Povestea din spatele celor 10 picturi religioase celebre din arta occidentală

De -a lungul secolelor, arta creștină a prezentat multe tipuri diferite de pictură, executate într -o gamă largă de media.

Arta religioasă folosește probleme și motive religioase care au, în general, o narațiune morală de recunoscut sau încearcă să inducă emoții spirituale puternice în privitor. În lumea occidentală, arta religioasă poate fi definită ca orice operă de artă care are o temă creștină. Pictura religioasă occidentală este dominată de scene din Vechiul Testament și de viața lui Isus Hristos.

Printre cele mai reprezentate teme sunt reprezentările Fecioarei Maria cu copilul Isus și Hristos pe cruce. Multe dintre cele mai cunoscute picturi religioase au fost create în timpul Renașterii, o mișcare culturală influentă care a avut originea în Italia.

Cei trei mari maeștri ai Renașterii Leonardo da Vinci, Miguel Ángel și Rafael apar de mai multe ori pe această listă. Kadros vă aduce cele mai faimoase 10 tablouri religioase.

No.1 Crearea lui Adam - Miguel Ángel (1512)

Cea mai cunoscută secțiune a acoperișului Capelei Sixtine este crearea lui Adam de Miguel Ángel. Această scenă este situată lângă crearea EVA, care este panoul din centrul camerei și congregația apelor, care este mai aproape de altar.

Lucrarea făcută de Miguel Ángel, este o piatră de temelie a artei renascentiste. Tabloul ilustrează narațiunea biblică a creării cărții Genezei în care Dumnezeu insuflă viața lui Adam, primul om.

Crearea lui Adam diferă de scenele tipice de creație pictate până acum. Aici, două figuri domină scena: Dumnezeu la dreapta și Adam în stânga. Dumnezeu este arătat într -o formă de nebuloasă plutitoare compusă din perdele și alte figuri. Forma se bazează pe îngeri care zboară fără aripi, dar al cărui zbor este clar văzut de perdelele care încolțesc sub ele. Dumnezeu este reprezentat ca un bătrân, dar musculos, cu părul cenușiu și o barbă lungă care reacționează la mișcarea înainte a zborului. Aceasta este departe de imaginile imperiale ale lui Dumnezeu care altfel create în Occident și datează din momentul antichității târzii. În loc să folosească haine reale și reprezentat ca un atotputernic conducător, el folosește doar o haină ușoară care îi lasă o mare parte din brațe și picioare expuse. Ați putea spune că este un portret mult mai intim al lui Dumnezeu, deoarece este arătat într -o stare care nu poate fi de neatins și departe de om, dar accesibilă pentru el.

Spre deosebire de figura lui Dumnezeu, care este extinsă și înaltă, Adam este reprezentat ca o figură leneșă care răspunde indiferent la atingerea iminentă a lui Dumnezeu. Această atingere nu numai că va da viață lui Adam, ci va da viață întregii umanități. Prin urmare, este nașterea rasei umane. Corpul lui Adam ia o formă concavă care răsună forma corpului lui Dumnezeu, care se află într -o postură convexă în cadrul nebuloasei și în formă plutitoare. Această corespondență într -un fel cu celălalt pare să sublinieze ideea mai largă că omul corespunde lui Dumnezeu; Adică pare să reflecte ideea că omul a fost creat după chipul și asemănarea lui Dumnezeu, idee cu care Michelangelo trebuia să fie familiar.

Vopseaua a fost analizată foarte mult și, printre altele, s -a descoperit că marginile vopselei se corelează cu canelurile de pe suprafața internă și externă a creierului, a trunchiului creierului, a arterei bazilare, a glandei hipofizare și a Chiasma optică. Mâna lui Dumnezeu nu -l atinge pe Adam, dar Adam este deja în viață ca și cum scânteia vieții ar fi fost transmisă printr -un fanft sinaptic. Sub brațul drept al lui Dumnezeu, există un înger trist într -o zonă a creierului care este uneori activată în explorările animalelor de companie (tomografii) când cineva experimentează un gând trist. Dumnezeu se suprapune sistemului limbic, centrul emoțional al creierului și, eventual, omologul anatomic al sufletului uman. Brațul drept al lui Dumnezeu se extinde la cortexul prefrontal, cea mai creativă și unică regiune a creierului uman; Țesătura roșie care înconjoară Dumnezeu are forma unui uter uman; Și se crede că eșarfa verde este un cordon ombilical recent tăiat. Crearea lui Adam este poate cea mai cunoscută tablou după Mona Lisa; Și împreună cu ultima cină, este cea mai replicată pictură religioasă din toate timpurile. Imaginea mâinilor aproape atinse ale lui Dumnezeu și a lui Adam a devenit o icoană a umanității și a fost imitată și parodiată nenumărate ori.

Acoperișul Capelei Sixtine a suferit efectele nocive ale secolelor de fum care au făcut ca acoperișul să se întunece considerabil. Abia în 1977 a început curățarea tavanului. Curățarea a fost uimitoare după finalizarea sa în 1989; Ceea ce a fost anterior întunecat și monoton a devenit viu. Schimbarea curățării prealabile a curățării ulterioare a fost atât de mare încât unii au refuzat inițial să creadă că Miguel Ángel a pictat. Astăzi, înțelegem paleta colorată a lui Michelangelo mult mai bine și lumea pe care a pictat -o, frumos capturată pe acoperișul Capelei Sixtine.

Cumpărați o reproducere a creației lui Adam de Miguel Ángel în magazinul online din Kadros

 Nr.2 The Last Cina - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Cina de ultimă oră, sau Cenacolo italian, una dintre cele mai cunoscute opere de artă, pictate de Leonardo da Vinci probabil între 1495 și 1498 pentru mănăstirea Dominicană Santa Maria Delle Grazie din Milano.

Acest celebru tablou reprezintă scena dramatică descrisă în câteva momente strâns legate în Evanghelii, inclusiv Matei 26: 21-28, în care Isus declară că unul dintre apostoli îl va trăda și apoi va institui Euharistia. Conform credinței lui Leonardo că poziția, gestul și expresia trebuie să manifeste „noțiunile minții”, fiecare dintre cei 12 discipoli reacționează astfel încât Leonardo considera adecvat pentru personalitatea apostolilor. Rezultatul este un studiu complex al diverselor emoții umane, exprimat într -o compoziție înșelător de simplă.

Leonardo nu lucrase într -un tablou atât de mare și nu avea experiență în muralul standard al frescoi. Vopseaua a fost realizată folosind pigmenți experimentali direct pe peretele de tencuială uscată și, spre deosebire de fresce, unde pigmenții sunt amestecați cu tencuiala umedă, trecerea timpului nu a rezistat bine. Chiar înainte de a fi terminat, au existat probleme cu vopseaua Damer a peretelui și Leonardo a trebuit să -l repare. De -a lungul anilor s -a prăbușit, a fost supus vandalismului, bombardat și restaurat. Astăzi probabil vedem foarte puțin din tabloul original.

Tema The Last Cina este hrana finală a lui Hristos cu apostolii săi înainte ca Iuda să -l identifice pe Hristos în fața autorităților care îl arestează. Ultima cină (se crede că corespunde sederului de Paște evreiesc), este amintit pentru două evenimente: Hristos spune apostolilor săi „unul dintre voi mă va trăda”, iar apostolii reacționează, fiecare în funcție de personalitatea lor. Referindu -se la Evanghelii, Leonardo îl reprezintă pe Felipe întrebând „Doamne, nu -i așa?” Hristos răspunde: „Cel care își pune mâna cu mine pe farfurie îmi va da” (Matei 26). Îl vedem pe Hristos și Iuda răspândindu -se simultan spre un fel de mâncare care se află printre ei, chiar și atunci când Iuda se întoarce la defensivă. Leonardo reprezintă, de asemenea, simultan Hristos binecuvântând pâinea și spunându -le apostolilor „ia, mănâncă; Acesta este corpul meu „și binecuvântarea vinului și spunând„ bea totul; Pentru că acesta este sângele meu din pact, care este vărsat pentru iertarea păcatelor ”(Matei 26). Aceste cuvinte sunt momentul fondator al sacramentului Euharistiei (transformarea miraculoasă a pâinii și a vinului în trupul și sângele lui Hristos).

Compoziția echilibrată este ancorată de un triunghi echilateral format de trupul lui Hristos. El stă sub un fronton arcuit care, dacă este finalizat, atrage un cerc. Aceste forme geometrice ideale se referă la interesul renascentist pentru neoplatonism (un element al renașterii umaniste care împacă aspectele filozofiei grecești cu teologia creștină). În alegoria sa, „La Cueva”, filozoful grec Platon a subliniat imperfecțiunea împărăției pământești. Geometria, folosită de greci pentru a exprima perfecțiunea cerească, a fost folosită de Leonardo pentru a -l sărbători pe Hristos ca întruparea cerului pe pământ. Leonardo a desenat un peisaj verde dincolo de ferestre. Adesea interpretat ca un paradis, s -a sugerat că acest sanctuar ceresc nu poate fi obținut decât prin Hristos. Cei doisprezece apostoli sunt aranjați în patru grupuri de trei și există și trei ferestre. Numărul trei este adesea o referire la Sfânta Treime în arta catolică. În schimb, numărul patru este important în tradiția clasică (de exemplu, cele patru virtuți ale lui Platon).

De când a fost finalizată ultima cină, când a fost declarat capodoperă, muralul a câștigat laudele artiștilor precum Rembrandt Van Rijn și Peter Paul Rubens și scriitori precum Johann Wolfgang von Goethe și Mary Wollstonecraft Shelley. El a inspirat, de asemenea, nenumărate reproduceri, interpretări, teorii ale conspirației și lucrări de ficțiune. Starea delicată a ultimei cină nu a scăzut atractivitatea tabloului; În schimb, a devenit parte a moștenirii operei de artă. 

Cumpărați o reproducere a ultimei cină a lui Leonardo da Vinci la magazinul online Kadros 

Nr.3 Întoarcerea fiului risipitor - Rembrandt (1669)

În pilda fiului risipitor, un tată are doi copii; Cel mai tânăr îi cere moștenirea, și -a pierdut averea și s -a întors acasă după ce a stat în mizerie. El intenționează să -l roage pe tatăl său să -l facă unul dintre slujitorii săi, dar tatăl, pe de altă parte, își sărbătorește întoarcerea. Când fiul său cel mai mare se opune, tatăl îi spune că sărbătoresc pentru că fratele său, care fusese pierdut, acum și -a recăpătat sensul.

Ultimul cuvânt al lui Rembrandt apare în pictura sa monumentală despre întoarcerea fiului risipitor. Aici interpretează ideea creștină a milosteniei cu o solemnitate extraordinară, ca și cum aceasta ar fi voia lui spirituală către lume. Ea depășește lucrările tuturor celorlalți artiști baroci în evocarea umorului religios și a simpatiei umane. Puterea realismului artistului în vârstă nu scade, ci crește odată cu percepția psihologică și conștiința spirituală. Iluminarea și culoarea expresivă și sugestia magică a tehnicii sale, împreună cu o simplitate selectivă a setării, ne ajută să simțim întregul impact al evenimentului.

Grupul principal al tatălui și fiul risipitor iese în evidență în lumină împotriva unei suprafețe întunecate imense. Deosebit de vii sunt rochia zdrobită a fiului și a mânecilor bătrânului, care sunt vopsite ocru cu măsline de aur; Culoarea ocru, combinată cu un roșu intens stacojiu în mantaua tatălui formează o armonie coloristă de neuitat. Observatorul se trezește la sentimentul unui eveniment extraordinar. Fiul, ruinat și dezgustător, cu un cap chel și apariția unui ieșire, se întoarce la casa tatălui său după aventuri lungi și multe vicisitudini. El și -a irosit moștenirea în țări străine și s -a scufundat în starea vagabundului.

Bătrânul său tată, îmbrăcat în haine bogate, precum figurile asistente, s -a grăbit să -l primească la ușă și primește fiul pierdut cu cea mai mare iubire paternă. Evenimentul este lipsit de orice emoție violentă momentană, dar se ridică la un calm solemn care acordă figurilor unele dintre calitățile statuilor și oferă emoțiilor un personaj de durată, care nu mai este supus unor schimbări în timp. De neuitat este imaginea păcătosului pocăit susținut de pieptul tatălui său și de bătrânul tată -modă pe fiul său. Caracteristicile tatălui vorbesc despre o bunătate sublim și august; La fel și mâinile lor extinse, care nu sunt libere de rigiditatea bătrâneții. Întregul reprezintă un simbol al fiecărei întoarceri acasă, a întunericului existenței umane luminate de tandrețe, a umanității obosite și păcătoase care se refugiază în refugiul milosteniei lui Dumnezeu.

Mesajul inerent pe care îl transmite acest celebru tablou este clar. Dumnezeu va ierta întotdeauna un păcătos pocăit, orice s -ar întâmpla.

Iconoclazia religioasă care a avut loc după eliberarea Olandei din jugul colonial al Spaniei și a Bisericii Catolice, a transformat bisericile calviniste în scoici goale, dedicate închinării, predicării și rugăciunii. Autoritățile olandeze nu aveau nicio dorință de a -și decora lăcașurile de cult cu altari, proaspete sau orice alt tip de artă religioasă de vorbit.

Pe de altă parte, Olanda a devenit faimoasă pentru realismul olandez, un tip de stil de pictură și portretul de gen la scară mică, detaliat și extrem de realist, multe dintre ele conținând mesaje moraliste de diferite tipuri.

Un al treilea tip de artă în care artiștii realisti olandezi au ieșit în evidență a fost pictura unei naturi moarte (în special pictura Vanitas), care conținea și un mesaj moral, uneori religios. Acesta a fost cel mai apropiat că mulți olandezi au venit la „arta protestantă”.

Prin urmare, este și mai surprinzător faptul că un pictor protestant olandez precum Rembrandt devine un interpret atât de interesant al scenelor biblice.

Cumpărați o reproducere a întoarcerii fiului risipitor - Rembrandt în magazinul online al Kuadros

No.4 Nunțile din Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Tema acestui celebru tablou se bazează pe istoria biblică povestită în Evanghelia Sfântului Ioan (Ioan 2: 1-11), pe o căsătorie organizată în Cana, Galilea, la care a participat Maria, Isus și discipolii ei. Spre sfârșitul petrecerii de nuntă, când vinul începe să se termine, Isus cere ca borcanele de piatră să fie umplute cu apă, pe care profesorul apoi se transformă apoi în vin. Acest episod, primul dintre cele șapte semne ale Evangheliei lui Ioan care atestă condiția divină a lui Isus, este un precursor al Euharistiei.

Nunțile Cana (sau banchetul de nuntă al lui Cana) de Paolo Veronese este un ulei pe pânză care a fost pictat în 1563 pentru mănăstirea benedictină din San Giorgio Maggiore din Veneția. Veronese a transpus povestea biblică la cea mai modernă etapă a unei nunți venețiene tipic extravagante.
Nunta Cana combină elemente ale mai multor stiluri diferite, adaptându -se la compoziție dezactivarea înaltă renaștere - exemplificată de lucrările lui Leonardo, Rafael și Miguel Ángel. La aceasta a adăugat una sau două caracteristici ale manierismului, precum și o cantitate de caracteristici alegorice și simbolice.

Conținutul tabloului constă, de asemenea, dintr -un amestec complex de sacru și profan, religios și secular, teatral și banal, european și estic. Reprezentată în marele stil al societății venețiene contemporane, banchetul are loc în interiorul unei terase flancate de coloane Doric și Corintice și mărginită de o balustradă scăzută. În depărtare puteți vedea un turn portic, proiectat de arhitectul născut în Padova Andrea Palladio. În prim plan, un grup de muzicieni atinge mai multe lute și instrumente de coarde. Figurile muzicale includ cei patru mari pictori ai Veneției: Veronese însuși (îmbrăcat în alb, cântând Viola da Gamba), Jacopo Bassano (în flaut), Tintoretto (vioară) și Tiziano (îmbrăcat roșu, atingând violoncelul).

Minile de pe masa de mireasă, toți îi așteaptă, împreună cu o varietate neconcertantă de membri de regalitate, nobili, oficiali, angajați, servitori și alții, reprezentând un eșantion reprezentativ al societății venețiene și se îmbracă în diverse moduri cu biblică, venețiană sau orientală și costume împodobite împodobite cu coafuri somptuoase și articole ale bijutierilor. Numeroase figuri istorice apar în nunțile din Cana, printre care: împăratul Carlos V, Leonor de Austria, Francisco I din Franța, María I din Anglia, Solimán Magnificul, Vittoria Colonna, Giulia gonzaga, Cartenal Pole și Sokollu Mehmet Passes. În total, în acest celebru tablou revoluție sunt reprezentate aproximativ 130 de cifre unice.

În lucrare, simbolurile religioase ale pasiunii sunt incluse împreună cu vasele de argint luxoase din secolul al XVI -lea. Mobilierul, confortabilul, ulciorul și paharele și vazele de sticlă dezvăluie petrecerea în toată splendoarea sa. Fiecare oaspete la masă are un loc individual, completat cu șervețel, furculiță și cuțit. În această duplicare a sensului, niciun detaliu nu scapă de ochiul artistului.
Pictorul a selectat pigmenți scumpi importate din est de comercianții venețieni: galben portocaliu, roșii intens și Lapislázuli sunt utilizați pe scară largă în perdele și în cer. Aceste culori joacă un rol important în lizibilitatea picturii; Ele contribuie, pentru contrastele lor, la individualizarea fiecăreia dintre cifre.

Notă: În timp ce multe figuri din imagine interacționează între ele, niciunul dintre ei nu vorbește cu adevărat. Acest lucru este pentru a întâlni codul de tăcere observat de toți călugării benedictini din refectorul în care imaginea avea să fie atârnată.

Petrecerea de nuntă a Cana conține mult simbolism. Întreaga lucrare, de exemplu, simbolizează interacțiunea dintre plăcerea pământească și mortalitatea pământească. În spatele balustradei, pe figura lui Isus, un animal este sacrificat, în aluzie la următorul sacrificiu al lui Isus, cum ar fi Mielul lui Dumnezeu, o referință care se bazează pe câinele care mestecă un os la poalele tabloului. Între timp, în stânga lui Isus, Fecioara Maria Ahueca mâinile ei pentru a reprezenta un pahar care va conține noul vin al umanității, adică sângele lui Hristos. În plus, în fața muzicienilor există un ceas de nisip, o referire standard la tranziția plăcerilor pământești, inclusiv a vanității umane.

Benedictinele mănăstirii din San Giorgio Maggiore de Veneția au comandat această imagine imensă în 1562 pentru a -și decora noul refector. Contractul care l -a comis pe Veronese în realizarea banchetului de nuntă a fost extrem de precis. Călugării au insistat ca lucrarea să fie monumentală, pentru a umple întregul perete al refectorului. A atârnat la o înălțime de 2,5 metri de sol, a fost conceput pentru a crea o iluzie de spațiu extins. Această lucrare de 70 m² a ocupat Veronese timp de 15 luni, cel mai probabil cu ajutorul fratelui său Benedetto Caliari. Comisia a fost un moment de cotitură în cariera lui Veronese; După succesul tabloului, alte comunități religioase ar plânge pentru o lucrare similară în propriile lor mănăstiri. În ciuda dimensiunilor sale excepționale, tabloul a fost confiscat, înscris și trimis la Paris de trupele lui Napoleon în 1797.

Cumpărați o reproducere a nunților din Cana de Paolo Veronese în magazinul online din Kadros

 No.5 Școala Atena - Rafael (1509-1511)

Milioane de ochi s -au minunat de întâlnirea eternă a foștilor filozofi și matematicieni, oameni de stat și astronomi pe care Rafel își imaginează strălucitor în faimoasa sa frescă.

În special, Fresco a lui Rafael, școala Atena a ajuns să simbolizeze unirea de artă, filozofie și știință care a fost un sigiliu distinctiv al renașterii italiene. Pictat între 1509 și 1511, este situat în prima dintre cele patru camere proiectate de Rafael, Stanza della Segnatura. La acea vreme, o comisie a Papei era cuspul carierei oricărui artist. Pentru Rafel, a fost validarea unei cariere deja înfloritoare.

Rafael a fost la curent cu provocarea, creând un catalog extins de schițe pregătitoare pentru toate frescele sale. Acestea vor fi apoi extinse la desene animate cu scară mare pentru a ajuta la transferul designului în tencuiala umedă. Lucrând în același timp cu Miguel Ángel pe acoperișul Capelei Sixtine, se crede că acest lucru a ajutat la stimularea și inspirarea lui Rafael stimulând natura sa competitivă.

Rafel a adus ideea la un nivel complet nou, cu compoziții în masă care reflectau filozofia, teologia, literatura și jurisprudența. Citiți în ansamblu, au transmis imediat intelectul papei și ar fi provocat o discuție între mințile educate care au avut norocul să intre în acest spațiu privat. Școala de la Atena a fost a treia imagine pe care Rafael a finalizat -o după dispută (care reprezintă teologia) și Parnassus (care reprezintă literatura). Este plasat împotriva litigiilor și simbolizează filozofia, stabilind un contrast între credințele religioase și seculare.

Amplasată într -o imensă iluzie arhitecturală, Școala Atenei este o capodoperă care reprezintă vizual un concept intelectual. Într -un tablou, Rafael a folosit grupuri de figuri pentru a prezenta o lecție complexă despre istoria filozofiei și diferitele credințe dezvoltate de marii filozofi greci. Rafael ar fi fost cu siguranță conștient de expozițiile private ale Capelei Sixtine din Progreso care au fost organizate de Bramante.

Cine sunt figurile școlii din Atena?
Cei doi gânditori ai centrului în sine, Aristotel, la dreapta și Platon, din stânga, îndreptându -se în sus, au fost foarte importanți pentru gândirea occidentală în general. În diferite moduri, diferitele lor filozofii au fost încorporate în creștinism.

În stânga lui Platon, Socrate este recunoscut datorită trăsăturilor sale distinctive. Se spune că Raphael ar putea folosi un vechi portret al bustului filosofului ca ghid. El este, de asemenea, identificat prin gestul mâinii sale, așa cum subliniază Giorgio Vasari în viața artiștilor.

În prim -plan, Pitagora stă cu o carte și o cerneală, înconjurată și de studenți. Deși Pitagora este bine cunoscută pentru descoperirile sale matematice și științifice, se crede cu fermitate și în metempsihoza.
Reflectând poziția lui Pitagora pe cealaltă parte, Euclid este înclinat să demonstreze ceva cu o busolă. Tinerii lor studenți încearcă să surprindă lecțiile pe care le predau.

Marele matematician și astronom Ptolemeu este chiar lângă Euclid, cu spatele la privitor. Cu o haină galbenă, el ține un balon terestru în mână. Se crede că bărbatul cu barbă s -a oprit în fața lui, ținând un balon ceresc este astronomul Zoroastro. Interesant este că tânărul care stă lângă Zoroaster, privind privitorul, nu este altul decât Raphael însuși. Încorporarea acestui tip de autoportret nu este ceva nevăzut în acel moment, deși a fost o mișcare îndrăzneață pentru artist să -și încorporeze asemănarea cu o operă de o astfel de complexitate intelectuală.

Este universal acceptat faptul că Domnul mai în vârstă care se află pe trepte este Diogenes. Fondatorul filozofiei cinice, a fost o figură controversată la vremea sa, trăind o viață simplă și criticând convențiile culturale.
Una dintre cele mai marcante figuri ale compoziției este un om gânditor care stă în prim plan, cu mâna în cap într -o poziție clasică de „gânditor”.

În domeniul filozofilor, el este Heraclit, un pionier al înțelepciunii de sine. Era un personaj melancolic și nu se bucura de compania altora, ceea ce l -a făcut unul dintre puținele personaje izolate de frescă.

Finalizând programul lui Rafael, două mari statui stau în nișe în spatele școlii. În dreapta lui Platon, îl vedem pe Apollo, în timp ce la stânga lui Aristotel este Minerva. Minerva, zeița înțelepciunii și a dreptății, este un reprezentant adecvat din partea filozofiei morale a Fresco. Interesant este că poziția sa o apropie și de fresca lui Rafael din jurisprudență, care se dezvoltă direct în stânga sa.

Cumpărați o redare de la Școala Rafael Atena din magazinul online Kuadros

Nr.6 Transfigurare - Rafael (1520)

 

Responsabil în 1517 de către cardinalul Giulio de 'Medici (1478-1534) (al familiei Florentin Medici), care va deveni în curând Papa Clemente VII (1523-34), ca altari a Catedralei Franceze din Narbonne (în competiție cu competiție Învierea lui Lázaro din Sebastiano del Piombo) din care a fost arhiepiscop, această faimoasă lucrare de artă religioasă a fost neterminată de Rafael la moartea sa în 1520 și a fost finalizată de asistenții săi Giulio Romano (1499-1546) și Giovanni Francesco Penni (1496 - 1536).

La urma urmei, cardinalul a păstrat tabloul la Roma și, accesând papalitatea în 1523, a dat -o Bisericii San Pietro din Montorio, Roma. În 1774, noul Pape Pius al VI-lea (1775-99) a comandat o copie în Mosaic și a instalat-o în bazilica din San Pedro. Tabloul în sine a fost jefuit de Napoleon în 1797 și dus la Paris, de unde a fost repatriat în 1815.

Această lucrare spune două evenimente biblice fără legătură. Mai sus este istoria transfigurației lui Hristos. În partea inferioară este povestea unui tânăr care este posedat de un demon.

Iisus este arătat pe vârful Muntelui Tabor (Israel) într-o haină strălucitoare albă ca zăpada, iar lângă el profeții Moise în dreapta și Ilie în stânga. Norii din spatele lui Isus sunt luminați. Isus ridică brațele și privește spre Dumnezeu.

Sub Isus sunt trei dintre ucenicii săi, de la stânga la dreapta, Iacov, Petru și Ioan. Își acoperă fața cu mâinile pentru că cerul este prea luminos pentru ochii lor. Cele două figuri din stânga sunt probabil Justus și Pastor. Este vorba despre doi martiri creștini cărora le este dedicată biserica în care trebuia inițial așezată pictura.

Mai jos îi puteți vedea pe cei nouă ucenici ai lui Isus care nu au urcat pe munte poziționați pe partea stângă. Ei încearcă să vindece un tânăr care este stăpânit de un spirit rău. Figura în halatul albastru din stânga jos este probabil Matei. Consultă o carte, dar nu găsește soluția pentru a-l vindeca pe tânăr. Tânărul discipol în halat galben este Felipe. În dreapta lui Felipe, cu tunică roșie, se află Andrés. Bărbatul din spatele lui Andrei, arătând spre copilul bolnav, este Iuda Thaddeus, iar bărbatul mai în vârstă din stânga lui este Simon. Omul din extrema stângă este probabil Iuda Iscarioteanul. Ucenicii nu-l pot vindeca pe tânăr. Aceasta poate explica de ce discipolul în roșu arată spre Isus pe vârful muntelui. Tânărul bolnav din dreapta are o cârpă albastră înfășurată în jurul taliei și arată foarte palid în timp ce face un gest sălbatic. Îi poți vedea ochii uitându-se în direcții diferite. Bărbatul din spatele lui în haina verde este tatăl său care îl ține și îi privește pe ucenici cu speranță și teamă în același timp. În fața tânărului, două femei se uită la ucenici în timp ce arătă spre tânăr.

Ambele povești sunt descrise în Matei 17, Marcu 9 și Luca 9. Povestea biblică descrie modul în care Isus este transfigurat în glorie strălucitoare în timp ce se roagă cu trei dintre ucenicii săi pe un munte. Isus vorbește cu Moise și Ilie și aude și glasul lui Dumnezeu. Sărbătoarea Schimbarii la Față este încă sărbătorită în multe biserici, fie pe 6 august, fie pe 19 august.

Dimensiunile Schimbării la Față sunt de 403x276 cm. Rafael a preferat să picteze pe pânză, dar această pictură a fost realizată cu vopsele în ulei pe lemn ca suport ales. Rafael a arătat de fapt indicii avansate de manierism și tehnici ale perioadei baroc în această pictură. Pozele stilizate și răsucite ale figurilor din jumătatea inferioară indică manierism. Tensiunea dramatică din interiorul acestor figuri și utilizarea liberală a contrastelor dintre lumină și întuneric, sau clarobscur, reprezintă perioada barocă de mișcare exagerată pentru a produce dramă, tensiune, exuberanță sau iluminare. The Transfigurarea era înaintea timpului său, la fel cum moartea lui Raphael a venit prea devreme.

The Transfigurarea a fostUltima mare lucrare a lui Rafael și o capodoperă indubitabilă a Înaltei Renașteri italiene, este acum găzduită în Pinacoteca Apostolica, unul dintre Muzeele Vaticanului. Ca urmare a unei restaurări majore efectuată în 1977 de experții în conservare ai Vaticanului, paleta de culori renascentiste a lui Rafael este acum pe deplin vizibilă, iar pictura și-a recăpătat splendoarea originală. Restaurarea a risipit, de asemenea, orice îndoieli persistente cu privire la creatorul picturii. Deși neterminată, această mare capodopera a fost în întregime produsul geniului lui Rafael.

Cumpărați o reproducere a Transformării la Față a lui Rafael din magazinul online Kuadros

Nr.7 Judecata de Apoi - Michelangelo (1475-1564)

 

Kuadros oferă cititorului o privire mai atentă asupra istoriei acestei fresce iconice pentru a înțelege mai bine modul în care Judecata de Apoi a avut un impact de durată asupra lumii artei religioase.

Religiile profetice occidentale (adică Zoroastrismo, iudaismul, creștinismul și islamul) au dezvoltat concepte ale judecății finale care sunt bogate în imagini.

„Va veni să judece în viață și mort” (din Crezul Apostolilor, una dintre primele declarații ale credinței creștine).

Judecata finală a fost una dintre primele opere de artă pe care Paul III a comandat -o să fie aleasă la papalitate în 1534. Biserica pe care a moștenit -o a fost în criză; Jefuirea Romei (1527) a fost încă o memorie recentă. Pavel a încercat să abordeze nu numai numeroasele abuzuri care au provocat reforma protestantă, dar afirmă și legitimitatea Bisericii Catolice și a ortodoxiei doctrinelor sale (inclusiv a instituției papalității). Artele vizuale ar juca un rol cheie în agenda lor, începând cu mesajul pe care l -a adresat cercului său intim atunci când a comandat judecata finală.

Pictat atunci când Miguel Ángel era complet în stilul său matur, opera de artă a avut un impact imediat și a provocat controverse. În timp ce această judecată finală a umanității nu a fost o temă neobișnuită pentru un artist al Renașterii, Miguel Ángel a făcut -o exclusiv folosind un stil care a fost apreciat și aglomerat.

Acest nou zid al Capelei Sixtine ar avea o temă specifică: judecata finală. Descrierea celei de -a doua veniri a lui Isus Hristos și judecata finală a lui Dumnezeu asupra umanității a fost o temă populară în toată Renașterea. Viziunea lui Miguel Ángel pe această temă, de -a lungul timpului, a devenit iconică. În frescă, vedem peste 300 de cifre pictate de experți pentru a efectua această poveste. Hristos stă la mijloc, cu mâna ridicată pentru a -l judeca pe condamnați care se scufundă în adâncul iadului. Cu mușchii ondulați, acest Hristos este o figură impunătoare. În stânga lui, Fecioara Maria stă. El a adoptat o posesie postată și se uită către cei care au fost salvați. Imediat în jurul acestui cuplu central există un grup de sfinți importanți. San Pedro, care are cheile cerului, iar Sf. Ioan Botezătorul sunt arătați la aceeași scară ca Hristos. Caronte și sufletele celor condamnați. Compoziția generală se învârte într -o mișcare fluidă, cu cei salvați în stânga lui Hristos în fotografia care se ridică din mormintele lor, în timp ce condamnați sunt împinși în iad. În partea inferioară a Frescoi, vedem Caronte, o figură mitologică. În mitologia greacă și romană, el a transportat suflete în lumea interlopă. Aici, el îi duce direct în iad, care este plin de personaje macabre.

Ca Dante în marea sa poezie epică, comedia divină, Miguel Ángel a căutat să creeze un tablou epic, demn de măreția momentului. El a folosit metafore și aluzii pentru a -și decora subiectul. Publicul său educat s -ar încânta cu referințele sale vizuale și literare. Inițial destinată unui public restricționat, gravurile reproducătoare ale frescoi au răspândit -o repede peste tot, plasându -l în dezbaterile din centrul animat despre meritele și abuzurile artei religioase.

În timp ce unii au înveselit această faimoasă tablou ca fiind culmea realizărilor artistice, alții au considerat -o epitomul a tot ceea ce ar putea merge greșit cu arta religioasă și au cerut distrugerea lor. Până la urmă, s -a luat un angajament. La scurt timp după moartea artistului în 1564, Daniele da Volterra a fost angajat pentru a acoperi nalgae și engleza dezbrăcată cu piese de perdele și revopsirea Santa Catalina de Alejandría, portretizată inițial fără haine, și San Blas, care a plutit -o amenințându -o cu pieptenele de oțel (ceea ce cântărea !).

Spre deosebire de publicul său limitat în secolul al XVI -lea, acum mii de turiști văd zilnic judecata finală. Cu toate acestea, în timpul conclavelor papale devine din nou un memento puternic pentru Colegiul Cardinal al locului său în istoria mântuirii, de vreme ce se întâlnesc pentru a alege vicarul pământesc al lui Hristos (următorul papă), persoana care va fi responsabilă pentru pășunarea pășunatului credinciosul. în comunitatea celor aleși.

Cumpărați o reproducere a judecății finale a lui Miguel Ángel în magazinul online din Kadros

Nr. 8 Turnul Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Conform istoriei Vechiului Testament, Dumnezeu a pedepsit umanitatea în trei moduri.

Primul a fost expulzarea lui Adam și Eva din Eden, după păcatul original. Apoi a venit Marea Potop, pedeapsa pentru multiplicitatea nelegiuirilor umane. Iar al treilea a fost când Dumnezeu, neîncrezător de mândria și prezumția cetățenilor din noul oraș violent al Babilonului, „a confundat discursul tuturor și i -a răspândit prin fața largă a pământului”.

Ce au făcut babilonienii atât de inflamatori? În ochii lui Dumnezeu, ei au contestat ordinea lucrurilor cu dorința lor declarată de a deveni un „mare popor”, reprezentat de construcția unui turn imens, „cu o cusp care ajunge la cer”. Oamenii trebuiau să aspire la înălțimi atât de mari, fie fizice sau metaforice. Pedeapsa aleasă de Dumnezeu a fost să pună capăt limbajului comun care obișnuia să unească toate popoarele și să creeze o multiplicitate a diferitelor limbi, „pentru ca acestea să nu poată fi înțelese”. Confuzia rezultată a însemnat că „construcția orașului s -a încheiat”. Potrivit Bibliei, „De aceea, orașul a fost numit Babel” sau Babilon. Dintre toate reprezentările de artă ale acestui mare turn care l -a jignit atât de mult pe Dumnezeu, cel mai memorabil este Turnul Babel de Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Acest celebru tablou, unul dintre numeroasele tablouri dedicate artei religioase, a fost a doua dintre cele trei versiuni ale Turnului Babel pictate de Pieter Bruegel. Prima versiune (acum pierdută), a fost o miniatură de fildeș, care a fost în inventarul miniaturistului italian născut în Croația Giulio Clovio (1498-1578), cu care Bruegel a colaborat la Roma în 1553. A treia versiune a fost un ulei mai mic pictat cu ulei mai mic pictat Pe Wood, datat în 1564, care este acum situat la Muzeul Boijmans Van Beuningen din Rotterdam. În general, se crede că tabloul lui Rotterdam datează de la aproximativ un an după imaginea Vienei. Turnul vienez „mare” este aproape dublu mare decât „micul” turn Rotterdam și se caracterizează printr -un tratament mai tradițional al subiectului. Bazat pe Geneza 11: 1-9, în care Domnul confundă oamenii care au început să construiască „un turn al cărui vârf poate ajunge la cer”, include, așa cum cealaltă versiune nu o face, scena regelui Nimrod și anturajul său. Înainte de multitudinea de muncitori îngenuncheați. Acest eveniment nu este menționat în Biblie, dar a fost sugerat în antichitățile evreilor din Flavio Josephus.

Pentru Bruegel a fost important pentru că a subliniat păcatul mândriei și aroganței regelui care se presupune că va evidenția imaginea.

Realism detaliat Turnul Babel prezintă o mare cantitate de detalii minuțioase, legate de construcția clădirii, fără îndoială, de cunoștințele complexe ale lui Bruegel despre tehnicile de construcție, dobândite în timpul executării mai multor tablouri care ilustrează săpăturile Amberes-Buselas canal. În dreapta există o macara imensă, foarte asemănătoare cu cea care este vizibil așezată pe portul din brevia Grimani.

Furnici muncitori similari sunt ocupați să -l poarte cu plăci uriașe de piatră pe care le -au primit de jos și vor trece la rampa superioară, unde alții sunt pregătiți să le primească. Un muncitor urcă pe o scară spre acea secțiune, care este transformată de la rocă în arhitectură structurată de o multitudine de alte persoane. În stânga, o parte a fațadei se termină deja în parte; O femeie intră prin una dintre uși, o scară apare prin una dintre ferestrele superioare. Mai sus, o altă mare multitudine de lucrători lucrează pe acoperiș și așa mai departe la infinit.

Oricare ar fi rezonabilitatea acestor acțiuni individuale și acest punct nu a fost încă complet investigat, spectatorul simte imediat insuficiența grotesc a mass -media de inginerie, precum și nebunia întregii companii de construcții.

La fel de muncitoare a acestor „furnici”, se confruntă cu adversități disperate care sunt genial demonstrate. În același nivel, încetarea ultimului detaliu se opune începuturilor goale, cu etape intermediare la mijloc, care sugerează o cursă frenetică împotriva timpului inexorabil, în timp ce partea superioară este încă invadată de nori.

Când ne -am uitat la pictura lui Bruegel și am încercat să o interpretăm, suntem de asemenea cufundați într -un exercițiu de traducere: a dat pur și simplu expresia vizuală istoriei biblice? Sau încercam să fac ceva mai larg? Sau pur și simplu o combinație a ambelor?

Nu ar trebui să ne surprindă că în lumea artei nu există neapărat un acord cu privire la intențiile lui Bruegel. În loc să fie deschis controversat, profesorul și -a încorporat munca cu semne și ne lasă, spectatorii săi credincioși să -i interpreteze pentru noi înșine.

Cumpărați o reproducere a Torre de Babel de Pieter Bruegel El Viejo în magazinul online al Kuadros

No.9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Virgen del Jilguero, unul dintre panourile florentine ale lui Rafael, a fost pictată de Rafael pentru căsătoria prietenului ei Lorenzo Nasi și Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Pictura a fost grav deteriorată după prăbușirea parțială a casei Nasi în 1547, după cum menționează Vasari. Ulterior, probabil a fost restaurată de Michele Di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini), un co -lucrător în atelierul Ghirlandio, care a fost profund influențat de Rafael.

Copilul Isus mângâie cu drag o pasăre Jilguez pe care copilul baptist tocmai i -a dat -o. Un simbol al pasiunii (vârful, pentru că se hrănește între spini) este astfel combinat într -o scenă care, la un prim nivel de sens, poate fi văzută pur și simplu ca copii care se joacă.

Rafael a absorbit realizările artei florentine care se afla la acea vreme în prim -planul Europei. Artistul a fost puternic influențat de figura lui Leonardo. Influența marelui artist-științific, se manifestă în frumoasa Madonna del Jilguero („Madonna del Cardellino”) (1506), restaurată recent (2008) înțelept și priceput. Rafael acceptă abordarea compoziției piramidale, efectele moi ale luminii slabe și dialogul emoțional dintre personaje, dezvăluind elementele tabloului lui Leonardo. În ciuda acestui fapt, este clar, de asemenea, care va fi stilul personal al lui Rafael: dulceața extremă a fețelor, în special Madonnas, utilizarea magistrală a culorilor, reproducerea realistă a peisajului și intimitatea profundă dintre figuri.

Fecioara Maria este îmbrăcată în roșu și albastru. Roșul este un simbol al pasiunii lui Hristos și albastru este simbolul Bisericii și al Mariei. A fost unul dintre cei mai scumpi pigmenți și, prin urmare, adecvat de utilizat într -o cifră importantă precum Maria. Jilguero european este asociat cu răstignirea lui Isus. În acest tablou, Sfântul Ioan trece pasărea lui Isus ca un avertisment al morții sale violente. Din cartea pe care Mary o deține, experții au identificat cuvintele „Sedes sapientiae”. Acesta este unul dintre titlurile devoționale date Mariei și înseamnă „scaunul înțelepciunii”. Subliniază că Maria a născut Isus (care reprezintă înțelepciunea). Când Maria este reprezentată în rolul de „scaunul înțelepciunii”, el este de obicei arătat pe un tron ​​cu Isus în poala lui. Cu toate acestea, în acest caz, stânca pe care Maria se simte servește ca tron.

În tablou puteți vedea mai multe flori. Deși nu toate florile au fost identificate în mod concludent, mulți cred că florile sunt: ​​anemone (care reprezintă durerea Mariei prin pasiunea lui Isus), margaritas (care reprezintă inocența copilului Isus), banane (care reprezintă calea către urmează -l pe Isus) și violete. (ceea ce reprezintă smerenia).

În arta europeană, vârful este utilizat frecvent ca simbol. Jilguero european, Carduelis cardouelis, are o față roșie și un cap în alb și negru. Sute de picturi renaștere au reprezentat Jilguero. Jilguero european este adesea asociat cu învierea, dar și cu sufletul, sacrificiul și moartea. Legenda spune că jucătorul a primit locul roșu pe cap în timpul răstignirii lui Isus, când a vrut să smulgă un ghimpe de pe coroana lui Isus, iar o picătură de sânge a lui Isus și -a stropit capul. De fapt, se știe că jucătorul mănâncă ciuline și spini și, prin urmare, a fost asociat cu coroana de spini pe care Isus l -a folosit în răstignirea sa.

Peisajul, și în special formele arhitecturale pe care le conține, reflectă influența artei flamenco, deși este încă structurată în calea Umbria. Această influență a fost la fel de vie în Florența ca în Urbino în a doua jumătate a Quattrocento. Poate că este mai vizibil pe acoperișurile înclinate și ace înalte, elemente neobișnuite într -un peisaj mediteranean. Influența lui Miguel Ángel este evidentă din nou în figura bine structurată a copilului Hristos.

Această faimoasă imagine a suferit daune grave la sfârșitul secolului al XVI -lea din cauza prăbușirii clădirii unde se afla. El a suferit daune grave, cum ar fi tăieturile adânci și lungi care au desfigurat panoul din lemn. Multe restaurări au urmat de -a lungul secolelor, dar numai datorită ultimei (realizate în 2008), lucrarea a revenit la splendoarea sa inițială. Prin urmare, Virgen del Jilguero poate fi iubit și admirat din nou ca unul dintre cele mai frumoase exemple ale marelui pictor al lui Rafael „Divinul”.

Cumpărați o reproducere a Virgen del Jilguero - Rafael în magazinul online al Kadros

No.10 Hristos din San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Hristosul din San Juan de la Cruz a fost pictat de pictorul suprarealist spaniol Salvador Dalí în 1951, într -un moment în care a ieșit din puternicul antiism anti -religios din tinerețe și a îmbrățișat din nou credința catolică.

Fără îndoială, cea mai cunoscută lucrare religioasă a lui Dalí este „Hristosul lui San Juan de la Cruz”, a cărui figură domină Port Lligat Bay. Pictura a fost inspirată de un desen, păstrat în mănăstirea întrupării în Ávila, Spania, și făcută de San Juan de la Cruz însuși, după ce a văzut această viziune a lui Hristos în timpul unui extaz.

În tabloul lui Dali, oamenii de lângă navă derivă dintr -o imagine a lui Le Nain și un desen de Diego Velázquez pentru predarea lui Breda. La sfârșitul studiilor sale pentru Hristos, Dalí a scris: „În primul rând, în 1950, am avut un„ vis cosmic ”în care am văzut această imagine de culoare și că în visul meu a reprezentat nucleul atomului. Acest nucleu Ulterior am dobândit un sens metafizic: am considerat în „Unitatea Universului”, lui Hristos! În al doilea rând, când, datorită instrucțiunilor părintelui Bruno, un carmelit, l -am văzut pe Hristos desenat de Sfântul Ioan al Crucii, am lucrat Geometric un triunghi și un cerc, care a rezumat estetic toate experimentele mele anterioare și mi -a înscris Hristosul în acest triunghi. "

În portret, Salvador Dalí a folosit în mod ingenios două culori realiste diferite, care includ albastru și verde pentru a înfățișa peisajul uimitor al mării, probabil o alegorie a Mării Galileii. Pictorul a folosit o tehnică unică pentru a picta marea la nivelul ochilor, în timp ce corpul lui Hristos atârnă în aerul crucii. În spatele crucii, pictorul a folosit vopsea cu ulei negru. Aceasta a fost pentru a face trupul lui Hristos centrul atenției.

Dalí a fost capabil să înfățișeze mușchii lui Hristos pe un ton fin. În afară de asta, a reușit să picteze umbre care au creat adâncime. În plus, Salvador a pictat munți îndepărtați la înălțimea ochilor. În partea de jos a imaginii, puteți vedea un bărbat singur care stă pe un doc cu barca lui. Renumitul pictor a fost capabil să combine culori realiste și un design ordonat pentru a crea un portret suprarealist impresionant al figurii religioase.

S -a spus că versiunea originală din secolul al XVI -lea prezintă un crucifix din unghiul în care o persoană muribundă o va vedea când o va arăta să o venereze.

Dalí ne face să -l vedem pe Hristos și Crucea direct de sus și să privim în jos în setul de nori de sub și pe pământul de dedesubt. Este o perspectivă cerească, de fapt, cea a lui Dumnezeu Tatăl. Este interesant faptul că Fiul, Hristos împărtășește aceeași perspectivă ca Tatăl: punctul său de vedere urmează și continuă până la cel al Tatălui. A patra Evanghelie subliniază că Fiul provine de la Tatăl și este unul cu el, văzând și făcând tot ce îi spune Tatăl să facă. Într -un fel, tatăl îi oferă și fiului lumii pentru a -l salva.

În pictura lui Hristos din San Juan, inima sacră a lui Isus nu se reflectă extern, ci este implicată în desfășurarea artistică a unei forțe care depășește ignominia crucii. Dalí ne pictează un Hristos victorios. Acesta arată că Hristosul lui San Juan de la Cruz expiră la moarte pentru dragoste.

În „Hristosul lui San Juan de la Cruz” din Dalí, Isus atârnat de pe cruce a dezarmat puterile și autoritățile și le -a făcut un spectacol public, triumfând asupra lor cu puterea iubirii lor pe cruce (Col. 2: 15).

Astfel, Crucea este locul în care binele expiră la rău, unde întunericul este învins de lumină, unde sămânța femeii zdrobește în sfârșit capul șarpelui (Gen 3:15), unde acuzațiile împotriva lumii au fost distruse și bătut în cuie când traversați. Mai presus de toate, este locul în care iubirea cucerește ura și toate formele de răutate.

Această faimoasă lucrare Dalí a fost considerată banală de un important critic de artă atunci când a fost expusă pentru prima dată la Londra. Cu toate acestea, câțiva ani mai târziu, el a fost tăiat de un fan în timp ce a fost atârnat în Muzeul Glasgow, dovada uimitorului efect opus asupra spectatorilor.

În tablou există mai multe perspective, un semn al talentului fenomenal al lui Dalí.

Întrucât lucrările lui Dalí nu sunt încă în domeniul public, Kadros nu face replici ale acestui pictor, nu încetează să -l admir, desigur. 

Kuadros ©, o vopsea faimoasă pe peretele tău.