De 10 Meest Beroemde Abstracte Schilderijen

In Zonder Titel - Eerste Abstracte Aquarel vinden we een goede uitbarsting van kleur, zoals vaak het geval is in de meeste van zijn schilderijen, maar het gebruik van aquarellen in plaats van olie verf laat een visueel ander afwerking zien dat deze kunstwerk interessant en vrij uniek maakt voor zijn productie in 1910. Van dichtbij lijkt het dat het snel is afgewerkt, wat typisch is voor deze vorm van kunst, aangezien verf zeer snel droogt. Hij werkt ook op een expressieve manier, zonder zich al te veel zorgen te maken over precisie, maar zich meer richtend op de kleurkeuzes en het vullen van het doek met verschillende vormen en lijnen. Het was echt abstract en dit was iets dat steeds meer opkwam naarmate hij verder ging in zijn carrière, terwijl hij steeds verder van de werkelijkheid afkwam in de vormen die hij gebruikte.

Kandinsky was gespecialiseerd in olie maar werkte af en toe met aquarellen. Hij vond dit medium waarschijnlijk gemakkelijk om mee te werken en iets wat ook goed paste bij de snelle studiestukken, waarbij hij de ontwerpen voor een toekomstige stuk wilde begrijpen. Hij maakte ook gebruik van lithografieën, houtdrukken en etsingen in andere tijden, vooral in de vroege stadia van zijn carrière toen hij bijzonder experimenteel was.

Door met aquarellen te werken, kon Kandinsky deze schildering in slechts drie dagen compleet maken. Echter, ondanks zijn haast, deed Kandinsky verschillende studies voor deze kunstwerk voordat hij met de definitieve compositie begon. Wat bijdroeg aan de snelheid die kan worden geïnterpreteerd in Zonder titel was zijn kleurkeuze, aangezien Kandinsky ingenieus kleuren koos waarvan hij wist dat ze zijn emoties op dat moment getrouw zouden weergeven. De lijnen en vormen die zijn getekend dragen ook bij en benadrukken de chaos en urgentie die men ervaart bij het bekijken van deze schildering.

De abstractie wordt ook duidelijk aangetoond binnen deze kunstwerk door de losse en vage lijnen, wat aanzienlijke interesse wekte onder het kunstpubliek van die tijd. Zonder Titel bestaat als een belangrijke aanstichter van de abstracte kunstbeweging, aangezien het de eerste keer was dat iets min of meer gescheiden en ongehinderd werd geaccepteerd als een geschikt onderwerp binnen de kunstwerken van toen. Zonder Titel markeerde een definitief punt binnen de Europese kunst als de afwijking van traditionele kunstwerken naar meer abstracte en ongebonden kunststukken.

De periode tussen 1910 en 1914 wordt beschouwd als de piek van Kendinsky's carrière en de climax van zijn grootste artistieke prestaties. Daarom bestond Zonder titel als een van de eerste kunstwerken die schaamteloos alle verwijzingen naar herkenbare vormen verwierpen en uit de beperkingen die de representatieconventies van de schilderkunst van West-Europa stelden, tevoorschijn kwamen.

Dit idee van totale vrijheid kwam prominent naar voren in de meeste werken die Kandinsky tijdens deze periode creëerde.

No. 2 Volwassen Leeftijd # 7 - Hilma AF Klint

Hoewel ze niet zo bekend is als veel van de mannelijke artiesten van haar tijd, was de Zweedse kunstenaar Hilma af Klint een pionier van de abstracte kunst wiens radicale schilderijen eerder zijn dan die van veel van haar mannelijke tijdgenoten. Ze vroeg dat haar grote werken, waarvan het merendeel nooit tijdens haar leven werd tentoongesteld, 20 jaar na haar dood verborgen zouden blijven.

De collectie vertegenwoordigt de levensfasen, inclusief de kindertijd, de jongvolwassenheid, de volwassenheid en de ouderdom. Ze combineren botanische elementen en herkenbare organische objecten die verwijzen naar geboorte en groei.

De Volwassen Leeftijd No. 7 van Hilma Klint is een enorm doek, 3 meter hoog en 2 meter breed, dat op papier is geschilderd, op de vloer van de studio, en vervolgens op een doek is geplakt.

Af Klint interpreteert de volwassenheid in volle bloei door verschillende vrij vloeiende vormen in verschillende maten en kleuren op een lila achtergrond te schilderen. Het centrale gele symbool lijkt op een bloem, terwijl de spiralen en biomorfische vormen symbolen zijn van groei en vruchtbaarheid.

No. 3 Senecio - Paul Klee

Voltooid in 1922, het schilderij Senecio is een manifestatie van Pauls gevoel voor humor en Afrikaanse cultuur. Met eenvoudige kleuren en vormen maakt Paul gebruik van verschillende tinten oranje, rood en geel om het portret van een oude man te onthullen. Het artistieke gebruik van de vormen wekt de valse indruk dat er een oog omhoog gaat. Zijn linkerwenkbrauw is weergegeven door een driehoek, terwijl de andere is gevormd door een eenvoudige gebogen lijn. Het portret wordt ook wel Head of a Man Going Senile genoemd en imiteert opzettelijk kinderachtige kunstwerken door het gebruik van vage vormen en vormen met minimale gezichtsdetails.

Deze aanpassing van het menselijke gezicht is verdeeld in kleuren in rechthoeken. De platte geometrische vierkanten worden binnen een cirkel gehouden die een gemaskerd gezicht vertegenwoordigt en toont het meerkleurige kostuum van een nar. Een portret van de performer Senecio kan worden gezien als een symbool van de veranderende relatie tussen kunst, illusie en de wereld van drama. Deze schildering demonstreert de principes van Klee's kunst, waarin de grafische elementen van lijn, kleurvlakken en ruimte in beweging worden gezet door de energie van de geest van de kunstenaar. In zijn imaginatieve aantekeningen hield hij, volgens zijn eigen woorden, van het "uitlaten van een lijn".

No. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Het schilderij Etoile Bleue was de overgang van Miró van figuratieve naar abstracte kunst.

Dit schilderij staat bekend als een van de belangrijkste schilderijen in de carrière van Miró. In het bijzonder is de branderige blauwe kleur die werd gebruikt zichtbaar in verschillende van zijn toekomstige werken en beïnvloedde zelfs schilders zoals Mark Rothko en Yves Klein.

Etoile Bleue is een groot schilderij, maar het is een schilderij van vragen in plaats van antwoorden.

Miró was de grote synthetisator van een tijdperk van veel verschillende ideeën, vergelijkbaar met nu, maar de artistieke ideeën van toen waren veel complexer dan die van nu.

Het schilderij combineert fauvistische kleuren, kubistische vormen en surrealistische bedoelingen in een werk dat de kijker visueel keer op keer kan verkennen. Het is, onder zoveel andere dingen, dat je veel vragen overhoudt waarvan de antwoorden even dromerig zijn als het schilderij.

Als je kijkt naar de blauwe vorm in de linkerbovenhoek. Het is een vogel. Het is zeer waarschijnlijk, maar welke vogel is niet duidelijk. Als je er een tijdje naar kijkt, kan je zeker zeggen dat het een dynamische vorm is, maar je kan ook gemakkelijk beargumenteren dat het naar links, naar rechts of zelfs naar beneden naar ons vliegt.

Het grote rode stuk in het midden onderaan. Is het een voet? Het ziet er zeker zo stabiel en verankerd uit als het blauwe stuk dynamisch is.

Dit schilderij is een juweel voor zijn liefhebbers. Op het eerste gezicht wankelt het een beetje en beweegt het, maar op een moment beweegt het tegen dat elastische figuur in de rechterbenedenhoek.

Miró, een Catalaanse kunstenaar geboren in Barcelona in 1893, noemde zijn surrealistische droomlandschap Peinture (Étoile Bleue) van 1927 een sleutelbeeld, waarin symbolen zijn opgenomen die hij in de daaropvolgende jaren herhaaldelijk zou gebruiken, en zelfs de branderige blauwe kleur beïnvloedde latere schilders, waaronder Mark Rothko en Yves. Klein.

No. 5. Compositie VII - Wassily Kandinsky

Het schilderij Compositie VII van Wassily Kandinsky wordt door veel liefhebbers van abstracte kunst beschouwd als het belangrijkste kunstwerk van de 20e eeuw, wellicht zelfs het belangrijkste abstracte schilderij dat ooit is gemaakt.

Dit werk is een logische voortzetting van Compositie V en Compositie VI . De drie schilderijen zijn verenigd door het thema van de Apocalyps. Dergelijke elementen van Compositie VI zoals de Zondvloed en de Opstanding kunnen in dit werk worden getraceerd. Het hoofdthema is het laatste oordeel, maar het wordt niet gezien als een ramp maar als een bevrijding, de overgang van de materiële wereld naar de spirituele. Daarom onderscheidt Compositie VII zich van de andere werken in de serie door zijn heldere kleuren en sprankelende contrastlijnen.

Kandinsky bouwde elk van zijn composities zo op dat de kijker het beeld binnen kon stappen alsof hij erin draaide. Hij maakte de onderste rand van de compositie zwaarder, waardoor deze naar voren werd gedrukt, terwijl de bovenkant lichter en afstandelijker voor de kijker bleef. Een van de belangrijkste contrasten van de kunstenaar, blauw en geel, vormt het centrale gebied van actieve beweging naar binnen en naar buiten.

Kandinsky besteedde vele maanden aan de voorbereidingen voor zijn Compositie VII, maar hij had slechts vier dagen nodig om deze te schilderen. De kunstenaar maakte ongeveer 30 studies voor deze schildering. Sommige van hen doen denken aan Caravaggio of Leonardo da Vinci met hun gedetailleerde studies van de vouwen van het doek, de bladeren van de bomen of de ledematen van mensen. In deze serie hebben sommige werken herhaaldelijk dezelfde kromme lijn, anderen tonen schematisch de basiselementen van de compositie en sommige bevatten een gedetailleerd ontwerp van de compositie. Bovendien zijn er ongeveer 15 verschillende schilderijen die verband houden met Compositie VII: het gaat om olie- of potloodschetsen, aquarellen, schilderijen op glas en prenten.

Gabrielle Munter, die getuige was van de creatie van deze schildering, schreef op 25 november 1913 in haar dagboek dat het doek voor Compositie VII bij haar thuis in Murnau was afgeleverd, en Kandinsky begon diezelfde nacht aan het werk. De volgende ochtend maakte hij de eerste foto van het schilderij en na de lunch maakte hij de tweede. De aantekening van 28 november in Munters dagboek zegt dat het schilderij af was. Op 29 november maakte hij een foto van het voltooide werk. Zo werd de geboorte van een groot meesterwerk vastgelegd.

Compositie VII staat op nr. 100 op onze lijst van beroemde schilderijen

No. 6 Compositie X - Kandinsky

Cited as one of the early champions of abstract painting, Wassily Kandinsky was not only a Russian painter, but also an art theorist. The influence he instigated and left on the world of art and abstraction was immense as he co-founded the Phalanx art group and The New Group of Artists, organizing exhibitions for his contemporaries throughout his years as an artist. He produced over 600 works throughout his career, with a painting from 1913 reaching its auction record price of $41.6 million in 2017.

Despite this impressive record, his most significant work was possibly Compositie X. Last in his lifelong series of 'Composities'. With it, he sought to culminate his inquiry into the purity of form and expression through this work. Having used black sparingly in his practice up to this point, it has been criticized that this work evokes both the cosmos and the darkness of foreboding that approaches the end of his life.

Initially, the creation of Compositie X was influenced by the biomorphic forms of surrealism.

However, Wassily Kandinsky later employed the art of using organic shapes in his paintings. This is a style that he then used throughout his painting.

The style gave his work a uniqueness. It was easy and almost impossible not to recognize paintings created by Wassily Kandinsky when showcased at exhibitions or elsewhere.

Furthermore, Compositie X was created in France. Upon examining the painting closely, it is noted that the painter used a black background. The main reason for using the black background was so that the colors in the foreground could be seen clearly.

No. 7 Convergentie - Jackson Pollock

Convergentie —een zwart-wit schilderij waarop Pollock primaire kleuren goot— reflecteert de crisis van de Koude Oorlog. Het is een van zijn meesterwerken, en het kan ook het meest bekende schilderij van een abstract expressionist zijn. In 1964 produceerde Springbok Editions een puzzel van het schilderij, dat werd gepromoot als de "moeilijkste puzzel ter wereld", en honderdduizenden Amerikanen kochten het.

In 1951 zei Pollock: “Het lijkt erop dat de moderne schilder zijn tijd, het vliegtuig, de atoombom, de radio, niet kan uitdrukken in de oude vormen van de Renaissance of enige andere vorige cultuur. Elke tijd vindt zijn eigen techniek.” Pollock vond zijn techniek in het schilderen van huizen en druppelen, en gebruikte het om zijn eigen tijd uit te drukken.

Met een afmeting van 237 x 394 centimeter is Convergentie een van de meest ambitieuze schilderijen van Pollock. Het staat bekend om zijn visuele helderheid en het oproepen van diepe emoties bij de kijker. Hoewel de werken van Jackson moeilijk te ontcijferen blijven, zelfs voor kunstexperts, worden zijn schilderijen beschouwd als manifestaties van de vrijheid van expressie. Convergentie, dat een uitmuntend voorbeeld in dat opzicht is, blijft een van zijn meest beroemde meesterwerken.

No. 8 Elegie voor de Spaanse Republiek - Robert Motherwell

Hoewel Robert Motherwell pas 21 jaar oud was toen de Spaanse Burgeroorlog uitbrak, waren de gruwelen hem in de jaren daarna erg aangrijpend. Dit leidde tot het creëren van een serie van meer dan 200 schilderijen in reactie daarop. De serie 'Elegie voor de Spaanse Republiek' dient als een multipliciteit van herdenkingen van het menselijk lijden, evenals "abstracte en poëtische symbolen voor de onontkoombare cyclus van leven en dood".

Over de Elegieën verklaarde Motherwell dat, “Na een periode van het schilderen ervan, ontdekte ik zwart als een van mijn thema's, en met zwart, het contrasterende wit, een gevoel van leven en dood dat voor mij behoorlijk Spaans is. Het is in wezen het Spaanse zwart van de dood contrast met de schittering van de zon zoals Matisse.”

Zijn Elegieën vormen een uitgebreide abstracte meditatie over leven en dood. Gedurende de serie worden de horizontale witte doeken ritmisch verdeeld door twee of drie vrij getekende verticale staven en op verschillende intervallen gepunctueerd door ovale vormen. De schilderijen zijn vaak volledig samengesteld uit zwart en wit, de kleuren van rouw en glans, dood en leven. Motherwell merkte op dat de verstrengeling van die krachten een metafoor was voor zijn begrip van de ervaring van levend zijn.

Elegie voor de Spaanse Republiek beschrijft een majestueuze passage van het organische en het geometrische, het toevallige en het opzettelijke. Net als andere abstract expressionisten voelde Motherwell zich aangetrokken tot het surreële principe van automatismen - van methoden die ontsnapten aan de bewuste intentie van de kunstenaar - en zijn penseelstreek heeft een emotionele lading, maar binnen een algemene structuur van zekere striktheid. In feite beschouwde Motherwell de zorgvuldige afspraken van kleur en vorm als het hart van abstracte kunst, die, volgens hem, "ontdaan moest worden van andere dingen om het te intensiveren, zijn ritmes, ruimtelijke intervallen en kleurstructuur".

No. 9 Zwarte Iris – Georgia O'Keeffe

Dit monumentale bloemenschild is een van de eerste meesterwerken van O'Keeffe. Door de bloemblaadjes veel groter te maken dan de natuurlijke afmetingen, dwingt het de kijker om de kleine details te observeren die anders misschien over het hoofd worden gezien. Toen de schilderijen van deze groep voor het eerst werden tentoongesteld in 1924, was zelfs Alfred Stieglitz, haar echtgenoot en handelaar, verrast door zijn gedurfde uitstraling.

De Zwarte Iris van Georgia O'Keeffe is een voorbeeld van een van haar vele werken over het thema bloemen en in het bijzonder de iris, een bloem die rijk is aan symboliek. In Black Iris III was het doel van O'Keeffe echter niet om naar deze symboliek te verwijzen of het toe te voegen, maar om de kijker aan te moedigen om te kijken en de bloem te zien en na te denken over de verschillende manieren waarop mensen kijken. Het verandert zo in een diepe meditatie over de kunst van het kijken, niet alleen naar kunst, maar naar het leven. In dit artikel analyseert Singulart de symboliek die in het schilderij van O'Keeffe wordt geprojecteerd, evenals haar eigen intenties bij het creëren van Black Iris III.

Georgia O'Keeffe was jarenlang geïnteresseerd in het onderwerp van het schilderen van irissen, in het bijzonder de zwarte iris, die moeilijker te vinden was en slechts enkele weken per jaar beschikbaar was in New York. De iris is een bekend symbool in de westerse wereld: in de Griekse mythologie belichaamt de godin Iris de regenboog en de verbinding tussen hemel en aarde; in het christendom symboliseert de iris de passie van Christus en de opstanding, evenals het lijden van Maria. Linda Nochlin, kunsthistorica, maakte O'Keeffe's irissen tot een feministisch symbool door ze te beschrijven als een “morfolologische metafoor” voor vrouwelijke genitaliën, die “de eenheid van het vrouwelijke en de natuurlijke ordening” reflecteert. Nochlins beschrijving van Black Iris III en de andere iris schilderijen van O'Keeffe verankerde ze in de geschiedenis van de kunst, evenals in de geschiedenis van het feminisme en feministische kunst.

Toch verwierp O'Keeffe deze beschrijving, met de mededeling: “Niemand ziet echt een bloem, het is zo klein. We hebben geen tijd, en kijken kost tijd zoals het hebben van een vriend tijd kost. Als ik de bloem precies kon schilderen zoals ik die zie, zou niemand zien wat ik zie, omdat ik hem zo klein zou schilderen als de bloem zelf. Dus zei ik: ik zal schilderen wat ik zie, wat de bloem voor mij is, maar ik zal het groot schilderen zodat mensen verrast zullen zijn om de tijd te nemen om te kijken, ik zal ervoor zorgen dat zelfs de drukke New Yorkers de tijd nemen om te zien wat ik van bloemen zie. Ik heb dit zo gedaan dat je de tijd nam om te zien wat ik zag en wanneer je de tijd nam om echt mijn bloem waar te nemen, bracht je al je eigen associaties met bloemen in mijn bloem en schreef je over mijn bloem alsof je zou denken en zien wat jij denkt en ziet omtrent de bloem, en ik niet.

No. 10 Wissel - William de Kooning

In 1955 voltooide Willem de Kooning het werk Wissel. Hij had veel tijd besteed aan het herwerken van de studies van figuren die vrouwen betrokken en die hij in 1948 was begonnen. Deze waren verbonden met zijn solotentoonstelling in 1953, schilderijen over het thema vrouwelijkheid, die in die tijd in New York werd geopend. Enkele titels van deze werken zijn Vrouw I, Vrouw III en Vrouw V, evenals Twee vrouwen met stilleven.

Voor 1955 had de Kooning gestopt met het schilderen van menselijke figuren en ging verder met het gebruik van abstracte representaties van de architectuur en gemeenschappen in New York.

Willem de Kooning gebruikte snelle gebarenmarkeringen op het doek. De afbeelding toont een vrouw die op een stoel zit, maar vrouwen verschijnen alleen als een massa van pieken. Bij het benoemen van zijn schilderijen gaf hij altijd de voorkeur aan een verband met het gebied waar hij woonde. De Wissel kreeg de naam van de omgeving, het centrum van New York, de plaats waar hij in die tijd woonde.

Oorspronkelijk werd de schildering door de kunstenaar verkocht in 1955 voor $4.000.

Het werd daarna verkocht door de David Geffen Foundation aan Kenneth C. Griffin voor $300 miljoen in september 2015, waarmee het de tweede plaats in de lijst van duurste schilderijen innam, alleen overtroffen door Salvator Mundi van Leonardo da Vinci, dat in november 2017 voor 450,3 miljoen dollar werd verkocht.

KUADROS ©, een beroemd schilderij aan je muur.