Cele 10 Celebre Picturi ale lui Isus

Figura lui Isus este una dintre cele mai iconice din istorie. 

Arta în jurul imaginii lui Iisus Hristos a fost idealizată atât de artiști amatori, cât și de mari maeștri.

Cum este posibil să arăți pe pânză o figură care este în același timp complet umană și complet divină? Acest tip de îndrăzneală artistică este ceva chiar îndrăzneț să încerci.

Artiștii care au pictat în tradiția creștină au făcut exact asta timp de două milenii.

Cele 10 Picturi celebre ale lui Isus

Aceasta este o privire asupra celor 10 picturi celebre ale lui Isus de-a lungul istoriei, conform clasamentului realizat de experții de la Kuadros.

# 1 Cina cea de Taină - Leonardo Da Vinci

Cea mai faimoasă pictură a lui Iisus Hristos este fără îndoială Cina cea de Taină a lui Leonardo Da Vinci.

Opera recreează ultima întâlnire de Paște dintre Iisus și apostolii săi, pe baza relatării descrise în evanghelia lui Ioan, capitolul 13. Artistul a imaginat și a reușit să exprime dorința care bântuie mintea apostolilor de a ști cine îl trădează pe Maestrul lor.

Pictată la sfârșitul secolului XV ca mural pe pereții refectoriului Mănăstirii Santa Maria delle Grazie din Milano.

Picturile pe stuc sunt de obicei create aplicând pigment pe intonaco, un strat subțire de ipsos de var umed.

Aceasta este în mod normal cea mai bună tehnică de utilizat, deoarece permite ca fresca să se ocupe de respirația naturală sau transpirarea pe care o face un perete pe măsură ce umiditatea se mișcă spre suprafață.

Cu toate acestea, în Cina cea de Taină, Da Vinci a decis să folosească vopsea pe ulei, deoarece acest material se usucă mult mai lent, ceea ce i-a permis să lucreze la imagine într-un mod mult mai lent și detaliat.

Leonardo știa că umiditatea naturală care pătrunde prin majoritatea clădirilor cu pereți de piatră ar trebui sigilată dacă ar folosi vopsele pe ulei, altfel umiditatea ar sfârși prin a-i strica munca.

Așadar, artistul a adăugat un dublu strat de ipsos, mortar și smoală pentru a combate deteriorarea cauzată de umiditate.

Cu toate acestea, opera de artă a trebuit să fie restaurată de multe ori în istoria sa lungă.

Astăzi, mai rămâne foarte puțin din stratul superior inițial al vopselei pe ulei ca urmare a daunelor de mediu și de asemenea deliberate.

#2 Transfigurarea - Rafael

Transfigurarea lui Rafael este opera finală a marelui artist renascentist Rafael, care a fost comandată de cardinalul Giulio de Medici din dinastia bancherilor Medici.

Inițial, opera de artă a fost concepută pentru a fi agățată ca retabul central al Catedralei din Narbonne, Franța, și acum este expusă la Pinacoteca Vaticanului din Orașul Vatican.

După moartea lui Rafael, pictura nu a fost niciodată trimisă în Franța, iar Cardinalul a agățat-o în schimb la altarul mare al bisericii Beato Amadeo di San Pietro in Montorio, Roma, în 1523.

Cu toate acestea, în 1797, pictura a fost confiscată de trupele franceze ca parte a campaniei italiene a lui Napoleon și ulterior a fost agățată la Louvre.

Pictura poate fi considerată că reflectă o dicotomie la nivelul cel mai simplu: forța răscumpărătoare a lui Hristos, simbolizată prin puritatea și simetria părții superioare a picturii. Acest lucru contrasta cu deficiențele Omului, simbolizate în partea inferioară prin scene întunecate și haotice.

Transfigurarea se leagă de poveștile succesive ale Evangheliei lui Matei. Partea superioară a picturii îl reprezintă pe Hristos înălțat în fața norilor unduitori și luminați, iar de ambele părți de el sunt profeții Ilie și Moise. În partea inferioară a picturii, apostolii sunt reprezentați, încercând fără succes să-l elibereze pe copilul posedat de demoni. Partea superioară îl arată pe Hristos transfigurat, care pare să execute un miracol, vindecând copilul și eliberându-l de rău.

Dimensiunile Transfigurării sunt colosale, 410 x 279 cm. Rafael prefera să picteze pe pânză, dar această pictură a fost realizată cu vopsele pe ulei pe lemn ca medii alese. Rafael a arătat, de fapt, indicii avansate de manierism și tehnici din perioada barocă în această pictură.

Posturile stilizate și contorsionate ale figurilor inferioare indică manierism. Tensiunea dramatică din interiorul acestor figuri și utilizarea liberală a luminii și întunericului, sau contrastele de clarobscur, reprezintă perioada barocă de mișcare exagerată pentru a produce dramă, tensiune, exuberanță sau iluminare. De fapt, Transfigurarea a fost cu mult înaintea timpului său, la fel ca moartea lui Rafael, care a venit prea devreme.

Această operă ar fi ultima pictură a lui Rafael, care ar lucra la ea până la moartea sa în aprilie 1520.

Curățarea picturii din 1972 până în 1976 a arătat că doar câteva dintre figurile inferioare din stânga au fost completate de asistenți, în timp ce cea mai mare parte a picturii a fost realizată de însuși artistul.

#3 Judecata de Apoi - Michelangelo

Judecata de Apoi a lui Michelangelo se află pe peretele din spatele altarului din Capela Sixtină. Reprezentarea sa a Celui de-al Doilea Venit al lui Hristos în "Judecata de Apoi" a generat controverse imediate din partea Bisericii Catolice în timpul Contrareformei.

Michelangelo trebuia să picteze sfârșitul vremurilor, începutul eternității, atunci când muritorul devine nemuritor, când aleșii se reunesc cu Hristos în regatul său ceresc, iar cei condamnați sunt aruncați în neșfârșitele chinuri ale infernului. 

niciun artist din Italia secolului al XVI-lea nu era mai bine poziționat pentru această sarcină decât Michelangelo, a cărui operă finală i-a sigilat reputația ca cel mai mare maestru al figurii umane, în special al nudului masculin. Papa Pavel al III-lea era foarte conștient de acest lucru când l-a acuzat pe Michelangelo că a repictat peretele altarului capelei cu Judecata de Apoi. Cu accentul său pe învierea trupului, acesta a fost subiectul perfect pentru Michelangelo.

Compoziția puternică se concentrează pe figura dominantă a lui Hristos, surprinsă în momentul înainte de pronunțarea verdictului Judecății de Apoi.

Gestul său calm și imperios pare să atragă atenția și să liniștească agitația din jur. În imagine începe o mișcare de rotație lentă, în care intervin toate figurile. Se exclud cele două lunete superioare cu grupuri de îngeri purtând în zbor simbolurile Patimilor (la stânga Crucea, cuie și coroana de spini; la dreapta coloana flagelării, scările și lănci cu buretele înmălțit cu oțet).

În centrul secțiunii inferioare se află îngerii Apocalipsei care îi trezesc pe morți cu sunetul unor trompete lungi. La stânga, înviații își recuperează corpurile în timp ce se ridică spre cer (Învierea cărnii), la dreapta îngerii și demonii se luptă să-i facă să cadă pe cei condamnați în infern. În cele din urmă, în fundal, Caron cu vâslele sale, împreună cu demonii săi, îi face pe cei condamnați să iasă din barca sa pentru a-i duce în fața judecătorului infernal Minos, a cărui trup este învăluit în spiralele șarpelui.

Referința în această parte la Infernul din Divina Comedie a lui Dante Alighieri este clară. În afară de laude, Judecata de Apoi a provocat, de asemenea, reacții violente între contemporanii săi. De exemplu, Maestrul de Ceremonii Biagio da Cesena a spus că "a fost dintre cele mai dezonoase într-un loc atât de onorat să fi pictat atât de multe figuri goale care își arată atât de rușinos rușinea și că nu era o lucrare pentru o Capelă a Papei, ci pentru sobe și taverne" (G. Vasari, Le Vite). Controversele, care au continuat timp de ani de zile, au dus în 1564 la decizia Congregației din Consiliul de la Trento de a acoperi unele dintre figurile Judecății considerate "obscenitate".

Sarcina de a picta cortinele de acoperire, numite "braghe" (pantaloni), a fost încredințată lui Daniele da Volterra, cunoscut ulterior ca "braghettone". "Braghe" lui Daniele au fost doar primele care au fost realizate. De fapt, în secolele următoare au fost adăugate încă câteva.

#4 Hristos purtând crucea - El Greco

Pe parcursul lungii sale cariere în Spania, El Greco a realizat numeroase picturi cu Hristos purtând crucea. Hristos purtând crucea este o imagine perfectă a umanității. Opera se remarcă prin pensulele caracteristice cu care pictorul folosește culoarea pentru a modela volumele și distorsionează corpurile pentru a reflecta dorința spirituală a personajului.

El Greco pictează ochii lui Hristos cu lacrimi dramatice și exagerate. Ochii săi sunt elementul cheie al picturii, deoarece exprimă multe emoții.

Există un contrast delicat între umerii săi robusti și frumusețea feminină a mâinilor sale. Cu toate acestea, nu există semne de durere pe chipul său. La fel, mâinile sale passive nu exprimă angustie sau efort pentru a purta crucea.

El Greco a transformat imaginea lui Hristos copleșit și suferind de crucea grea într-una care este calmă și pregătită să-și confrunte destinul. Serenitatea lui Hristos în fața sacrificiului său invită spectatorul să accepte propriul său destin în momente de frică și îndoială. 

#5 Hristos Răstignit - Diego Velázquez

Această imagine intens puternică a lui Isus pe cruce a fost pictată în perioada creativă care a urmat primei călătorii stimulante a lui Velázquez în Italia. Spre deosebire de celelalte sale nuduri masculine care apar în picturi precum Apollo în forja lui Vulcan și tunica lui Iosif, Hristos pe Cruce este un corp mort sau pe moarte care nu este însoțit de alte elemente narative în afară de crucea însăși. Cu toate acestea, artistul reușește să ofere lucrării o mare demnitate și serenitate.

Se crede că opera a fost un comision pentru sacristia Conventului San Plácido; postura austera a Hristos Răstignit prezintă patru cuie, picioarele împreunate și aparent susținute de un mic suport din lemn, permițând brațelor să formeze o curbură subtilă, în loc de un triunghi. Capul este încununat cu o aureolă, în timp ce fața se sprijină pe piept, lăsându-ne să-i întrezărim trăsăturile. Părul său drept și neted atârnă pe partea dreaptă a feței sale, drumul său posterior este trasat de sângele care picură din rana din partea sa dreaptă.

Imaginea este neobișnuit de autobiografică în sensul că ilustrează toate principalele influențe în pictura lui Velázquez. Pentru început, amintește tonul devoțional și iconografia picturilor absorbite în timpul primelor sale ani în Sevilla sub Francisco Pacheco, un membru activ al Inchiziției Spaniole.

În al doilea rând, reflectă abilitatea sa în pictura figurilor dobândită în Spania din studiul artiștilor Renașterii Spaniole și, în Italia, din arta antichității clasice, din arta Înaltei Renașteri din Roma și Veneția și din lucrările lui Caravaggio din Roma și Napoli. 

Influența clasicismului în operă se manifestă în calmul general al corpului și postura sa idealizată. Influența caravaggismului devine evidentă în tenebrismul dramatic care focalizează toată atenția pe corpul palid al lui Hristos.

Este adevărat că imaginea nu are dramatismul caracteristic picturii baroce, care se vede în lucrări religioase precum Răstignirea lui Sf. Petru sau  Coborârea de pe cruce. În schimb, posedă o calitate sculpturală monumentală care o înalță, conform spiritualității subiectului. Compoziția este absolut simplă, dar cu un contrast viu între corpul alb și fundalul întunecat, și există naturalism în modul în care capul lui Hristos se lasă pe piept. Părul încurcat este pictat cu lejeritatea pe care Velázquez o văzuse și admirase personal în exemple ale picturii venețiene.

Velázquez și-a câștigat reputația de a fi unul dintre cei mai buni portretiști din Spania, devenind pictorul oficial al lui Filip al IV-lea (a domnit între 1621 și 1640) și, în cele din urmă, cel mai mare reprezentant al picturii spaniole din perioada barocă. Cu toate acestea, în ciuda faptului că arta religioasă era deosebit de importantă în Spania, o țară a cărei monarhie conducătoare se mândrea că este unul dintre principalii sponsori ai artei Contrareformei catolice, Velázquez a pictat comparativ puține lucrări religioase notabile.

În schimb, artistul a pictat lumea pe care o vedea în jurul său, specializându-se în arta portretului, puțin din pictura de gen (natură moartă) și câteva lucrări de istorie. Ironia face ca, având în vedere lipsa lucrărilor sale religioase, să fi fost influențat mai mult de geniul italian Caravaggio, care se remarcă în special pentru arta sa biblică, executată într-un stil agresiv realista. Velázquez a fost, de asemenea, puternic influențat de ideile Renașterii italiene obținute de la maestrul său sevillan Francisco Pacheco.

 

#6 Hristos purtând crucea - Tiziano 

În jurul anului 1508 sau 1509, Tiziano a pictat un ulei cunoscut sub numele de Hristos purtând crucea. Originile adevărate ale picturii sunt oarecum misterioase, iar unii istorici ai artei i-au atribuit uneori tuturor unui alt pictor italian, Giorgione. Ambii pictori aparțineau unui sindicat de artiști legat de școală și biserică, fiecare acționând în aceeași epocă și loc, și este probabil ca lucrarea să fi fost pictată expres pentru instituție. Un alt mister legat de pictura în ulei este că se spunea că avea abilități miraculoase de vindecare, despre care s-au scris numeroase narațiuni istorice. Pelerini se rugau în biserica de la un altar lateral unde se agățase pictura și raportau că s-au vindecat de diverse afecțiuni.

Starea generală de spirit a lucrării este sumbră și întunecată. Culorile cele mai strălucitoare sunt tonurile de carne mate, iar paleta este dominată de diverse nuanțe de maro. Pe un fundal aproape negru, Hristos apare de semiprofil purtând crucea pe umăr. În timp ce privește spre stânga, un călău cu aspect furios strânge o frânghie în jurul gâtului său, iar o altă figură ușor în spatele călăului privește înăuntru din spatele scenei. Compoziția are un stil care a fost inovator în momentul respectiv, o viziune de prim-plan care a evitat perspectiva și adâncimea în favoarea intimității și detaliului. Caracteristic pentru Tiziano, pictura este plină de acțiune și odihna pare îndepărtată pentru personajele reprezentate.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Această pictură faimoasă, deși rămâne foarte atractivă, nu mai este considerată o operă a lui Leonardo da Vinci și și-a pierdut locul în lista noastră cu cele 100 de picturi celebre din istorie.

Inițial, s-a crezut că Leonardo da Vinci l-a pictat pe Salvator Mundi pentru regele Ludovic al XII-lea al Franței și consortul său, Anna de Bretania.  Experții de astăzi contestă atribuirea picturii maestrului italian, în ciuda faptului că aceasta a fost vândută la o licitație în noiembrie 2017 pentru 450.312.500 USD, un preț record pentru o lucrare de artă.

Salvator Mundi obișnuia să fie parte din lista noastră de picturi celebre, dar a cedat locul unei alte picturi votate de public și artiștii noștri.

#8 Ucenicii din Emaus - Caravaggio

 

Această lucrare a maestrului Caravaggio este cunoscută și sub numele de Pelerinajul Domnului nostru la Emaus sau pur și simplu Cina din Emaus. Pictura ilustrează momentul în care cei doi apostoli care îl însoțesc își dau seama că cel care le-a vorbit întreaga zi a fost maestrul lor iubit.

Pictată în apogeul celebrității artistului, Ucenicii din Emaus este una dintre cele mai impresionante lucrări religioase din istoria artei. În această pictură, Caravaggio prinde strălucit climaxul dramatic al momentului, al doilea exact în care ucenicii înțeleg deodată cine a fost în fața lor încă de la început. Acțiunile și reacția lor naturală transmit uimirea lor dramatică: unul este pe cale să sară din scaun, în timp ce celălalt își întinde brațele într-un gest de necredință. Iluminarea brută subliniază intensitatea întregii scene.

În operă, Caravaggio îi arată pe ucenici ca pe oameni obișnuiți, cu fețe bărbos și ridate, îmbrăcați în haine ponosite, în contrast cu tânărul Hristos fără barbă, care pare să fi venit dintr-o lume diferită.

Există câteva secrete ascunse în mai multe puncte. În operă, artistul a ascuns un ou de Paște, de exemplu. Umbră proiectată de coșul de fructe de pe masă pare, de asemenea, să portretizeze un pește, ceea ce ar putea fi o aluzie la marele miracol.

Și mai sunt comori ascunse în această capodoperă. Uneori, un defect nu este un defect deloc, ci o lovitură de geniu. Să luăm, de exemplu, țesătura coșului de răchită care se balansează pe marginea mesei din centrul picturii.

Deși nenumărate ochi s-au minunat de drama misterioasă care se desfășoară în interiorul sumbru al acelei hanuri, semnificația unei imperfecțiuni aproape imperceptibile a scăpat până acum neobservată prin secole.

O ramură liberă, care se ivește din țesătura țesută, transformă celebra pânză a lui Caravaggio într-un act îndrăzneț, o provocare spirituală pentru observator.

Pentru a aprecia toate implicațiile acestui mic detaliu, merită să ne amintim contururile mediului general pe care Caravaggio îl evoca în opera sa.

Tema Cinei din Emaus este ceva ce a inspirat mari maeștri ai istoriei, de la Rembrandt la Velázquez. Momentul cheie este povestit în Evanghelia lui Luca din Noul Testament. Acolo se spune povestea cinei intime a lui Hristos cu cei doi ucenici, Luca și Cleopa, care ignoră adevărata identitate a însoțitorului. În pictură, pâinea a fost deja ruptă și binecuvântată, iar a venit momentul, conform relatării evanghelice, ca Hristos să "deschidă" ochii urmașilor săi și să dispară "din fața lor".

Capodopera surprinde un prag mistic între umbre și lumină, momentul magic înainte ca Hristos, care este învăluit de silueta unui străin din spatele său, să dispară din lume. În acea clipă incomensurabilă între revelație și dispariție, Caravaggio împletește țesătura sa, întâlnirea magistrală între două lumi.

Când adevărul se dezvăluie, unchiul patern al lui Hristos, Cleopa, se ridică din scaun plin de panică și uimire în fața revelației: coatele lui se ridică dinamic prin mânecile hainei sale.

De cealaltă parte a coșului de fructe de răchită, la dreapta, Luca își deschide brațele cât mai poate, ca și cum contestând improbabilitatea scenei, desenând aceeași poziție pe cruce în momentul morții sale dureroase. Între timp, gazda se arată neclintită, observând fără a înțelege în timp ce ascultă cuvintele pe care Hristos le-a vorbit ucenicilor săi atonați, incapabil să prindă semnificația unui moment deosebit pentru omenire.

Ucenicii din Emaus ocupă locul nr. 82 în lista de picturi celebre 

#9 Hristos Pantocrator

Hristos Pantocrator este un panou de lemn pictat care datează din secolul al VI-lea de la Mănăstirea Sf. Catalina situată în Sinai, Egipt. Această pictură este considerată unul dintre cele mai vechi icoane religioase bizantine și este cea mai veche lucrare cunoscută din stilul pantocrator.

Panoul pictat are o înălțime de 84 cm, o lățime de 45,5 cm și o adâncime de 1,2 cm. Se crede că pictura era inițial mai mare, dar a fost tăiată în partea superioară și pe laturi într-un moment dat, din motive necunoscute, pentru a produce dimensiunile actuale. În operă, Hristos este reprezentat îmbrăcat cu o tunică purpurie.- o culoare alesă frecvent pentru a reprezenta cei de statut imperial și regalitate. Această alegere de culoare pentru tunica sa este un simbol al statutului și importanței sale. Hristos este reprezentat ridicând mâna stângă în semn de binecuvântare și cu dreapta ținând o carte.

Putem presupune că această carte este probabil un Evanghelie, deoarece este decorată cu bijuterii în formă de cruce. Pictura este deliberat asimetrică pentru a simboliza natura duală a lui Hristos. Partea stângă a lui Hristos este un simbol al naturii sale umane, trăsăturile sale fiind reprezentate ca fiind mult mai blânde și ușoare. În timp ce partea dreaptă a lui Hristos simbolizează divinitatea sa, având o privire severă și trăsături intense. Ochii în sine sunt diferiți ca formă și mărime, la fel și părul de pe partea stângă este adunat în spatele umărului său.

Unul dintre cele mai importante icoane cristean este Hristos Pantocrator. Această imagine îl portretizează pe Iisus ca fiind suveranul lumii. Hristos Pantocrator a fost una dintre cele mai vechi imagini ale lui Iisus și apare în locuri proeminente în bisericile rupestre.

Cuvântul Pantocrator înseamnă "Atotputernic". În versiunea greacă a Vechiului Testament (LXX), cuvântul pantocrator este traducerea lui "Domnul oștirilor" și "Dumnezeu Atotputernic". În Cartea Apocalipsa, pantocrator apare de nouă ori ca un titlu care subliniază suveranitatea și puterea lui Dumnezeu.

Icoana Hristos Pantocrator subliniază omnipotenta lui Isus, puterea sa de a face orice. Isus este "Guvernatorul tuturor" care susține toate lucrurile. Simbolismul lui Hristos Pantocrator (explicat mai jos) se inspiră din imagistica imperială romano pentru a-și proiecta puterea suverană. Primii creștini au folosit simboluri culturale pentru a proclama puterea suverană a lui Hristos înviat.

În plus, locația lui Hristos Pantocrator în absidă (peretele sanctuarului frontal) are, de asemenea, un semnificație teologică. Bisericile bizantine aveau modelul bazilicii romane, camera regelui pentru a celebra curtea. Absidă era locul de autoritate unde se așeza oficialul de conducere. Poziția lui Isus în absidă declară că el este guvernatorul legitim și judecătorul suveran asupra tuturor.

Creștinii au început să-l reprezinte vizual pe Iisus la sfârșitul anilor 300, după ce nu mai exista amenințarea persecuției. Aceste prime imagini îl prezintă pe Iisus ca o figura stoică așezată într-un tron cu un pergament. În anii 600, Hristos Pantocrator a apărut ca o simplificare a acestei imagini timpurii. Aspectul lui Hristos Pantocrator a rămas aproape neschimbat în ultimii 1.500 de ani.

Majoritatea primelor imagini ale lui Iisus au fost distruse în timpul controverselor iconoclastice.

#10 Hristos din San Juan de la Cruz

De departe, cea mai populară dintre toate lucrările religioase ale lui Dalí este fără îndoială "Hristos din San Juan de la Cruz", ale cărei figură domină golful Port Lligat. Pictura s-a inspirat dintr-un desen, păstrat în Conventul Încarnării din Ávila, Spania, realizat de însuși San Juan de la Cruz după ce a văzut această viziune a lui Hristos în timpul unui extaz. Oamenii de lângă barcă sunt împrumutați dintr-o pictură de Le Nain și dintr-un desen de Diego Velázquez pentru Războiul din Breda.

La piciorul studiilor sale pentru Hristos, Dalí a scris: "În primul rând, în 1951, am avut un vis cosmic în care am văzut această imagine în culoare și care în visul meu reprezenta nucleul atomului. Acest nucleu a luat după aceea un sens metafizic: am considerat în 'unitatea însăși a universului' pe Hristos! În al doilea rând, datorită instrucțiunilor părintelui Bruno, un carmelit, am văzut Hristos desenat de San Juan de la Cruz, am elaborat geometric un triunghi și un cerc, care rezumau estetic toate experimentele mele anterioare, și am înscris pe Hristosul meu în acest triunghi".

Această operă a fost considerată banală de un critic de artă important atunci când a fost expusă pentru prima dată în Londra.

Pictura a fost una dintre cele mai controversate achiziții efectuate de Dr. Tom Honeyman, atunci Director al Muzeelor din Glasgow. Acum se recunoaște pe scară largă că Dr. Honeyman a luat o decizie foarte iscusită când a propus Corporației Glasgow să cumpere pictura.

Honeyman nu numai că a obținut pictura cu un preț mai mic decât cel de catalog, ci a cumpărat și drepturile de autor ale lucrării de la Salvador Dalí, asigurând astfel un legat pe termen lung al achiziției.

Cu toate acestea, inițial, pictura nu a fost bine primită de toți, iar studenții de la Școala de Artă din Glasgow au susținut că banii ar fi putut fi folosiți pentru a cumpăra lucrări de la artiști scoțieni sau din Glasgow.

După ce a fost expusă în Kelvingrove în 1952, Dalí a atrăs atenția vizitatorilor în masă.

Pictura din colecția Muzeelor din Glasgow nu a fost lipsită de dramă, având în vedere că a fost avariată de două ori, cea mai faimoasă fiind când pânza a fost ruptă grav de un vizitator care avea în mână o piatră ascuțită. Conservatorii de la Kelvingrove au putut repara pictura până la punctul în care daunele sunt acum barely visible.

Peste 60 de ani după achiziția inițială, atractivitatea durabilă a picturii nu dă semne de diminuare și acum este una dintre cele mai populare expoziții ale muzeului.

KUADROS ©, o pictură celebră pe peretele tău.