A often are more in an image than meets the eye, and many of the world's most famous works of art have hidden secrets beneath the surface. You can study your favorite painting over and over again and still uncover a new cryptic symbol or hidden details. Some of the most famous artists in the world deliberately leave secret messages in their paintings, and some have even sparked popular conspiracy theories, whether to subvert authority, challenge the public, or reveal something about themselves. Hundreds of years later, thanks to technological advancements, many of these secret messages are being discovered for the first time. Kuadros wanted to unveil these mysteries for you. Here are the famous paintings we have considered the most enigmatic.
No.1 Cina de la Ultima Cena - Leonardo Da Vinci
Famous representation of Leonardo da Vinci of Jesus and his disciples in the Last Supper has been at the center of some popular theories in recent years, as described in Dan Brown's 2003 novel "The Da Vinci Code" and the 2006 film adaptation of the book starring Tom Hanks. Brown proposed that the disciple to the right of Jesus is actually Mary Magdalene disguised as John the Apostle. He also suggests that the "V" shape formed between Jesus and "John" represents a female womb, implying that Jesus and Mary Magdalene had a child together. Art historians, however, are skeptical. Da Vinci's Last Supper is important for its expressive composition and use of perspective, which was an innovation at the time. Da Vinci aligned the figures and walls of the painted room with cords radiating from a nail in the wall where the original is painted, above a dining hall in a monastery in Milan. Many suggest that John's appearance is feminine simply because that's how he was portrayed. Expert Mario Taddei told Artnet.com: "Leonardo had to copy the last suppers before him, and John looks like a woman." But a much more convincing secret message was discovered by the Italian IT technician Giovanni Maria Pala. He claims that Da Vinci concealed musical notes within "The Last Supper" that, when read from left to right, correspond to a 40-second hymn that sounds like a requiem.
When the abbot of the monastery complained that the painting was taking too long, it was said that the enraged artist threatened to use the abbot's face as a model for the traitor Judas. In the end, Da Vinci visited the jails of Milan to find the perfect villainous face for Judas, who is seated fifth from the left. Professional art historians say there is no evidence for the conspiracy theories about the Last Supper exposed in "The Da Vinci Code" and other books that address the topic; and reject the identification of the figure to the left of Jesus as his follower Mary Magdalene, rather than the apostle John.
Buy a reproduction of The Last Supper in the Kuadros online store
No.2 Creatia lui Adam - Michelangelo
"Crearea lui Adam" este probabil cea mai faimoasă dintre cele nouă panouri biblice pe care Michelangelo le-a pictat pe tavanul Cappellei Sixtine. Dar știai că scena conținea un creier uman? Mesajul ascuns se află pe pânză, unde se poate distinge forma creierului. Se pare că artistul l-a introdus în fresca sa deoarece la acel moment autopsiile erau interzise de Biserică. Se dovedește că Michelangelo era un expert în anatomia umană. La 17 ani, a avut un loc de muncă oarecum înfricoșător disecând cadavre de la cimitirul bisericii. Prin urmare, unii cred că i-ar fi plăcut să prezinte această pasiune pentru anatomie într-una dintre cele mai mari realizări ale sale, pe tavanul Cappellei Sixtine. Conform experților în neuroanatomie Ian Suk și Rafael Tamargo, pictorul a plasat câteva ilustrații atent ascunse ale anumitor părți ale corpului pe tavanul Cappellei Sixtine. Și dacă observi sudariul care înconjoară pe Dumnezeu în "Crearea lui Adam", vei descoperi că creează o ilustrare anatomică a creierului uman. Suk și Tamargo cred că Michelangelo a dorit ca creierul să reprezinte ideea că Dumnezeu îi dă lui Adam nu doar viață, ci și cunoaștere umană.
Un medic spune că Michelangelo era foarte familiarizat cu creierul uman și că a folosit cunoștințele sale de neuroanatomie pentru a reprezenta simbolic creierul în "Crearea lui Adam". Alte interpretări merg și mai departe, această pictură contrazice ideologia religioasă și transmite mesajul că totul se naște din om, și nu invers. Ce gândire sacrilegă, de fapt. O operă de artă atât de faimoasă, și totuși găsim secrete ascunse secole după concepția sa.
Buy a reproduction of The Creation of Adam in the Kuadros online store
No.3 Mona Lisa - Leonardo Da Vinci
Și anume, Mona Lisa, cea mai faimoasă pictură dintre picturile celebre, cea mai vizitată lucrare a muzeului Luvru. Această doamnă enigmatică are de fapt mai multe de oferit aici decât acel infam zâmbet de jumătate. În primul rând, se speculează că este însărcinată, având în vedere modul în care își plasează brațele pe abdomen și vălul din jurul umerilor, pe care femeile însărcinate obișnuiau să-l poarte în timpul Renașterii italiene. Dar cele mai recente descoperiri sunt în ochii ei. În 2011, cercetătorul italian Silvano Vinceti a afirmat că a găsit litere și numere pictate microscopic în ei. A spus Asociației Press că "L" de pe ochiul ei drept reprezintă probabil numele artistului. Dar semnificația literei "S" pe care o vede în ochiul ei stâng și numărul "72" de sub podul arcuit din fundal sunt mai puțin clare. Vinceti crede că "S" ar putea face referire la o femeie din dinastia Sforza care a condus Milano, ceea ce înseamnă că femeia din pictură s-ar putea să nu fie Lisa Gherardini, așa cum s-a crezut de mult. În ceea ce privește "72", Vinceti argumentează că ar putea referi la importanța numerelor atât în creștinism cât și în iudaism. De exemplu, "7" se referă la creația lumii, iar numărul "2" ar putea face referire la dualitatea bărbaților și femeilor.
Așadar, mai surprinzător, în 2015, un om de știință francez care folosea tehnologia de lumină reflectantă a susținut că a găsit un alt portret al unei femei sub imaginea pe care o vedem astăzi. Consensul este că acesta a fost "prima schiță" a lui da Vinci și că a pictat-o pentru a crea capodopera sa.
Buy a reproduction of Mona Lisa in the Kuadros online store
No.4 Cafe Terrasa Noaptea - Vincent Van Gogh
Această pictură cu vederi colorate în aer liber este o lucrare pitorească, viziunea unui spectator relaxat care se bucură de farmecul mediului său fără vreo îngrijorare morală. Își amintește de starea de spirit a lui Van Gogh când a scris că "noaptea este mai vie și mai colorată decât ziua". La prima vedere, pictura în ulei a lui Vincent van Gogh din 1888 pare a fi pur și simplu ceea ce descrie titlul: o terasă pitorească de cafenea într-un oraș colorat din Franța. Dar, în 2015, expertul Van Gogh, Jared Baxter, a propus teoria că pictura este de fapt versiunea artistului a "Cinei de la Ultima Cenan". Un studiu detaliat arată o figură centrală cu păr lung înconjurată de 12 indivizi, unul dintre care pare că se furișează în umbre ca Iuda. De asemenea, există ceea ce par a fi mici cruci ascunse în întreaga pictură, inclusiv unul deasupra figurii centrale asemănătoare lui Iisus.
O aluzie religioasă nu ar fi deloc nepotrivită pentru Van Gogh. Înainte de a-și dedica atenția picturii, faimosul artist olandez a dorit să "predice evanghelia pretutindeni", iar tatăl său, Theodorus van Gogh, era pastor al unei biserici reformată olandeză. La momentul lucrării la Cafe Terrace at Night, Van Gogh i-a scris fratelui său, Theo van Gogh, explicându-i că avea o "necesitate teribilă de, trebuie să spun cuvântul, religie", în referire directă la pictură.
Van Gogh nu a semnat niciodată "Café Terrace at Night". Cu toate acestea, a menționat specific pictura în trei piese de corespondență, așa că istoricii de artă au încredere că el a pictat-o.
Buy a reproduction of Cafe Terrace at Night in the Kuadros online store
No.5 Portretul lui Arnolfini - Jan Van Eyck
Imaginea este expusă la Galeria Națională din Londra și probabil îl reprezintă pe Giovanni di Nicolao Arnolfini și soția sa Costanza Trenta. Identitatea cuplului a fost restrânasă la doar câteva posibilități, dar doar ei au locuit în Bruges suficient de mult timp pentru a-l cunoaște bine pe pictor. Prima cheie pentru pictură este mediu, într-o casă destul de bogată, plină de obiecte și haine frumoase. Simbolurile din pictură sunt imposibil de trecut cu vederea, deși nu sunt de o singură interpretare. De asemenea, semnificația imaginii nu este complet clară. De-a lungul secolelor, a fost interpretată ca un portret al unui cuplu de proaspăt căsătoriți, cu simboluri extrase dintr-un eveniment de nuntă, începând cu simbolul evident al fertilității al poziției însărcinate a corpului Constanței, care, așa cum se arată, era doar un capriciu al modei. De fapt, cuplul nu a avut copii. Alte simboluri ale fertilității sunt patul roșu și covorul. Pantofii care se aflau pe podeaua din lemn aveau, de asemenea, o semnificație ca daruri de nuntă obișnuite pentru o mireasă din partea unui mire. Portocalele simbolizează fertilitatea și dragostea, iar loialitatea cățelușului. Dar dacă te uiți atent la oglinda din centrul camerei, vei vedea că există două figuri care intră în cameră. Se crede pe scară largă că unul dintre ele este menit să fie chiar Van Eyck. De asemenea, vei observa că există o inscripție latină într-o scriere foarte elaborată pe peretele de deasupra oglinzii, care se traduce prin "Jan van Eyck a fost aici. 1434".
Cu toate acestea, cea mai importantă parte a picturii, care nu este prezentată, este discrepanța în anii. Pictura, așa cum s-a menționat anterior, a fost datată în 1434, în timp ce Costanza Trenta a murit în 1433. Pictura ar fi putut, de asemenea, să aibă un context diferit de cel în care a fost terminată. După cum a demonstrat o radiografie, Jan van Eyck a făcut mai multe modificări, iar dacă acestea au fost legate de o astfel de întâmplare este supus dezbaterii.
Buy a reproduction of The Arnolfini Portrait in the Kuadros online store
No.6 Ambasadorii - Hans Holbein Tânărul
Cu mult înainte ca ochelarii 3D sau căutarea ouălor de Paște să devină populare, pictorii renascentiști au reușit să-și facă publicul să privească piesele din unghiuri noi, jucându-se cu perspectiva. Unul dintre cele mai celebre exemple ale tehnicii este portretul dublu al lui Hans Holbein Tânărul, Ambasadorii, care are o poveste la fel de bogată ca numeroasele detalii ascunse în tușele sale.
Interpretarea picturii ca o alegorie a tumultului politic și religios al Angliei schismatice a lui Henry VIII, în care sunt prinși ambasadorii nefericiți, a fost acceptată universal de mai bine de o sută de ani.
Pictura prezintă o iluzie destul de impresionantă la baza sa. Dacă privești imaginea distorsionată în partea de jos a picturii de la dreapta la stânga, pare a fi un craniu anamorphic. Academicienii cred că aceasta este menită să fie un memento că moartea este mereu la colț.
În colțul din stânga sus, în spatele cortinei verzi și luxuriante, vei găsi pe Iisus într-o postură iconică. Unii istorici de artă cred că acest cameo divin este legat de craniul memento mori și că face aluzie la un loc dincolo de mortalitate. Este un simbol menit să sugereze că există mai mult decât moarte, adică o viață viitoare prin Hristos. Alții cred că iconul ascuns reprezintă diviziunea bisericii pe care Henry VIII o impunea compatrioților săi.
Figura din partea stângă a Ambasadorilor este Jean de Dinteville, ambasadorul francez în Anglia. Era pe cale să împlinească 30 de ani în momentul acestui portret dublu. Prietenul și colegul său diplomat Georges de Selve, în fotografia din dreapta, avea doar 25 de ani în acel moment și deja servise ca ambasador francez în Republica Veneția de mai multe ori.
Portretul în ulei pe stejar a fost realizat pentru a fi expus în coridoarele casei lui Dinteville. Cu toate acestea, Galeria Națională a expus pictura halucinantă a lui Holbein din 1890. De mai bine de 125 de ani, a devenit una dintre cele mai prețioase expoziții ale muzeului din Londra.
Buy a reproduction of The Ambassadors in the Kuadros online store
No.7 Nașterea lui Venus - Sandro Botticelli
Desnudețea în celebra pictură a lui Botticelli a fost destul de inovatoare pentru sfârșitul secolului XV. Dar aceasta nu este unde se termină îndrăzneala artistului. Unii istorici de artă cred că scoica de vie cât a lui Venus se află acoperită cu valurile oceanului simbolizează de fapt organul genital feminin și astfel face aluzie la fertilitate, creând o scenă de naștere care reflectă originile oceanice ale lui Venus în timp ce se conectează simbolic cu nașterea umană.
Venus, zeița iubirii, se află înconjurată de scoica de mare, fiind trasă la mal de Zephyr, zeul vântului de vest. Acolo, una dintre Horae, zeitele anotimpurilor, este pregătită cu o mantie pentru a o îmbrăca pe divinitatea nou-născută. A patra figură purtată de Zephyr este destinată a fi o Aura (ninfe ale vântului) sau Chloris, o ninfă asociată cu primăvara și florile înflorite care curg prin imagine.
Inspirația creștină era dominantă în arta Evului Mediu, astfel încât rar se descria desnudețea. Cu toate acestea, apariția umanismului a dus la un interes reînnoit în miturile Romei antice, și cu aceasta o renaștere a nudului.
În această perioadă timpurie a Renașterii, pictura pe panze de lemn era la modă. Dar popularitatea pânzei a crescut, în special în regiunile umede unde lemnul avea tendința de a se deforma. Deoarece pânza era mai ieftină decât lemnul, statutul său perceput era un pic mai jos, așa că era rezervat lucrărilor care nu erau destinate marilor expoziții publice. Pictura se remarcă ca prima operă pe pânză din Toscana.
Nașterea lui Venus a fost destinată să fie expusă într-o cameră. Desnudețea piesei capătă o notă mai senzuală când știi că a fost destinat să fie expus deasupra unui pat conjugal. Acest loc și reprezentarea sa îndrăzneață au contribuit la faptul că Nașterea lui Venus a fost ascunsă de ochii publicului timp de aproximativ 50 de ani. Pictura are o piesă însoțitoare. Deși a fost finalizată cu patru ani înaintea surorii sale, Primavera poate fi văzută ca un fel de continuare a Nașterii lui Venus. În timp ce a doua reprezintă sosirea lui Venus într-o lume pe cale de a înflori, prima arată lumea înfloritoare în jurul figuri materne acum îmbrăcate. Se spune că cele două picturi au avut intenția de a comunica cum "dragostea triumfă asupra brutalității".
Botticelli a cerut să fie îngropat la picioarele lui Venus. Nu pictura, bineînțeles. A dorit să zacă veșnic lângă inspirația sa pământească, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Numită cea mai frumoasă femeie din Florența, precum și cea mai frumoasă femeie din Renaștere, Simonetta a fost muza care a inspirat mai multe lucrări ale lui Botticelli, inclusiv Nașterea lui Venus și Primavera. Când a murit în 1510, Botticelli a fost îngropat aproape de această nobilă căsătorită, despre care se speculează că ar fi adăpostit o dragoste necorespunzătoare.
Buy a reproduction of The Birth of Venus in the Kuadros online store
No.8 Autoportret - Rembrandt
Rembrandt a pictat, desenat și gravat atât de multe autoportrete în viața sa încât schimbările în apariția sa ne invită să evaluăm starea sa de spirit comparând o imagine cu alta. O astfel de lectură biografică este încurajată de modul în care artistul confruntă direct spectatorul. Rembrandt a pictat acest autoportret în 1659, după ce a suferit o eșec financiar în ciuda atâtor ani de succes. Casa sa spațioasă de pe Sint-Anthonisbreestraat și alte bunuri fuseseră vândute la licitație anul anterior pentru a-și satisface creditorii. În această lucrare târzie, ochii săi adânci, care se fixează în cei ai spectatorului, par să exprime putere și demnitate interioare. Cu toate acestea, interpretarea picturilor pe baza biografiei unui artist este periculoasă, în special pentru un artist a cărui viață a fost idealizată atât de mult cum a fost cazul lui Rembrandt. Lumina care iluminează atât de eficient capul său accentuează, de asemenea, umărul stâng al lui Rembrandt și, într-o măsură mai mică, mâinile sale împreunate, foarte executate.
În 2001, artistul britanic David Hockney și fizicianul american Charles Falco au anunțat că au găsit dovezi că Rembrandt și alți Maeștri Vechi se bazau pe larg pe utilizarea lentilelor și oglinzilor curbate pentru a crea scenele și portretele lor reale. Și în august 2016, doi cercetători din Regatul Unit, artistul Francis O'Neil și fizica Sofia Palazzo Corner, au publicat un studiu în Journal of Optics care explica cum Rembrandt ar fi putut utiliza combinații de oglinzi curbate și lentile pentru a crea celebrele sale autoportrete. Cercetătorii văd multe detalii în autoportretele lui Rembrandt care susțin teoria lor, inclusiv lumina puternică din centrul portretelor și întunericul relativ de la margini, care se vede și în reflexele proiectate de oglinzi curbate.
Artistele folosesc constant noi pigmenti și uleiuri pentru a produce culori mai vibrante, luminoase și interesante. Rembrandt van Rijn nu a fost diferit. Vechiul maestru olandez avea tehnică, creativitate și muncă minuțioasă. De asemenea, avea chimie. O nouă analiză a lucrărilor sale arată că a folosit un compus rar în unele dintre picturile sale: un mineral de carbonat de plumb numit plumbonacrit, Pb5 (CO3) 3O (OH). Cunoașterea compoziției paletei artistului va ajuta conservatorii să descopere cum să păstreze mai bine lucrările sale de artă de-a lungul timpului.
Buy a reproduction of Rembrandt's Self-Portrait in the Kuadros online store
No.9 Bacchus - Caravaggio
Pictura lui Bacchus de Caravaggio conține toate excesele asociate cu libertinul mitologic care fierb sub suprafața sa. Această senzație de furtună sub calm face din ea o lucrare de artă atât de puternică. Bacchus, zeul vinului, este de obicei prezentat beat; Bacchus lui Caravaggio este serafic și autonom. De multe ori este văzut călare pe un car triumfal tras de tigri, leoparzi sau capre; în versiunea lui Caravaggio, procesiunea bacchică este pe cale de a începe sau s-a terminat. Sau poate că acest Bacchus are planuri complet diferite.
În 1922, pentru prima dată, a fost descoperit ceva ascuns în această lucrare, un restaurator de artă curăța pânza acestei lucrări din 1595. Pe măsură ce acumularea murdăriei de secole s-a îndepărtat, a devenit vizibil un portret ascuns. În sticla de vin din colțul din stânga jos, un mic Caravaggio se așează pe mica reflecție a luminii de pe suprafața vinului.
Azi, aproape un secol mai târziu, cercetătorii o confirmă. Nu pare a fi prea ascuns, dar datorită tehnologiei moderne numite reflectografie, experții în artă în 2009 au putut descoperi că imaginea unui bărbat este de fapt ascunsă în sticla de vin din partea inferioară stângă. Și ar putea fi chiar Caravaggio. "Caravaggio a pictat o persoană în poziție verticală, cu un braț întins spre o pânză pe un suport. Pare a fi un portret de sine în timp ce picta", a spus expertă Mina Gregori pentru The Telegraph.
Buy a reproduction of Bacchus in the Kuadros online store
KUADROS ©, o pictură celebră pe peretele tău.
