아르누보의 시작
아르누보의 출현 - 문자 그대로 "새로운 예술" - 은 두 가지 별개의 영향에서 기인할 수 있습니다. 첫 번째는 1880년경에 도입된 영국의 예술 및 공예(Arts and Crafts) 운동으로, 아르누보와 마찬가지로 빅토리아 시대의 혼란스러운 디자인과 장식 예술의 구성에 대한 반응이었습니다.
두 번째는 일본 미술의 유행, 특히 목판화였으며, 이는 1880년대와 1890년대에 많은 유럽 예술가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 여기에는 구스타프 클림트(Gustav Klimt), 에밀 갈레(Emile Gallé) 및 제임스 애빈트 맥닐 휘슬러(James Abbott McNeill Whistler)와 같은 예술가들이 포함됩니다. 일본 목판화는 특히 꽃과 구근의 형태, '채찍' 곡선 등 아르누보로 발전하게 될 핵심 요소들을 포함하고 있었습니다.
일본 아르누보 - 카츠시카 호쿠사이의 파도
아르누보를 공식적으로 시작한 초기 예술 작품을 지적하기는 어렵습니다. 일부는 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh)와 폴 고갱(Paul Gauguin)의 그림에서 꽃 배경과 흐르는 선들이 아르누보의 탄생을 나타낸다고 주장하거나, 헨리 드 툴루즈-로트렉(Henri de Toulouse-Lautrec)의 장식 리토그래프, 예를 들어 '몽마르뜨: 라 굴루'(Moulin Rouge: La Goulue)(1891)가 그 예라 할 수 있습니다.
그러나 대다수는 장식 예술의 기원, 특히 1883년 'Wren's City Churches'라는 책의 커버 디자인이 아르누보의 최초의 표현으로 평가되고 있는 영국의 건축가이자 디자이너인 아서 헤이게이트 맥머도(Arthur Heygate Mackmurdo)를 지목합니다.
맥머도, 아서: 아르누보의 첫 번째 표현으로 알려짐
책의 디자인은 페이지 하단에 평평한 블록에서 뻗어나오는 곡선의 꽃줄기를 보여주며, 이는 일본 스타일의 목판화와 명확하게 유사합니다.
아르누보 전시회
아르누보는 절정기에 국제 전시회에서 자주 더 눈에 띄었습니다. 이 새로운 스타일은 특히 1889년과 1900년 파리에서 열린 만국박람회, 1897년 브뤼셀의 테르뷔렌 전시회, 콩고 벨기에의 이국적인 목재로 장인정신의 가능성을 보여주기 위해 아르누보가 많이 사용된 곳, 1902년 투린의 현대 장식 예술 국제 전시회, 그리고 1909년 낭트에서 열린 프랑스 동부 국제 전시회 등 다섯 개의 특정 박람회에서 중심 무대에 올랐습니다.
이 전시회들 각각에서 이 스타일은 전시된 장식 예술 및 건축에 관해서 지배적이었으며, 1902년 투린에서는 아르누보가 사실상 모든 디자이너와 대표된 모든 국가들이 선택한 스타일이었고, 다른 스타일들은 배제되었습니다.
현대 장식 예술 국제 전시회 포스터
아르누보: 천 개의 이름을 가진 예술 흐름
파리 거주 일본 미술 애호가이자 상인인 지그프리트 빙(Siegfried Bing)은 1895년 12월 'L'Art Nouveau'라는 상점을 열었으며, 이는 가구와 장식 예술 효율적인 공급자가 되었습니다. 짧은 시간 안에 상점의 이름은 프랑스, 영국, 미국에서 이 스타일의 동의어가 되었습니다. 그렇지만 아르누보의 서구 및 중앙 유럽에서의 대중적인 인기는 여러 다른 이름을 가지게 했습니다. 독일어권 국가에서는 일반적으로 유겐트스틸(Jugendstil) (청소년 스타일)이라고 불렸으며, 이는 뮌헨의 한 잡지 '유겐트(Jugend)'에서 유래되었습니다. 한편, 구스타프 클림트(Gustav Klimt), 오토 바그너(Otto Wagner), 요제프 호프만(Josef Hoffmann)과 같은 비엔나 세큐세에이션의 다른 창립자들이 활동하고 있는 비엔나에서는 세큐세션스틸(Sezessionsstil) (세큐세션 스타일)이라고 불렸습니다.
스페인어로는 모더니즘(Modernismo), 카탈루냐어로는 모더니즘(Modernisme)이라고 불렸고, 이탈리아에서는 스틸레 플로레알(Stile Floreale) (꽃 스타일) 또는 스틸레 리버티(Stile Liberty)라고 불렸으며, 후자는 아서 리버티(Arthur Liberty)에게서 유래되어 런던의 직물 상점을 통해 이 스타일을 대중화하는 데 기여했습니다. 프랑스에서는 일반적으로 스타일 모더느(Style Moderne) 또는 때때로 가장 유명한 실천자인 건축가 에크토르 기마르(Hector Guimard)를 기리기 위해 스타일 기마르(Style Guimard)라고 불렸으며, 네덜란드에서는 보통 니우에 고운트(Nieuwe Kunst) (새로운 예술)이라고 불렸습니다.
그의 많은 반대자들은 그 스타일에 여러 경멸적인 이름을 부여하기도 했습니다: 프랑스에서 스타일 누이유(Style Nouille) (국수 스타일), 벨기에에서 팔링 스타일(Paling Stijl) (장어 스타일), 독일에서 반드부름스타일(Bandwurmstil) (테이아 스타일)이라는 이름들을 사용하였는데, 이는 아르누보가 유선형과 흐르는 선을 사용하는 경향에 대한 유머를 담고 있었습니다.
아르누보: 개념, 스타일 및 경향
19세기 말 아르누보의 보편성은 많은 예술가들이 그래픽 예술에서 발견할 수 있는 대중적이고 재현하기 쉬운 형태를 사용했기 때문입니다. 독일에서 유겐트스틸 예술가인 피터 베헤렌스(Peter Behrens)와 헤르만 오브리스트(Hermann Obrist)는 그들의 작업을 책 표지와 전시 카탈로그, 잡지 광고 및 포스터에 인쇄했습니다.
하지만 이러한 경향은 독일에 국한되지 않았습니다. 영국 일러스트레이터 오브리 비어즈리(Aubrey Beardsley)는 아르누보에서 에로틱과 외화를 결합한 가장 논란이 많은 인물 중 하나로 간주되며, 그의 짧은 경력 동안 우아하고 리드미컬한 선을 사용한 일련의 포스터를 만들었습니다. 비어즈리의 고도로 장식적인 인쇄물은 '공작 치마(The Peacock Skirt)(1894)'와 같은 작품으로, 퇴폐적이면서 간단하며 아르누보와 일본화 / 우키요에 목판화 간의 가장 직접적인 연결을 나타냅니다.
오브리 비어즈리의 공작 치마 - 아르누보
프랑스에서는 줄 체레(Jules Chéret), 앙리 드 툴루즈-로트렉(Henri de Toulouse-Lautrec), 피에르 보나르(Pierre Bonnard), 빅토르 프루베(Victor Prouvé), 테오필 스타인렌(Théophile Steinlen) 및 기타 몇몇의 그래픽 제작이 약 1890-1914년 동안의 벨 에포크 시대의 호화롭고 퇴폐적인 생활 방식을 대중화했습니다. 이는 일반적으로 파리 북부의 몽마르뜨의 음침한 카바레 지구와 관련이 있습니다.
그들의 그래픽 작품은 전화기와 전등과 같은 신기술에서부터 바, 레스토랑, 나이트클럽 및 심지어 개별 아티스트에 이르기까지 모든 것을 홍보하기 위해 새로운 크로몰리토그래피 기술을 사용하여 현대 삶의 에너지와 활력을 불러일으켰습니다. 그 과정에서 그들은 곧 보행자 광고의 복잡한 그림을 고급 예술로 끌어올렸습니다.
아르누보의 현대 건축
그래픽 및 시각 예술 외에도 아르누보에 대한 진지한 논의는 건축과 이들이 유럽 문화에 미친 큰 영향을 고려해야 합니다. 파리, 브뤼셀, 글래스고, 투린, 바르셀로나, 앤트워프 및 비엔나와 같은 도시 중심지와, 낭시(Nancy)와 다름슈타트(Darmstadt)와 같은 작은 도시, 리가(Riga), 프라하(Prague), 부다페스트(Budapest)와 같은 동유럽 지역에서는 아르누보 건축이 크기와 외관 모두에서 지배적이었으며, 여전히 작은 테라스 하우스부터 대형 공공 및 상업 건물까지 다양한 구조에서 볼 수 있습니다. 특히 건축에서 아르누보는 다양한 언어로 표현되었습니다.
많은 건물들은 테라코타와 다채로운 타일을 놀랍도록 잘 사용하고 있습니다. 예를 들어, 프랑스 세라믹 공예가인 알렉상드르 비고(Alexandre Bigot)는 파리의 주택 및 아파트 건물의 파사드 및 굴뚝 모양의 테라코타 장식 제작을 통해 명성을 얻었습니다. 아르누보 스타일의 다른 구조물들은 특히 프랑스와 벨기에에서, 구축 주체인 헥토르 기마르(Hector Guimard)와 빅토르 호르타(Victor Horta)가 중요한 실천자로 활동하면서, 유리 패널로 결합된 철골 구조의 기술적 가능성을 보여줍니다.
바트요 하우스 – 바르셀로나 - 아르누보
유럽의 많은 지역에서 아르누보 주거 건축은 지역 석재, 예를 들어 노란색 석회석 또는 랜덤 커브의 시골적인 미학에서 나무 캐리어를 특징으로 했습니다. 그리고 여러 경우에 아르누보 건물에서 주로 사용된 것은 흰색의 조각적 스터코(Sculptural stucco) 층이었습니다. 이는 1900년 파리 만국 박람회에서 사용된 전시관 및 비엔나의 세쿠세션 빌딩과 같은 아르누보 건물에서 특히 보였습니다. 심지어 미국에서도 루이 설리반(Louis Sullivan)의 마천루에 장식된 식물 형태는 가끔 아르누보 건축의 광범위한 범위를 보여주는 최고의 예로 여겨집니다.
시카고 증권 거래소의 남은 아치 - 아르누보
아르누보 스타일 가구 및 인테리어 디자인
빅토리아 시대의 스타일 재생 및 Arts and Crafts 운동과 마찬가지로 아르누보는 적어도 외관상 장식적인 외관 만큼이나 인테리어 장식과 밀접하게 연관되어 있었습니다. 19세기 다른 스타일들처럼 아르누보 인테리어는 또한 어떤 표면도 손대지 않은 상태로 두지 않으려는 노력을 했습니다. 이 의미에서 가구 디자인은 중심적인 위치를 차지했으며, 특히 날카롭고 비정형의 윤곽을 갖춘 손수 제작 또는 때때로 기계로 제작된 조각 목재 생산이 특징적이었습니다. 가구 제조업체들은 침대, 안락의자, 식탁과 의자, 옷장, 찬장 및 촛대와 같은 모든 용도의 제품을 제작했습니다. 디자인의 구불구불한 곡선들은 종종 나무의 자연스러운 나이테를 따라 있으며, 종종 벽 패널 및 몰딩으로 고정적으로 설치되었습니다.
프랑스에서는 아르누보의 주요 디자이너로 루이 마조렐(Louis Majorelle), 에밀 갈레(Emile Gallé), 외젠 발랭(Eugène Vallin), 파리에서 활동한 토니 셀머스하임(Tony Selmersheim), 에드와르 콜로나(Édouard Colonna), 외젠 가이야르(Eugène Gaillard) 등이 있으며, 이들은 모두 시그프리드 빙의 'L'Art Nouveau' 상점에서 일했으며, 그 결과 전체 운동은 가장 일반적인 이름을 부여하게 되었습니다.
디자이너의 가구 - 루이 마조렐 아르누보
벨기에에서는 경추 및 더욱 각이 진 과 감정적인 윤곽이 구스타프 세뤼리에-보비(Gustave Serrurier-Bovy)와 헨리 반 드 벨데(Henry van de Velde)의 디자인에서 볼 수 있으며, 이들은 Arts & Crafts 예술가들의 작품에 대한 존경을 표했습니다. 이탈리아의 알베르토 부가티(Alberto Bugatti)와 아우구스티노 라우로(Augustino Lauro)는 그곳에서 이 스타일에 대한 잘 알려진 모습을 유지하고 있었습니다. 이러한 디자이너들은 매체를 자유롭게 넘나드는 경우가 많아 그들을 분류하기 어려운 경우도 많았으며, 마조렐은 자신의 가구 디자인을 제작하고 철공소를 열었습니다.
알베르토 부가티 아르누보 가구
아르누보 회화 및 고급 예술
몇몇 스타일은 아르누보처럼 거의 모든 시각적 매체와 물질 형태에서 전면적으로 대표되고 있다고 주장할 수 없습니다. 그래픽, 건축 및 디자인에서 주로 활동한 사람들 외에도 아르누보는 빈의 세꼬세 예술가인 구스타프 클림트(Gustav Klimt), 그의 작품 '희망 II' 및 '키스'(Hope II and The Kiss, 둘 다 1907-08)와 프랑스의 빅토르 프루베(Victor Prouvé)와 같은 몇몇 저명한 회화 작가를 포함하고 있습니다.
클림트의 희망 II - 아르누보
그러나 아르누보 화가는 드물고 서로 떨어져 있었습니다: 클림트는 학생이나 제자가 거의 없었고(에곤 쉴레는 표현주의 쪽으로 나아갔습니다), 프루베 또한 조각가이자 가구 디자이너로 동등하게 알려져 있습니다. 대신, 아르누보는 역사상 어떤 다른 스타일보다 장식 예술 또는 유용한 객체에 대한 응용 예술과 순수 미술인 회화, 조각 및 건축 간의 간극을 줄이는 데 책임이 있다고 말할 수 있습니다. 이는 전통적으로 더 중요한 예술적 재능과 기술을 표현한 것으로 간주되며, 이러한 간극이 완전히 줄어들었다고 평가하기는 논란의 여지가 있습니다.
아르누보의 빅토르 프루베 드로잉
아르누보 보석 및 유리 제품
아르누보의 호화로운 명성은 역사상 가장 잘 알려진 유리 아티스트 중 일부에 의해 활용되었습니다. 에밀 갈레(Emile Gallé), 다움 형제(Daum Brothers), 티파니(Tiffany) 및 자크 그루버(Jacques Gruber)는 아르누보 유리와 다양한 유용한 형태의 응용을 통해 유명해졌습니다. 갈레와 다움의 명성은 화병과 유리 예술 디자인에 기반을 두었으며, 이는 독창적으로 곡선이 우아하고 잘 형성되어 쉽게 투명한 색조 사이를 흐르는 것처럼 보이는 새로운 기술을 선도했습니다.
다움 형제와 티파니 또한 유리의 예술적 가능성을 조명하여 램프 스크린 및 문구 용품과 같은 실용적인 목적에 활용했습니다. 티파니와 자크 그루버는 다움 형제에게서 보석 분야에서 훈련을 받았으며, 르네 라리크(René Lalique), 루이스 컴포트 티파니(Louis Comfort Tiffany), 마르셀 울퍽(Marcel Wolfers)과 같은 아티스트들은 세기 전환기에 여러 귀중한 조각을 생성하며, 귀걸이, 목걸이, 팔찌 및 브로치를 생산하여 아르누보가 여전히 세기 말의 호화로움과 관련이 있도록 하였습니다. 그들에게는 그 스타일이 보편적으로 접근 가능하다는 희망이 있었습니다.
아르누보의 기업 아이덴티티
아르누보는 소매업의 확장과 함께 대중을 매료시키며 명성을 얻었습니다. 그것은 19세기 말에 만들어진 주요 도시 백화점의 주요 위치를 차지하며, 파리의 '라 사마레탕(La Samaritaine)', 베를린의 '베르트하임(Wertheim's)', 낭시의 '마가생 레유니(Magasins Reunis)' 등을 포함합니다.
또한 당시 가장 유명한 디자인 소매업체들에 의해 공격적으로 마케팅되었습니다. 이는 파리의 시그프리드 빙의 'L'Art Nouveau' 상점으로 시작하며, 이는 1905년 빙의 사망 직후 문을 닫기까지 스타일 확산의 요새로 남았습니다. 이는 파리 시내에서 아르누보 인테리어 및 가구를 전문으로 하는 유일한 상점이 아니었습니다.
한편, 리버티(Liberty) & Co.는 영국과 이탈리아에서 그 스타일의 물건을 유통하는 주요 배급업체였으며, 그 결과 리버티라는 이름은 거의 그 스타일의 동의어가 되었습니다.
리버티 & Co - 아르누보
많은 아르누보 디자이너들은 이러한 소매업체에서 일하며 유명해졌고, 그 후 다른 방향으로 이동하게 되었습니다. 건축가인 피터 베헤렌스(Peter Behrens)는 예를 들어 티볼을 비롯해 책 표지, 포스터 광고, 전시관 인테리어, 용품 및 가구 등 거의 모든 것을 디자인했으며, 1907년 독일의 AEG(전기기기업)의 모든 디자인 작업을 책임지면서 최초의 산업 디자이너가 되었습니다.
아르누보의 문화적 영향: 이후의 이야기
아르누보는 19세기 마지막 5년 동안 유럽을 빠르게 사로잡았지만, 예술가, 디자이너 및 건축가들은 20세기 초에 다시 빠르게 이 스타일에서 탈피했습니다.
많은 실천자들이 "형태는 기능을 따라야 한다"는 교리를 중심으로 노력했지만, 일부 디자이너들은 장식의 사용이 사치스러운 경향이 있었고 이 스타일은 과도하게 세련되었다는 비판을 받기 시작했습니다. 어떤 면에서 스타일이 성숙함에 따라, 그들은 자신들이 경멸했던 습관으로 돌아가기 시작했고, 점점 더 많은 반대자들이 디자인을 새롭게 하는 대신 단순히 오래된 것을 표면적으로 새로운 것으로 대체했다는 주장을 하게 되었습니다. 대량 생산을 위한 새로운 방법들을 사용하지만, 아르누보 디자인에는 높은 수공예가 포함되어 있어 대중이 실제로 접근할 수 있도록 만들 수 없었습니다. 이는 처음에 그들의 주창자들이 원했던 것이었습니다. 다름슈타트와 같은 몇몇 경우에는 느슨한 국제 저작권 법 때문이기도 하여, 아티스트들이 그들의 디자인으로부터 금전적 혜택을 누리지 못하게 했습니다.
아르누보는 전시회와의 연관성도 곧 그 명성에 부정적인 영향을 미쳤습니다. 우선, 대다수의 박람회 건물은 임시 구조물이었고, 행사가 종료된 후 즉시 철거되었습니다. 그러나 무엇보다 중요한 것은 이러한 전시회가 교육, 국제적 이해 및 평화를 증진하려는 취지로 개최되었으나, 본래 비교적 성격을 가지고 있는 전시회로 인해 국가 사이의 경쟁과 경쟁을 조장하게 된다는 점이었습니다. 많은 국가, 프랑스와 벨기에를 포함하여 아르누보를 "국가적 스타일"로 간주하게 되었으며, 해당 스타일의 외국적 기원 또는 아르누보의 정치적 색깔에 대해 비판을 받게 되었습니다. 예를 들어 프랑스에서는 벨기에 디자이너 및 독일 상인과 여러 면에서 연관되었고, 때로는 사회주의 건물에서 사용되는 스타일이기도 했습니다. 이는 공공 여론을 반대쪽으로 되돌렸습니다. 특히 지역의 헌신적인 후원자들의 도움으로 몇몇 예외가 있었으나, 1910년까지 아르누보는 유럽 디자인 경관에서 거의 완전히 사라지게 되었습니다.
비너 웨르크스테트(Wiener Werkstätte)에서 아르 데코(Art Deco)까지
아르누보의 몰락은 독일과 오스트리아에서 시작되었습니다. 그곳에서 피터 베헤렌스, 요제프 호프만, 콜로만 모저와 같은 디자이너들이 이미 1903년에 더 엄격하고 기하학적인 미학을 채택하기 시작했습니다. 그해 세기 이전의 예술가들이 비엔나 세쿠세이션과 연관된 많은 디자이너들이 비너 웨르크스테트(Wiener Werkstätte)라는 집단을 설립하였고, 이들은 극적으로 각진 형태의 선호를 통해 자연에 대한 개방적인 언급이 없는 정확한 산업 영감을 받았습니다.
기계적으로 만들어진 디자인의 자질을 물질화한 이 사건은 1907년에 두 가지 주요 사건으로 강조되었습니다: 베헤렌스가 AEG의 전체 디자인 작업을 맡아, 건물에서 제품 및 광고까지 관리하기 시작하며 세계 최초의 산업 디자이너가 되는 것; 그리고 독일에서 워크번드(Werkbund) 설립, 즉 산업계와 디자이너 간의 공식적 연합으로, 점점 더 표준화 기반의 제품 유형 시스템을 정의하려고 시도했습니다. 고전주의에 대한 새로운 존중과 결합되어, 1893년 시카고 만국박람회의 영향과 미국의 시티 뷰티 운동의 공식적인 지지 등 중첩된 요소들로 인해 이 기계 중심의 미학은 제1차 세계대전 이후에 오늘날 우리가 느슨하게 아르 데코(Art Deco)라고 부르는 스타일로 발전하게 되었습니다.
전적으로 상업적 성격은 1925년 파리에서 열린 장식 예술 및 산업 예술 국제 전시회에서 더욱 간결하게 나타났고, 이는 1960년대에 그 스타일에 아르 데코라는 이름을 부여한 사건이었습니다. 새로운 고전주의, 시카고 만국박람회에서 영감을 받았으며, 미국의 시티 아름다움 운동의 공식적인 지지를 받은 이 산업 중심 미학은 제1차 세계대전 이후 발전하여 오늘 우리가 아르 데코라고 부르는 스타일로 발전하였습니다.
아르 누보의 포스트모더니즘적 영향
아르누보의 짧은 생애에도 불구하고, 1960년대와 1970년대에 아르누보는 제약적이고 단조로우며 비인격적이고 점점 더 미니멀한 미학에서 벗어나고자 하는 디자이너들에게 영향을 미쳤습니다. 아르누보의 유동적이고 제어되지 않은 선의 특성은 피터 맥스(Peter Max)와 같은 아티스트들에게 영감을 주었으며, 그들이 상기시키는 대안적이고 환각적이며 몽환적인 경험은 20세기 초의 상상력이 넘치는, 덧없는 아바타의 세계를 떠올리게 합니다.
아르누보는 예술과 건축 발전의 중요한 단계로 인식되었는데, 현재 아르누보는 예술적 경향 사이의 전환기보다 어느 특정 시기의 스타일, 정신 및 지적 사고의 표현으로 이해되고 있습니다. 주로 1900년을 중심으로 한 이 시기의 진정한 현대적 미학을 확립하기 위한 노력에서 아르누보는 순간적인 인식의 시각적 언어가 되었습니다.
KUADROS ©, 당신의 벽에 걸린 유명한 그림.
