耶稣的10幅最著名的画作

耶稣的形象是历史上最具标志性的形象之一。

围绕耶稣基督形象的艺术作品被业余艺术家和伟大大师理想化。

如何能够在画布上展示一个同时完全人性化和完全神性的形象？这种艺术上的大胆尝试甚至可以说是非常冒险的。

在基督教传统中作画的艺术家在过去两千年中一直在做到这一点。

耶稣的10幅最著名的画作

根据Kuadros专家的评估，这是一瞥历史上最著名的10幅耶稣画作。

# 1 最后晚餐 - 莱昂纳多·达·芬奇

耶稣基督最著名的画作无疑是莱昂纳多·达·芬奇的最后晚餐。

这件作品重现了耶稣和他的使徒之间最后的复活节聚会，这一情节来自于约翰福音第13章。艺术家想象并成功表达了使徒们心中想知道谁在背叛他们的老师的渴望。

这幅画于15世纪末作为壁画绘制在米兰圣玛丽亚·德·格拉齐亚修道院的餐厅墙上。

湿壁画通常是在湿石膏上涂抹颜料制作的。

这通常是最佳的技术，因为它允许湿壁画适应湿气随墙壁的自然呼吸或出汗而移动到表面。

然而，在《最后晚餐》中，达·芬奇选择使用油画，因为这种材料干燥得更慢，使他能够以更慢且更细致的方式处理形象。

莱昂纳多知道，如果他使用油画，必须密封大多数石头建筑渗透的自然湿气，否则湿气会毁掉他的作品。

因此，艺术家增加了双层石膏、填料和沥青，以对抗湿气造成的恶化。

尽管如此，这件艺术作品在漫长的历史中多次修复。

如今，油画的初始顶层几乎已经不复存在，受到环境和人为损坏的影响。

#2 变容 - 拉斐尔

拉斐尔的《变容》是伟大的文艺复兴艺术家拉斐尔的最后作品，是由梅迪奇银行家家族的红衣主教朱里奥·梅迪奇委托的。

这件艺术作品最初是为了悬挂在法国纳尔博内大教堂的中央祭坛，现在挂在梵蒂冈的梵蒂冈美术馆。

在拉斐尔去世后，这幅画并没有被送往法国，而是被红衣主教悬挂在1523年罗马圣彼得教堂的主要祭坛上。

然而，在1797年，这幅画被法国军队作为拿破仑的意大利战役的一部分夺走，随后挂在卢浮宫。

可以认为这幅画在最简单的层面上反映了耶稣的救赎力量，象征着画作上半部分的纯洁和对称。这与人类的缺陷形成对比，后者在下半部分通过阴暗和混乱的场景象征。

变容与马太福音连续的故事相关。画作顶部描绘了基督在波动和光辉的云朵前被提升，耶利米和摩西作为先知分别在他两侧。在画作的底部，描绘了使徒们，他们努力尝试拯救被恶魔附身的孩子，却无能为力。上半部分显示了变容的基督，看似在施行奇迹，治愈孩子，解救他脱离邪恶。

《变容》的尺寸巨大，410 x 279 cm。拉斐尔偏爱在画布上作画，但这幅画则采用了木板油画的媒介。拉斐尔在此画中实际上展示了后期风格主义和巴洛克时期的先进表现。

下半部分的中间半身的优雅扭曲姿势体现了风格主义。这些人物内部的戏剧张力，以及光影（明暗对比）的自由使用，展现了巴洛克时期夸张运动以创造戏剧、张力、奢华或照明的风格。《变容》实际上超越了其时代，正如拉斐尔的去世一样，不幸的是，此生太短。

这将是拉斐尔的最后一幅画，他在1520年4月去世之前仍在工作。

1972年至1976年的清洁显示，仅有一些左下角的形象是由助手完成的，大部分的画作则出自艺术家本人。

#3 最后审判 - 米开朗基罗

米开朗基罗的《最后审判》位于西斯廷礼拜堂祭坛后面的墙上。他对基督第二次降临的描述在《最后审判》中立刻引发了反宗教改革时期的天主教教会的争议。

米开朗基罗必须描绘时间的尽头、永恒的开始，当凡人变为不朽的时候，选民与基督在其天国相聚，而被判罪者则被扔入永无止境的地狱之苦。

在16世纪的意大利，没有哪个艺术家比米开朗基罗更适合这个任务，他的最后作品巩固了他作为人类形象大师的声誉，尤其是在男性裸体方面。当时的教皇保罗三世很清楚，在该教堂的祭坛墙上涂上《最后审判》是对米开朗基罗的控告。以对人身体复活的关注，这正是米开朗基罗的完美主题。

这幅强大而引人注目的构图，聚焦在基督的主导形象上，捕捉了宣判《最后审判》前的瞬间。

他镇定而严肃的手势似乎在吸引注意力并平息周围的骚动。图中开始有一个宽广缓慢的旋转运动，所有人物均参与其中。两个上方的小圆顶被带着受难象征的天使群所排斥（左侧是十字架、钉子和荆棘冠；右侧是鞭打柱、阶梯以及沾醋的海绵的长矛）。

在下方部分的中央是启示录中的天使，他们响亮的号角唤醒了沉睡者。左侧复活者重拾身体，向天空升起（肉体复活），右侧是天使与恶魔正在争夺被判罪者加入地狱。最后，在背景中，赫耳墨斯与他的划桨以及他的恶魔们，迫使被判者从船上下来，将他们引向地狱审判者梅诺斯，他的身体缠绕在蛇的螺旋中。

在这部分对但丁《神曲》中地狱的引用是明显的。除了表扬外，《最后审判》还激发了同时代人的激烈反应。例如，仪式大师比亚乔·达·切塞纳说：“在如此光荣的地方，画这么多赤身裸体的形象，展示这些不体面的羞耻，实乃最不光彩之举，并非教皇的礼拜堂，而是壁炉和酒吧所需的作品。”（G. Vasari，《生命》）。这些争议持续了多年，在1564年，特伦特大公委员会决定覆盖一些被认为“淫秽”的《最后审判》形象。

涂抹遮挡物的任务，即所谓的“穿裤子”（braghe），被委派给达尼埃尔·达·沃尔泰拉，此后他被称为“穿裤者”（braghettone）。达尼埃尔的“穿裤子”不过是最初的开始。事实上，随后几个世纪又添加了多个遮挡。

#4 背负十字架的基督 - 埃尔·格列柯

在西班牙的漫长职业生涯中，埃尔·格列柯创作了许多关于背负十字架的基督的画作。背负十字架的基督是一幅完美的人性图像。这部作品突出其特征性的笔触，画家使用颜色塑造体积，并扭曲身体以反映人物的精神渴望。

埃尔·格列柯为基督的眼睛绘制了激动又夸张的泪水。他的眼睛是这幅画的关键元素，表达了强烈的情感。

他的健壮肩膀与手的女性美形成了微妙的对比。然而，他的脸上没有痛苦的迹象。他手的被动也没有表现出痛苦或努力来背负十字架。

埃尔·格列柯将基督从沉重十字架的压迫与痛苦的形象转变为一个平静的，准备面对他命运的形象。基督在他牺牲面前的宁静邀请观者在害怕和怀疑时接受自己的命运。

#5 被钉十字架的基督 - 迭戈·委拉斯凯兹

这幅耶稣钉在十字架上的强烈画面是在迭戈·委拉斯凯兹首次刺激性访问意大利后的创作时期内进行的。与他绘制的其他男性裸体画作（如《在火炉旁的阿波罗》和《约瑟的外衣》）不同，这里的基督的身体是死去或临死的，没有其他叙事元素，只有十字架本身。尽管如此，艺术家依然赋予了作品极大的尊严与宁静。

据信这幅作品是为圣普拉西多修道院的祭衣间所委托，被钉在十字架上的基督以四个钉子呈现，双脚并拢，并看似被小木托撑住，臂膀构成微妙弯曲，而不是三角形。头顶有光环，脸颊倚靠在胸膛上，露出他的五官。顺滑的头发垂在右侧，背后则流出一滴滴从右侧伤口溢出的鲜血。

这幅图像异常自传性质，因为它体现了委拉斯凯兹画作中的所有主要影响。首先，它唤起了他在塞维利亚早期时被弗朗西斯科·帕切科吸收的虔诚色调和图像。后者是西班牙宗教裁判所的活跃成员。

其次，它反映了他在西班牙艺术家的作品及其来自意大利的古典艺术、罗马和威尼斯的高文艺复兴艺术，以及罗马和那不勒斯的卡拉瓦乔作品中获得的人物绘画技巧。

对古典主义的影响在这幅作品中展现了总的平静和理想化姿态。卡拉瓦乔主义的影响则表现在强烈的明暗对比上，突出基督苍白的身体。

的确，这幅画面没有典型的巴洛克绘画的戏剧性，这种戏剧性在如《圣彼得的钉十字架》或降十字架等宗教画作中显而易见。相反，它具备了纪念性雕塑的特质，根据主题的精神性提高水平。构造绝对简单，但充满生动的对比，白色的身体与黑暗的背景形成自然的结合，基督的头部自然垂落在胸膛上。头发的蓬乱打破了委拉斯凯兹在威尼斯画作中亲身感受到的灵动性。

委拉斯凯兹赢得了作为西班牙最佳肖像画家的声誉，成为费利佩四世的官方画家（1621年至1640年在位），并最终成为巴洛克时期西班牙绘画的主要代表。然而，尽管宗教艺术在西班牙尤为重要，这是一个以担任天主教反宗教改革艺术主要赞助商而自豪的国家，委拉斯凯兹创作的著名宗教画作却相对较少。

相反，这位艺术家描绘了他周围的世界，专注于肖像艺术，绘制了一些题材画（静物）及其他一些历史画。讽刺的是，尽管他的宗教作品稀少，但他却受到了意大利天才卡拉瓦乔的强烈影响，后者以其激烈现实主义的圣经艺术著称。委拉斯凯兹也深受他塞维利亚师父弗朗西斯科·帕切科传授的意大利文艺复兴思想影响。

 

#6 背负十字架的基督 - 提香 

大约在1508或1509年，提香绘制了一幅油画，称为背负十字架的基督。画作的真实来源有些神秘，甚至有几位艺术历史学家偶尔将其归于另一位意大利画家乔尔乔内。两位画家都隶属于与学校和教会相关的艺术家行会，均在同一时空活动，这幅作品可能是专门为该机构绘制的。关于这幅油画的另一个神秘之处在于，曾经说它具有奇迹般的疗愈能力，很多历史叙述中都有提到。朝圣者们在一侧祭坛的教堂里为这幅画祈祷，并称他们从疾病中康复。

这部作品的总体情绪是阴郁和黑暗的。较亮的色彩是柔和的肉色，调色板则被多种棕色主导。在几乎黑色的背景下，基督呈半侧面姿态，肩头背着十字架。随着他向左侧看，一个面露愤怒的刽子手紧紧勒住他的脖子，另一名略微在刽子手身后的人在视线外凝视。这种构图具有创新性的风格，使细节和亲密感优于透视和深度。提香的画作一向充满行动，静止在这里似乎对人物而言是遥不可及的。

#7 救世主 - 莱昂纳多·达·芬奇

这幅著名的画作，尽管仍然非常吸引眼球，但现在不再被视为莱昂纳多·达·芬奇的作品，并失去了在我们历史上100幅最著名的画作中的位置。

最初认为莱昂纳多·达·芬奇为法国国王路易12和他的配偶布列塔尼的安娜所绘制《救世主》。时至今日，专家质疑这幅画归属意大利大师，尽管它曾于2017年11月以450,312,500美元的拍卖价成交，成为艺术作品的最高价格。

《救世主》曾是我们著名画作名单的一部分，但被公众和我们的艺术家投票选出的另一幅画取代。

#8 以马忤斯的门徒 - 卡拉瓦乔

 

这幅来自大师卡拉瓦乔的作品也被称为《我主前往以马忤斯的朝圣》或简单称为《以马忤斯的晚餐》。画作展示了两个使徒意识到整天陪伴他们的竟是他们最爱的老师的瞬间。

在艺术家声名高涨的巅峰时期，以马忤斯的门徒被认为是艺术历史上最令人印象深刻的宗教画作之一。在这幅画中，卡拉瓦乔出色地捕捉了这一戏剧性时刻，此刻门徒们突然意识到谁从一开始就在他们面前。他们的动作和自然反应传达了他们的震惊：一个人几乎要从椅子上跳起来，而另一个人则伸出手臂，表示难以置信。生硬的光线突显了整个场景的紧迫感。

在这幅作品中，卡拉瓦乔将门徒们描绘为普通的工人，具有胡须、皱纹和破旧衣物，与年轻的基督形成鲜明对比，他似乎来自一个不同的世界。

艺术家在多个地方藏有一些秘密。例如，画中他藏有一个复活节彩蛋。桌上的水果篮投射的阴影似乎也描绘了一条鱼，这可能是对伟大奇迹的暗指。

而这幅杰作中还有更多隐藏的宝藏。有时，缺陷其实根本不是缺陷，而是天才的闪现。就拿中间画面上桌子边缘摇晃的柳条篮子的编织说起吧。

虽然无数的目光惊叹于那家旅馆阴暗内部展开的神秘戏剧，但一个几乎不可察觉的缺陷的含义迄今为止却在几个世纪里被忽视。

一根散乱的树枝从编织的辫子中突出，使卡拉瓦乔的著名画布成为一个大胆的举动，这是对观察者的精神挑战。

欣赏这一小细节的所有含义，值得回顾卡拉瓦乔在作品中唤起的整体氛围的轮廓。

《以马忤斯的晚餐》主题，启发了历史上的伟大艺术家，从伦勃朗到委拉斯凯兹。关键时刻在新约路加福音中有叙述。这里讲述了基督与两个门徒、路加和克留巴斯之间的亲密用餐故事，他们完全不知道同行者的真实身份。在画中，饼已经被分开和祝福，根据福音的叙述，基督“打开”了信徒的眼睛，并从“视线”中消失。

这幅杰作捕获了在阴影与光明之间的神秘阈值，正是在基督——正被他身后的陌生轮廓笼罩着——即将从这个世界消失的魔幻瞬间。这个时刻在启示与消失之间，卡拉瓦乔织成了一部华丽的两种世界的邂逅。

当真相显现时，基督的叔叔克留巴斯因揭示而惊慌失措，从椅子上站起，肘部在大衣的袖子中动态上升。

在柳条果盘的另一侧，右侧的路加张开双臂，好像在质疑场景的离奇，描绘了他在痛苦的死亡时在十字架上的相同姿态。与此同时，掌柜显得泰然自若，静静地注视，听着基督对他惊讶的门徒所说的话，无法理解这一对人类来说至关重要的时刻的意义。

《以马忤斯的门徒》在著名画作名单中占第82位。

#9 全能基督

全能基督是一块来自埃及西奈的圣凯瑟琳修道院的六世纪的木板画。这幅画被认为是最古老的拜占庭宗教图标之一，也是众所周知的全能基督风格的最古老作品。

这块画板的高度为84厘米，宽度为45.5厘米，深度为1.2厘米。据信，最初的画作更大，但为了某些未知的原因，顶部及两侧被削减以形成目前的尺寸。作品中展示了耶稣穿着紫色长袍。- 这一颜色通常被选择来代表皇室和王族的地位。这种颜色选择象征着他的地位和重要性。他被描绘为左手举起祝福的手，右手持一本书。

我们可以推测这本书可能是一本福音书，因为它装饰着宝石，形成十字架的形状。画作故意不对称，以象征基督的二重性。基督的左侧是他人性的象征，其特征更为柔和和轻盈。而基督的右侧象征着他的神性，目光严厉且特征强烈。眼睛的形状和尺寸本身也各不相同，左侧的头发则栖落在肩膀后面。

全能基督是重要的基督教图标之一。这个形象把耶稣描绘成世界的至高统治者。全能基督是耶稣最早的图像之一，并出现在岩石教堂中的突出位置。

全能的含义是“全能者”。在旧约的希腊文版本（LXX）中，pantocrátor一词是“万军之主”和“全能神”的翻译。在《启示录》中，pantocrátor以一个强调上帝主权和能力的称号出现了九次。

全能基督的图标强调了耶稣的全能，他可以做任何事情。耶稣就是“万物之主”，掌管万物。全能基督的象征（如下面所述）受到了罗马帝国图像的影响，展现了他的主权。早期基督徒利用文化符号来宣告复活基督的主权。

此外，全能基督在祭坛处的位置（前面圣所的墙）也具有神学意义。拜占庭教堂以罗马大教堂的模式建造，作为庆祝朝廷的王室厅。祭坛处是统治官员坐的位置，耶稣在祭坛的那一位宣告他是所有事物的合法统治者和公正的审判者。

基督徒在公元300年末开始用视觉方式表现耶稣，那个时候不再存在迫害的威胁。这些早期图像描绘耶稣为一个典雅的形象，坐在王座上，手持卷轴。到600年，全能基督作为这一早期形象的简化而出现。在过去1500年中，全能基督的外观几乎没有变化。

大部分最早的耶稣图像都在偶像破坏争议中被摧毁。

#10 圣胡安十字架的基督

远远望去，达利所有宗教作品中最受欢迎的无疑是他的《圣胡安十字架的基督》，这幅作品主导了波特·利佳湾。该画灵感来自于保存在西班牙阿维拉的化身修道院中的一幅图纸，正是圣胡安·十字架在一次神魂颠倒的过程中看到了这个基督的幻象。画中船旁的人物是源自勒奈的画作和迭戈·委拉斯凯兹的《布雷达的投降》的草图。

在关于基督的研究中，达利写道：“首先在1951年，我做了一个宇宙梦，梦中我看到了这个图像的色彩，梦里它象征着原子的核心。这个核心后来蕴含了形而上的意义：我将基督视为‘宇宙的本质’！其次，感谢伯尔努修道士的指引，我注意到圣胡安·十字架绘制的基督，创建了一个几何三角形和圆圈，这些形状在美学上集中化了我之前所有实验的精华，并将我的基督置于这个三角形之中。”

该作品最初在伦敦展出时被一名重要艺术评论家视为平庸。

这幅画是当时格拉斯哥博物馆馆长汤姆·霍尼曼博士最具争议的购买之一。现在普遍认为，霍尼曼博士在向当时的格拉斯哥市政当局提议购买绘画作品时作出了非常明智的决策。

霍尼曼不仅以低于目录价的价格获得了这幅画，还买下了达利的著作权，从而确保了这笔购买的长期遗产。

然而，最初这幅画并未获得所有人的好评，格拉斯哥艺术学校的学生们曾争辩称这些资金本可以用来购买苏格兰或格拉斯哥艺术家的作品。

在1952年于凯尔文格罗夫展出后，达利的作品吸引了大批游客。

格拉斯哥博物馆收藏的这幅画并非没有戏剧性经历，因为它曾两次遭到损坏，最著名的是一名游客用锋利的石头严重撕裂画布。凯尔文格罗夫的保守人士能够修复这幅画到即使损坏现在几乎不可察觉的程度。

距离其最初购买超过60年后，这幅画依然稳固地吸引着观众，成为博物馆最受欢迎的展览之一。

KUADROS ©，墙上的名画。