10 самых известных картин Иисуса

Фигура Иисуса является одной из самых знаковых в истории.

Искусство вокруг образа Иисуса Христа было идеализировано как любителями искусства, так и великими мастерами.

Как возможно изобразить на холсте фигуру, которая одновременно является полностью человеческой и полностью божественной? Этот тип художественной смелости - это что-то даже дерзкое.

Художники, которые работали в христианской традиции, именно это и делали на протяжении двух тысячелетий.

10 самых известных картин Иисуса

Это взгляд на 10 самых известных картин Иисуса за всю историю, согласно оценке экспертов Kuadros.

# 1 Тайная вечеря - Леонардо да Винчи

Самая известная картина Иисуса Христа, безусловно, Тайная вечеря Леонардо да Винчи.

Эта работа воссоздает последнюю встречу на Пасху между Иисусом и его апостолами, основываясь на рассказе, описанном в Евангелии от Иоанна, глава 13. Художник вообразил, и сумел выразить, желание, которое владеет умами апостолов узнать, кто предает их Учителя.

Нарисованная в конце XV века как фреска на стенах монастырского трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане.

Фрески обычно создаются нанесением пигмента на интонако, тонкий слой влажной известковой штукатурки.

Это обычно лучшая техника использованию, поскольку позволяет фреске дышать естественным образом или испаряться, когда влага движется к поверхности.

Тем не менее, в «Тайной вечере» да Винчи решает использовать масляные краски, так как этот материал сохнет гораздо медленнее, что позволяет ему работать над изображением гораздо более медленно и детально.

Леонардо знал, что естественная влага, проникающая через большинство зданий с каменными стенами, должна быть запечатана, если бы он использовал масляные краски, иначе влага в конечном итоге испортила бы его работу.

Поэтому художник добавил двойной слой штукатурки, замазки и смолы, чтобы бороться с разрушением от влаги.

Тем не менее, это произведение искусства пришлось реставрировать много раз за долгую историю.

На сегодня от первоначального верхнего слоя масляной краски осталось очень мало из-за воздействия окружающей среды и также преднамеренного повреждения.

#2 Преображение - Рафаэль

Преображение Рафаэля - это финальная работа великого художника Ренессанса Рафаэля, заказанная кардиналом Джулио ди Медичи из династии банкиров Медичи.

Изначально произведение искусства задумывалось как центральный алтарный образ для собора Нарбона во Франции, а сейчас висит в Ватиканской пинакотеке в Городе Ватикане.

После смерти Рафаэля картина никогда не была отправлена во Францию, и кардинал повесил ее вместо этого на главном алтаре церкви блаженного Амадея в Сан Пьетро ин Монторио, Рим в 1523 году.

Тем не менее, в 1797 году картина была захвачена французскими войсками как часть итальянской кампании Наполеона и позже повешена в Лувре.

Можно считать, что картина отражает дихотомию на простейшем уровне: искупительная сила Христа, символизируемая чистотой и симметрией верхней половины картины. Это контрастирует с недостатками Человека, символизируемыми в нижней половине мрачными и хаотичными сценами.

Преображение связано с последующими историями из Евангелия от Матфея. Верхняя часть картины изображает Христа, возвышающегося перед волнистыми и освещенными облаками, с пророками Ильей и Моисеем по обе стороны от него. В нижней части картины изображены Апостолы, которые безуспешно пытаются избавить одержимого мальчика от демонов. Верхняя часть показывает Преображенного Христа, который, кажется, совершает чудо, исцеляя мальчика и избавляя его от зла.

Размеры Преображения колоссальны: 410 x 279 см. Рафаэль предпочитал рисовать на холсте, но эта картина была написана масляными красками на дереве, как выбранные средства. Рафаэль на самом деле демонстрировал продвинутые признаки маньеризма и техники барокко в этой картине.

Стильные и изогнутые позы нижних фигур указывают на маньеризм. Драматическое напряжение внутри этих фигур и свободное использование света и тьмы, или контрастов светотени, представляют барочный период чрезмерного движения, чтобы создать драму, напряжение, пышность или освещение. На самом деле Преображение опередило свое время, как и смерть Рафаэля, которая пришла слишком рано.

Это произведение стало бы последней картиной Рафаэля, который работал над ней до своей смерти в апреле 1520 года.

Очистка картины с 1972 по 1976 года показала, что только некоторые из фигур в нижнем левом углу были завершены помощниками, в то время как большая часть картины была выполнена самим художником.

#3 Судный день - Микеланджело

Судный день Микеланджело находится на стене за алтарем в Сикстинской капелле. Его изображение второго прихода Христа в "Судном дне" немедленно вызвало противоречия со стороны католической церкви Контрреформации.

Микеланджело должен был нарисовать конец времени, начало вечности, когда смертное становится бессмертным, когда избранные соединяются с Христом в его небесном царстве, а осужденные бросаются в бесконечные муки ада.

Ни один художник в Италии XVI века не был лучше подготовлен для этой задачи, чем Микеланджело, чья финальная работа обеспечила его репутацию величайшего мастера человеческой фигуры, особенно мужского обнаженного тела. Папа Павел III был хорошо осведомлен об этом, когда обвинил Микеланджело в том, что тот снова нарисовал стену алтаря капеллы Судным днем. С его акцентом на воскресение тела, это была идеальная тема для Микеланджело.

Мощная композиция сосредотачивается на доминирующей фигуре Христа, запечатленной в моменте перед произнесением приговора Судного дня.

Его спокойный и властный жест, похоже, привлекает внимание и успокаивает окружающее волнение. На изображении начинается широкий медленный вращающийся движение, в котором участвуют все фигуры. Исключены две верхние люнеты с группами ангелов, которые в полете несут символы Страданий (слева Крест, гвозди и терновый венец; справа колонна бичевания, лестницы и копье со спонжом, пропитанным уксусом).

В центре нижней секции находятся ангелы Апокалипсиса, которые пробуждают мертвых звуками длинных труб. Слева воскресшие восстанавливают свои тела, восходя на небеса (Воскресение плоти), справа ангелы и демоны сражаются, чтобы сбросить осужденных в ад. Наконец, на фоне Харон с своими веслами, вместе со своими демонами, выводит осужденных из своей лодки, чтобы привести их к адскому судье Миносу, чье тело закутано спиралями змеи.

Ссылка в этой части на Ад Божественной комедии Данте Алигьери ясна. Кроме похвал, Судный день также вызвал жестокие реакции среди современников. Например, Мастер Церемоний Бьяджо да Чезена сказал, что "это было самое непристойное дело в таком почтенном месте - нарисовать столь много обнаженных фигур, которые так непристойно показывают свою стыдливость, и это не было делом для папской капеллы, а для печей и трактиров" (Г. Вазари, Жизни). Противоречия, которые продолжались в течение многих лет, привели в 1564 году к решению Конгрегации Тридентского собора закрыть некоторые фигуры Судного дня, которые были сочтены "непристойными".

Задача нарисовать занавески покрытия, называемые "брагhe" (штаны), была поручена Даниэле да Вольтера, с тех пор известному как "брагеттоне". "Брагhe" Даниэле стали лишь первыми из произведений. На самом деле, в последующие века добавилось несколько других.

#4 Христос, несущий крест - Эль Греко

На протяжении своей долгой карьеры в Испании Эль Греко создал множество картин Христа, несущего крест. Христос, несущий крест - это идеальное изображение человечности. Работа выделяется характерными мазками, с помощью которых художник использует цвет для моделирования объемов и искажает тела, чтобы отразить духовные стремления персонажа.

Эль Греко изображает глаза Христа с драматичными и преувеличенными слезами. Его глаза являются ключевым элементом картины, поскольку выражают много эмоций.

Существует тонкий контраст между его мускулистыми плечами и женственной красотой его рук. Тем не менее, на его лице нет признаков боли. Так же как и его пассивные руки не выражают ни страха, ни усилия, чтобы нести крест.

Эль Греко трансформировал образ Христа, измученного и страдающего от тяжелого креста, в образ спокойного и готового встретить свою судьбу. Спокойствие Христа перед его жертвой приглашает зрителя принять свою собственную судьбу в моменты страха и сомнения.

#5 Распятый Христос - Диего Веласкес

Это сильно эмоциональное изображение Иисуса на кресте было написано в творческий период, который последовал за первой вдохновляющей поездкой Веласкеса в Италию. В отличие от его других мужских обнаженных тел, которые появились в картинах, таких как Аполлон в кузнице Вулкана и Рубашка Иосифа, его Христос на кресте - это мертвое или умирающее тело, не сопровождаемое другими повествовательными элементами, кроме самого креста. Тем не менее, художник сумел придать работе большую достоинство и спокойствие.

Считается, что эта работа была заказана для сакристии монастыря Сан-Пласидо, а строгая поза Распятого Христа демонстрирует четыре гвоздя, ноги вместе и, кажется, поддерживаемые небольшой деревянной полкой, что позволяет рукам образовывать тонкую кривую, вместо треугольника. Голова увенчана нимбом, тогда как лицо наклонено к груди, позволяя нам разглядеть его черты. Его гладкие и прямые волосы висят на правой стороне его лица, его спина покрыта кровью, капающей из раны на правом боку.

Изображение необычно автобиографично в том смысле, что иллюстрирует все основные влияния на живопись Веласкеса. Прежде всего оно напоминает обычаи и иконографию красненной живописи, усвоенные в его ранние годы в Севилье при Франсиско Пачеко, активном члене испанской инквизиции.

Во-вторых, оно отражает его мастерство в изображении фигур, приобретенное в Испании на основе изучения художников испанского Ренессанса и, в Италии, античного искусства, искусства Высокого Ренессанса в Риме и Венеции, а также работ Караваджо в Риме и Неаполе.

Влияние классики в произведении проявляется в общей спокойствию тела и его идеализированной позе. Влияние караваджизма становится очевидным в драматическом тенебризме, который сосредоточивает все внимание на бледном теле Христа.

Несомненно, что изображение не обладает характерным драматизмом барочной живописи, который можно увидеть в религиозных произведениях, таких как Крестная смерть Святого Петра или  Снятие с креста. Напротив, оно имеет монументальное скульптурное качество, которое подчеркивает духовность темы. Композиция абсолютно проста, но с ярким контрастом между белым телом и темным фоном, и есть натурализм в том, как голова Христа падает на его грудь. Запутавшиеся волосы написаны с той свободой, которую Веласкес видел и восхищался из первых рук в примерах венецианской живописи.

Веласкес заработал репутацию одного из лучших портретистов Испании, став официальным художником Филиппа IV (правил с 1621 по 1640 год) и, в конечном итоге, величайшим представителем испанской живописи барочного периода. Тем не менее, несмотря на то, что религиозное искусство было особенно важным в Испании, стране, чья правящая монархия гордилась тем, что является одним из основных покровителей искусства католической Контрреформации, Веласкес написал сравнительно мало заметных религиозных произведений.

Напротив, художник рисовал мир вокруг себя, специализируясь на искусстве портрета, некоторой жанровой живописи (натюрморта) и некоторых исторических картинах. Иронично, учитывая нехватку его религиозных работ, он был больше всего подвержен влиянию итальянского гения Караваджо, который особенно выделяется своим библейским искусством, выполненным в агрессивно реалистичном стиле. Веласкес также был сильно подвержен влиянию идей итальянского Ренессанса, полученных от своего учителя севильца Франсиско Пачеко.

 

#6 Христос, несущий крест - Тициан 

Около 1508 или 1509 года Тициан написал масло, известное как Христос, несущий крест. Реальные истоки картины несколько таинственны, и даже несколько искусствоведов время от времени приписывали ее другому итальянскому художнику, Джорджоне. Оба художника принадлежали к гильдии художников, связанной со школой и церковью, оба работали в одно и то же время и месте, и вероятно, что работа была написана специально для институции. Еще одна загадка о масляной живописи заключается в том, что говорилось, что она обладает чудесными целебными способностями, о которых было написано во многих исторических нарративах. Паломники молились в церкви на боковом алтаре, где вешали картину и сообщали, что исцелились от недугов.

Общее настроение работы мрачно и темно. Самые яркие цвета - это тусклые телесные тона, а палитра доминирует в нескольких оттенках коричневого. На почти черном фоне Христос изображен в полубоком профиле с крестом на плече. В то время как он смотрит влево, разгневанный палач затягивает веревку вокруг его шеи, а другая фигура немного сзади палача заглядывает внутрь сцены. Композиция имеет стиль, который был новаторским в то время, вид крупным планом, который избегал перспективы и глубины ради близости и деталей. Для Тициана характерно, что картина полна действий, а покой кажется далеким для изображенных персонажей.

#7 Спаситель мира - Леонардо да Винчи

Эта известная картина, хотя и остается очень привлекательной, больше не считается произведением Леонардо да Винчи и потеряла свое место в нашем списке 100 самых известных произведений искусства в истории.

Первоначально считалось, что Леонардо да Винчи нарисовал Спасителя мира для короля Людовика двенадцатого Франции и его супруги Анны Бретонской. Сегодня эксперты ставят под сомнение приписывание картины итальянскому мастеру, хотя она была продана на аукционе в ноябре 2017 года за $450,312,500, что является рекордной ценой для произведения искусства.

Спаситель мира когда-то был частью нашего списка известных картин, но уступил свое место другой картине, проголосованной публикой и нашими художниками.

#8 Ученики Эммауса - Караваджо

 

Это произведение мастера Караваджо также известно как Паломничество нашего Господа в Эммаус или просто Ужин в Эммаусе. Картина показывает момент, когда два апостола, его сопровождающие, осознают, что тот, кто говорил с ними весь день, был их возлюбленным учителем.

Написанная на пике славы художника, Ученики Эммауса является одной из самых впечатляющих религиозных картин в истории искусства. В этой картине Караваджо блестяще передает драматический климат момента, секунду осознания, когда ученики внезапно понимают, кто был перед ними с самого начала. Их действия и естественная реакция передают их драматическое удивление: один собирается вскочить со своего стула, в то время как другой протягивает руки в жесте недоверия. Сырая подсветка подчеркивает интенсивность всей сцены.

В работе Караваджо показывает учеников как обычных рабочих, с бородатыми, сморщенными лицами и изодранной одеждой, в контрасте с молодым Христом без бороды, который кажется пришедшим из другого мира.

Скрыто несколько секретов в различных точках. В работе художник, например, спрятал пасхальное яйцо. Тень, отбрасываемая корзиной с фруктами на столе, также кажется, изображает рыбу, что может быть отсылкой к великому чуду.

И есть еще больше сокровищ, скрытых в этом произведении. Иногда недостаток - это не недостаток вовсе, а удар гениальности. Возьмем, к примеру, плетение корзины из лозы, которое колеблется на краю стола в центре картины.

Хотя бессчетные глаза восхищались загадочной драмой, разворачивающейся в темном интерьере той гостиницы, значение почти незаметного недостатка прошло незамеченным на протяжении веков.

Свободная веточка, выступающая из плетения, превращает знаменитый холст Караваджо в дерзкий акт, духовный вызов для зрителя.

Чтобы оценить все подразумевания этого небольшого детали, стоит вспомнить контуры общей атмосферы, которую Караваджо вызывал в своем произведении.

Тема Ужина в Эммаусе вдохновила великих мастеров истории, от Рембрандта до Веласкеса. Ключевой момент описан в Евангелии от Луки в Новом Завете. Там рассказывается история о близком чаепитии Христа с двумя учениками, Лукой и Клеопой, которые не знают истинной идентичности спутника. В картине хлеб уже разбит и благословлен, время пришло, согласно рассказу Евангелия, чтобы Христос "открыл" глаза своих последователей и исчез "из их взора".

Шедевр захватывает мистический порог между тенями и светом, магический момент перед тем, как Христос, окруженный силуэтом незнакомца позади него, исчезает из мира. В этом необъятном мгновении между откровением и исчезновением Караваджо создаёт свою нить, магистерский встречу между двумя мирами.

Когда истина открывается дядей Христа, Клеопой, он вскочит со своего стула, охваченный паникой и удивлением при откровении: его локти динамично поднимаются через рукава его пальто.

На другой стороне корзины из лозы, справа, Лука широко раскрывает руки, как бы охватывая неправдоподобие сцены, подчеркивая ту же позу на кресте в момент его мучительной смерти. Тем временем, гостиничный хозяин остается спокойным, наблюдая, не понимая, пока слушает слова, которые Христос сказал своим потрясенным ученикам, не в силах уразуметь значение важного момента для человечества.

Ученики Эммауса занимают 82-е место в списке известных картин 

#9 Христос Пантократор

Христос Пантократор - это живописная деревянная панель, датируемая VI веком, из монастыря святой Екатерины, расположенного на Синае, Египет. Эта картина считается одной из самых древних византийских религиозных икон и является старейшим известным произведением стиля пантократор.

Панель имеет высоту 84 см, ширину 45,5 см и глубину 1,2 см. Считается, что изначально картина была больше, но верхняя часть и стороны были обрезаны в какой-то момент, по неизвестным причинам, чтобы произвести текущие размеры. На произведении изображён Христос, одетый в пурпурную тунику.- цвет, обычно выбранный для представления людей имперского статуса и королевской власти. Этот выбор цвета для его туники является символом его статуса и значимости. Христос изображен поднимающим левую руку в знак благословления, а правой держит книгу.

Можно предположить, что эта книга, вероятно, является Евангелием, поскольку она украшена драгоценностями в форме креста. Живопись преднамеренно ассиметрична, чтобы символизировать двойную природу Христа. Левая сторона Христа является символом его человеческой натуры, его черты представлены как намного более мягкие и легкие. В то время как правая сторона Христа символизирует его божественность с его строгим взглядом и интенсивными чертами. Глаза сами по себе различаются по форме и размеру, также как и волосы с левой стороны собираются за плечом.

Один из самых важных христианских икон - это Христос Пантократор. Этот образ изображает Иисуса как суверенного правителя мира. Христос Пантократор был одним из самых ранних образов Иисуса и появляется в самых видных местах в скальных церквах.

Слово Пантократор означает "Всемогущий". В греческой версии Ветхого Завета (Септуагинте) слово пантократор является переводом “Господа Сил” и “Бога Всемогущего”. В книге Откровение, пантократор появляется девять раз как титул, подчеркивающий суверенитет и мощь Бога.

Икона Христос Пантократор подчеркивает всемогущество Иисуса, его силу делать любое действие. Иисус - это “Правитель всего”, который держит всё в своих руках. Символика Христа Пантократора (объясненная далее) вдохновляется римской имперской Imagery, чтобы продемонстрировать его суверенную власть. Первые христиане использовали культурные символы, чтобы провозгласить суверенную власть воскресшего Христа.

Кроме того, местоположение Христа Пантократора в апсиде (стена переднего святилища) также имеет теологическое значение. Византийские церкви следовали модели римской базилики, королевской камеры для проведения суда. Апсида была местом власти, где сидел управляющий чиновник. Позиция Иисуса в апсиде объявляет, что он является законным правителем и суверенным судьей над всем.

Христиане начали визуально представлять Иисуса в конце 300-х годов, когда угроза преследования уже не существовала. Эти ранние образы представляют Иисуса как стоическое существо, сидящее на троне с пергаментом. В 600-х годах Христос Пантократор возник как упрощение этого раннего образа. Внешний вид Христа Пантократора почти не менялся за последние 1500 лет.

Большинство ранних изображений Иисуса были уничтожены во время иконоборческой контроверсии.

#10 Христос святого Иоанна Креста

Безусловно, самым популярным из всех религиозных произведений Дали является его "Христос святого Иоанна Креста", фигура которого доминирует над заливом Порт Льигат. Картина была вдохновлена рисунком, хранящимся в монастыре Воплощения в Авиле, Испания, сделанным самим святым Иоанном Крестителем после того, как он увидел это видение Христа во время экстаза. Люди рядом с лодкой происходят из картины Лё Нэна и рисунка Диего Веласкеса для Сдачи Бреды.

У подножия своих исследований для Христа Дали написал: "Во-первых, в 1951 году у меня был космический сон, в котором я увидел этот образ в цвете, и который в моем сне представлял ядро атома. Это ядро позже приобрело метафизический смысл: я считал Христом 'единицу самого вселенной'! Во-вторых, благодаря указаниям отца Бруно, кармелита, я увидел Христа, нарисованного святым Иоанном Крестителем, я геометрически разработал треугольник и круг, которые эстетически резюмировали все мои предыдущие эксперименты, и вписал своего Христа в этот треугольник".

Это произведение было признано банальным одним крупным искусствоведом, когда оно было впервые выставлено в Лондоне.

Картина стала одной из самых спорных покупок, осуществленных доктором Томом Хонеманом, тогдашним директором музеев Глазго. Теперь широко признано, что доктор Хонеман сделал очень умное решение, предложив тогдашней корпорации Глазго купить картину.

Хонеман не только приобрел картину по цене ниже каталожной, но и купил авторские права на произведение у Сальвадора Дали, тем самым обеспечивая долгосрочное наследие своей покупки.

Тем не менее, изначально картина не была хорошо принята всеми, и студенты Школы Искусств Глазго заявили, что деньги могли бы быть использованы для покупки работ шотландских или глазговских художников.

После выставки в Келвингроув в 1952 году, Дали привлекал массовых посетителей.

Картина в коллекции музеев Глазго не была лишена драмы, так как была повреждена дважды, наиболее известным случаем было, когда холст был сильно разорван посетителем с острым камнем. Консерваторы Келвингроув смогли отремонтировать картину до такой степени, что повреждение сейчас почти не заметно.

Более чем через 60 лет после своей первоначальной покупки, неугасимый вексель картины не показывает признаков уменьшения и сейчас является одной из самых популярных выставок музея.

KUADROS ©, известная картина на вашей стене.