Fundamentele istoriei artei se întorc cu zeci de mii de ani în urmă, când civilizațiile antice foloseau tehnicile și mijloacele disponibile pentru a reprezenta teme cultural semnificative. Din aceste prime exemple, au apărut numeroase mișcări artistice, fiecare cu stiluri și caracteristici distincte care reflectă influențele politice și sociale ale vremii lor.
Ce înseamnă fauvismul și despre ce este vorba în arta conceptuală? A vorbi despre artă este o disciplină în sine, iar dacă ești nou în această lume, probabil ai multe întrebări, în special despre fiecare mișcare și diferitele tipuri de artă.
Genurile de artă influente, de la Renaștere până la apariția Modernismului, au lăsat o amprentă de neșters în istorie.
Având clare conceptele despre istoria și importanța mișcărilor artistice, vom avea o înțelegere mai profundă a modului în care artiști celebri precum Van Gogh, Picasso și Warhol au revoluționat lumea artei.
Kuadros a pregătit pentru tine o listă cu cele mai importante mișcări.
Nr. 1 Renaștere Italiană (1400–1550)
Câțiva exponenți: Ușile lui Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Rafael.
În jurul sfârșitului secolului al XIV-lea, un grup de gânditori italieni a proclamat că trăiesc într-o nouă epocă. Întunecata și barbară „Epocă Medievală” se încheiase; începea o „rinascită” ("Renaștere") a învățăturii, literaturii, artei și culturii. Aceasta a fost nașterea perioadei acum cunoscută sub numele de Renaștere. De-a lungul secolelor, savanții au fost de acord că Renașterea italiană a avut loc în acest fel: între secolele XIV și XVII, o formă modernă de a gândi despre lume și locul omului în ea a înlocuit ideile vechi. Multe dintre realizările științifice, artistice și culturale din această perioadă împărtășesc teme comune, în special convingerea umanistă că omul este centrul propriului său univers.
Italia în secolul al XV-lea era diferită de orice alt loc din Europa. Era împărțită în orașe-stat independente, fiecare cu propriul guvern. Florența, unde a început Renașterea italiană, era o republică independentă și un centru bancar și comercial. Florentineza bogată își demonstra puterea sprijinind artiști și intelectuali, transformând orașul în centrul cultural al Europei și al Renașterii.
Renașterea se împarte în două părți principale:
În timpul Renașterii timpurii, artiștii au început să respingă stilul bizantin al picturii religioase și s-au străduit să creeze realism în reprezentarea formei și spațiului uman. Acest scop a început cu Cimabue și Giotto și a atins apogeul cu artiști precum Andrea Mantegna și Paolo Uccello. Deși religia era în continuare importantă în viața cotidiană, subiectul mitologic a început de asemenea să își facă apariția. Mulți indică Nașterea lui Venus de Botticelli ca prima pictură pe panou a unei scene mitologice.
Perioada cunoscută sub numele de Renașterea înaltă reprezintă culminarea obiectivelor Renașterii timpurii. Cei mai proeminenți artiști sunt Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano și Michelangelo. Picturile și frescele lor sunt unele dintre cele mai recunoscute opere din lume, cum ar fi Cina cea de Taină, Școala de la Atena și picturile de pe tavanul Capelei Sixtine de Michelangelo.
Cumpără o reproducere a lui La Mona Lisa în magazinul online Kuadros
Nr. 2 Baroc (1600–1750)
Câțiva exponenți: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palatul Versailles.
Termenul baroc derivă probabil din italianul „barocco”, folosit în Evul Mediu pentru a descrie obstacole logice. Ulterior, a ajuns să însemne idei complexe sau procese de gândire răsucite. O altă sursă posibilă este portughezul „barroco” (spaniol „barrueco”), care descrie o perlă de formă neregulată sau imperfectă. Barocul este o mișcare în artă și arhitectură dezvoltată în Europa de la începutul secolului al XVII-lea până la mijlocul secolului al XVIII-lea. Accentuează mișcarea dramatică și exagerată și detalii clare pentru a produce dramă, tensiune, exuberanță și măreție.
Primele manifestări au avut loc în Italia în ultimele decenii ale secolului al XVI-lea, în timp ce în regiuni precum Germania și America de Sud colonială, anumite realizări culminante ale barocului nu au avut loc până în secolul al XVIII-lea.
Artisti au revigorat idealurile de frumusețe ale Renașterii, infuzând în operele de artă, muzică și arhitectură o nouă extravaganță și ornamentație. Acest stil, cunoscut sub numele de baroc, s-a caracterizat prin tehnici inovatoare și detalii elaborate, oferind un limbaj vizual exuberant într-o perioadă relativ moderată pentru artă. Barocul s-a răspândit în întreaga Europă, impulsionat de Papa de la Roma și de conducătorii catolici din Italia, Franța, Spania și Flandra. S-a extins și mai mult prin ordine religioase prin mănăstiri și conventuri.
Stilul baroc care a apărut a fost atât senzual cât și spiritual. Un tratament naturalist a făcut ca imaginile religioase să fie mai accesibile, în timp ce efectele dramatice și iluzorii stimulau pietatea și transmiteau splendoarea divină. Plafonul bisericilor se dizolva în scene pictate care îndreptau simțurile spre ceresc.
Deși subiectul și stilul pot varia între picturile baroce, majoritatea împărtășesc drama ca element comun. În lucrările artiștilor precum Caravaggio și Rembrandt, interesul pentru dramă se manifestă în intensele contraste de lumină și umbră.
Marele maestru al regiunii catolice guvernate de spanioli a fost pictorul Peter Paul Rubens, ale cărui compoziții dinamice și figuri vigorose sunt epitomul picturii baroce. Portretele elegante ale lui Anthony van Dyck și lucrările solide ale lui Jacob Jordaens i-au urmat exemplul. Arta din Țările de Jos era influențată de gusturile realiste ale clasei de mijloc, astfel încât pictori precum Rembrandt și Frans Hals s-au menținut independenți de stilul baroc în aspecte importante. Cu toate acestea, barocul a avut un impact notabil în Anglia, în special în bisericile și palatele proiectate de Sir Christopher Wren și Sir John Vanbrugh.
La fel ca statuile Renașterii, precum iconicul David de Michelangelo, sculpturile baroce erau adesea menite să împodobească clădiri mărețe și alte scenarii grandioase, cum ar fi interioarele bisericilor și grădinile regale.
Ultima înflorire a barocului a avut loc în sudul Germaniei și Austria, unde arhitecții nativi s-au depărtat de modelele italiene în anii 1720.
Cumpără o reproducere a lui Las Meninas în magazinul online Kuadros
Nr. 3 Realism (1848–1900)
Câțiva exponenți: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Realismul este reprezentarea precisă, detaliată și fără ornamente a naturii sau a vieții contemporane. Respinge idealizarea în favoarea unei observații atente a aparențelor externe. Ca atare, realismul a cuprins multe curente artistice în diferite civilizații. În artele vizuale, de exemplu, se poate găsi în sculpturi grecești hellenistice care înfățișează boxeri și bătrâne. Lucrările pictorilor din secolul al XVII-lea, cum ar fi Caravaggio, pictorii de gen olandezi, spaniolii José de Ribera, Diego Velázquez și Francisco de Zurbarán, și frații Le Nain în Franța, au o abordare realistă. Lucrările romancierilor englezi din secolul al XVIII-lea, cum ar fi Daniel Defoe și Henry Fielding, pot fi, de asemenea, numite realiste.
Realismul a apărut în Franța în anii 1850, după Revoluția din 1848, care a stabilit "dreptul la muncă" în țară. A introdus ideea oamenilor obișnuiți, peisaje contemporane și scene cotidiene ca teme artistice demne.
S-a extins în întreaga Europă, de la Rusia lui Aleksandr al II-lea la Marea Britanie a reginei Victoria, trecând prin Germania lui Wilhelm I, Italia Risorgimentului și dincolo de acestea. Anul 1855 a fost semnificativ în stabilirea realismului în Europa.
Gustave Courbet este considerat figura principală a realismului. A pus bazele mișcării în anii 1840, prin înfățișarea țăranilor și muncitorilor fără a-i glorifica, prezentându-i într-un mod îndrăzneț și aspru, ceea ce a generat controverse.
Stilul și tema lui Courbet s-au bazat pe lucrările pictorilor din Școala de la Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet și alții s-au stabilit în satul francez Barbizon cu scopul de a reproduce cu fidelitate caracterul local al peisajului.
Realismul pictural din afara Franței a fost bine reprezentat în secolul al XIX-lea în Statele Unite. Picturile puternice și expresive ale lui Winslow Homer pe teme marine și lucrările lui Thomas Eakins sunt înregistrări sincere și foarte observate ale vieții contemporane. Realismul a fost o curent distinct în arta secolului XX, derivată din dorința artiștilor de a prezenta viziuni mai sincere și neidealizate ale vieții cotidiene sau de a folosi arta ca vehicul pentru critică socială și politică.
Scenele aspre și aproape jurnalistice ale vieții urbane ale grupului cunoscut sub numele de The Eight (Cei Opt) se încadrează în această categorie. Mișcarea germană Neue Sachlichkeit (Noua Obiectivitate) a lucrat într-un stil realist pentru a exprima cinismul și deziluzia după Primul Război Mondial în Germania. Realismul socialist din Uniunea Sovietică folosea tehnici de idealizare naturalistă pentru a crea portrete ale muncitorilor și inginerilor temerari.
În plus, realismul a inspirat direct mișcări de artă contemporană precum fotorrealismul și hiperrealismul, demonstrând moștenirea sa durabilă și evolutivă.
Cumpără o reproducere a lui Las Espigadoras în magazinul online Kuadros
Nr. 4 Impresionism (1865–1885)
Câțiva exponenți: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Impresionismul francez este o mișcare importantă care s-a dezvoltat în principal în Franța la sfârșitul secolului XIX și începutul secolului XX. Caracteristica sa cea mai notabilă a fost încercarea de a înregistra în mod precis și obiectiv realitatea vizuală în termeni de efecte tranzitorii de lumină și culoare. Artiștii impresionisti au arătat o nouă modalitate de a observa și reprezenta lumea, renunțând la reprezentările realiste în favoarea impresiilor efemere ale mediului lor, adesea în aer liber. În muzică, căuta să transmită o idee sau un efect printr-un spălare a sunetului în loc de o structură formală strictă.
La sfârșitul anilor 1860, arta lui Manet reflecta o nouă estetică ce ar fi devenit o forță călăuzitoare în munca impresionistă, unde importanța subiectului tradițional a fost redusă și atenția s-a mutat pe manipularea culorii, tonului și texturii.
În 1874, un grup de artiști numit Societatea Anonimă de Pictori, Sculptori, Gravatori etc., a organizat o expoziție la Paris care a lansat mișcarea numită Impresionism. Membri fondatori au inclus Claude Monet, Edgar Degas și Camille Pissarro. Pictura lui Monet Impresion, soare răsare (1872) le-a adus numele initial batjocorit de "Impresioniști" din partea jurnalistului Louis Leroy. Artiștii au adoptat rapid denumirea ca descriptivă a intenției lor de a transmite cu precizie "impresiile vizuale". În timp ce criticii conservatori și-au criticat lucrările pentru aspectul lor incomplet și schițat, scriitori mai progresiști le-au apreciat pentru descrierea vieții moderne.
De la concepția sa, impresionismul a fost definit prin caracteristici precum pensulații libere, culori distincte, reprezentări de teme comune, un accent pe lumină și compoziții inspirate din fotografie.
La mijlocul anilor 1885, grupul impresionist a început să se dizolve pe măsură ce fiecare pictor își urmarea propriile interese și principii estetice. Cu toate acestea, ei au realizat o revoluție în istoria artei, oferind un punct de plecare tehnic pentru artiști postimpresioniști precum Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh și Georges Seurat, eliberând pictura occidentală de tehnici și abordări tradiționale.
Moștenirea și prezența impresionismului astăzi
Ca punct de plecare al modernismului, impresionismul a influențat multe mișcări ulterioare. Postimpresioniștii au adoptat pensulația lor liberă; expresioniștii abstracti și-au găsit inspirația în abordarea neconvențională a lui Monet; iar mulți artiști contemporani continuă să lucreze într-un stil neoimpresionist.
Cumpără o reproducere a Femeii cu Umbrelă în magazinul online Kuadros
Nr. 5 Postimpresionism (1885–1910)
Câțiva exponenți: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Postimpresionismul este un termen folosit pentru a descrie reacția din anii 1880 împotriva impresionismului. A fost condus de Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh și Georges Seurat. Postimpresioniștii au respins preocuparea impresionismului pentru reprezentarea spontană și naturalistă a luminii și culorii.
Acești pictori, cu excepția lui Van Gogh, erau francezi și majoritatea au început ca impresionisti; fiecare a părăsit stilul pentru a-și forma propria artă foarte personală.
La fel ca impresioniștii, au subliniat artificialitatea imaginii. Credeau că culoarea poate fi independentă de formă și compoziție ca purtător emoțional și estetic de semnificație. Atât impresionismul, cât și postimpresionismul includ unele dintre cele mai faimoase opere de artă modernă, cum ar fi nufărul lui Monet și Noaptea înstelată de Van Gogh.
Ei și-au împărtășit lucrările cu publicul prin expoziții independente la Paris. În 1910, criticul de artă Roger Fry a inventat termenul "postimpresionism" cu expoziția sa "Manet și postimpresioniștii". Fry credea că frumusețea artei este înrădăcinată în percepție. "Arta este o expresie și un stimul pentru viața imaginativă, mai degrabă decât o copie a vieții reale", a explicat în "Un Eseu în Estetică".
Postimpresioniștii credeau că o operă de artă nu ar trebui să se învârtească în jurul stilului, procesului sau abordării estetice, ci să sublinieze simbolismul, comunicând mesaje din subconștientul artistului.
Adesea expuneau împreună, dar spre deosebire de impresioniști, care au început ca un grup unit, pictau în principal singuri. Cézanne a pictat izolat în Aix-en-Provence; Gauguin s-a stabilit în Tahiti în 1891; iar Van Gogh a pictat în câmp în Arles. Atât Gauguin, cât și Van Gogh au respins obiectivitatea impresionismului în favoarea unei expresii spirituale mai personale.
"Culoare! Ce limbaj atât de profund și misterios, limbajul viselor." - Paul Gauguin
Spre deosebire de impresioniștii care căutau să captureze efectul luminii naturale, postimpresioniștii au folosit o paletă de culori artificială pentru a-și portretiza percepțiile despre lume. Tonuri saturate și umbre multicolore sunt evidente în picturile lor, demonstrând abordarea lor inovatoare.
Postimpresionismul s-a depărtat de o abordare naturalistă și s-a îndreptat spre mișcări precum cubismul și fauvismul, care căutau să evoce emoții prin culoare și linie.
Cumpără o reproducere a Noaptea înstelată în magazinul online Kuadros
Nr. 6 Fauvism și Expresionism (1900–1935)
Pictură plasată în groase, culori care ies din pagină și tonuri antinaurale: fauvismul și expresionismul sunt două dintre mișcările care au dat viață acestor caracteristici. Așadar, care este diferența dintre ele, dacă pot fi descrise în același mod? Întâi, vom explica fauvismul și expresionismul separat.
Fauvism
Câțiva exponenți: Matisse, Derain, Signac
Fauvismul a stăpânit scena artistică între 1905 și 1910, caracterizat prin culori intense și pensulații îndrăznețe. În unele cazuri, artiștii au aplicat vopsea direct din tub. Culorile nu trebuiau să fie fidele naturii; puteau fi modificate pentru a arăta emoția. Au ales subiecte simple și, din cauza acestei alegeri, picturile păreau aproape abstracte. Criticul de artă Louis Vauxcelles a inventat termenul după ce a descris lucrările lui Henri Matisse și André Derain ca „les fauves” sau „fiarele” în timpul unei expoziții la Salon d’Automne din Paris în 1905. Lucrările lor erau pline de culori antinaturale și pete sălbatice de vopsea pe pânză. Ar fi fost începutul fauvismului.
Artiștii fauviști erau profund interesați de teoria științifică a culorii din secolul XIX. Specific, cu utilizarea culorilor complementare, ei înțelegeau cum să facă culorile să pară mai strălucitoare și îndrăznețe prin integrarea acestor teorii.
Pictura lui Matisse „Femeie cu pălărie” a fost criticată pentru culorile antinaturale de pe fața femeii. Paul Signac este faimos pentru puntillismul său și a fost mentorul lui Matisse. Puntillismul este o tehnică în care se plasează mici puncte de culori primare împreună; când te îndepărtezi, acestea se combină într-o singură imagine. Acest lucru se poate compara cu pixelii de pe un ecran de computer.
În afară de Matisse și Derain, alți artiști fauviști importanți includ Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault și Maurice de Vlaminck.
Expresionism
Câțiva exponenți: Munch, Kandinsky, Klee
Expresionismul este un termen general pentru orice operă de artă care distorsionează realitatea pentru a se potrivi cu sentimentele interioare, punctele de vedere sau ideile artistului. În rezumat, este o artă care exprimă realități interne în lumea exterioară. Există caracteristici distinctive ale expresionismului: culori intense și nenaturale, vopsea aplicată în cantități mari creând textură pe pânză.
Expresionismul a venit "din interior", fiind un reflex al sentimentelor artistului mai degrabă decât o reprezentare a unei scene. Doi artiști expresioniști influenți au fost Emil Nolde și Edvard Munch.
Contribuitorii principali la mișcarea expresionistă includ artiști precum Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner și alții.
Cumpără o reproducere a lui El Grito în magazinul online Kuadros
Fauvismul poate fi văzut ca un subset al expresionismului. Folosesc tehnici similare și sunt clasificate prin aceleași caracteristici; adevărata diferență este natura specifică a fauvismului în contrast cu generalitatea expresionismului.
Ceva ce poate fi considerat fauvistic ar putea fi, de asemenea, parte a domeniului expresionismului, dar nu tot expresionismul este fauvism. Fauvismul este puțin mai sălbatic, dar cu un subiect mai simplu.
Nr. 7 Cubism (1905–1920)
Câțiva exponenți: Pablo Picasso, Georges Braque
Cubismul este un stil de arte vizuale foarte influent al secolului XX, creat în principal de Pablo Picasso și Georges Braque în Paris între 1907 și 1914. Stilul cubist a accentuat suprafața plată și bidimensională a imaginii, respingând tehnicile tradiționale de perspectivă, scurtătură, modelare și clar-obscur, refutând vechile teorii conform cărora arta ar trebui să imite natura. Cubiștii credeau că tradițiile artei occidentale s-au epuizat și, pentru a-și revitaliza lucrările, s-au întors la energia expresivă a artei altor culturi, în special arta africană.
Cubismul își derivă numele din comentariile criticului Louis Vauxcelles, care a descris peiorativ lucrările lui Braque în 1908 ca fiind compuse din cuburi. În pictura lui Braque, volumele caselor, formele cilindrice ale copacilor și schema de culori amintesc de peisajele lui Paul Cézanne, care a inspirat profund cubiștii în etapa lor inițială de dezvoltare (f până în 1909). Cu toate acestea, a fost Les Demoiselles d'Avignon, pictat de Picasso în 1907, cel care preconiza noul stil; în această lucrare, formele a cinci nuduri feminine devin figuri unghiulare și fracturate.
Cubismul s-a dezvoltat în două etape distincte: cubismul analitic și cubismul sintetic. Cubismul analitic (1908–1912) este mai auster și se caracterizează printr-o combinație de planuri și linii în tonuri stinse. Cubismul sintetic (1912–1914) se caracterizează prin forme mai simple și culori mai strălucitoare, inclusiv elemente reale combinate, cum ar fi ziarele. Inclusiunea de obiecte reale direct în artă a fost începutul uneia dintre cele mai importante idei ale artei moderne.
Deși se atribuie lui Picasso și Braque crearea acestui nou limbaj vizual, acesta a fost adoptat și dezvoltat de mulți pictori, inclusiv Fernand Léger, Robert și Sonia Delaunay, Juan Gris și alții. Cubismul a influențat, de asemenea, profund sculptura și arhitectura secolului XX.
Conceptele formale eliberatoare inițiate de cubism au avut consecințe de mare amploare pentru mișcări precum Dada și surrealismul, precum și pentru artiști care urmăreau abstractizarea în întreaga lume.
Nr. 8 Dada și Surrealism (1917–1950)
Dada
Câțiva exponenți: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada a fost o mișcare artistică avant-garde europeană, cu centre în Zürich și New York. A apărut ca o reacție directă la masacru, propagandă și nebunia Primului Război Mondial. Grupuri independente legate prin idei comune au apărut în Berlin, Paris și alte locuri. Nu împărtășeau un stil universala, ci erau conectate prin respingerea idealismului și convențiilor artistice și intelectuale învechite.
Numele "Dada", extras aleatoriu dintr-un dicționar în 1916, înseamnă „cal de balansoar” în franceză sau „da da” în română și rusă. Dar ca nume al unei mișcări, de fapt nu înseamnă nimic. Obosiți de cultura care a produs măcelul Primului Război Mondial, dadaiștii au provocat toate convențiile, sărbătorind întâmplarea și absurdul.
Rădăcinile Dada se află în avangarda dinainte de război. Termenul "anti-artă", precursor al Dada, a fost inventat de Marcel Duchamp în jurul anului 1913 pentru a caracteriza lucrări care contestau restricțiile acceptate ale artei.
Mișcarea Dada a inclus întâlniri publice, demonstrații și publicații de reviste de artă și literatură. Arta, politica și cultura au fost teme discutate frecvent în diverse medii.
Surrealism
Câțiva exponenți: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Surrealismul a fost una dintre cele mai importante și subversive mișcări ale secolului XX. A apărut în anii 1920 și a oferit o alternativă radicală la calitățile raționale și formale ale cubismului. A fost o mișcare literară, filozofică și artistică care a explorat funcționarea minții, susținând ceea ce este irațional, poetic și revoluționar.
Spre deosebire de Dada, din care a apărut în multe feluri, a accentuat respingerea pozitivă a tradițiilor anterioare. André Breton, lider al unei noi grupări de poeți și artiști din Paris, a definit surrealismul în „Manifestul surrealist” (1924) ca: „Automatism psiho, prin care se propune a exprima... funcționarea reală a gândului”.
Puteți distinge mai multe fire în manifestarea vizuală a surrealismului. Artiști precum Max Ernst și André Masson au favorizat automatismul, unde se suprima controlul conștient și se permitea subconștientului să preia controlul. În contrapartidă, Salvador Dalí și René Magritte au urmărit un sens halucinant de suprarrealitate în care scenele reprezentate nu au niciun sens real. O a treia variație a fost juxtapunerea elementelor nesusținute, stabilind o realitate în afara limitelor normale.
Surrealismul s-a originat în Paris, dar influența sa s-a extins prin reviste și expoziții internaționale. Odată cu izbucnirea celui de-al Doilea Război Mondial, centrul de activitate surrealistă s-a mutat la New York. Deși ca mișcare a pierdut coerență după război, a păstrat o influență puternică asupra artei contemporane.
Nr. 9 Expresionism Abstract (1940–1950)
Câțiva exponenți: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
„Expresionismul abstract” a fost o mișcare care s-a dezvoltat la New York în anii 1940 și 1950. Deși termenul nu era ideal, a cuprins artiști care umpleau pânzele lor cu câmpuri de culoare și forme abstracte, precum și pe cei care atacau pânzele lor cu expresionism gestual vigoros. Toți erau angajați în artă ca expresie a sinelui, născută din emoții profunde și teme universale.
Mișcarea a cuprins multe stiluri picturale diferite. Unii artiști, precum Jackson Pollock și Willem de Kooning, s-au caracterizat printr-o manevrare liberă și dinamică a vopselei. Alții, precum Mark Rothko, foloseau mari zone de culoare plată pentru a realiza efecte subtile și meditative.
Deși mișcarea a fost în mare parte prezentată ca aparținând artiștilor de sex masculin, au existat mai multe expresioniste abstracte feminine importante care au apărut în această perioadă.
Nr. 10 Pop Art (1960)
Câțiva exponenți: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Arta pop a început cu artiști din New York precum Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist și Claes Oldenburg, care s-au inspirat din imagini populare și au fost parte a unui fenomen internațional. A fost o rebeliune împotriva abordărilor dominante în artă și cultură și a opiniilor tradiționale despre ceea ce ar trebui să fie arta. Tinerii artiști au simțit că ceea ce le-au învățat la școala de artă și ceea ce vedeau în muzee nu avea nicio legătură cu viețile lor.
În 1957, artistul pop Richard Hamilton a enumerat caracteristicile artei pop într-o scrisoare: „Arta pop este: populară, tranzitorie, dispensabilă, de cost redus, produsă în masă, tânără, ingenioasă, sexy, truculentă, glamorousă, un mare business”.
Popul a dus arta în noi arii tematice și a dezvoltat noi forme de prezentare, putând fi văzut ca una dintre primele manifestări ale postmodernismului.
Nr. 11 Postmodernism (1970–)
Câțiva exponenți: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn în Cer de James Gill
Termenul „artei postmoderniste” se referă la o amploare largă de artă contemporană creată începând cu aproximativ 1970. Semnul distinctive este respingerea esteticii care stă la baza predecesorului său, „arta modernă”. Una dintre valorile respinse este ideea că „arta” este ceva „special” care ar trebui să fie separată de gustul popular.
Anti-autorități prin natura sa, postmodernismul a refuzat să recunoască autoritatea oricărui stil sau definiții ale a ceea ce ar trebui să fie arta. A distrus distincția dintre cultura înaltă și cultura populară, dintre artă și viața de zi cu zi. A introdus o nouă eră de libertate și sentimentul că „totul este permis”.
Adesea amestecând stiluri și medii diferite, arta postmodernistă poate lua, de asemenea, împrumuturi sau comentarii ironice despre stilurile din trecut. Postmodernii consideră că poziția lor teoretică este inclusivă și democratică.
În anii 1980 și 1990, postmodernismul a devenit filosofia neoficială a mișcării "politicii identitare".
KUADROS ©, o pictură faimoasă pe peretele tău.
