Art Deco는 1920 년과 1930 년의 인기있는 디자인 스타일로, 특히 우아한 기하학적 또는 양식화 된 모양과 사람이 만든 재료의 사용으로 특징 지어집니다.
아르 데코 스타일의 특성은 프랑스에서 1930 년대 중반과 후반에 시작되었습니다.
Art Deco의 특징적인 특징은 기계의 현대성에 대한 감탄과 기계로 만든 객체에 내재 된 디자인 품질, 예를 들어 상대적 단순성, 평면성, 대칭 및 요소의 변함없는 반복에 의해 반영됩니다. 아르 데코 물체는 종종 간단하고 깨끗한 형태를 나타내며, 일반적으로 "양식화 된"모양이 있습니다. 꽃, 동물 및 태양 광선과 같은 비 유적 형태로부터의 기하학적 또는 양식화 된 장식; 그리고 플라스틱, 비타민 유리 및 철근 콘크리트를 포함한 사람 -제작 물질의 사용은 종종 옥,은, 상아 및 크롬과 같은 천연 물질과 결합됩니다.
아르 데코 - 포스터
Art Deco의 형성 영향 중에는 Serge Diaghilev의 Art Nouveau, Bauhaus, Cubism 및 Russes Ballets가 있습니다. 아르 데코 실무자들은 또한 아메리카 인디언, 이집트인 및 초기 고전의 출처뿐만 아니라 본질적으로 영감을 얻었습니다.
Art Deco와 마찬가지로 Art Nouveau는 건축, 인테리어 디자인, 보석 및 일러스트레이션과 같은 미디어에 적용되는 장식적인 스타일입니다. 두 스타일 모두 유럽과 미국에서 인기가 있었지만 Art Nouveau는 1890 년에서 1910 년 사이에 번성했습니다.
결과적으로 Art Deco는 1920 년대 후반과 1930 년 초반 꽃, 포도 나무 덩굴손, 곤충 날개 및 기타 섬세한 천연 물체의 최고점에 도달했습니다. 반면에 아르 데코는 현대 기계를 축하하고 기하학적 선과 우아한 형태를 홍보했습니다.
Art Nouveau와의 주요 차이점은 Art Deco 디자인에보다 단편적인 기하학적 특성을 부여하는 Cubism의 영향입니다. 그러나 공장과 신중한 곡선을 기반으로 한 이미지는 예를 들어 영국의 Clarice Cliff와 같은 일부 아르 데코 디자인에 남아있었습니다. Art Deco는 고대 이집트 예술, 아즈텍 미술 및 기타 고대 중앙 아메리카 예술뿐만 아니라 현대 선박, 기차 및 자동차의 디자인에서 영감을 얻은 영향이 매우 다양했습니다. 또한 Bauhaus와 Le Corbusier 및 Mies van de Rohe와 같은 건축가의 현대 건축과 디자인에서 영감을 얻었습니다.
아르 데코 (Art Deco)는 1925 년 파리에서 개최 된 스타일이 처음으로 전시 된 전시회 인 Internationale Des Arts Decoraratifs Et Industries Modernes에서 그 이름을 도출했습니다. 아르 데코 디자인은 모더니즘을 대표했다고 표현했다. 그들의 제품에는 대량 제작 된 기사로 개별적으로 만든 럭셔리 기사가 모두 포함되었지만 어쨌든, 의도는 부와 정교함을 상징하는 우아하고 독단적 인 우아함을 만드는 것이 었습니다.
Art Deco의 저명한 제작자의 대다수는 Hand 또는 Limited Edition으로 만든 기사를 디자인했습니다. 그들은 가구 디자이너 Jacques Ruhlmann과 Maurice Dufrène을 포함했습니다. 건축가 Eliel Saarinen; 금세공 장 Puiforcat; 보석과 크리스탈 리크 디자이너 René Lalique; 패션 디자이너 Erté; 예술가들이 Raymond Templier, HG Murphy 및 Wiwen Nilsson; Chiparus 비유 조각가.
Art Deco-Jacques Ruhlmann 가구
Art Deco del Opberes Jean Puiforcat
초기 아르 데코
프랑스에서 19 세기 말에 Art Nouveau 스타일의 발전에 중요한 역할을 한 많은 예술가, 건축가 및 주목할만한 디자이너들은 그것이 점점 더 유행이되고 있음을 인식했습니다. 산업 혁명이 설립 된 세기 말에 현대의 삶은 수십 년 전과 매우 달라졌습니다. 현대주의와 좋은 취향에서 "20 세기"를 외치는 새로운 무언가를위한 시간이었습니다.
프랑스 장식 예술가 협회
새로운 세기를 향해 나아가려는이 욕구에서 향수에 의해 멈추지 않고 혁신의 통과로, 프랑스 예술 혁신 그룹 그룹은 Societé des Artistes décoralateurs (The Decorative Artists)라는 조직을 구성했습니다. 이 그룹은 Art Nouveau Eugene Grasset 및 건축가 Art Nouveau Hector Guimard와 같은 인정 된 인물과 Pierre Chaareou 및 Francis Jourdain과 같은 새로운 장식 예술가 및 디자이너들로 구성되었습니다. 프랑스 국가는이 예술적 활동의 방향을지지하고 장려했다.
아르 데코 - 장식 예술가 협회
새로운 그룹의 주요 목표 중 하나는 장식 예술가들을 가장 고전적인 그림과 조각의 수단보다 낮은 지위로 강요 한 시각 예술의 계층 구조에 도전하는 것이 었습니다. Jourdain은 유명한 것으로 인용됩니다. "그러므로 우리는 장식 예술을 반환하기로 결정했습니다. 신데렐라 또는 종들과 함께 먹을 수 있었던 가난한 친척으로, 그리고 과거에 점령했던 거의 우세 시간과 항상 "세계 국가의".
새로운 유형의 장식 예술을 발표 한 훌륭한 전시회 계획은 원래 1914 년까지 고안되었지만 제 1 차 세계 대전이 끝날 때까지 정지되어 1925 년까지 몇 가지 이유로 지연되었습니다.
공식적으로 아르 데코 운동을 시작한 전시회
프랑스 정부는 황금 돔과 함께 Les Invalides의 Esplanade와 Sena River의 양쪽에있는 Petit Palais와 Grand Palais의 입구 사이의 전시회를 주최했습니다. 15,000 명 이상의 아티스트, 건축가 및 디자이너가 전시회에서 작품을 전시했습니다. 전시회 7 개월 동안 1,600 만 명이 넘는 사람들이 많은 개별 전시회를 여행했습니다. 이 전시회는 운동의 시작의 촉매제였습니다.
아르누보와 아르 데코
Art Deco는 Art Nouveau 스타일과 더 넓은 문화 현대 현상에 대한 직접적이고 철학적으로 직접적인 반응이었습니다. Art Nouveau는 제 1 차 세계 대전 중에 유행이되기 시작했습니다. 많은 비평가들은 개발 된 세부 사항, 섬세한 디자인, 종종 비싼 재료 및 스타일 생산 방법이 현대적이고 불안정한 세상에 적응하지 못했다고 생각했기 때문에. Art Nouveau 운동은 복잡하고 양식화 된 자연의 형태를 파생시키고 손으로 수행 된 것의 미덕을 높이었지만 Art Deco Aesthetics는 기계 시대의 공기 역학과 우아한 기하학을 강조했습니다.
아르 데코와 모더니즘
전시회 Internationale은 아르 데코 스타일로 작용할뿐만 아니라 입체파, 구성주의, 바우 하우스, Stijl 및 미래주의와 같은 스타일의 전위적인 그림과 조각의 예 근처에 장인 항목을 배치했습니다. 1920 년대에 Art Deco는 무성한 반대 지점 이었지만 대부분의 전통적, 가장 뇌 미학 바우 하우스와 스티 즈는 스티질이었습니다. 이 세 사람은 조직 디자인 원칙으로 깨끗하고 강력한 라인에 중점을 두었습니다. 아르 데코 실무자들은 기술 혁신, 현대 재료 및 기계화를 채택하여 스타일 자체의 일반적인 미학에서 강조하려고 노력했습니다. 실무자들은 또한 다른 근대 운동에서 빌려서 배웠습니다. Art Deco는 현대의 전위 -가드 운동의 미래 관점에 최신 팬들에 의해 고려되었습니다. 아이러니하게도, 모더니스트 회화와 조각은 소비에트 파빌리온과 르 코르 부시에의 에스프리 누보 파빌리온의 몇 가지 예외를 제외하고 전시회에서 2 차 역할을 수행했습니다.
대공황 후 아르 데코
아르 데코의 두 번째 단계의 시작은 대공황의 시작과 일치했다. 실제로 긴축은 아트 데코의 두 번째 개발에 대한 실용적이고 개념적 이유에 대한 중심 미학 일 수 있습니다. 예를 들어, 아르 데코 건축은 큰 높이로 상승한 초고층 빌딩으로 수직으로 지향적 이었지만, 나중에 장신구, 우아한 곡선 및 수평 강조가없는 외관을 가진 아르 데코 건물은 견고성, 조용한 존엄성 및 저항을 상징했습니다. 1929 년부터 1931 년까지 최악의 경제 재난 동안 미국 아르 데코는 이들을 설립하기 위해 트렌드를 따라 갔다.
modrne을 간소화하십시오
간소화 Modrne은 유럽 아르 데코 운동의 미국 연속이되었습니다. 심각한 경제적, 철학적 영향 외에도 -siglo xx의 시작 부분에서 첫 번째 유선형 Modrne에 대한 미학적 영감.
Art Deco- 간소화 Modrne
새로운 객관성의 예술가들과 건축가들은 동일한 유형의 냉정한 실용주의에서 영감을 얻어 모드 르네의 수비수들이 표현주의의 감정을 포함하여 초과를 제거하도록 강요했다. 새로운 객관성의 건축가는 실제 요구를 반영하는 것과 같이 실용적인 것으로 간주 될 수있는 구조를 생산하는 데 집중했습니다. 그들은 그들의 디자인이 다른 사람들이 약간 실용적인 미학에 적응하도록하는 대신 현실 세계에 적응하는 것을 선호했습니다. 이를 위해 새로운 객관성 건축가는 조립 기술의 개척자들 (독일의 가난한 사람들을 신속하고 효율적으로 수용하는 데 도움이되었습니다).
나는 장신구가없고, 간소화 현대 건축에는 깨끗한 곡선, 긴 수평선 (창 밴드 포함), 유리 벽돌, 황소 아이 스타일 창 및 원통형 모양 및 때로는 해상이있었습니다. 그 어느 때보 다 공기 역학 및 기타 현대 기술 표현에 중점을 두었습니다. 아르 데코의 가장 비싸고 종종 이국적인 재료는 현대식의 콘크리트, 유리 및 크롬 하드웨어로 대체되었습니다. 화이트, 베이지 색 및 지구 색조가 가장 생생한 아르 데코 색상을 대체했기 때문에 색상은 적당히 사용되었습니다. 이 스타일은 처음에 아키텍처에 소개 된 후 전통적인 아르 데코 스타일과 유사하게 다른 물체로 확장되었습니다.
아르 데코는 소급 적으로 명명되었습니다
원래 "Art Deco"라는 용어는 현대 건축가 인 Le Corbusier 인 유명한 비판자인 유명한 비난자에 의해 관대하게 사용되었습니다. 스타일의 수비수들은 그를 르 코르 부시에에게 불필요했기 때문에, 특히 그의 전임자 인 아르 누보와 비교할 때 과도한 장식에 대한 현대주의적이고 단순화 된 반응으로 그를 호평했다. 스타일에 대한 관심이 활성화 된 1960 년대 말까지 영국의 역사가이자 비비스 힐리어 (Bevis Hillier)는 "아르 데코 (Art Deco)"라는 용어를 긍정적 인 방식으로 사용했다.
미국의 아르 데코
미국에서는 아르 데코 운동의 수신이 다른 궤적으로 발전했습니다. 미국 상무부 장관 인 허버트 후버 (Herbert Hoover)는 당시 미국 디자이너와 건축가들이 국제 전시회에서 자신의 작품을 전시 할 수 없다고 결정했다. 충분히 새로운. " 대안으로, 그는 전시회의 제안을 평가하기 위해 프랑스에 대표단을 보냈다. 후버가 보낸 미학 사절의 파견단에 미국 건축 연구소의 중요한 인물, 메트로폴리탄 미술관 및 뉴욕 타임즈가 포함되었습니다. 미션은 미국에서 거의 즉각적인 예술적 혁신 붐에 영감을주었습니다.
1926 년까지, "현대, 산업 및 장식 예술의 국제 전시회에서 선정 된 물건 모음"이라는 프랑스어 박람회의 작은 버전이 많은 미국 도시를 여행했습니다. UU는 뉴욕, 클리블랜드, 시카고, 디트로이트, 세인트 루이스와 같은 UU입니다. , 보스턴, 미니애폴리스. 그리고 필라델피아. 시카고 (1933)와 뉴욕시 (1939)의 미국 세계 박람회 (American World Fairs)는 아르 데코 디자인을 강조했으며 할리우드는 미학을 채택하여 전국적으로 화려하게 만들었습니다. General Motors 및 Ford와 같은 미국 기업조차도 뉴욕 월드 박람회에서 파빌리온을 건설했습니다.
아르 데코 - 뉴욕의 세계 박람회
미국 아르 데코 스타일의 가장 잘 알려진 예 중에는 초고층 빌딩 및 기타 대형 건물이 있습니다. 실제로, 건물 디자인에서 Art Deco의 미국 반복은 정교한 건축 외관으로서 각도 및 기하학적 패턴으로 Zigzag Modern이라고 불 렸습니다. 그러나 일반적으로 미국 아르 데코는 종종 유럽 전임자보다 관상이 적습니다. 깨끗한 선과 강한 곡선 외에도 대담한 기하학적 모양, 강렬한 색상 및 때로는 고급스러운 장식물이 더 간단합니다. 1920 년대 후반과 1930 년대 초의 심각한 경제적 좌절뿐만 아니라 새로운 객관성과 국제 건축 스타일과 같은 중요한 영향으로, 그들은 아르 데코 미학에 영향을 미치기 시작했고, 스타일은 훨씬 덜 고급스러워졌습니다.
Art Deco -Zig Zag Modern
American Art Deco 스타일은 대량 생산을 포함한 기술 발전을 축하하고 사회적 진보에서 회복 된 신앙으로 개발되었습니다. 본질적으로, 이러한 업적은 국가적 자부심의 반영으로 간주 될 수 있습니다. 1930 년대 루즈 벨트의 WPA (Works Progress Administration) 하에서 만들어진 많은 작품은 도서관 및 학교와 같은 시립 구조에서 대량 공공 벽화에 이르기까지 Art Deco였습니다. WPA는 공공 사업에서 일자리를 창출함으로써 포스트 전쟁 경제를 늘리려 고했으며, 일자리 창출과 디자인 내에서 미국 가치를 심어 주어 커뮤니티에 봉사하려고했다. American Art Deco의 사용은 디자인을 통해 민주주의의 표현을 가져 왔습니다. Art Deco Creation에서 자주 사용되는 일부 재료는 비싸기 때문에 평균적인 사람의 손이 닿지 않았습니다. 그러나 새롭거나 저렴한 재료를 사용하면 광범위한 저렴한 제품을 생산할 수 있었기 때문에 새로운 방식으로 공공 영역에 아름다움을 가져 왔습니다.
아르 데코의 글로벌 성장
아르 데코 스타일은 하바나, 쿠바, 뭄바이 및 야카르타와 같은 세계 대문자에서 강화되었습니다. 하바나에는 아르 데코 스타일로 내장 된 전체 지역이 있습니다. 런던 지하철 철도 시스템은 주로 스타일을 통합합니다. 상하이 항구에는 50 개가 넘는 아르 데코 구조가 포함되어 있으며, 대부분 헝가리 인 Laszlo Hudec이 설계했습니다. 전쟁 기념비에서 병원, 호주의 시드니와 멜버른과 같은 도시도 경이로운 스타일을 흡수했습니다.
아르 데코 -Laszlo Hudec
Art Deco의 주요 시각적 특성은 삼각형 형태, 지그재그, 사다리꼴 및 Chevron의 패턴을 포함하는 선형 및 기하학적 형태의 반복적 인 사용에서 비롯됩니다. 전임자 인 Art Nouveau와 마찬가지로 꽃, 동물 또는 인간 인물과 같은 물체가 표현 될 때, 이들은 아르 데코의 일반적인 미학을 유지하기 위해 양식화되고 단순화됩니다. 양식화 및 단순화 또는 단순화의 본질과 범위는 스타일의 지역 반복에 따라 다릅니다. 예를 들어, 프랑스 디자이너 René Lalique의 The Fire Bird (1922)와 같은 인물은 우아하게 날씬하고 감쇠하는 반면, 록펠러 센터 외부의 Lee Lawrie (1937)의 아틀라스는 강력하고 강력하지만 둘 다 강조된 선형 근육질로 강력합니다. 데코 스타일의 좋은 표현으로 간주됩니다.
Art Deco -Rockerfeller Building의 Atlas de Lee Lawrie
현대 기술의 움직임에 대한 강조에 따르면, 아티스트와 디자이너 Art Deco는 플라스틱, Baquelita 및 스테인리스 스틸과 같은 현대적인 재료를 이용했습니다. 그러나 부와 세련미가 필요할 때 디자이너들은 상아, 뿔 및 얼룩말 피부와 같은 더 이국적인 재료를 통합했습니다. 아트 누보와 예술 및 공예 운동과 마찬가지로, 아르 데코 스타일은 전통적으로 가장 높은 순위의 시각 예술 표현의 형태에 적용되었다 : 그림과 조각.
아르 데코 디자인
아르 데코 스타일은 기계의 속도와 숭배에 대한 사랑으로 이탈리아 미래주의의 영향을 드러내는 방식으로 그래픽 아트에 영향을 미쳤습니다. 미래의 예술가들은 라인을 사용하여 자동차와 빠른 모션 트레인의 바퀴에서 나온 "속도 콧수염"으로 알려진 운동을 나타 냈습니다. 또한, 아르 데코 실무자들은 대칭과 공기 역학을 제안하는 평행선과 원뿔형 모양을 사용했습니다. 타이포그래피는 아르 데코의 국제적인 영향과 Bifur, Broadway 및 Peignot의 글꼴의 유형에 영향을 받았습니다.
아르 데코 -Fuente Bifur
이미지의 관점에서, 간단한 형태와 대형 견고한 콜로러 지역은 일본의 목재 조각을 상기시켜주는 일본의 목재 조각을 상기시켜줍니다. 일본의 목재 조각은 1868 년에 고립주의 시대의 EDO가 끝난 후 서방 예술가들, 특히 프랑스에서 중요한 영향의 원천이 된 일본의 목재 조각을 상기시켜줍니다. 유럽에 대한 예술은 큰 영향을 미쳤다. 특히, 목재 조각의 공식적인 단순성에서 예술가들은 인상파부터 시작하여 고유 한 현대 스타일을 만들기위한 모델을 발견했습니다.
아르 데코 가구
1920 년대 말까지 프랑스의 Avant -Garde 가구의 디자인은 주로 Art Nouveau 스타일의 변형으로 구성되었지만 단순화되고 곡선이 적습니다. 10 년이 지남에 따라 Émile-Jacques Ruhlmann은 주요 가구 디자이너로 부상했습니다 (Ruhlmann은 1925 년 전시회에서 자신의 파빌리온을 가졌습니다). 그의 디자인은 주로 신고전주의 스타일로 제작 된 18 세기의 조각에서 영감을 얻었지만, 그는 마호가니, 흑단, 팔리 산드로, 아이보리 및 거북이 껍질과 같은 디자이너 아트 누보가 선호하는 이국적인 재료를 사용하면서 많은 장식을 제거했습니다. 물론, 그들의 작품은 종종 부유 한 사람을 제외하고 누군가가 그들을 얻기에는 너무 비쌌습니다.
Ruhlmann의 고급스러운 디자인과는 달리 Styles Art Nouveau와 Art Deco 사이에서 말을 타고있는 것처럼 보였습니다. 프랑스에서 가장 확실한 아르 데코 가구 디자이너는 Jules Leleu였습니다. 그는 새로운 스타일이 Art Nouveau를 대체 할 때까지 전통적인 디자이너였으며 파리의 Elysium Palace의 그레이트 식당과 우아한 Normandie Steamboat의 첫 번째 클래스 데크에서 고급스러운 캐빈의 디자인으로 유명합니다.
아르 데코 -Jules Leleu 가구
Leleu 및 Ruhlmann과 달리 Le Corbusier는 매우 작은 버전의 수비수였으며 아르 데코 스타일의 장식품이 없었으며 종종 자체 건축 구조의 엄격한 내부를위한 적절한 가구를 만듭니다. 그의 의도는 프로토 타입, 특히 의자를 디자인하는 것이 었으며, 이는 Mass에 의해 생산 될 수 있었기 때문에 AMP 시장에서 저렴했습니다.
엉망. 또한 뉴욕시의 유명한 관심 장소 인 City Music Hall의 Donald Deskey의 인테리어 디자인은 미국 아르 데코 가구의 디자인의 훌륭한 예입니다. 현재의.
Art Deco -Le Corbusier 가구
아르 데코 아키텍처
Art Deco Architecture는 하드 에지 디자인으로 특징 지어지며, 종종 풍부하게 장식 된 금속 세부 사항으로 강조됩니다. 이 건물들 중 다수는 수직 강조를 가지고 있으며, 관심을 끌기위한 의도로 제작되었습니다. 직사각형 형태는 종종 블록으로 지붕에 바늘을 첨가하여 기하학적으로 배열되어 공기 역학적 효과를 제공합니다. 뉴욕 스카이 스크래퍼와 마이애미의 파스텔 컬러 건물은 가장 유명한 미국 사례 중 하나이지만 스타일은 전 세계의 다양한 구조물에서 구현되었습니다.
미국에서는 Works Progress Administration이 건축 아르 데코가 일반화하는 데 도움이되었습니다. 흥미롭게도, 우울증의 많은 공공 사업에서 볼 수있는 고전주의 아르 데코와 보이스 아트의 융합은 PWA Modrne 또는 Moderne Depression으로 알려져 있습니다.
아르 데코 PWA Moderne- 현대 우울증
후속 개발 : Art Deco 이후
아르 데코는 유럽과 북아메리카에서 제 2 차 세계 대전에서 스타일을 벗어 났으며, 스타일이 점점 더 인상화되고 퇴폐적 인 전쟁 시대의 긴축으로 스타일을 벗어났습니다. 금속은 건물이나 내부 공간을 장식하는 대신 군비 건설에 사용하기 위해 회복되었습니다. 가구는 더 이상 상태 개체로 간주되지 않았습니다. 다른 기술 발전으로 기본 소비 기사의 저렴한 생산을 허용하여 아르 데코 디자이너의 필요와 인기를 제거했습니다.
여러면에서 과거와 함께 깨지기 위해 노력한 운동은 이제 최고 향수를 일으키고 사랑으로 기억되는 고전이되었습니다. 1960 년대 이래로 스타일에 지속적이고 지속적인 관심이있었습니다. Deco의 공기 역학적 미학을 수행하고 Bauhaus의 깨끗한 단순성을 검토하는 Mid -Century의 현대 디자인에서 Art Deco가 반향하는 것을 볼 수 있습니다. Deco는 또한 1980 년대 밀라노를 중심으로 한 디자인 및 건축 운동 인 Memphis Group에 영감을주었습니다. Memphis는 또한 팝 아트와 키치를 기반으로 다채롭고 의식적으로 포스트 모던 디자인의 출처로 기반했습니다.
Kuadros ©, 벽에 유명한 페인트.
