Jeesuksen 10 tunnetuinta maalausta

Jeesuksen hahmo on yksi historian ikonimmista. 

Amatööritaiteilijat että suuret opettajat ovat idealisoineet Jeesuksen Kristuksen kuvan ympärillä olevan taiteen.

Kuinka kankaalla on mahdollista näyttää hahmo, joka on sekä ihmisen että täysin jumalallinen? Tämäntyyppinen taiteellinen rohkeus on jopa rohkea kokeilla.

Kristittyjen perinteiden maalatut taiteilijat ovat tehneet täsmälleen sen kahden vuosituhannen ajan.

Jeesuksen 10 tunnetuinta maalausta

Tämä on katsaus Kuadros -asiantuntijoiden tekemän luokituksen mukaan tämä on kymmenen tunnetuinta Jeesuksen maalausta koko historian ajan.

# 1 Viimeinen ehtoollinen - Leonardo da Vinci

Jeesuksen Kristuksen tunnetuin maalaus on epäilemättä Leonardo da Vincin viimeinen illallinen.

Teos lukee viimeisen pääsiäisen Jeesuksen ja hänen apostolien välisen pääsiäisen kokouksen Johanneksen evankeliumissa kuvattusta tarinasta. pettäen opettajansa.

Maalattiin 1500 -luvun lopulla seinämaalaukseksi Santa Maria Delle Grazien luostarin kokoonpanon seinämiin Milanossa.

Fresco -maalaukset luodaan yleensä levittämällä pigmentti Intonacoon, ohuen märän rauhallisen kipsikerroksen.

Tämä on yleensä paras käytettävä tekniikka, koska se antaa Frescon huolehtia luonnollisesta hengityksestä tai hikoilusta, joka tekee seinästä kosteuden liikkuessa kohti pintaa.

Viimeisimmässä illallisessa Da Vinci päättää kuitenkin käyttää öljymaalia, koska tämä materiaali kuivuu paljon hitaammin, mikä antoi hänelle mahdollisuuden työskennellä kuvassa paljon hitaammalla ja yksityiskohtaisemmalla tavalla.

Leonardo tiesi, että suurimman osan kiviseinärakennuksista tunkeutuva luonnollinen kosteus olisi suljettava, jos hän käyttäisi öljymaalauksia tai kosteus lopulta pilata hänen työnsä.

Sitten taiteilija lisäsi kaksoiskerroksen kipsiä, kittiä ja rikkoutumista kosteuden heikkenemisen torjumiseksi.

Tästä huolimatta taideteos on joutunut palauttamaan monta kertaa sen pitkässä historiassa.

Nykyään öljymaalikerroksen alkuperäisestä yläkerroksesta on hyvin vähän ympäristön ja myös tarkoituksellisten vaurioiden seurauksena.

#2 Muutos - Rafael

Rafael -muutos Se on suuren renessanssitaiteilija Rafaelin viimeinen työ, jonka Cardinal Giulio de Medici tilasi Medici Banqueros -dynastian.

Alun perin taideteos oli suunniteltu ripustamaan Ranskan Narbonnen katedraalin keskustana ja roikkuu nyt Vatikaanin Pinacotecassa Vatikaanin kaupungissa.

Rafaelin kuoleman jälkeen maalausta ei koskaan lähetetty Ranskaan ja kardinaali ripusti sen sijaan San Pietron siunatun Amadeon kirkon pääalttarille Montoriossa, Roomassa vuonna 1523.

Ranskan joukot ottivat kuitenkin vuonna 1797 maalauksen osana Napoleonin italialaista kampanjaa ja myöhemmin ripustettiin Louvressa.

Voidaan katsoa, ​​että maalaus heijastaa dichotomiaa yksinkertaisimmalla tasolla: Kristuksen lunastava voima, jota symboloi maalauksen yläosan puhtaus ja symmetria. Tämä on ristiriidassa ihmisen puutteiden kanssa, jotka symboloivat alaosassa synkisiä ja kaoottisia kohtauksia.

Muutos liittyy Matthew -evankeliumin peräkkäisiin tarinoihin. Maalauksen yläosa edustaa kohonneita Kristuksia aaltoilevien ja valaistujen pilvien edessä, ja sen molemmat puolet ovat profeettoja Elia ja Mooses. Maalauksen alaosassa apostolit ovat edustettuna, yrittäen ilman menestystä, lapsen ajamisesta demonien hallussa. Yläosa osoittaa Kristuksen käännettyyn, joka näyttää tekevän ihmettä, parantaen lapsen ja vapauttaen hänet pahasta.

Muutoksen mitat ovat kolosiaalisia, 410 x 279 cm. Rafael mieluummin maalasi kankaalle, mutta tämä maalaus valmistettiin öljymaalauksilla puulla valittuna mediana. Rafael osoitti tosiasiallisesti edistyneitä mannerismin indikaatioita ja tekniikoita barokkikauden aikana tässä maalauksessa.

Keskipitkien kuvioiden tyyliteltyjä ja vääntyneitä poseeraa osoittavat mannerismin. Näiden lukujen dramaattinen jännitys sekä valon ja pimeyden liberaali käyttö tai chiaroscuron kontrastit edustavat liioiteltujen liikkeen barokin ajanjaksoa draaman, jännityksen, ylenmääräisyyden tai valaistuksen tuottamiseksi. Itse asiassa muutos eteni hänen aikansa ja Rafaelin kuolemaan, joka tuli liian aikaisin.

Tämä työ olisi Rafaelin viimeinen maalaus, joka työskentelee hänen kanssaan kuolemaansa saakka huhtikuussa 1520.

Maalauksen puhdistus vuosina 1972–1976 osoitti, että osallistujat saivat vain jotkut vasemmasta alakulmasta, kun taas suurin osa maalauksesta oli itse taiteilija.

#3 Lopullinen tuomio - Miguel Ángel

Miguel Ángelin lopullinen tuomio Se on Sikstuksen kappelin alttarin takana olevalla seinällä. Hänen edustuksensa Kristuksen toisesta tulemisesta "lopullisessa tuomiossa" aiheutti välitöntä kiistaa katolisen kirkon torjuntaa.

Miguel Angel joutui maalaamaan ajan lopun, iankaikkisuuden alku, kun kuolevainen tulee kuolemattomaksi, kun valitut liittyvät Kristukseen taivaallisessa valtakunnassaan ja tuomitut heitetään helvetin loputtomiin kärsineisiin. 

Kukaan taiteilija kuudennentoista vuosisadan Italialla ei ollut parempaa asemaa tähän tehtävään kuin Miguel Ángel, jonka lopullinen työ sulki hänen maineensa ihmishahmon suurimpana opettajana, erityisesti miesten alaston. Paavi Paavali III oli hyvin tietoinen tästä, kun hän syytti Miguel Ángelia kappelin alttarin seinän maalaamisesta lopullisella tuomiolla. Keskittyessään kehon ylösnousemukseen, tämä oli täydellinen teema Miguel Ángelille.

Tehokas koostumus keskittyy Kristuksen hallitsevaan hahmoon, joka on vangittu ennen kuin lopullisen tuomion tuomio lausutaan.

Hänen hiljainen ja välttämätön ele näyttää herättävän huomiota ja levittävän ympäröivää levottomuutta. Kuvassa alkaa leveä hidas pyörivä liike, johon kaikki luvut puuttuvat. Kaksi ylempää ikkunaa suljetaan pois lennolla kuljettavien enkeleiden ryhmillä intohimon symbolit (vasemmalle ristille, kynsit ja piikkien kruunu; oikealla flagellaation, portaiden ja keihään sienen kanssa sienellä Kohdennettu etikkaan).

Alemman osan keskellä ovat apokalypsin enkelit, jotka herättävät kuolleita pitkien pasuunien äänellä. Vasemmalla puolella ylösnoussut palauttavat ruumiinsa noustessaan taivaalle (lihan ylösnousemus), oikeat enkelit ja demonit taistelevat saadakseen helvettiin tuomitut. Lopuksi, syvällä heidän airoillaan yhdessä heidän demoniensa kanssa, se saa tuomitun jättämään veneensä ajaakseen heitä sisäisen tuomarin MINOS: n edessä, jonka ruumis on kääritty käärmeen spiraaleihin.

Tämän osan viittaus Dante Alighierin jumalallisen commedian helvettiin on selvä. Ylistyksen lisäksi lopullinen tuomio aiheutti myös nykyaikaisten väkivaltaisia ​​reaktioita. Esimerkiksi seremonioiden päällikkö Biagio da Cesena sanoi, että "se oli epärehellinen niin rehellisessä paikassa, että he ovat maalanneet niin monia alastomia hahmoja, että heidän häpeänsä osoittaa niin epärehellisesti ja että se ei ollut teos paavin kappelille, mutta mutta paavin kappeli, vaan uuneille ja tavernoille "(G. Vasari, Vite). Vuosien ajan jatkuneet kiistat tekivät vuonna 1564 Trent -neuvoston seurakunnan päätöksen kattaa joitain oikeudenkäynnin lukuja, joita pidettiin "säädytöntä".

Katon verhojen maalaamisen tehtävä, niin kutsuttu "Braghe" (housut) annettiin Daniele da Volterralle, joka tunnetaan sittemmin nimellä "Braghettone". Danielen "Braghe" oli vain ensimmäinen. Itse asiassa useita muita lisättiin tulevina vuosisatoina.

#4 Kristus, joka latautuu ristiä - El Greco

Pitkän Espanjan uransa aikana Greco teki lukuisia maalauksia Kristuksesta, joka kantoi ristiä. Kristus ladata ristiä Se on kuva täydellisestä ihmiskunnasta. Teos erottuu aivohalvauksen ominaisuuksista, joiden kanssa maalari käyttää väriä mallintaaksesi tilavuuksia ja vääristää kehoa heijastamaan hahmon henkistä halua.

Kreko maalaa Kristuksen silmät dramaattisilla ja liioiteltuja kyyneleitä. Hänen silmänsä ovat maalauksen avaintekijä, koska ne ilmaisevat paljon tunteita.

Hänen vankka hartioidensa ja hänen käsiensä naisellinen kauneus on herkkä kontrasti. Hänen kasvonsa ei kuitenkaan ole merkkejä kipusta. Aivan kuten heidän passiiviset kätensä eivät ilmaise ahdistusta tai ponnisteluja ristien kuljettamiseen.

Kreko muutti Kristuksen kuvan hukkua ja kipeä raskaasta rististä sellaiseksi, joka on rauhallinen ja valmis kohtaamaan kohtalonsa. Kristuksen rauhallisuus ennen hänen uhraustaan ​​kutsuu katsojan hyväksymään oman kohtalonsa pelon ja epäilyjen hetkinä. 

#5 Ristiinnaulittu Kristus - Diego Velázquez

Tämä voimakkaasti voimakas Jeesuksen kuva ristillä maalattiin luovan ajanjakson aikana, joka seurasi Velázquezin ensimmäistä stimuloivaa matkaa Italiaan. Toisin kuin hänen muissa miehen alastomissaan, jotka esiintyivät maalauksissa, kuten Apollo Vulcanon taomassa ja Josephin tunika, hänen ristillä oleva Kristuksensa on kuollut tai kuoleva ruumis. Siinä ei ole muita narratiivisia elementtejä paitsi itse risti. Taiteilija onnistuu kuitenkin tarjoamaan suuren arvokkuuden ja rauhallisuuden teoksen.

Uskotaan, että työ oli San Plácidon luostarin sakrisian komissio, Ristiinnaulittu Kristus Se esittelee neljä kynsiä, jalat yhdessä ja sitä ilmeisesti tukee pieni puulähteellä, mikä antaa käsivarsille muodostaa hienovaraisen käyrän kolmion sijasta. Pää kruunaa halo, kun taas kasvot lepäävät rinnassa, antaen meille välähdyksen. Hänen suorat ja suorat hiuksensa roikkuu hänen kasvonsa oikealla puolella, takapolun veti veri, joka tippuu haavan oikealle puolelle.

Kuva on epätavallisen omaelämäkerrallinen siinä mielessä, että se kuvaa kaikkia Velázquezin maalauksen päävaikutuksia. Aluksi muista maalien omistautuneen sävyn ja ikonografian, joka imeytyi heidän varhaisvuosiensa aikana Sevillassa Francisco Pachecon, Espanjan inkvisition aktiivisen jäsenen johdolla.

Toiseksi, se heijastaa sen kykyä maalata Espanjassa saatuja hahmoja Espanjan renessanssin taiteilijoiden ja Italian taiteen taiteen tutkimuksesta Rooman ja Venetsian korkean renessanssin taiteen, ja Caravaggion taiteen, sekä Caravaggio toimii Roomassa ja Napolissa. 

Klassismin vaikutus työssä on esitetty kehon yleisessä rauhallisuudessa ja sen idealisoidussa asemassa. Caravaggismin vaikutus näkyy dramaattisessa pimeydessä, joka keskittyy kaikkiin Kristuksen vaalean ruumiin.

On totta, että kuvassa ei ole barokin maalauksen ominaisadraamaa, joka näkyy uskonnollisissa teoksissa, kuten Pietarin tai Pietarin ristiinnaulitsemisessa Risti. Sen sijaan siinä on monumentaalinen veistoksellinen laatu, joka nostaa sitä aiheen henkisyyden mukaan. Koostumus on ehdottoman yksinkertainen, mutta sillä on elävä kontrasti valkoisen ruumiin ja tumman taustan välillä, ja Kristuksen pää putoaa hänen rintaansa. Sunetut hiukset on maalattu helposti, mitä Velázquez oli nähnyt ja ihaillut ensi käden esimerkkeinä venetsialaisesta maalauksesta.

Velázquez voitti mainetta olla yksi parhaimmista muotokuvastajista Espanjassa, josta tuli Felipe IV: n virallinen maalari (hallitsi vuosina 1621–1640) ja viime kädessä barokkikauden espanjalaisen maalauksen suurimmassa edustajana. Huolimatta siitä, että uskonnollinen taide oli erityisen tärkeä Espanjassa, maassa, jonka hallitseva monarkia oli ylpeä siitä, että hän oli yksi katolisen vastaremoton taiteen pääosastoista, Velázquez maalasi suhteellisen vähän merkittäviä uskonnollisia maalauksia.

Sen sijaan taiteilija maalasi ympäröivän maailman, joka on erikoistunut muotokuva-, sukupuolimaalaukseen (Still Life) ja joihinkin muuhun historiamaalaukseen. Ironista kyllä, kun otetaan huomioon hänen uskonnollisten teostensa puute, hän vaikutti enemmän italialaiseen neroon Caravaggio, joka erottuu pääasiassa hänen raamatullisen taiteensa puolesta, joka toteutettiin aggressiivisesti realistisessa tyylissä. Velázquezia vaikuttivat voimakkaasti myös hänen sevillilaiselta opettajalta Francisco Pacheco -sarjalta saatujen italialaisen uudestisyntymisen ideat.

 

#6 Kristus ladata ristiä - Titian 

1508 tai 1509 mennessä Tiziano maalasi öljyn, joka tunnetaan nimellä Kristus ladata ristiä. Maalauksen todellinen alkuperät ovat jonkin verran salaperäisiä, ja jopa useat taidehistorioitsijat ovat joskus katsoneet toiselle italialaiselle maalarille, Giorgionelle. Molemmat maalarit kuuluivat kouluun ja kirkkoon liittyvään taiteilijakillan kanssa, molemmat toimivat samanaikaisesti ja paikkaan, ja on todennäköistä, että teos on nimenomaisesti maalattu laitokselle. Toinen mysteeri öljymaalauksesta on, että sanottiin, että sillä oli ihmeellisiä paranemistaitoja, joihin se on kirjoitettu monissa historiallisissa kertomuksissa. Pyhiinvaeltajat rukoilivat kirkossa sivualttarilla, jossa maali ripustettiin, ja kertoivat, että he olivat parantuneet vaivoista.

Teoksen yleinen tunnelma on synkkä ja pimeä. Kirkkaimmat värit ovat liha -ääniä, ja palettia hallitsevat useita ruskeita sävyjä. Lähes mustalla taustalla Kristus ilmestyy Semperfilistä, joka kantaa ristiä olkapäällään. Kun katsot vasemmalle, vihainen näköinen teloittaja puristaa köyden kaulansa ympärille ja toinen hahmo hieman teloittajan takana näyttää kohtauksen sisällä. Koostumuksella on tyyli, joka oli tuolloin innovatiivinen, läheinen näkymä, joka vältti läheisyyden ja yksityiskohtien näkökulmaa ja syvyyttä. Tizianon tyypillisesti maalaus on täynnä toimintaa ja lepo näyttää kaukaiselta edustettuille hahmoille.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Tätä kuuluisaa maalausta, vaikka se on edelleen erittäin houkutteleva, sitä ei enää pidetä Leonardo Da Vincin teoksena ja menettänyt paikkansa historian 100 kuuluisimman maalauksen luettelon välillä.

Alun perin ajateltiin, että Leonardo da Vinci maalasi Salvator Mundin Ranskan kuningas Louis XII: lle ja hänen konsortilleen, Ana de Britainille. Asiantuntijat kyseenalaistavat tänään italialaisen opettajamaalauksen omistamisen, vaikka se myytiin huutokaupassa marraskuussa 2017 450 312 500 dollarilla, mikä on taideteoksen ennätyshinta.

Salvator Mundi oli aiemmin osa meitä luettelo kuuluisat maalaukset, mutta jätti paikkansa toiselle maalaukselle, jonka yleisö ja taiteilijat äänestivät.

#8 Emaus -opetuslapsia - Caravaggio

 

Mestari Caravaggion työ tunnetaan myös Herramme pyhiinvaellusmatkana Emausille tai yksinkertaisesti Emaus -illalliselle. Maalaus osoittaa hetken, jolloin kaksi apostolia, jotka seuraavat häntä

Maalattu taiteilijan mainetta, Emaus -opetuslapset Se on yksi taidehistorian vaikuttavimmista uskonnollisista maalauksista. Tässä maalauksessa Caravaggio vangitsee loistavasti hetken dramaattisen huipentuman, toisen exaxt, jossa opetuslapset yhtäkkiä ymmärtävät kuka on ollut heidän edessään alusta alkaen. Hänen toimintansa ja luonnollinen reaktionsa välittävät hänen dramaattisen hämmästyksensä: yksi on hyppäämässä tuoliltaan, kun taas toinen laajentaa kätensä epäuskoon. Raaka valaistus korostaa koko kohtauksen voimakkuutta.

Työssä Caravaggio näyttää opetuslapset tavallisina työntekijöinä, parrakkaiden kasvojen kanssa, ryppyiset ja repiä vaatteet, toisin kuin nuorella Kristuksella, jolla ei ole partaa, joka näyttää tulleen eri maailmasta.

Eri kohdissa on piilotettuja salaisuuksia. Työssä taiteilija piilotti esimerkiksi pääsiäismunan. Pöydän hedelmäkorin projisoima varjo näyttää myös kuvaavan kalaa, joka voisi olla viittaus suureen ihmeeseen.

Ja tässä mestariteoksessa on piilotettuja aarteita. Joskus vika ei ole ollenkaan vika, vaan nero. Otetaan esimerkiksi pajukorin kangas, joka heiluttaa pöydän reunalla maalin keskellä.

Vaikka lukemattomat silmät ovat ihmettelevät salaperäistä draamaa, joka kehittyy tuon majatalon sisällä, melkein huomaamaton epätäydellisyyden merkitys on kulunut toistaiseksi huomaamatta vuosisatojen ajan.

Kudoksen punoksesta erottuva löysä oksa muuttaa Caravaggion kuuluisan kankaan rohkeaksi tekoksi, joka on tarkkailijan henkinen haaste.

Tämän pienen yksityiskohdan kaikki vaikutukset on syytä muistaa yleisen ympäristön ääriviivat, joita Caravaggio herätti hänen työssään.

Emaus -illallisen teema on jotain, joka on inspiroinut historian hyviä opettajia Rembrandtista Velásqueziin. Avainhetki kerrotaan Uudessa testamentissa Luukkaan evankeliumissa. Kristuksen läheisen ruoan historia on kahden opetuslapsen, Lucasin ja Cleofásin kanssa, jotka jättävät kumppanin totuuden huomiotta. Leivän maalaamisessa on jo jaettu ja siunattu, ja evankeliumin tarinan mukaan on tullut aika, että Kristus "avoinna" seuraajiensa silmät ja katoavat "hänen silmästään".

Mestariteos vangitsee mystisen kynnyksen varjojen ja valon välillä, toisen taikuuden ennen Kristusta, joka on kääritty hänen takanaan olevan muukalaisen siluetti, katoaa maailmasta. Tuolla mittaamattomalla hetkellä ilmoituksen ja katoamisen välillä Caravaggio Hila hänen juoni, mestari kohtaa kahden maailman välillä.

Kun totuus on Kristuksen isäntä, Cleofás, nousee tuolinsa paniikkikorkeakoulusta ja hämmästyksestä ilmoitukseen: Hänen kyynärpäänsä nostetaan dynaamisesti takkinsa hihojen läpi.

Pajujen hedelmien toisella puolella, oikealla puolella, Lucas avaa kätensä korkeina väittäen skannauksen epävakauden, vetäen saman asennon ristille hänen tuskallisen kuolemansa aikana. Samaan aikaan majatalonhoitaja on häiriöttömä, tarkkailematta ymmärtämättä kuunnellessaan sanoja, jotka Kristus on puhunut hänen tainnutetuille opetuslapsilleen, jotka eivät pysty vangitsemaan ihmiskunnan transsendenttisen hetken merkitystä.

Emaus -opetuslapset miehittävät aseman nro. 82 luettelossa kuuluisat maalaukset 

#9 Pantocrador Kristus

Pantocrador Kristus Se on maalattu puupaneeli, joka on peräisin Santa Catalinan seitsemännestä vuosisadasta Siinai, Egyptissä. Tätä maalausta pidetään yhtenä vanhimmista bysanttilaisista uskonnollisista kuvakkeista, ja se on pantokrayanin vanhin tunnettu teos.

Maalatun paneelin korkeus on 84 cm, leveys on 45,5 cm ja syvyys 1,2 cm. Uskotaan, että maali oli alun perin suurempi, mutta se leikattiin yläosassa ja sivut jossain vaiheessa tuntemattomista syistä nykyisten mittojen tuottamiseksi. Teos osoittaa, että Kristus on pukeutunut purppuraan kaapuun.- Väri, joka on yleisesti valittu edustamaan keisarillista tilaa ja rojaltia. Tämä tunikan värivalinta on symboli tilastasi ja merkityksestäsi. Kristusta edustaa vasemman käden nostaminen siunauksen merkiksi ja oikealla pitämällä kirja.

Voimme olettaa, että tämä kirja on luultavasti evankeliumi, koska sitä koristavat ristikkäiset jalokivet. Maalaus on tarkoituksellisesti epäsymmetrinen symboloida Kristuksen kaksoisluonnetta. Kristuksen vasen puoli on sen ihmisluonnon symboli, jonka piirteet edustavat yhtä paljon pehmeämpää ja enemmän valoa. Vaikka Kristuksen oikea puoli symboloi hänen jumalallisuuttaan vakavilla katseillaan ja voimakkailla piirteillään. Itse silmät ovat muodoltaan ja kooltaan erilaisia, samoin kuin sen vasemmalla puolella olevat hiukset on kerätty hartian taakse.

Yksi tärkeimmistä kristillisistä kuvakkeista on Pantocker Kristus. Tämä kuva kuvaa Jeesusta maailman suvereenina hallitsijana. Pantocker Kristus oli yksi Jeesuksen vanhimmista kuvista ja esiintyy kalliokirkkojen näkyvimmissä paikoissa.

Sana Pantocker tarkoittaa "Kaikkivaltias". Vanhan testamentin kreikkalaisessa versiossa (LXX) Pantocker -sana on "Armeijan herra" ja "Kaikkivaltias Jumala" käännös. Apocalypsen kirjassa Pantocrador esiintyy yhdeksän kertaa otsikkona, joka korostaa Jumalan suvereniteettia ja voimaa.

Pantocrador Kristuksen kuvake korostaa Jeesuksen kaikkivoiteet, hänen voimaansa tehdä mitä tahansa. Jeesus on "kaiken hallitsija", jolla on kaikki asiat. Kristuksen Pantocradorin symboliikka (selitetty alla) on roomalaisen keisarillisen kuvien innoittamana hänen suvereenin voimansa projisoimiseksi. Ensimmäiset kristityt käyttivät kulttuurisymboleja julistaakseen nousevan Kristuksen suvereenin voiman.

Lisäksi Pantocrador Kristuksen sijainnilla apseissa (etupyhä seinällä) on myös teologinen merkitys. Bysanttilaisissa kirkoissa oli Rooman basilikan malli, kuninkaan kamari juhlimaan tuomioistuinta. Apse oli auktoriteetti, jossa hallitseva virkamies istui. Jeesuksen asema apseissa julistaa olevansa ennen kaikkea laillinen hallitsija ja suvereeni tuomari. 

Kristityt alkoivat edustaa visuaalisesti Jeesusta 300 -luvun lopussa, kun vainon uhkaa ei enää ollut. Nämä ensimmäiset kuvat esittävät Jeesuksen stoikkana hahmona, joka istuu valtaistuimella vierityksellä. 600 -luvulla Kristus Pantocrador nousi yksinkertaiseksi varhaisesta kuvasta. Pantocradorin Kristuksen näkökulma on tuskin muuttunut viimeisen 1500 vuoden aikana.

Suurin osa Jeesuksen ensimmäisistä kuvista tuhoutui ikonoklastien kiistan aikana.

#10 San Juan de la Cruzin Kristus

Kaupalta suosituin Dalín uskonnollisista teoksista on epäilemättä hänen "San Juan de la Cruzin Kristus", jonka luku hallitsee Port Lligatin lahtia. Maalausta inspiroi piirustus, joka säilytettiin Ávilan inkarnaation luostarissa, ja jonka on itse San Juan de la Cruzin tekemä sen jälkeen kun hän oli nähnyt tämän Kristuksen näkemyksen ekstaasin aikana. Laivan vieressä olevat ihmiset ovat peräisin Le Nainin kuvasta ja Diego Velázquezin piirustuksesta Bredan antautumiseen.

Dalí kirjoitti Kristuksen opintojensa juurella: "Ensinnäkin vuonna 1951 minulla oli kosminen unelma, jossa näin tämän värikuvan ja että unessani edusti atomin ytimiä. Tämä ydin myöhemmin otti Metafyysinen merkitys: Harkitsin "maailmankaikkeuden yhtenäisyydessä" Kristukselle! Toiseksi, karmeliitin isän Brunon ohjeiden ansiosta, näin Kristuksen, jonka Pyhän Ristin Johanneksen piirtäminen oli geometrisesti tarkennut kolmion ja a Circle, joka tiivisti esteettisesti kaikki aikaisemmat kokeiluni ja ilmoittautui Kristukseen tähän kolmioon. "

Tärkeä taidekriitikko piti tätä työtä banaalina, kun se esiteltiin ensimmäisen kerran Lontoossa. 

Maalaus oli yksi kiistanalaisimmista ostoista, jotka Glasgow -museoiden silloinen johtaja Tom Honeyman teki. Nyt on laajalti tunnustettu, että tohtori Honeyman teki erittäin taitava päätöksen ehdottamalla silloiselle Glasgow Corporationille, että kaupunki osti maalauksen.

Honeyman ei vain saanut maalausta vähemmän kuin luettelon hinnat, vaan myös osti työn tekijänoikeuden Salvador Dalílle, mikä varmisti ostoksen pitkän aikavälin perintön.

Alun perin kaikki ei vastaanottanut maalausta, ja Glasgow'n taidekoulun opiskelijat väittivät, että Skotlannin taiteilijoiden tai Glasgow'n teoksia olisi voinut käyttää rahaa.

Saatuaan Kelvingrovessa vuonna 1952, Dalí houkutteli joukkovieraita.

Glasgow -museokokoelman maalausta ei ole vapautettu draamasta, koska se on vaurioitunut kahdesti, tunnetuin, kun vierailija, joka käytti terävää kiveä. Kelvingrove -konservatiivit pystyivät korjaamaan maalin siihen pisteeseen, että vauriot ovat tuskin näkyviä.

Yli 60 vuotta alkuperäisen ostoksensa jälkeen maalauksen pysyvä houkuttelevuus ei osoita vähenemisen merkkejä ja on nyt yksi museon suosituimmista näyttelyistä.

Kuadros ©, kuuluisa maali seinällesi.