De 10 Meest Beroemde Schilderijen van Jezus

De figuur van Jezus is een van de meest iconische in de geschiedenis. 

De kunst rond het beeld van Jezus Christus is zowel door amateurkunstenaars als door grote meesters geïdealiseerd.

Hoe is het mogelijk om op het doek een figuur te tonen die zowel volledig menselijk als volledig goddelijk is? Dit soort artistieke stoutmoedigheid is zelfs een gewaagde poging.

De kunstenaars die in de christelijke traditie schilderden, hebben dat gedurende twee millennia exact gedaan.

De 10 beroemdste schilderijen van Jezus

Dit is een blik op de 10 beroemdste schilderijen van Jezus door de geschiedenis heen, volgens de classificatie gedaan door de experts van Kuadros.

# 1 Het Laaste Avondmaal - Leonardo Da Vinci

Het beroemdste schilderij van Jezus Christus is zonder twijfel Het Laatste Avondmaal van Leonardo Da Vinci.

Het werk hercreëert de laatste paasbijeenkomst tussen Jezus en zijn apostelen, op basis van het verhaal beschreven in het evangelie van Johannes, hoofdstuk 13. De kunstenaar stelde zich voor, en heeft weten uit te drukken, het verlangen dat door het hoofd van de apostelen spookt om te weten wie hun Meester verraadt.

Geschilderd aan het eind van de 15e eeuw als muurschildering op de muren van de refter van het Convent van Santa Maria delle Grazie in Milaan.

Fresco's worden doorgaans gemaakt door pigment op intonaco aan te brengen, een dunne laag nat kalkgips.

Dit is doorgaans de beste techniek om te gebruiken, aangezien het fresco de natuurlijke ademhaling of zweten van een muur aan kan zodra de vochtigheid naar de oppervlakte beweegt.

Echter, in Het Laatste Avondmaal besloot Da Vinci olieverf te gebruiken omdat dit materiaal veel langzamer droogt, wat het hem mogelijk maakte om de afbeelding op een veel langzamere en gedetailleerdere manier te verwerken.

Leonardo wist dat de natuurlijke vochtigheid die door de meeste gebouwen met stenen muren binnendringt, verzegeld moet worden als hij olieverf zou gebruiken, of de vochtigheid zou zijn werk verwoesten.

Daarom voegde de kunstenaar een dubbele laag gips, kit en teer toe om de achteruitgang door vochtigheid tegen te gaan.

Desondanks heeft het kunstwerk in zijn lange geschiedenis vaak moeten worden gerestaureerd.

Tot op heden blijft er zeer weinig van de oorspronkelijke bovenste laag van de olieverf over als gevolg van milieuschade en ook opzettelijke schade.

#2 De Verheerlijking - Rafael

De Verheerlijking van Rafael is het laatste werk van de grote renaissancekunstenaar Rafael, dat in opdracht werd gegeven door kardinaal Giulio de Medici van de bankiersdynastie Medici.

Oorspronkelijk was het kunstwerk bedoeld om als centraal altaar in de kathedraal van Narbonne in Frankrijk te hangen en nu hangt het in de Vaticaanse Pinacotheek in de Stad Vaticaan.

Na de dood van Rafael werd het schilderij nooit naar Frankrijk gestuurd en in plaats daarvan hing de Cardinal het in het hoogaltaar van de kerk van de zalige Amadeus van San Pietro in Montorio, Rome in 1523.

In 1797 werd het schilderij echter door Franse troepen in beslag genomen als onderdeel van de Italiaanse campagne van Napoleon en later opgehangen in het Louvre.

Men kan stellen dat het schilderij een dichotomie weerspiegelt op het meest simpele niveau: de verlossende kracht van Christus, gesymboliseerd door de puurheid en symmetrie van het bovenste deel van het schilderij. Dit staat in contrast met de tekortkomingen van de Mens, gesymboliseerd in het onderste deel door sombere en chaotische scènes.

De Verheerlijking kan in verband worden gebracht met opeenvolgende verhalen uit het evangelie van Matteüs. De bovenkant van het schilderij toont Christus verheven voor golvende en verlichte wolken, en aan beide zijden van Hem staan de profeten Elia en Mozes. In de onderkant van het schilderij worden de apostelen afgebeeld, die zonder succes proberen het bezeten kind van de demonen te bevrijden. De bovenkant toont Christus verheerlijkt, die lijkt een wonder te verrichten, het kind genezend en bevrijdend van het kwaad.

De afmetingen van De Verheerlijking zijn kolossaal, 410 x 279 cm. Rafael gaf de voorkeur aan schilderen op doek, maar dit schilderij is gemaakt met olieverf op hout als gekozen medium. Rafael toonde in deze schilderij daadwerkelijk geavanceerde aanwijzingen van maniërisme en technieken uit de barokperiode.

De gestileerde en gekromde poses van de onderste gedeeltelijke figuren duiden op maniërisme. De dramatische spanning binnen deze figuren, en het vrije gebruik van licht en donker, of chiaroscuro-contrast, vertegenwoordigt de barokperiode van overdreven beweging om drama, spanning, weelde of belichting te produceren. Feitelijk ging De Verheerlijking vooruit op zijn tijd, net zoals de dood van Rafael, die te vroeg kwam.

Dit werk zou het laatste schilderij van Rafael zijn, die eraan zou werken tot zijn dood in april 1520.

De reiniging van het schilderij van 1972 tot 1976 toonde aan dat slechts enkele van de onderste linkerfiguren door assistenten waren voltooid, terwijl het grootste deel van het schilderij van de kunstenaar zelf was.

#3 Het Laatste Oordeel - Michelangelo

Het Laatste Oordeel van Michelangelo bevindt zich op de muur achter het altaar in de Sixtijnse Kapel. Zijn afbeelding van de Tweede Komst van Christus in "Het Laatste Oordeel" veroorzaakte onmiddellijk controverse bij de katholieke kerk van de Contrareformatie.

Michelangelo moest het einde van de tijd schilderen, het begin van de eeuwigheid, wanneer het sterfelijke onsterfelijk wordt, wanneer de uitverkorenen zich verenigen met Christus in zijn hemelse koninkrijk en de veroordeelden worden geworpen in de eindeloze torments van de hel. 

Geen enkele kunstenaar in het 16e-eeuwse Italië was beter gepositioneerd voor deze taak dan Michelangelo, wiens laatste werk zijn reputatie als de grootste meester van de menselijke figuur bezegelde, vooral van de naakte mannelijke figuur. Paus Paulus III was zich hiervan zeer bewust toen hij Michelangelo beschuldigde de altaarmuur van de kapel opnieuw te schilderen met Het Laatste Oordeel. Met zijn focus op de opstanding van het lichaam was dit het perfecte onderwerp voor Michelangelo.

De krachtige compositie richt zich op de dominante figuur van Christus, vastgelegd op het moment voorafgaand aan het vellen van het oordeel van Het Laatste Oordeel.

Zijn rustige en dringende gebaar lijkt de aandacht te trekken en de omliggende onrust te bedaren. In de afbeelding begint een brede langzame draaiende beweging waarin alle figuren betrokken zijn. De twee bovenste lunetten met groepen engelen die in de lucht de symbolen van de Passie dragen, worden uitgesloten (links de Kruis, de spijkers en de doornenkronen; rechts de kolom van de geseling, de trappen en de lans met de spons doordrenkt van azijn).

In het midden van de onderste sectie zijn de engelen van de Apocalypse te zien die de doden wakker maken met het geluid van lange trompetten. Aan de linkerkant halen de opgestanen hun lichamen terug terwijl ze de lucht in stijgen (Opstanding van het vlees), aan de rechterkant vechten engelen en demonen om de veroordeelden in de hel te laten vallen. Uiteindelijk, op de achtergrond, laat Charon met zijn roeispanen, samen met zijn demonen, de veroordeelden uit zijn boot komen om hen voor de infernale rechter Minos te brengen, wiens lichaam gewikkeld is in de spiralen van de slang.

De referentie in dit deel naar de Hel van de Goddelijke Komedie van Dante Alighieri is duidelijk. Naast lof veroorzaakte Het Laatste Oordeel ook gewelddadige reacties onder tijdgenoten. Bijvoorbeeld, de Ceremoniemeester Biagio da Cesena zei dat "het het meest onfatsoenlijk was in zo'n eerbiedwaardige plaats zoveel naakte figuren te schilderen die hun schaamte zo onfatsoenlijk tonen en dat het geen werk voor een pauselijke kapel was maar voor kachels en herbergen" (G. Vasari, Le Vite). De controverses, die jarenlang doorgingen, leidden in 1564 tot de beslissing van de Congragatie van het Concilie van Trente om enkele figuren van het Oordeel af te dekken die als “obsceen” werden beschouwd.

De taak om de bedekkingsgordijnen, de zogenaamde "braghe" (broeken) te schilderen werd opgedragen aan Daniele da Volterra, sindsdien bekend als de "braghettone". De "braghe" van Daniele waren slechts de eerste die werden uitgevoerd. In feite werden in de komende eeuwen verschillende andere toegevoegd.

#4 Christus Draagt het Kruis - El Greco

Gedurende zijn lange carrière in Spanje schilderde El Greco talloze schilderijen van Christus die het kruis draagt. Christus Draagt het Kruis is een afbeelding van perfecte menselijkheid. Het werk valt op door de kenmerkende penseelstreken waarmee de schilder kleur gebruikt om de volumes te modelleren en de lichamen te vervormen om de spirituele verlangens van de figuur weer te geven.

El Greco schildert de ogen van Christus met dramatische en overdreven tranen. Zijn ogen zijn het belangrijkste element van het schilderij, omdat ze veel emotie uitstralen.

Er is een delicate tegenstelling tussen zijn robuuste schouders en de vrouwelijke schoonheid van zijn handen. Toch zijn er geen tekenen van pijn op zijn gezicht. Evenzo drukken zijn passieve handen geen pijn of moeite uit om het kruis te dragen.

El Greco transformeerde het beeld van de overweldigde en pijnlijke Christus van het zware kruis naar dat van een rustige man die klaar is om zijn bestemming onder ogen te zien. De sereniteit van Christus voor zijn offer nodigt de toeschouwer uit om zijn eigen bestemming te aanvaarden in momenten van angst en twijfel.

#5 Gekruisigde Christus - Diego Velázquez

Dit intens krachtige beeld van Jezus aan het kruis werd geschilderd tijdens de creatieve periode die volgde op Velázquez' eerste stimulerende reis naar Italië. In tegenstelling tot zijn andere naakte mannelijke figuren die verschenen in schilderijen zoals de Apollo in de Smidse van Vulcanus en de Tuniek van Jozef, is zijn Christus aan het Kruis een dode of stervende lichaam. die niet vergezeld gaat van andere narratieve elementen behalve het kruis zelf. Desondanks slaagt de kunstenaar erin de work met een grote waardigheid en sereniteit te doteren.

Er wordt gedacht dat het werk een opdracht was voor de sacristie van het Convent van San Plácido; de sobere houding van de Gekruisigde Christus presenteert vier spijkers, met de voeten samen en schijnbaar ondersteund door een kleine houten richel, waardoor de armen een subtiele kromming vormen, in plaats van een driehoek. Het hoofd is gekroond met een aureool, terwijl het gezicht op de borst leunt, waardoor we zijn gelaatstrekken kunnen zien. Zijn steile en gladde haar hangt aan de rechterkant van zijn gezicht, zijn pad achter hem wordt getekend door het bloed dat uit de wond aan de rechterzijde druppelt.

Het beeld is ongewoon autobiografisch in die zin dat het alle belangrijke invloeden op Velázquez' schilderkunst illustreert. Om te beginnen herinnert het aan de devotionele toon en de iconografie van de schilderijen die hij tijdens zijn eerste jaren in Sevilla onder Francisco Pacheco, een actief lid van de Spaanse Inquisitie, heeft opgenomen.

Tweede, het reflecteert zijn vaardigheid in het schilderen van figuren die hij in Spanje heeft opgedaan door de studie van de Spaanse renaissancekunstenaars en, in Italië, de kunst van de klassieke oudheid, van de hoge renaissancekunst in Rome en Venetië, en van de werken van Caravaggio in Rome en Napels. 

De invloed van het classicisme in het werk komt tot uiting in de algemene rust van het lichaam en zijn geïdealiseerde houding. De invloed van caravaggisme wordt duidelijk in het dramatische chiaroscuro, dat alle aandacht op het bleke lichaam van Christus richt.

Het is waar dat het beeld niet de karakteristieke dramatiek heeft van barokke schilderkunst, die te zien is in religieuze werken zoals De kruisiging van Sint Pieter of de  Afkeer van het kruis. In plaats daarvan beschikt het over een monumentale sculpturale kwaliteit die het verheft, in overeenstemming met de spiritualiteit van het onderwerp. De compositie is volkomen simpel, maar met een levendig contrast tussen het witte lichaam en de donkere achtergrond, en er is naturalisme in de manier waarop het hoofd van Christus op zijn borst valt. Het verwarde haar is geschilderd met de vrijheid die Velázquez persoonlijk had gezien en bewonderd in voorbeelden van Venetiaanse schilderkunst.

Velázquez verwierf de reputatie een van de beste portretschilders van Spanje te zijn, werd de officiële schilder van Filips IV (die regeerde van 1621 tot 1640) en uiteindelijk de grootste vertegenwoordiger van de Spaanse schilderkunst uit de barokperiode. Toch, ondanks het feit dat religieuze kunst bijzonder belangrijk was in Spanje, een land waarvan de heersende monarchie trots was een van de belangrijkste sponsors van de kunst van de katholieke Contrareformatie te zijn, schilderde Velázquez vergelijkend weinig opmerkelijke religieuze schilderijen.

In plaats daarvan schilderde de kunstenaar de wereld die hij om zich heen zag, specialiserend in portretkunst, een beetje genre schilderkunst (stillevens) en af en toe een historisch schilderij. Ironisch genoeg, gezien de schaarste van zijn religieuze werken, was hij meer beïnvloed door de Italiaanse genie Caravaggio, die vooral opvalt door zijn bijbelse kunst, uitgevoerd in een agressief realistische stijl. Velázquez werd ook sterk beïnvloed door de ideeën van de Italiaanse renaissance die hij van zijn Sevillaanse meester Francisco Pacheco had opgedaan.

 

#6 Christus Draagt het Kruis - Titiaan 

Around 1508 or 1509, Tiziano painted an oil known as Christus Draagt het Kruis. The true origins of the painting are somewhat mysterious, and even several art historians have at times attributed it to another Italian painter, Giorgione. Both painters belonged to an artists’ guild linked to the school and church, both working in the same time and place, and it is likely that the work was expressly painted for the institution. Another mystery around the oil painting is that it was said to have miraculous healing abilities, about which many historical accounts have been written. Pilgrims prayed in the church at a side altar where the painting hung and reported that they had been cured of ailments.

The overall mood of the work is somber and dark. The brightest colors are the muted flesh tones, and the palette is dominated by various shades of brown. Against an almost black background, Christ appears in semi-profile carrying the cross on his shoulder. As he looks to the left, an angry-looking executioner tightens a noose around his neck, and another figure slightly behind the executioner looks inward behind the scene. The composition has a style that was innovative at the time, a close-up view that avoided perspective and depth for intimacy and detail. Characteristic for Titiaan, the painting is full of action and repose seems distant from the depicted figures.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Dit beroemde schilderij, hoewel nog steeds zeer aantrekkelijk, wordt niet langer als een werk van Leonardo da Vinci beschouwd en heeft zijn plaats verloren tussen onze lijst van de 100 beroemdste schilderijen in de geschiedenis.

Oorspronkelijk werd gedacht dat Leonardo da Vinci Salvator Mundi schilderde voor koning Louis XII van Frankrijk en zijn echtgenote, Ana van Bretagne.  Tegenwoordig twijfelen experts aan de toeschrijving van het schilderij aan de Italiaanse meester, hoewel het in november 2017 op een veiling werd verkocht voor $450.312.500, een recordprijs voor een kunstwerk.

Salvator Mundi was vroeger deel van onze beroeemde schilderijen, maar heeft zijn plaats afgestaan aan een ander schilderij dat door het publiek en onze kunstenaars is gekozen.

#8 De Leerlingen van Emmaüs - Caravaggio

 

Dit werk van meester Caravaggio is ook bekend als De Bedevaart van Onze Heer naar Emmaüs of gewoon De Maaltijd van Emmaüs. Het schilderij toont het moment waarop de twee apostelen die hem vergezellen zich realiseren dat degene die de hele dag met hen heeft gesproken hun geliefde meester is.

Geschilderd op het hoogtepunt van de roem van de kunstenaar, De Leerlingen van Emmaüs is een van de indrukwekkendste religieuze schilderijen in de kunstgeschiedenis. In dit schilderij vangt Caravaggio briljant het dramatische hoogtepunt van het moment, het exacte tweede waarin de leerlingen plotseling begrijpen wie er sinds het begin voor hen staat. Hun acties en natuurlijke reactie stralen hun dramatische verbazing uit: de een staat op het punt om uit zijn stoel te springen terwijl de ander zijn armen in een gebaar van ongeloof uitstrekt. De brute verlichting onderstreept de intensiteit van de hele scène.

In het werk toont Caravaggio de leerlingen als gewone arbeiders, met bebloemde, rimpelige gezichten en versleten kleding, in tegenstelling tot de jonge Christus zonder baard, die lijkt te zijn gekomen uit een andere wereld.

Er zijn enkele verborgen geheimen op verschillende punten. In het werk heeft de kunstenaar een paasei verborgen, bijvoorbeeld. De schaduw die door de fruitmand op de tafel wordt geprojecteerd lijkt ook een vis af te beelden, wat een verwijzing naar het grote wonder zou kunnen zijn.

En er zijn meer verborgen schatten in dit meesterwerk. Soms is een defect helemaal geen defect, maar een geniaal idee. Neem bijvoorbeeld het weefsel van de rieten mand die aan de rand van de tafel in het midden van het schilderij wiebelt.

Hoewel talloze ogen zijn verwonderd over het mysterieuze drama dat zich binnenin die sombere herberg afspeelt, is de betekenis van een bijna onopvallend gebrek tot nu toe door de eeuwen heen onopgemerkt gebleven.

Een losse tak die uit de vlecht van het weefsel steekt, transformeert het beroemde doek van Caravaggio in een gedurfde daad, een spirituele uitdaging voor de waarnemer.

Om alle implicaties van dit kleine detail te waarderen, is het de moeite waard om de contouren van de algemene sfeer die Caravaggio in zijn werk oproept, te herinneren.

Het thema van De Maaltijd van Emmaüs, is iets wat grote meesters door de geschiedenis heeft geïnspireerd, van Rembrandt tot Velázquez. Het cruciale moment wordt verteld in het Evangelie van Lucas in het Nieuwe Testament. Daar wordt het verhaal verteld van de intieme maaltijd van Christus met de twee leerlingen, Lucas en Cleopas, die de waarheid over de identiteit van hun metgezel niet begrijpen. In het schilderij is het brood al gebroken en gezegend, en het is tijd, volgens het verhaal van het Evangelie, voor Christus om "de ogen" van zijn volgelingen te "openen" en "uit hun zicht te verdwijnen".

Dit meesterwerk vangt een mystieke drempel tussen schaduw en licht, het magische tweede voordat Christus, die wordt omhuld door de silhouet van een vreemde achter hem, uit de wereld verdwijnt. In dat onmeetbare moment tussen onthulling en verdwijning weeft Caravaggio zijn verhaal, de magistrale ontmoeting tussen twee werelden.

Wanneer de waarheid onthuld wordt, staat de oom van Christus, Cleopas, paniekerig en verbijsterd op uit zijn stoel bij de onthulling: zijn ellebogen stijgen dynamisch door de mouwen van zijn jas.

Aan de andere kant van de rieten fruitmand, aan de rechterkant, opent Lucas zijn armen wijd, als om de ongeloofwaardigheid van de scène te claimen, waarbij hij dezelfde houding aanneemt als op het kruis bij zijn pijnlijke dood. Ondertussen blijft de herbergier onbewogen, terwijl hij zonder begrip naar de woorden van Christus luistert die Hij heeft gesproken tegen zijn verbijsterde leerlingen, niet in staat om de betekenis van een cruciaal moment voor de mensheid te begrijpen.

De Leerlingen van Emmaüs staat op de 82ste plaats in de lijst van beroeemde schilderijen 

#9 De Pantocrator Christus

De Pantocrator Christus is een houten paneel geschilderd dat dateert uit de 6e eeuw van het Sint-Catharinaklooster gelegen in Sinaï, Egypte. Dit schilderij wordt beschouwd als een van de oudste Byzantijnse religieuze iconen en is het oudste bekende werk van de pantocrator stijl.

Het geschilderde paneel heeft een hoogte van 84 cm met een breedte van 45,5 cm en een diepte van 1,2 cm. Er wordt gedacht dat de schilderij oorspronkelijk groter was, maar dat het op een bepaald moment aan de bovenkant en zijkanten is afgesneden, om onbekende redenen, om de huidige afmetingen te produceren. In het werk wordt Christus afgebeeld in een purperen tuniek.- een kleur die algemeen wordt gekozen om degenen van keizerlijke status en koninklijkheid te vertegenwoordigen. Deze kleurkeuze voor zijn tuniek is een symbool van zijn status en belangrijkheid. Christus wordt afgebeeld terwijl hij zijn linkerhand opsteekt als teken van zegen en met zijn rechterhand een boek vasthoudt.

We kunnen veronderstellen dat dit boek waarschijnlijk een evangelie is omdat het versierd is met juwelen in de vorm van een kruis. Het schilderij is opzettelijk asymmetrisch om de dualiteit van Christus te symboliseren. De linkerkant van Christus is een symbool van zijn menselijke natuur met zijn gelaatstrekken die veel zachter en lichter worden weergegeven. De rechterkant van Christus symboliseert zijn goddelijkheid met zijn strenge blik en intense gelaatstrekken. De ogen zelf zijn verschillend in vorm en grootte, en het haar aan zijn linkerkant is achter zijn schouder opgestoken.

Een van de meest belangrijke christelijke iconen is de Pantocrator Christus. Dit beeld portretteert Jezus als de soevereine regerer van de wereld. De Pantocrator Christus was een van de oudste beelden van Jezus en verschijnt op prominente plaatsen in de rotskerken.

Het woord Pantocrator betekent "Almáchtig". In de Griekse versie van het Oude Testament (LXX) is het woord pantocrator de vertaling van "Heer van de legers" en "God Almachtig". In het boek Openbaringen komt pantocrator negen keer voor als een titel die de soevereiniteit en de macht van God benadrukt.

De Pantocrator Christus icon benadrukt de almacht van Jezus, zijn vermogen om alles te doen. Jezus is de “Regerer van Alles” die alle dingen vasthoudt. De symboliek van de Pantocrator Christus (hieronder uitgelegd) is geïnspireerd door Romeinse keizerlijke iconografie om zijn soevereine macht uit te drukken. De vroege christenen gebruikten culturele symbolen om de soevereine macht van de verrezen Christus te proclameren.

Bovendien heeft de locatie van de Pantocrator Christus in het apsis (de muur van het voorste heiligdom) ook een theologische betekenis. De Byzantijnse kerken volgden het model van de Romeinse basiliek, de zaal van de koning om de rechtbank bijeen te roepen. De apsis was de autoriteitspositie waar de regerende ambtenaar zat. De positie van Jezus in de apsis verklaart dat hij de legitieme regerer en soevereine rechter over alles is.

Christenen begonnen Jezus visueel voor te stellen eind jaren 300, zodra de dreiging van vervolging niet langer bestond. Deze vroege beelden tonen Jezus als een stoïcijnse figuur die op een troon zit met een perkament. In de jaren 600 verscheen de Pantocrator Christus als een vereenvoudiging van dat vroege beeld. Het uiterlijk van de Pantocrator Christus is nauwelijks veranderd in de afgelopen 1.500 jaar.

De meeste van de vroegste beelden van Jezus werden vernietigd tijdens de iconoclasta-controverse.

#10 Christus van San Juan de la Cruz

Van ver weg is de populairste van alle religieuze werken van Dalí ongetwijfeld zijn "Christus van San Juan de la Cruz", wiens figuur de baai van Port Lligat domineert. Het schilderij is geïnspireerd op een tekening, bewaard in het Convent van de Incarnatie in Ávila, Spanje, en gemaakt door de heilige Juan de la Cruz zelf nadat hij deze visie van Christus had gezien tijdens een extase. De mensen naast het schip zijn afgeleid van een schilderij van Le Nain en van een tekening van Diego Velázquez voor De Overgave van Breda.

Aan de voet van zijn studies voor de Christus schreef Dalí: "In de eerste plaats, in 1951, had ik een kosmische droom waarin ik dit beeld in kleur zag en die in mijn droom het kern van het atoom vertegenwoordigde. Deze kern nam daarna een metafysische betekenis aan: ik beschouwde in 'de eenheid zelf van het universum' de Christus! Ten tweede, dankzij de instructies van vader Bruno, een karmeliet, zag ik de Christus getekend door Juan de la Cruz, werkte ik geometrisch een driehoek en een cirkel uit, die esthetisch al mijn eerdere experimenten samenvatten, en inscripeerde ik mijn Christus in deze driehoek".

Dit werk werd als banaal beschouwd door een belangrijke kunstcriticus toen het voor het eerst in Londen werd tentoongesteld. 

Het schilderij was een van de meest controversiële aankopen gedaan door Dr. Tom Honeyman, destijds directeur van de Musea van Glasgow. Het wordt nu algemeen erkend dat Dr. Honeyman een zeer slimme beslissing nam door de toenmalige Glasgow Corporation voor te stellen dat de stad het schilderij kocht.

Honeyman kreeg het schilderij niet alleen voor minder dan de catalogusprijs, maar kocht ook de auteursrechten van het werk van Salvador Dalí, en verzekerde zo een langetermijn-erfenis van de aankoop.

Echter, aanvankelijk werd het schilderij niet goed ontvangen door iedereen, en de studenten van de Kunstschool van Glasgow argumenteerden dat het geld beter gebruikt had kunnen worden om werken van Schotse of Glasgow kunstenaars te kopen.

Na het te hebben tentoongesteld in Kelvingrove in 1952, trok het Dalí massaal bezoekers aan.

Het schilderij in de collectie van de Musea van Glasgow is niet vrij geweest van drama, aangezien het twee keer is beschadigd, het meest beroemd toen het doek ernstig werd gescheurd door een bezoeker die een scherpe steen in zijn hand had. De conservatoren van Kelvingrove konden het schilderij repareren tot het punt dat de schade nu nauwelijks zichtbaar is.

Meer dan 60 jaar na de oorspronkelijke aankoop vertoont de blijvende aantrekkingskracht van het schilderij geen tekenen van afnemende populariteit en is het nu een van de meest populaire tentoonstellingen van het museum.

KUADROS ©, een beroemd schilderij aan je muur.