään, alkuperäisestä öljymaalipinnasta on jäljellä hyvin vähän ympäristön ja myös tahallisten vahinkojen seurauksena.

#2 Kirkastuminen - Rafael

Rafaelin Kirkastuminen on suuri renessanssiajan taiteilija Rafaelin viimeinen teos, jonka kardinaali Giulio de' Medici Medici-pankkiiri-dynastiasta tilasi.

Alun perin teos oli tarkoitettu ripustettavaksi Narbonnen katedraalin keskialttariksi Ranskassa, ja se roikkuu nyt Vatikaanin taidegalleriassa.

Rafaelin kuoleman jälkeen maalausta ei koskaan lähetetty Ranskaan, vaan kardinaali ripusti sen vuonna 1523 Beato Amadeo -kirkon pääalttarille roomassa.

Kuitenkin vuonna 1797 maalaus otettiin ranskalaisilta joukoilta osana Napoleoniin liittyvää Italian kampanjaa ja ripustettiin myöhemmin Louvreen.

Maalaus voidaan katsoa heijastavan yksinkertaisinta dikotomiaa: Kristuksen lunastava voimaa, joka on symboloitu maalausten yläosan puhtaudella ja symmetrialla. Tämä on ristiriidassa ihmisen puutteiden kanssa, jotka on symboloitu alemmassa osassa synkkinä ja kaaottisina kohtauksina.

Kirkastuminen liittyy Matteuksen evankeliumin peräkkäisiin kertomuksiin. Maalauksen yläosa esittää Kristusta kohotettuna kiemuraisista ja valaistuista pilvistä, ja molemmilla puolilla häntä ovat profeetat Elia ja Mooses. Maalauksen alaosassa apostolit ovat kuvattuna yrittäessään epäonnistuneesti vapauttaa riivatun lapsen demoneista. Yläosa näyttää Kristuksen kirkastuneena, näyttäen tekevän ihmeen, parantamassa lasta ja vapauttamassa hänet pahasta.

Kirkastumisen mitat ovat valtavat, 410 x 279 cm. Rafael piti maalaamisesta kankaalle, mutta tämä maalaus tehtiin öljyväreillä puuplatealle. Rafael todella osoitti kehittyneitä manierismin ja barokin aikakauden tekniikoita tässä maalauksessa.

Alaosassa olevien puolen figuurien jännittävät ja kiemurtelevat asennot viittaavat manierismiin. Näiden hahmojen sisällä oleva dramaattinen jännitys sekä valon ja pimeyden, tai valo-varjo-kontrastien runsas käyttö edustaa barokin aikakauden liioittelevan liikkeen dramaattisuuden, jännitteen, yltäkylläisyyden tai valaistuksen aikaansaamiseksi. Itse asiassa Kirkastuminen oli edellä aikansa, aivan kuten Rafael kuoli liian aikaisin.

Tämä teos olisi Rafaelin viimeinen maalaus, johon hän työskenteli kuolemaansa huhtikuussa 1520 asti.

Maalausta puhdistettaessa vuosina 1972–1976 ilmeni, että vain osa vasemman puolen alafiguureista oli valmis avustajien toimesta, kun taas suurin osa maalauksesta oli itse taiteilijalta.

#3 Tuomio päivä - Miguel Ángel

Miguel Ángelin Tuomio päivä sijaitsee alttarin takana Sikstiinissä. Hänen kuvaus Kristuksen toista tulemista "Tuomiopäivässä" aiheutti välitöntä kiistaa katolisen kirkon keskuudessa vastareformaation aikana.

Miguel Ángel piti maalata ajan loppua, ikuisuuden alkamista, jolloin kuolevainen muuttuu kuolemattomaksi, jolloin valitut liittyvät Kristukseen hänen taivaallisessa valtakunnassaan ja kirottuja heitetään helvetin loputtomiin tuskiin.

Yksikään 1600-luvun Italian taiteilija ei ollut paremmin sijoitettu tähän tehtävään kuin Miguel Ángel, jonka viimeinen työ sinetöi hänen maineensa parhaana inhimillisen hahmon mestarina, erityisesti miesten alastomuuden. Paavi Paavali III oli hyvin tietoinen tästä, kun hän syytti Miguel Ángelesia maalaamasta alttarin seinää Tuomio päivä -teoksen kanssa. Hänen kehon ylösnousemukseen keskittyvä lähestymistapa teki tästä Miguel Ángelille täydellisen aiheen.

Voimakas kompositio keskittyy Kristuksen dominoivaan hahmoon, joka on vangittu juuri ennen Tuomiopäivän tuomiota.

Hänen rauhallinen ja määräilevä eleensä näyttää kiinnittävän huomiota ja rauhoittavan ympäröivää häilyvyyttä. Kuvassa alkaa laaja, hidas pyörimisliike, johon osallistuvat kaikki hahmot. Kaksi yläikkunaa, joissa on enkeliryhmiä, jotka kantavat lentäen Pation symboleita (vasemmalla risti, naulat ja piikkikruunu; oikealla ruoskimisen pylväs, portaat ja keihäs, jolla on sieni, joka on kastettu etikaan).

Yhdisteessä alhaalla ovat Ilmestyskirjan enkelit, jotka herättävät kuolleet pitkien torvien ääneen. Vasemmalla ylösnousijat noutavat ruumiinsa noustessaan taivaaseen (lihan ylösnousemus), oikealla enkelit ja demonit kamppailevat saadakseen syntiset alas helvettiin. Lopuksi taustalla Charon meloineen, yhdessä demoniensa kanssa, pakottaa kirotut lähtemään veneestään ja vie heidät helvetin tuomarin Minoksen eteen, jonka ruumis on kiedottu käärmeiden kierteisiin.

Viittaus tässä osassa Dante Alighierin Jumalaisen komedian helvettiin on selvä. Ylistyksien lisäksi Tuomio päivä aiheutti myös väkivaltaisia reaktioita aikalaisten keskuudessa. Esimerkiksi seremoniamestari Biagio da Cesena sanoi, että "oli kaikkein häpeällisintä näin kunniallisessa paikassa maalata niin monta alastonta hahmoa, jotka häpeämättömästi osoittivat häpeänsä, ja tämä ei ollut teos paavin kappeliin vaan uuneihin ja kapakoihin" (G. Vasari, Le Vite). Kiistat, jotka jatkuivat vuosia, johtivat vuonna 1564 Trenton kirkolliskokouksen päätökseen peittää muutamat Tuomio päivän hahmot, jotka nähtiin "saatavana".

Tehtävänä peittää verhot, niin kutsutut "braghe" (housut), oli Daniele da Volterra, joka tunnetaan nyt nimellä "braghettone". Danielen "braghe" olivat vain ensimmäisiä, jotka toteutettiin. Itse asiassa myöhemmillä vuosisadoilla lisättiin useita muita.

#4 Kristus risti olalla - El Greco

Pitkän uransa aikana Espanjassa El Greco teki useita maalausta, joissa Kristus kantaa ristiä. Kristus Risti olalla on täydellinen kuvan inhimillisyys. Teos erottuu maalaustekniikoilla, joilla taiteilija käyttää väriä muotoillessaan volyymeja ja vääristää hahmoja heijastamaan henkilön henkistä kaipuuta.

El Greco maalaa Kristuksen silmiin dramaattisia ja liioiteltuja kyyneliä. Hänen silmänsä ovat maalauksen avain, sillä ne ilmentävät paljon tunnetta.

Kristuksen vahvojen hartioiden ja hänen käsivarsiensa kauniuden välillä on herkkä kontrasti. Kuitenkin hänen kasvoillaan ei ole merkkejä tuskasta. Samoin hänen passiiviset kätensä eivät ilmaise ahdistusta tai ponnistusta ristin kantamisessa.

El Greco muutti kuvan Kristuksesta, joka on uupunut ja tuskainen raskaan ristin alla, rauhalliseksi ja valmiiksi kohtaamaan kohtalonsa. Kristuksen rauhallisuus uhrauksessa kutsuu katsojaa hyväksymään oman kohtalonsa pelon ja epäilyn hetkinä.

#5 Ristiinnaulittu Kristus - Diego Velázquez

Tämä voimakkaasti vaikuttava kuva Jeesuksesta ristillä maalattiin Velázquesin luovuutensa kiihkeänä aikana, joka seurasi hänen ensimmäistä inspiroivaa matkaansa Italiaan. Toisin kuin hänen muut alastomat miesten kuvat, jotka esiintyivät maalauksissa kuten Apollosta Vulcanuksen takomossa ja Joosefin vaatteessa, hänen Ristillä oleva Kristus on kuollut tai kuoleva ruumiin, jota ei ole varustettu muilla kertomuksellisilla elementeillä kuin ristin itsensä. Silti taiteilija kykenee antamaan teokselle suuren arvokkuuden ja rauhallisuuden.

Usko kuuluu, että teos oli tilaus San Placidon luostarin sakastista, Ristillä olevan Ristiinnaulittu Kristus esittää neljää naulaa, jalat yhdessä ja ilmeisesti tuettuna pieneltä puutasanteelta, mikä mahdollistaa käsien muotoilun hienovaraiseksi kaareksi, sen sijaan, että se olisi kolmio. Pää on kruunattu aureolalla, kun taas kasvot lepäävät rinnan päällä, mikä antaa katsojalle mahdollisuuden nähdä hänen piirteet. Hänen suorat ja sileät hiuksensa roikkuvat kasvojen oikealla puolella, ja hänen takanaan verta valuu haavasta oikealla puolella.

Kuva on epätavallisen omaelämänkerrallinen siinä mielessä, että se havainnollistaa kaikkia Velázquesin maalausta koskevia suurimpia vaikutteita. Ensinnäkin se muistaa kunnioittavan sävyn ja maalausten ikonografian, jotka hän oli kokenut varhaisvuosinaan Sevillassa Francisco Pachecon alaisuudessa, joka oli aktiivinen Espanjan inkvisitiossa.

Toiseksi se heijastaa hänen kykynsä maalata hahmoja, jotka hän oli hankkinut Espanjassa espanjalaisen renessanssitaiteen taiteilijoita ja Italyassa klassista antiikin taidetta, korkean renesanssin taidetta Roomassa ja Venetsiassa sekä Caravaggion töitä Roomassa ja Napolissa.

Klassismin vaikutus teoksessa ilmenee kehon rauhallisuudessa ja idealisoidussa asennossa. Caravaggion vaikutus on havaittavissa dramaattisessa valotuksessa, joka keskittää huomion Kristuksen kalpeaan vartalon.

On totta, että kuva ei omaa barokin maalausta kuvaavaa draamaa, mikä näkyy uskonnollisissa teoksissa kuten Pietarin ristiinnaulitus tai  Ristin laskeutuminen. Sen sijaan siinä on monumentaalinen veistosmaisuus, joka nostaa sen, aiheen henkisyyden mukaisesti. Kompositio on täysin yksinkertainen, mutta siinä on eloisa kontrasti valkoisen kehon ja tumman taustan välillä, ja siinä on luonnollisuutta siitä, kuinka Kristuksen pää laskeutuu rinnan yli. Sekoitettu hius on maalattu Velázquesille tutulla kepeydellä, jota hän oli nähnyt ja ihaillut ensikäden venetsialaisen maalaustaiteen esimerkeissä.

Velázquez ansaitsi maineen yhdeksi parhaista muotokuvapiirtäjistä Espanjassa, ja hänestä tuli Felipe IV:n (joka hallitsi vuosina 1621-1640) virallinen taiteilija ja lopulta suurin edustaja barokin aikakauden espanjalaiselle maalaukselle. Kuitenkin, vaikka uskonnollinen taide oli erityisen tärkeää Espanjassa, maassa, jonka hallitseva monarkia ylpeili siitä, että se oli yksi katolisen vastareformin taiteen keskeisistä tukijoista, Velázquez maalasi verrattain vain vähän merkittäviä uskonnollisia teoksia.

Sen sijaan taiteilija maalasi maailmaa, jota hän näki ympärillään, erikoistuen muotokuvataiteeseen, vähän genre-taiteeseen (ruoka-aiheet) ja joitakin historiallisia maalauksia. Ironista on, että huolimatta uskonnollisten teosten niukkuudesta, hän sai enemmän vaikutteita italialaisesta neroudesta Caravaggiosta, joka tunnetaan erityisesti raamatullisesta taiteestaan, joka toteutetaan hyökkäävästi realistisessa tyylissä. Velázquez oli myös vahvasti saanut vaikutteita italialaisen renessanssin ideoista, joita hän sai sevillalaiselta mestariltaan Francisco Pachecolta.

#6 Kristus risti olalla - Tiziano

Vuonna 1508 tai 1509 Tiziano maalasi öljymaalausta, jota tunnetaan nimellä Kristus risti olalla. Teoksen todelliset alkuperät ovat hieman arvoituksellisia, ja jopa useat taidehistorioitsijat ovat ajoittain liittäneet sen toiseen italialaiseen taiteilijaan, Giorgioneen. Molemmat taiteilijat kuuluivat taiteilijagremioon, joka liittyi kouluun ja kirkkoon, ja molemmat toimivat samanaikaisesti ja samassa paikassa, ja on todennäköistä, että teos maalattiin nimenomaan instituutiolle. Toinen salaisuus öljymaalauksesta on, että sen on sanottu omaavan ihmeellisiä parantavia kykyjä, joista on kirjoitettu monissa historiallisissa kertomuksissa. Pyhiinvaeltajat rukoilivat kirkossa sivualttarilla, jossa maalaus roikkui, ja ilmoittivat parantuneensa vaivoistaan.

Teoksen yleinen tunnelma on synkkä ja tumma. Kirkkaimmat värit ovat haalistuneet sävyjä, ja paletti on hallitseva useita ruskean sävyjä. Lähes mustan taustan päällä Kristus näyttäytyy puoliprofiilissa, kantaen ristiä olkapäällään. Katsoessaan vasemmalle, vihainen näköinen mestari kiristää köyden hänen kaulallaan, ja toinen hahmo mestarin takana katsoo sisään kohtauksen taakse. Kompositio on tyyliltään innovatiivinen tuolloin, läheltä otettu kuva, joka välttää perspektiivin ja syvyyden läheisyydestä ja yksityiskohdista. Tizianolle tyypillisesti maalaus on täynnä toimintaa, ja rauhoittuminen näyttää olevan kaukainen kuvattuille hahmoille.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Tämä kuuluisa maalaus, vaikka se on edelleen erittäin houkutteleva, ei ole enää Leonardo da Vincin teos ja se on menettänyt paikkansa 100 kuuluisimman maalauksen listallamme.

Alun perin ajateltiin, että Leonardo da Vinci maalasi Salvator Mundi -teoksen Ranskan kuninkaalle Ludvig XII:lle ja hänen puolisolleen, Anna Bretagnelle. Nykyään asiantuntijat kyseenalaistavat maalauksen kreditoimisen italialaiselle mestarille, vaikka se myytiin huutokaupassa marraskuussa 2017 hintaan 450 312 500 dollaria, joka on ennätyshintaa taideteokselle.

Salvator Mundi oli aiemmin osa listaamme kuuluisista maalauksista, mutta se jätti paikkansa toiselle yleisön ja taiteilijoidemme äänestämälle maalaukselle.

#8 Emausin opetuslapset - Caravaggio

Tämä Caravaggion mestarityö tunnetaan myös nimellä Herramme pyhiinvaellus Emausiin tai yksinkertaisesti Emausin ateria. Maalaus kuvaa hetkeä, jolloin kaksi häntä seuraavaa opetuslasta huomaa, että kuka on puhunut heidän kanssaan koko päivän on ollut heidän rakas mestarinsa.

Maalattu taiteilijan huippu-uransa aikana, Emausin opetuslapset on yksi taidehistorian vaikuttavimmista uskonnollisista maalauksista. Tässä maalauksessa Caravaggio vangitsee hetken dramaattisen huipun, sen sekunnin, jolloin opetuslapset äkisti ymmärtävät, kuka on ollut heidän edessään alusta alkaen. Heidän toimet ja luonnollinen reaktiot välittävät heidän hämmennystään: toinen on hyppäämässä tuolistaan, kun taas toinen avaa kädet epäuskon eleenä. Raaka valaistus korostaa koko kohtauksen intensiivisyyttä.

Tässä teoksessa Caravaggio esittää opetuslapset tavallisina työläisinä, joiden kasvot ovat partaiset, ryppyiset ja vaatteet repaleiset, vastakohtana nuorelle Kristukselle, joka on ilman partaa ja joka näyttää tulleen toisesta maailmasta.

Maailmassa on joitakin piilossa olevia salaisuuksia. Teoksessa taiteilija piilotti pääsiäismunan, esimerkiksi. Hedelmien korista heitetty varjo näyttäisi myös kuvaavan kalaa, mikä voisi olla viittaus suureen ihmeeseen.

Ja tässä mestariteoksessa on enemmän kätkettyjä aarteita. Joskus virhe ei ole virhe lainkaan, vaan nerouden isku. Ota esimerkiksi tietynlaisen punoskori, joka heijastaa jotakin pöydän reunalla maalauksen keskellä.

Vaikka lukemattomat silmät ovat hämmästyneet tuossa ravintolan synkässä ympäristössä kehittyvästä salaperäisestä draamasta, lähes huomaamaton virheen merkitys on jäänyt tähän asti huomaamatta vuosisatojen ajan.

Vapaa oksa, joka ulkonee solmusta, muuttaa Caravaggion kuuluisaa kangasta rohkeaksi teoksi, henkiseksi haasteeksi tarkkailijalle.

Saadaksesi selvyyden tähän pieneen yksityiskohtaan ja arvioidaksesi kaikki sen merkitykset, on järkevää muistaa yleinen ympäristö, jota Caravaggio yritti luoda teossaan.

Emausin aterian teema on jotain, joka on inspiroinut suuria mestareita historiassa, Rembrandtilta Velázquesiin. Kriittinen hetki kuvataan Luukkaan evankeliumissa Uudessa testamentissa. Siellä kerrotaan Kristuksen intiimistä ateriasta kahden opetuslapsen, Luukkaan ja Kleofaan kanssa, jotka eivät tiedä liisantunutta kumppanin todellista identiteettiä. Maalauksessa leipä on jo murtunut ja siunattu, ja on tullut aika, kuten evankeliumin kertomuksessa, että Kristus "avaaa" seuraajiensa silmät ja katoaa "heidän näkökentästään".

Teos vangitsee mystisen kynnyksen varjojen ja valon välillä, maagisen sekunnin ennen kuin Kristus, joka on verhoutunut vieraan siluettiin hänen takanaan, katoaa maailmasta. Tuossa mittaamattomassa hetkessä ilmoituksen ja katoamisen välillä Caravaggio kehittää juonensa, mestarillinen kohtaaminen kahden maailman välillä.

Kun totuus paljastuu, Kristuksen setä Kleofas nousee tuolistaan pelossaan ja hämmästyksessään paljastuksesta: hänen kyynärpäät kohoavat dynaamisesti takkinsa hihojen läpi.

Rippukorin toisella puolella oikealla, Luukas avaa kädet avointa parasta, aivan kuin vaatisi kohtauksen mahdottomuutta, piirtäen saman asennon kuin ristiinnaulittuna tuskallisen kuolemansa hetkellä. Samaan aikaan, ravintolan pitäjä on tyynenä, tarkkailee ymmärtämättömänä kuinka hän kuulee Kristuksen puheita hämmästyneille väärille opetuslapsille, kykenemättä käsittämään hetken merkitystä ihmiskunnalle.

Emausin opetuslapset on sijalla 82 kuuluisien maalauksien listalla.

#9 Pantokrator Kristus

Pantokrator Kristus on maalattu puulevy, joka päivämääräytyy 6. vuosisadalta Santa Katharinan luostarissa, joka sijaitsee Sinai-vuorella Egyptissä. Tämä maalaus katsotaan yhdeksi varhaisimmista bysanttilaisista uskonnollisista ikoneista ja se on vanhin tunnettu Pantokrator-tyylin teos.

Maalauspaneelin koko on 84 cm korkea, 45,5 cm leveä ja 1,2 cm syvä. Uskotaan, että maalaus oli alun perin suurempi, mutta se leikattiin ylhäältä ja sivuilta tuntemattomista syistä nykyisiin mittoihin. Teoksessa Kristus on pukeutunut purppurapukuun.- väri, jota tavallisesti valitaan esittämään keisarillista ja kuninkaallista asemaa. Tämä värivalinta hänen viitansa on symboli hänen asemastaan ​​ja tärkeydestään. Kristus esitetään nostamalla vasenta kättään siunauksen merkkinä ja oikeassa kädessään pitäen kirjaa.

Voimme olettaa, että tämä kirja on todennäköisesti evankeliumi, koska se on koristeltu ristikuvilla. Maalaus on tahallisesti epäsymmetrinen symboloimaan Kristuksen kaksinaista luonteen. Kristuksen vasen puoli symboloi hänen inhimillistä luonteenpiirrettään, kun taas oikea puoli symboloi hänen jumalallisuuttaan tuijottavalla katseellaan ja intensiivisillä kasvoillaan. Ihmisten silmät itsessään ovat erilaisia ​​muotoja ja kokoja, aivan kuten hiukset vasemmalla puolella on kerätty hänen olkapäänsä taakse.

Yksi tärkeimmistä kristillisistä ikoneista on Pantokrator Kristus. Tämä kuva esittää Jeesusta maailman suvereenina hallitsijana. Pantokrator oli yksi Jeesuksen vanhimmista kuvista, ja se esiintyy erottuvassa asemassa kivikirkkojen jalustalla.

Termi Pantokrator tarkoittaa "Kaikkivaltias". Vanhan testamentin kreikkalaisessa versiossa (LXX) sana pantokrator on käännetty "Joukkojen Herra" ja "Jumala, Kaikkivaltias". Ilmestyskirjassa pantokrator esiintyy yhdeksän kertaa nimityksenä, joka korostaa Jumalan suvereniteettia ja voimaa.

Pantokrator Kristus -ikoni korostaa Jeesuksen kaikkivaltiutta, hänen kykyään tehdä mitä tahansa. Jeesus on "Kaiken Hallitsija", joka pitää kaikki asiat käsissään. Pantokrator Kristus -symbolismi, joka on selitetty alla, pohjautuu Rooman imperialismin kuvastoon, jolla on tarkoitus projisoida hänen suvereenista voimaansa. Varhaiset kristityt käyttivät kulttuurisia symboleita julistaakseen ylösnousseen Kristuksen suvereenin voiman.

Lisäksi Pantokrator Kristus -kuvauksen sijainti absideessä (etu-sanctuarium seinä) omaa myös teologisen merkityksen. Bysanttilaisilla kirkoilla oli Rooman basilikan malli, kuninkaan huone julistaakseen oikeutta. Abside oli virallisen viranomaisen valtaistuin. Jeesuksen asema absideessä julistaa, että hän on laillinen hallitsija ja kaikenkattava tuomari.

Kristityt alkoivat visuaalisesti esittää Jeesusta 300-luvun lopulla, kun vainopehdyksiä ei enää ollut. Nämä ensimmäiset kuvat esittävät Jeesusta stoikkona, joka istuu valtaistuimella kädessään pergamentti. 600-luvulla Pantokrator nousi varhaisen kuvan yksinkertaistamiseksi. Pantokratorin ulkonäkö ei ole muuttunut paljoakaan viimeisten 1500 vuoden aikana.

Suurin osa Jeesuksesta tehdyistä varhaisista kuvista tuhoutui ikonoklasmin kiistojen aikana.

#10 Kristus Pyhän Johanneksen ristiin

Kaukana kaikista Dalín uskonnollisista teoksista "Kristus Pyhän Johanneksen risti" on epäilemättä suosituin, jonka hahmo hallitsee Port Lligatin lahteen. Maalaus sai inspiraationsa luonnoksesta, säilytettynä Pyhän Inkarnaation luostarissa Ávilassa, Espanjassa, ja jonka teki itse Pyhä Johannes risti, nähtyään tämän Kristuksen vision ekstaasissa. Aluksen vieressä olevat ihmiset johdettiin Le Nainin maalauksesta ja Diego Velázquesin luonnoksista Breidan antautumisesta.

Alatessaan Kristus-pijoja, Dali kirjoitti: "Ensinnäkin, vuonna 1951, näin kosmisessa unessa, jossa näin tämän kuvan väreisuu, ja unessani se edusti atomiydintä. Tämä ydin sai myöhemmin metafyysisen merkityksen: Minä pidin Kristusta "universumintoiveena". Toiseksi, isä Bruno, karmeliitti, ohjasi minut näkemään Pyhä Johannes ristin piirtäneen Kristuksen, tiedoin geometrisesti kolmion ja ympyrän, jotka esteettisesti yhteensovittivat kaikki aiemmat kokeiluni, ja kirjoin Kristuksia tähän kolmioon".

Tätä teosta pidettiin maallisena merkittävänä taidekritiikissä, kun se esiteltiin ensimmäistä kertaa Lontoossa.

Maalaus oli yksi Dr. Tom Honeymanin tekemistä kenties kiistellyimmistä ostoksista, tuolloin Glasgow’n museoiden johtajana. Nyt se tunnustaa laajalti, että tohtori Honeyman teki erittäin älykkään päätöksen ehdottaessaan Glasgow’n kaupunginhallitusta, että kaupunki ostaisi maalaus.

Honeyman onnistui ostamaan maalauksen alle katalogihinnan, mutta myös osti teoksen tekijänoikeudet Salvador Dalíltä, varmistaen näin pitkäkestoisen perinnön.

Kuitenkin alkuperäisesti maalausta ei otettu hyvin vastaan kaikilta, ja Glasgow’n Taidekoulun opiskelijat väittivät, ettei raha olisi voitu käyttää ostamalla skotlantilaisten tai Glasgow’n taiteilijoiden teoksia.

Kelvingrovessa esitettyään vuonna 1952 Dalí houkutteli valtavasti kävijöitä.

Glasgow'n museoiden kokoelmassa tämä maalaus ei ole ollut ilman draamaa, sillä se on vaurioitunut kahdesti, kuuluisin oli, kun kankaa repi pahoin kävijä terävän kiven kanssa. Kelvingroven konservaattorit onnistuivat korjaamaan maalausta niin, että vahinko on nykyisin lähes näkymätöntä.

Yli 60 vuotta alkuperäisestä ostosta, maalausten kestävä viehätys ei näytä hiipuvan, ja se on nykyisin yksi museon suosituimmista näyttelyistä.

KUADROS ©, kuuluisa maalaus seinälläsi.