最著名的10幅抽象画

在无题 - 第一幅抽象水彩中，我们看到了美好的色彩冲击，就像他大多数画作中所见，但使用水彩而不是油画的效果使这幅作品的外观明显不同，这使得这幅艺术作品在1910年的创作中显得有趣且独特。这幅作品从近距离看似乎完成得很快，这在这种形式的艺术中是典型的，因为水彩画干得很快。 他也以表现性的方式工作，不太关注精度，而是更多关注颜色选择，并用不同的形状和线条填充画布。 这确实是抽象的，而且随着他职业的进展，这一特征越来越明显，随着他在使用的形式中越来越远离现实。

康定斯基专注于油画，但偶尔也使用水彩。 他会发现这种媒介易于操作，并且也非常适合快速的学习作品，在那里他摸索未来作品的设计。 他还曾在其他时期使用石版画、木刻版画和蚀刻版画，尤其是在他职业生涯的早期阶段，当时他特别具有实验性。

通过使用水彩，康定斯基在短短三天内完成了这幅画。然而，尽管如此匆忙，康定斯基在开始最终构图之前为这幅艺术作品进行了多次研究。可以解释在无题中的速度的一部分是他的颜色选择，因为康定斯基巧妙地选择了他知道能够忠实代表他当时情感的颜色。画中的线条和形状也增加并强调了观看这幅画时所体验到的混乱和紧迫感。

这幅艺术作品中的抽象性也通过所代表的松散和模糊的线条清晰地体现出来，在当时引起了艺术界的相当关注。无题作为抽象艺术运动的重要发动者存在，因为这是艺术作品第一次接受任何遥远、分离和不受限制的事情作为合适的题材。 无题 在欧洲艺术中标志着一个决定性的时刻，因为它标志着脱离传统艺术作品向更抽象和不拘一格的艺术品的转变。

1910年到1914年期间被认为是康定斯基的职业巅峰和他艺术成就的顶峰。因此，无题成为第一批肆无忌惮地抛弃所有可辨认的形状的艺术作品之一，摆脱了西方欧洲绘画表现法所带来的局限。

这种完全自由的观念在康定斯基在这一时期创作的大多数作品中占据了重要位置。

No. 2 成年 # 7 - 希尔玛·阿夫·克林特

尽管没有许多同时期男性艺术家知名，瑞典艺术家希尔玛·阿夫·克林特是一位开创性的抽象艺术家，她的激进画作早于许多男性的同时代人。她要求她的大部分作品，在她生前从未展出，隐藏20年后才能公开。

该系列代表了生活的不同阶段，包括童年、青春、成年和老年。它们结合了植物元素和可以识别的有机物体，以引用出生和成长。

成年 # 7 由希尔玛·克林特创造的是一个高3米、宽2米的巨大画布，绘制在地板上的纸上，然后粘贴到一块画布上。

阿夫·克林特通过在紫色背景上绘制自由流动的多种形状，体现了盛开的成年。中间的黄色符号看起来像一朵花，而螺旋和生物形状则象征着成长和繁荣。

No. 3 塞内修 - 保罗·克利

完成于1922年的塞内修画作是保罗幽默感和非洲文化的表现。简单的色彩和形状，保罗使用了多种橙色、红色和黄色的色调来揭示一位老人的肖像。艺术性地使用形状给人一种眼睛抬起来的错觉。左边的眉毛用三角形表示，另一边由一条简单的弯曲线形成。该肖像还被称为《走向老年的男人的头》，故意模仿儿童艺术，通过使用模糊和模糊的形状来减少面部细节。

这种人脸的适应性通过颜色分割成矩形。扁平的几何方块包含在一个代表面具面孔的圆圈内，并展示一个小丑的多彩服饰。作为表演艺术家的肖像，塞内修可以被视为艺术、幻觉和戏剧世界之间关系变化的象征。这幅画展示了克利艺术的原则，其中图形元素的线条、色彩层面和空间由艺术家的心智的能量推动。在他的想象草图中，他喜欢用他自己的话说“带着一条线去散步”。

No. 4 蓝星 - 乔安·米罗

蓝星画作是米罗在具象艺术和抽象艺术之间的过渡。

这幅画被认为是米罗职业生涯中最重要的画作之一。尤其是烧灼的蓝色在他后来的多部作品中都能看到，甚至影响了马克·罗斯科和伊夫·克莱因等画家。

蓝星是一幅大型画作，但更是一幅提问而非回答的作品。

米罗是一个将众多不同想法的时代的伟大综合者，就像今天一样，但当时的艺术思想比今天更复杂。

这幅画结合了野兽派的颜色、立体主义的形状和超现实主义的意图，观众可以一次又一次地在这件作品中进行视觉探索。它带来的那么多疑问，答案如同画作一样梦幻。

如果观察左上角的蓝色形状。那是只鸟。那很可能是，但是什么鸟却不清楚。观察一段时间后，可以肯定地说那是一个动态的形状，但也很容易争论它飞往左侧或右侧，甚至是向下朝我们飞来。

下部中央的大片红色。是脚吗？绝对看起来稳定而锚定，就像那片蓝色是动态的。

这幅画对爱好者们来说是一颗明珠。乍一看，它有点摇晃并移动，但那么一瞬间，又与右下角那个弹性的形状形成对比。

米罗，1893年在巴塞罗那出生的加泰罗尼亚艺术家，称他的超现实梦境风景为《画作（蓝星）》，并称其为关键形象，将他在以后的年份重复使用的符号融入其中，甚至那种烧灼的蓝色也影响了包括马克·罗斯科和伊夫·克莱因在内的后来的画家。

No. 5. 组合 VII - 瓦西里·康定斯基

瓦西里·康定斯基的组合 VII 画作被许多抽象艺术爱好者视为20世纪最重要的艺术作品，甚至可能是有史以来最重要的抽象画。

这幅作品是《组合 V》和 组合 VI 的逻辑延续。这三幅画都围绕着启示录主题相连。《组合 VI》中的元素，如大洪水和复活，在这幅作品中可以追溯。它的主要主题是审判日，但并不是被视为一场灾难，而是一种解放，从物质世界过渡到精神世界。因此，组合 VII 在颜色明亮和闪烁对比线条方面与该系列的其他作品有所不同。

康定斯基为他的每一幅组合构建了让观众可以进入画作仿佛在其中旋转的感觉。他使组合的底边更重，推向前方，而上方则对于观众而言显得更轻和更遥远。蓝色和黄色是艺术家的主要对比，形成了中心区域内部和外部的主动运动。

康定斯基花了几个月准备他的组合 VII，但只用了四天就完成了创作。艺术家为这幅画做了约30个研究。一些作品的细节让人想起卡拉瓦乔或达芬奇，详细描绘布料的褶皱、树叶或人类四肢。在这个系列中，有些作品反复呈现同一条曲线，其他则图示性地展示了构图的基本结构元素，还有一些包含混合规划的细节。此外，还有约15幅与组合 VII 相关的画作：这些是油画或铅笔素描、水彩画、玻璃画和版画。

目击这幅画创作的加布里埃尔·穆特在1913年11月25日的日记中写道，组合 VII 的画布在他的家中交付，康定斯基就在同一个晚上开始工作。第二天早上拍摄了这幅画的第一张照片，午餐后拍摄了第二张。穆特的日记在11月28日的记录中指出，这幅画已经完成。11月29日拍摄了成品的照片。这样，就记录下了一件伟大杰作的诞生。

组合 VII 在我们的著名画作中排名第100

No. 6 组合 X - 康定斯基

被称为抽象绘画的早期倡导者之一的瓦西里·康定斯基不仅是一位俄罗斯画家，还是一位艺术理论家。他在艺术世界和抽象艺术中所引发的影响是巨大的，因为他共同创办了艺术团体Phalanx和新艺术家团体，并在他作为艺术家的岁月中为他的同时代人组织了展览。整个职业生涯中，他创作了超过600幅作品，其中一幅1913年的作品在2017年以4160万美元创下拍卖价格纪录。 

尽管有这样令人印象深刻的记录，但他最重要的作品可能是组合 X。 这是他终生系列“组合”的最后一幅作品。他希望通过这幅作品总结他对形式的纯粹性和表达的探索。 在此之前，他在自己的作品中适度地使用黑色，因而批评这个作品既唤起了宇宙，也代表着生命结束前的黑暗预感。 

最初，组合 X 的创作受到了超现实主义的生物形状的影响。

然而，瓦西里·康定斯基后来在他的画作中采用了有机形状的艺术。 这个风格后来在他的许多画作中得以延续。

这种风格赋予了他的作品独特性。 当他的画作在展览或其他地方展示时，很容易且几乎不可能不认出瓦西里·康定斯基创作的画作。

此外，组合 X 是在法国创作的。 近距离观察这幅画时可以注意到，画家使用了黑色的背景。 使用黑色背景的主要原因是为了让前景的颜色能清晰可见。

No. 7 汇聚 - 杰克逊·波洛克

汇聚 —一幅白色和黑色的画作，上面波洛克洒上了原色——反映了冷战时期的危机。 它是他的杰作之一，也可能是最著名的抽象表现主义画作。 在1964年，Springbok Editions 制作了一款这幅画的拼图，作为“世界上最困难的拼图”进行宣传，成千上万的美国人购买了。

1951年，波洛克表示：“我觉得现代画家无法用文艺复兴时期的古老形式或任何其他过去的文化来表达他的时代、飞机、原子弹、收音机。 每个时代都找到自己的技术。” 波洛克在居家绘画和滴画中找到了他的技法，并用它来表达他自己的时代。

汇聚的尺寸为237 x 394厘米，是波洛克的最雄心勃勃的画作之一。它以视觉亮度和在观众中唤起深刻情感而闻名。 尽管杰克逊的作品仍然对艺术专家而言难以解读，但他的绘画被认为是自由表达的体现。 在这一点上，汇聚是杰克逊众多杰作中的一个突出例子。

No. 8 西班牙共和国的哀悼 - 罗伯特·马瑟维尔

尽管罗伯特·马瑟维尔在西班牙内战爆发时只有21岁，但其残酷性在接下来的几年对他产生了很大影响。这促使他创作了超过200幅应对这一事件的画作。'西班牙共和国的哀悼'系列作为对人类苦难的多重纪念，以及“生命与死亡不可避免循环的抽象和诗意象征”。

关于这些《哀悼》，马瑟维尔表示：“在让我一段时间去画它们之后，我发现黑色成为我的一个主题，与黑色相对的是白色，这让我更加理解生命和死亡，而这在我看来是非常西班牙的。它们本质上是西班牙死亡的黑色，与马蒂斯的阳光闪耀形成对比。”

他的《哀悼》构成了对生命和死亡的扩展抽象沉思。在整个系列中，横向白色画布被两到三根自由绘制的垂直线条节奏性地分开，间隔不定地用卵形形状进行点缀。这些画作通常完全由黑白构成，这些是断服的颜色和闪耀的色彩，死亡与生命。马瑟维尔评论了这些力量的纠葛，作为对生存经验理解的一种隐喻。

《西班牙共和国的哀悼》描述了一种有机与几何、偶然与故意之间的壮丽过渡。像其他抽象表现主义者一样，马瑟维尔对超现实主义的自动主义原则很感兴趣——那些超越艺术家有意识意图的方法——他的绘画笔触充满了情感，但在某种严谨的总体结构中。实际上，马瑟维尔将色彩和形状的精心安排视为抽象艺术的核心，他说：“它剥离了其他东西以加以强化，突出了它的节奏、空间间隔和色彩结构。”

No. 9 黑鸢尾花 – 乔治亚·奥基夫

这幅巨大的花卉画作是奥基夫的首批杰作之一。她将花瓣放大到远超自然大小，迫使观众观察那些否则可能被忽视的小细节。当这一组作品首次在1924年展出时，甚至她的丈夫及商人阿尔弗雷德·斯蒂格利茨对她的大胆感到震惊。

乔治亚·奥基夫的黑鸢尾花是她众多关于花朵主题的作品之一，尤其是鸢尾花，象征着丰富的象征意义。然而，在《黑鸢尾花 III》中，奥基夫的目标并不是引用这一象征或再增加它，而只是希望观众去看、观察这朵花，并考虑人们观花的不同方式。通过这种方式，它成为了一种对观看艺术、生活的深入沉思。在这篇文章中，Singulart分析了投射在奥基夫画作中的象征意义，以及她在创作《黑鸢尾花 III》时的自身意图。

乔治亚·奥基夫多年来一直关注鸢尾花的绘画主题，尤其是黑鸢尾花，后者更难找到，并且每年在纽约仅有几周的供应。鸢尾花在西方世界是一个熟悉的象征：在希腊神话中，女神伊瑞斯代表着彩虹和天与地的连接；在基督教中，鸢尾花象征着基督的激情和复活，以及玛丽的痛苦。林达·诺克林（Linda Nochlin）作为艺术史学家，将奥基夫的鸢尾花视为一个女性主义的象征，将其描述为女性生殖器的“形态隐喻”，反映了“女性的统一性与自然秩序”。诺克林对《黑鸢尾花 III》和奥基夫其他鸢尾花画作的描述，使它们扎根于艺术史和女性主义及女性主义艺术史。

然而，奥基夫拒绝了这一描述，指出：“没有人真正看见花，它是如此之小。我们没有时间，注视需要时间，就像交朋友需要时间一样。如果我能把花准确地画出来，没有人会看到我所见，因为我会将其画得和花一样小。所以我告诉自己：我会画出我所看到的，我眼中的花是什么，但我会画得大一些，这样你们会惊讶于花的样子，我将让那些忙忙碌碌的纽约人抽出时间来看看我所看到的花。当我让你们抽出时间来看看我看到的花，当你真的花时间去注意我的花时，你将自己的关联与花的印象放在我的花上，然后写下我的花，就像我认为我认为和看到你们认为和看到的花一样，但我不是。”

No. 10 交换 - 威廉·德·库宁

1955年，威廉·德·库宁完成了《交换》这幅作品。他花了很长时间来重新研究涉及女性的形象，该研究始于1948年。这些与他在1953年举办的单人展览有关，展览主题是女性，当时在纽约市展出。这些作品的一些标题包括《女人 I》、《女人 III》和《女人 V》，以及《两位女性与静物》。

到1955年，德·库宁不再绘画人类形象，并继续使用对纽约城市建筑和社区的抽象表述。

威廉·德·库宁在画布上使用快速的手势标记。这幅画显示出一位坐在椅子上的女性，但这些女性只作为一个嶙峋的整体出现在画面上。在给作品命名时，他总是倾向于与他住的地区相关联。这幅《交换》的名称源自其周边，正是纽约市中心，即他那段时间的居住地。

该画作最初由艺术家在1955年以4,000美元的价格出售。

后来，作为基金会的大卫·盖芬，将其以3亿美元的价格出售给肯尼斯·C·格里芬，于2015年9月，位居最贵画作榜单第二，仅次于达·芬奇的《救世主》，后者于2017年11月以4.503亿美元售出。

KUADROS ©, 一幅著名的画作装点你的墙壁。