10 Tunnetuinta Abstraktia Maalausta'

Ilman otsikkoa - Ensimmäisessä abstraktissa akvarellissa löytyy hyvä väripurske, kuten useimmissa hänen maalauksissaan, mutta akvarellien käyttö öljyjen sijasta jättää näkyvästi erilaisen pinnan, joka tekee tästä taideteoksesta mielenkiintoisen ja melko ainutlaatuisen hänen tuotannossaan vuonna 1910. Lähietäisyydeltä työ näyttää suoritetun nopeasti, mikä on tyypillistä tälle taidemuodolle, sillä maali kuivuu todella nopeasti. Hän työskentelee myös ilmaisullisesti, huolehtimatta liikaa tarkkuudesta, vaan keskittyen enemmän värivalintoihin ja täyttämällä kankaan erilaisilla muodoilla ja viivoilla. Se oli todella abstrakti, ja tämä oli jotakin, joka tuli yhä enemmän esiin hänen uransa edetessä, kun hän etääntyi yhä enemmän todellisuudesta käyttämissään muodoissa.

Kandinsky erikoistui öljymaalauksiin mutta työskenteli myös akvarelleilla silloin tällöin. Hän olisi todennut tämän välineen olevan helppo käyttää ja sellaista, joka sopi hyvin nopeisiin luonnoksiin, joissa hän pyrki ymmärtämään suunnittelua tulevaa teosta varten. Hän käytti myös litografioita, puuleikkauksia ja syvyysvärjäyksiä muina aikoina, erityisesti uransa alkuvaiheissa, jolloin hän oli erityisen kokeellinen.

Työskennellessään akvarellien parissa Kandinsky pystyi viimeistelemään tämän maalauksen vain kolmessa päivässä. Kuitenkin, huolimatta kiireestään, Kandinsky teki useita luonnoksia tätä taideteosta varten ennen lopullisen komposition aloittamista. Se, mikä lisäsi Ilman otsikkoa -maalaukseen tulkittavaa vauhtia, oli hänen värinvalintansa, sillä Kandinsky valitsi älykkäästi värejä, joiden tiesi edustavan uskollisesti hänen tunteitaan siinä hetkessä. Vedetyt viivat ja muodot lisäävät myös kaaosta ja kiireellisyyttä, jota koetaan katsoessa tätä maalausta.

Abstraktius tulee myös selvästi esiin tässä taideteoksessa löysien ja epäselvien viivojen kautta, mikä herätti merkittävää kiinnostusta taideyleisössä tuohon aikaan. Ilman otsikkoa toimii tärkeänä kiihoittajana abstraktin taiteen liikkeelle, sillä se oli ensimmäinen kerta, kun jotakin etäisesti eristynyttä ja rajoittamatonta hyväksyttiin sopivaksi aiheeksi taideteoksissa tuolloin. Ilman otsikkoa merkkasi määrittävän pisteen eurooppalaisessa taiteessa, sillä se merkitsi siirtymistä perinteisistä taideteoksista kohti enemmän abstrakteja ja rajoittamattomia teoksia.

Ajanjaksoa 1910-1914 pidettiin Kandinskyn uran huippuhetkenä ja hänen suurimpien taiteellisten saavutustensa huippuna. Tämän vuoksi Ilman otsikkoa toimi yhtenä ensimmäisistä taideteoksista, jotka häikäilemättömästi hylkäsivät kaikki viittaukset tunnistettaviin muotoihin ja vapautuivat länsieurooppalaisen maalauksen esittämiskäytänteiden asettamista rajoitteista.

Tämä täydellisen vapauden käsite sai keskeisen aseman suurimmassa osassa teoksia, joita Kandinsky loi tämän ajanjakson aikana.

No. 2 Aikuisuus # 7 - Hilma AF Klint

Vaikka hän ei ole yhtä tunnettu kuin monet aikansa miesartisteista, ruotsalainen taiteilija Hilma af Klint oli pioneeri abstraktissa taiteessa, ja hänen radikaalit maalauksensa ovat aikaisempia kuin monet hänen miehistä aikalaistaan. Hän pyysi, että hänen suurta teostaan, suurin osa siitä ei koskaan esitelty hänen elinaikanaan, säilytettäisiin piilossa 20 vuotta hänen kuolemansa jälkeen. 

Kokoelma esittää elämänvaiheita, mukaan lukien lapsuutta, nuoruutta, aikuisuutta ja vanhuutta. Ne yhdistävät kasvi- ja orgaanisia esineitä, jotka viittaavat syntymään ja kasvuun.

Aikuisuus No. 7 Hilma Klintiltä on valtava kangas, 3 metriä korkea ja 2 metriä leveä, joka maalattiin paperille, studiopohjalle, ja liimattiin sitten kankaalle.

Af Klint tulkitsee aikuisuutta kukoistuksessa maalaamalla erilaisia, vapaasti virtaavia muotoja vaihtelevissa ko'oissa ja väreissä lilalla taustalla. Keskity Yellow symboli muistuttaa kukkaa, kun taas spiraalit ja biomorfiset muodot ovat kasvun ja hedelmällisyyden symboleita.

No. 3 Senecio - Paul Klee

Valmistettu vuonna 1922, maalaus Senecio on Paulin huumorin ja afrikkalaisen kulttuurin ilmentymä. Yksinkertaisilla väreillä ja muodoilla Paul hyödyntää useita oranssin, punaisen ja keltaisen sävyjä paljastaakseen vanhuksen muotokuvan. Taiteellinen muotojen käyttö antaa väärän vaikutelman siitä, että silmä nousee. Hänen vasen kulmakarvansa esitetään kolmiona, kun taas toinen on muotoiltu yksinkertaisella kaarevalla viivalla. Muotokuvat tunnetaan myös nimellä Head of a Man Going Senile ja keinotekoisen lasten taiteen avulla, jossa käytetään muotoja ja epäselviä muotoja, joissa on minimaalisia kasvojen yksityiskohtia.

Tämä ihmiskasvojen muunnos jakautuu värin mukaan suorakulmioiksi. Tasaiset geometristen neliöiden muodot pidetään ympyrässä, joka edustaa naamioitua kasvoja ja näyttää arpina laittamisen moniväriseksi. Paulinin esittämän Senecion muotokuvana voidaan nähdä symbolina taiteen, illuusion ja teatterin maailman muuttuvasta suhteesta. Tämä maalaus osoittaa Kleenin taiteen periaatteita, joissa graafiset viivaelementit, väri- ja tilapinnat liikkuvat taiteilijan mielentilan energian avulla. Hänen kuvastuksissaan hän piti, omien sanojensa mukaan, "viedä viiva kävelylle".

No. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Maalaus Etoile Bleue oli Mirón siirtyminen figuuri- ja abstraktin taiteen välillä.

Tätä maalausta pidetään yhtenä merkittävimmistä Mirón uralla. Erityisesti käytetty häikäisevä sininen voi nähdä useissa hänen tulevissa töissään, ja se vaikutti jopa taiteilijoihin kuten Mark Rothko ja Yves Klein.

Etoile Bleue on suuri maalaus, mutta se on enemmän kysymysten maalaus kuin vastauksia.

Miró oli suuren syntetisoinnin mestari aikakauden monimutkaisista ideoista, vähän kuten tänään, mutta silloiset taiteelliset ideat olivat paljon monimutkaisempia kuin nykyiset.

Tämä maalaus yhdistää fauvismin värit, kubistiset muodot ja surrealistiset tarkoitukset teokseen, jonka katsoja voi tutkia visuaalisesti yhä uudelleen. Se on niin monia asioita, että sinulle jää monta kysymystä, joiden vastaukset ovat yhtä unenomaisia kuin maalauksen itsessään.

Jos tarkastellaan vasemmassa yläkulmassa olevaa sinistä muotoa. Se on lintu. Luultavasti se on, mutta mikä lintu ei ole selvää. Katsomalla sitä jonkin aikaa, voi ehdottomasti sanoa, että se on dynaaminen muoto, mutta on helppo väittää, että se lentää vasemmalle, oikealle tai jopa alas ja meille.

Suurin punainen osa keskellä alhaalla. Onko se jalka? Näyttää ehdottomasti niin stabiililta ja ankkuroituneelta, kun taas sininen osa on dynaaminen.

Tämä maalaus on helmi sen rakastajille. Ensimmäisellä silmäyksellä se heilahtaa hieman ja liikkuu, mutta hetkeksi se liikkuu tuota joustavaa muotoa kohti oikeassa alakulmassa.

Miró, katalaani, joka syntyi Barcelonassa vuonna 1893, kutsui hänen surrealistista unimaisemaansa Peinture (Étoile Bleue) vuonna 1927 avainkuvaksi, joka sisältää symboleita, joita hän käyttäisi toistuvasti myöhempinä vuosina, ja jopa tuon häikäisevän sinisen väri vaikutti myöhempiin taiteilijoihin, mukaan lukien Mark Rothko ja Yves Klein.

No. 5. Koostumus VII - Wassily Kandinsky

Wassily Kandinskyn maalausta Koostumus VII pidetään monien abstraktin taiteen rakastajien keskuudessa 1900-luvun tärkeimpänä taideteoksena, ehkä jopa tärkeimpänä koskaan luotuna abstrakti maalauksena.

Tämä teos on looginen jatko Koostumus V:lle ja Koostumus VI:lle . Kolme maalausta liittyvät toisensa Apokalypsin teemalla. Tällaisia Koostumus VI:n elementtejä, kuten tulva ja ylösnousemus, voidaan jäljittää tähän teokseen. Sen pääaiheena on viimeinen tuomio, mutta sitä ei nähdä katastrofina vaan vapautuksena, siirtymisenä materiaalisesta maailmasta hengelliseen. Tämän vuoksi Koostumus VII erottuu muista sarjan teoksista, joissa on kirkkaat värit ja kimaltelevat kontrastiviivat.

Kandinsky rakensi jokaisen teoksensa siten, että katsojan oli mahdollista astua kuvaan ikään kuin kiertäen sitä sisäänpäin. Hän teki koostumuksen alaosan raskaammaksi, työntäen sen eteenpäin, kun taas yläosa pysyy kevyempänä ja kaukaisempana katsojalle. Yksi taiteilijan tärkeimmistä kontrasteista, sininen ja keltainen, muodostavat aktiivisen liikealueen, joka liikkuu sisään ja ulos.

Kandinsky vietti useita kuukausia valmistellen Koostumus VII:ää, mutta hän maalasi sen vain neljässä päivässä. Taiteilija teki noin 30 luonnosta tästä maalauksesta. Jotkut niistä muistuttavat Caravaggiota tai Leonardo da Vinciä yksityiskohtaisilla tutkimuksillaan kankaan poimuista, puiden lehdistä tai ihmisten raajoista. Tässä sarjassa monet teokset esittävät toistuvasti saman kaarevan viivan, toiset näyttävät kaaviomaisesti teoksen rakenteellisia peruselementtejä ja jotkut sisältävät tarkan suunnitelman teoksesta. Lisäksi on noin 15 eri maalausta, jotka liittyvät Koostumus VII:ään: nämä ovat öljy- tai lyijykynäluonnoksia, akvarelleja, maalauksia lasille ja painoksia.

Gabrielle Munter, joka oli todistamassa tämän maalauksen syntyä, kirjoitti päiväkirjaansa 25. marraskuuta 1913, että Koostumus VII:n kangas toimitettiin hänen kotiinsa Murnaussa, ja Kandinsky aloitti työt sinä iltana. Seuraavana aamuna hän otti ensimmäisen valokuvan maalauksesta ja lounaan jälkeen toisen. Munterin päiväkirjan merkintä 28. marraskuuta kertoi, että maalaus oli valmis. 29. marraskuuta hän otti kuvan valmiista teoksesta. Näin syntyi suuri mestariteos.

Koostumus VII sijoittuu sijalle 100 meidän luettelossamme kuuluisista maalauksista

No. 6 Koostumus X - Kandinsky

Yhtenä abstraktin maalausten ensimmäisistä puolustajista Wassily Kandinsky ei ollut vain venäläinen taiteilija, vaan myös taiteenteorian asiantuntija. Hänen maailmalle ja abstraktioon jättämä vaikutus oli valtava, sillä hän oli yksi Phalanx-taideyhteisön ja The New Group of Artists -ryhmän perustajista, järjestäen näyttelyitä aikalaistensa teoksille hänen taiteilijanuransa ajan. Hän tuotti yli 600 teosta urallaan, joista vuonna 1913 luotu maalaus rikkoi huutokauppahinnat ollen 41,6 miljoonaa dollaria vuonna 2017.

Huolimatta tästä vaikuttavasta ennätyksestä, hänen merkittävin teoksensa oli kenties Koostumus X. Viimeinen hänen elinikäisestä 'Koostumukset'-sarjastaan. Tämän teoksen myötä hän pyrki huipentamaan tutkimuksensa muodon puhtaudesta ja ilmaisusta tämän työn kautta. Käytettyään mustaa väriä kohtuudella käytännössään tähän asti, on kritisoitu, että tämä työ herättää sekä maailman että kuoleman tumman enteilevän tunteen hänen elämänsä lopussa.

Aluksi Koostumus X:n luomiseen vaikutti surrealismi biomorfisilla muodoilla.

Kuitenkin myöhemmin Wassily Kandinsky käytti taidetta orgaanisten muotojen hyödyntämiseen maalauksissaan. Tämä on tyyli, jota hän käytti koko maalauksensa ajan.

Tämä tyyli antoi teoksille ainutlaatuisen luonteen. Oli helppoa, ja lähes mahdotonta, olla huomaamatta Wassily Kandinskyn maalauksia, kun niitä esiteltiin näyttelyissä tai muualla.

Lisäksi Koostumus X luotiin Ranskassa. Lähietäisyydeltä tarkasteltaessa huomataan, että taiteilija käytti mustaa taustaa. Pääsyy mustan taustan käyttämiseen oli, että etualan värit näkyisivät selkeästi.

No. 7 Yhteensattuma - Jackson Pollock

Yhteensattuma —mustavalkoinen maalaus, johon Pollock heitti ensisijaisia värejä— heijastaa kylmän sodan kriisiä. Se on yksi hänen mestariteoksistaan, ja se voi olla myös tunnetuin abstraktin ekspressiivisen taiteilijan maalaus. Vuonna 1964 Springbok Editions tuotti tästä maalauksesta palapelin, jota mainostettiin "maailman vaikeimpana palapelina", ja satojatuhansia amerikkalaisia osti sen.

Vuonna 1951 Pollock sanoi: "Minusta tuntuu, että moderni taiteilija ei voi ilmaista aikaansa, lentokonetta, ydinpommi, radiota, vanhoilla renessanssin muodoilla tai muilla menneillä kulttuureilla. Jokainen aikakausi löytää oman tekniikkansa.” Pollock löysi tekniikkansa talojen maalaamisesta ja tippumaalauksesta, ja käytti sitä ilmaisemaan omaa aikaansa.

Yhteensattuman koko on 237 x 394 senttimetriä, ja se on yksi Pollockin kunnianhimoisimmista maalauksista. Se on tunnettu visuaalisesta kirkkaudestaan ja siitä, että se herättää syviä tunteita katsojassa. Vaikka Jacksonin teoksia on yhä vaikea tulkita jopa taideasiantuntijoille, hänen maalauksiaan pidetään ilmaisunvapauden ilmentäminä. Yhteensattuma, joka on erityinen esimerkki tästä, on yhä yksi hänen tunnetuimmista mestariteoksistaan.

No. 8 Elegia Espanjan tasavallalle - Robert Motherwell

Vaikka Robert Motherwell oli vain 21-vuotias, kun Espanjan sisällissota puhkesi, sen julmuudet vaikuttivat häneen voimakkaasti seuraavina vuosina. Tämä sai hänet luomaan yli 200 maalausta vastauksena siihen. 'Elegia Espanjan tasavallalle' -sarja toimii moninaisuutena inhimillisen kärsimyksen muistoksi sekä "abstrakteina ja runollisina symboleina elämän ja kuoleman väistämättömästä syklistä".

Elegiasta Motherwell totesi: "Maalattuani sitä jonkin aikaa, huomasin mustan olevan yksi aiheistani, ja mustan kanssa, kontrastina valkea, elämän ja kuoleman tunne, joka on minulle melko espanjalainen. Ne ovat olennaisesti espanjalainen kuoleman musta valkoisen auringon valon häikäisyä, kuten Matisse.”

Hänen Elegiansa muodostavat laajan abstraktin miettimisen elämälle ja kuolemalle. Sarjan aikana valkoiset vaakasuorat kankaat jaetaan rytmisesti kahteen tai kolmeen vapaasti vedettyyn pystysuoraan viivaan ja niitä pisteytetään eri välein soikeilla muodoilla. Maalaukset koostuvat tyypillisesti täysin valkoisista ja mustista väreistä, surun ja häikäisyn, elämän ja kuoleman väreistä. Motherwell kommentoi näiden voimien yhdistymistä metaforaksi hänen ymmärrykselleen elämään liittyvästä kokemuksesta.

Elegia Espanjan tasavallalle kuvaa majesteettista siirtymistä orgaanisen ja geometrisen, satunnaisen ja tarkoituksellisen välillä. Kuten muutkin abstraktit ekspressionistit, Motherwell tuli viehätetyksi surrealistisesta automatiikan periaatteesta — menetelmistä, jotka pakenivat taiteilijan tietoista aikomusta — ja hänen siveltimenvetoonsa liittyi tunnevoimaa, mutta tietyllä voimakkuudella yleisessä rakenteessa. Itse asiassa Motherwell piti värin ja muodon huolellisia järjestelyjä abstraktin taiteen ydinalueena, joka, kuten hän sanoi, "riisutaan muista asioista sen tehostamiseksi, rytmit, tilan väliin ja värin rakenne."

No. 9 Musta Iris – Georgia O'Keeffe

Tämä monumentaalinen kukkamaalaus on yksi O'Keeffen ensimmäisistä mestariteoksista. Lähentämällä terälehtiä paljon yli luonnollisten mittasuhteiden, se pakottaa katsojan huomaamaan pieniä yksityiskohtia, jotka muuten voisivat jäädä huomaamatta. Kun tämän ryhmän maalauksia esiteltiin ensimmäistä kertaa vuonna 1924, jopa Alfred Stieglitz, hänen aviomiehensä ja kauppias, oli hämmästynyt niiden rohkeudesta.

Georgia O'Keeffen Musta Iris on esimerkki hänen monista teoksistaan kukkien teemalla, erityisesti iiriksen kohdalla, joka on rikas symboliikassa. Kuitenkin Mustassa Iris III:ssä O'Keeffen tarkoitus ei ollut viitata tähän symboliikkaan tai lisätä sitä, vaan pikemminkin rohkaista katsojaa katsomaan ja näkemään kukkaa ja pohtimaan erilaisia tapoja, joilla ihmiset näkevät. Tästä tulee syvällinen miettiminen katseen taiteesta, ei vain taiteesta vaan myös elämästä. Tässä artikkelissa Singulart tarkastelee O'Keeffen maalausten projisoitua symboliikkaa ja hänen omia aikomuksiaan luodessaan Mustaa Iris III:sta.

Georgia O'Keeffe oli huolissaan iiristen maalausaiheesta monta vuotta, erityisesti mustasta iiriksestä, jota oli vaikeampi löytää ja jota oli saatavilla vain muutaman viikon ajan vuodessa New Yorkissa. Iris on tuttu symboli lännen maailmassa: kreikkalaisessa mytologiassa jumalatar Iris personoi sateenkaaren sekä yhteyden taivaankappaleiden ja maan välillä; kristinuskossa iris symboloi Kristuksen intohimoa ja ylösnousemusta sekä Marian kärsimystä. Linda Nochlin, taidehistorioitsija, muunsi O'Keeffen iiriksen feministiseksi symboliksi kuvaamalla niitä "morfologisena metaforana" naispuolisista sukupuolielimistä, heijastaen "feminiinisyyden ja luonnon järjestyksen yhtenäisyyttä". Nochlinin kuvaus Mustasta Iris III:sta ja O'Keeffen muista iirismaalauksista ankkuroi ne taiteen historiaan ja feministiseen taiteen historiaan.

Kuitenkin O'Keeffe hylkäsi tämän kuvauksen ja totesi: "Kukaan ei näe kukkaa, todella, se on niin pieni. Meillä ei ole aikaa, ja katsomisessa menee aikaa aivan kuten ystävän kanssa oleminen vie aikaa. Jos voisin maalata kukan juuri niin kuin näen sen, kukaan ei näkisi sitä, mitä näen, sillä maalaisin sen pieneksi kuten kukka on pieni. Joten sanoin itselleni: maalaan sen, mitä näen, mitä kukka on minulle, mutta maalaan sen suureksi ja heitävät, aiheiden jopa kiireisiin newyorkilaisiin aikaa, että he voisivat katsoa sitä, mitä näen kukista. Tein niin, että otit aikaa katsoaksesi sitä, mitä näin, ja kun otit aikaa todella huomata minun kukkani, laitoit kaikki omat assosiaatiosi kukista kukkalleni ja kirjoitit sen kukkalleni kuin ajattelin ja näkisit sitä, mitä ajattelit ja näit kukasta, enkä minä.

No. 10 Vaihto - William de Kooning

Vuonna 1955 Willem de Kooning viimeisteli teoksen Vaihto. Hän oli jo pitkään keskittynyt naisia käsittelevien figuuriopintojen tutkimiseen, joita hän oli alkanut kohtaamassa vuonna 1948. Nämä liittyivät hänen itsenäiseen näyttelyynsä vuonna 1953, jolloin esiteltiin naisia käsitteleviä maalauksia, joka avattiin tuolloin New Yorkissa. Jotkut näiden teosten nimiä ovat Nainen I, Nainen III ja Nainen V, sekä Kaksi naista still-elämän kanssa.

Vuoteen 1955 mennessä de Kooning oli lopettanut ihmishahmojen maalaamisen ja jatkoi käytännöllisten esitysten hyödyntämistä saaden yhtenäisen nykytuloksen New Yorkin arkkitehtuurille ja yhteisöille.

Willem de Kooning käytti nopeita, nopeita merkkejä kankaalle. Kuvassa näkyy nainen istumassa tuolissa, mutta naiset ilmestyvät vain nokandidilana. Teostensa nimeämisessä hän suosii aina alueen nimeä, jossa hän asui. Vaihto sai nimensä ympäristöstään, New Yorkin keskustasta, siellä, missä hän oli asunut siihen aikaan.

Alun perin maalaus myi taiteilijalle vuonna 1955 4 000 dollarilla.

Se myytiin sitten David Geffenin säätiöltä Kenneth C. Griffinille 300 miljoonalla dollarilla syyskuussa 2015, tuoden sen toiseen paikkaan maailman kalleimpien maalusten listalla, vain Leonardo da Vincin Salvator Mundin jälkeen, joka myytiin 450,3 miljoonalla dollarilla marraskuussa 2017.

KUADROS ©, kuuluisa maalaus seinälläsi.