10 tunnetuinta abstraktia maalausta

Otsikossa - ensimmäinen abstrakti vesiväri Löydämme hyvän väripurskeen, kuten useimmissa maalauksistaan ​​löytyy, mutta vesivärien käyttö öljyjen sijasta jättää näkyvästi erilaisen viimeistelyn, joka tekee tästä työstä mielenkiintoisen ja melko ainutlaatuisen sen tuotantoon vuonna 1910. Valmistunut nopeasti, mikä on tyypillistä tälle taidemuodolle, koska maalaus kuivuu erittäin nopeasti. Hän työskentelee myös ilmeisesti huolehtimatta liikaa tarkkuudesta, mutta keskittyy enemmän värien valintaan ja kankaan täyttämiseen eri muodoilla ja viivoilla. Se oli todella abstraktia ja tämä oli jotain, joka näytti yhä enemmän uransa edetessä, kun hän muutti yhä enemmän todellisuudesta käyttämillä tavoilla.

Kandinsky on erikoistunut öljyihin, mutta työskenteli aika ajoin vesivärien kanssa. Olisin löytänyt tämän helpon keinon työskennellä ja jotain, joka myös sopeutui hyvin nopeaan opintokappaleeseen, jossa yritin ymmärtää tulevan kappaleen suunnittelua. Hän käytti myös litografioita, ksylografioita ja etsausta muina aikoina, etenkin uransa alkuvaiheissa, kun hän oli erityisen kokeellinen.

Työskentelemällä vesivärien kanssa Kandinsky pystyi suorittamaan tämän maalauksen vain kolmessa päivässä. Kandinsky teki kuitenkin kiireestä huolimatta useita tutkimuksia tälle taideteokselle ennen lopullisen koostumuksen aloittamista. Se, mikä liittyi nopeuteen, joka voidaan tulkita otsikossa, oli hänen värivalintansa, koska Kandinsky hän valitsi nerokkaasti värit, jotka hän tiesi edustavansa uskollisesti hänen tunteitaan tuolloin. Linjat ja muodot, jotka myös piirrettiin ja korostivat ja korostivat kaaosta ja kiireellisyyttä, jonka koetaan nähdä tämän maalauksen.

Abstraktio osoitetaan selvästi tässä taideteoksessa edustamien löysien ja epämääräisten linjojen kautta, mikä herätti tuolloin huomattavan mielenkiinnon taiteellisen väkijoukon välillä. Mikään otsikko ei ole abstraktin taiteen liikkeen tärkeänä aloittajana, koska se oli ensimmäinen kerta, kun jokin etäyhteydessä erotettu ja ilman rajoituksia hyväksyttiin riittäväksi teemaksi taideteoksissa tuolloin. Ei otsikkoa Se merkitsi määrittelevää pistettä eurooppalaisessa taiteessa, kuten perinteisten taideteosten poistuminen abstraktimpien ja esteetöntä taideteoksia kohti.

Aika vuosina 1910–1914 pidettiin Kandinskyn uran huipun ja hänen suurimpien taiteellisten saavutustensa huippuna. Siksi ilman otsikkoa se oli olemassa yhtenä ensimmäisistä taideteoksista, jotka hylkäsivät räikeästi kaikki viittaukset tunnistettaviin muotoihin ja syntyivät Länsi -Euroopan maalauksen esittämiskäytännöistä aiheutuneista rajoituksista.

Tämä käsitys täydellisestä vapaudesta jatkoi näkyvää paikkaa useimmissa Kandinskyn tämän ajanjakson luomissa teoksissa.

Nro 2 Aikuisuus #7 - Hilma AF Klint

Vaikka ruotsalainen taiteilija Hilma AF Klint ei tunneta yhtä hyvin kuin monet hänen aikansa miestaiteilijat, oli abstrakti pioneeri -taiteilija, jonka radikaalit maalaukset ovat ennen monia hänen miestensä nykyaikaisia. Hän pyysi, että hänen suurta työtä, josta suurin osa häntä ei koskaan esitelty elämänsä aikana, pysyi piilossa jopa 20 vuotta kuolemansa jälkeen. 

Kokoelma edustaa elämän vaiheita, mukaan lukien lapsuus, nuoret, kypsyys ja vanhuus. Ne yhdistävät kasvitieteelliset elementit ja tunnistettavat orgaaniset esineet, jotka viittaavat syntymään ja kasvuun.

Se Ikä Aikuinen Nro 7 Hilma Klintistä Se on valtava kangas, 3 metriä korkea ja 2 metriä leveä, maalattiin paperille, studiokerrokselle ja sitten kiinni kankaalle.

AF Klint tulkitsee aikuisuutta täydessä kukkivassa maalauksessa useita muotoja, jotka virtaavat vapaasti erikokoisina ja väreinä lila -taustalla. Keskeinen keltainen symboli muistuttaa kukkaa, kun taas spiraalit ja biomorfiset muodot ovat kasvun ja hedelmällisyyden symboleja.

Nro 3 Senecio - Paul Klee

Valmistunut vuonna 1922, Senecio -maalaus Se on osoitus Paavalin huumorin ja afrikkalaisen kulttuurin osoitus. Yksinkertaiset värit ja muodot, Paavali käyttää useita oransseja, punaisia ​​ja keltaisia ​​sävyjä paljastaakseen vanhan miehen muotokuvan. Muotojen taiteellinen käyttö antaa väärän kuvan siitä, että silmä on nostettu. Sen vasenta kulmakarvaa edustaa kolmio, kun taas toinen muodostuu yksinkertaisella kaarevalla viivalla. Muotokuva kutsutaan myös seniilisen miehen päälliköksi ja jäljittelee tarkoituksella lasten taideteoksia käyttämällä epäselviä muotoja ja muotoja, joilla on vähän kasvojen yksityiskohtia.

Tämä ihmisen kasvojen sopeutuminen on jaettu värillisellä värillä. Litteät geometriset neliöt ylläpidetään ympyrän sisällä, joka edustaa naamioitua kasvoja ja näyttää harlekiinin monivärisen puku. Esittäjän Senecio -taiteilijan muotokuva voidaan pitää symbolina taiteen, illuusion ja draaman maailman välisestä suhteesta. Tämä maalaus osoittaa Kleen taiteen periaatteet, joissa taiteilijan mielen energian avulla lähetetään linja-, väri- ja avaruussuunnitelmien graafiset elementit. Hän piti mielikuvituksellisissa kirjoituksissaan omien sanojensa mukaan "Ota kävelylinja".

Nro 4 Etail Bleue - Joan Miró

Etoile Bleue -maalaus Se oli Mirón siirtyminen kuviollisen ja abstraktin taiteen välillä.

Tämä maalaus tunnetaan olevan yksi Miron uran tärkeimmistä maalauksista. Erityisesti käytetty paahtava sininen näkyy useissa hänen tulevissa teoksissaan ja jopa vaikuttanut maalareihin, kuten Mark Rothko ja Yves Klein.

Etoile Bleue on loistava maalaus, mutta se on maalaus kysymyksistä enemmän kuin vastauksia.

Miró oli suuri syntetisaattori monien monipuolisten ideoiden aikakauden, jotain nykyään, mutta silloiset taiteelliset ideat olivat paljon monimutkaisempia kuin nykyään.

Maalauksessa yhdistyvät fauvistas -värit, kubistiset muodot ja surrealistiset aikomukset teoksessa, jota katsoja voi visuaalisesti tutkia uudestaan ​​ja uudestaan. Se on niin monien asioiden joukossa, että sinulla on monia kysymyksiä, joiden vastaukset ovat yhtä unenomaisia ​​kuin kuva.

Jos sininen muoto havaitaan vasemmassa yläkulmassa. Se on lintu. Todennäköisesti se on, mutta mikä lintu ei ole selvä. Kun tarkastellaan sitä jonkin aikaa, se voi ehdottomasti sanoa, että se on dynaaminen muoto, mutta se voi helposti väittää, että se lentää vasemmalle tai oikealle tai jopa alas ja kohti meitä.

Iso punainen pala alemmassa keskuksessa. Onko se jalka? Sitä pidetään ehdottomasti vakaana ja ankkuroituna, koska sininen pala on dynaaminen.

Tämä maalaus on jalokivi ystävillesi. Ensi silmäyksellä se heiluttaa hiukan ja liikkuu, mutta hetki se liikkuu vasten sitä elastista hahmoa oikeassa alakulmassa.

Miró, Barcelonassa vuonna 1893 syntynyt katalaanilainen taiteilija, kutsui vuoden 1927 surrealistista unelmamaisemaa (Étoile Bleue) avainkuvaksi, joka sisältää symboleja, joita hän käyttäisi toistuvasti myöhempinä vuosina, ja jopa värikkäitä sinisiä värejä, jotka vaikuttivat myöhempiin maalareihin, mukaan lukien Mark Rothko ja Yves. Klein

Nro 5. Koostumus VII - Wassly Kandinsky

Se Maalauskoostumus VII Wassly Kandinsky pitää monet abstraktin taiteen fanit, jotka ovat 1900 -luvun tärkein taideteos, ehkä jopa tärkein abstrakti maalaus koskaan luotu.

Tämä työ on looginen jatko koostumukselle V ja Koostumus VI . Kolme maalausta yhdistetään apokalypsin teema. Tällaiset koostumuksen VI elementit, kuinka tulva ja ylösnousemus voidaan jäljittää tässä työssä. Sen pääteema on lopullinen tuomio, mutta sitä ei pidetä katastrofina, vaan vapautumisena, siirtyminen maailmasta materiaalista henkiseen. Siksi koostumus VII eroaa sarjan muista teoksista sen selkeiden värien ja kuohuviini -kontrastinsa vuoksi.

Kandinsky rakensi jokaisen sävellyksensä, jotta katsoja voisi päästä kuvaan ikään kuin kääntyisi hänen sisälle. Hän teki koostumuksen alareunasta raskaamman työntäen sitä eteenpäin, kun taas yläosa pysyy kevyempänä ja kauempana katsojalle. Yksi taiteilijan tärkeimmistä kontrasteista, sininen ja keltainen muodostavat aktiivisen liikkeen keskusalueen sisään ja ulos.

Kandinsky vietti useita kuukausia valmistellessaan koostumustaan ​​VII, mutta maalata hänet kesti vain neljä päivää. Taiteilija suoritti noin 30 tutkimusta tästä maalauksesta. Jotkut heistä muistavat Caravaggio tai Leonardo da Vinci yksityiskohtaiset tutkimukset kangaslaskuista, puiden lehtiä tai ihmisen raajoja. Tässä sarjassa jotkut teokset esittävät toistuvasti saman kaarevan viivan, toiset osoittavat kaaviomaisesti koostumuksen perusrakenteellisia elementtejä ja jotkut sisältävät yksityiskohtaisen koostumuksen tason. Lisäksi on noin 15 erilaista maalausta, jotka liittyvät koostumukseen VII: Nämä ovat öljyluonnoksia tai lyijykynää, vesivärejä, lasi- ja kaiverrettuja maalauksia.

Gabrielle Minter, joka todisti tämän maalauksen perustamisen, kirjoitti sanomalehdessä 25. marraskuuta 1913, että sävellyksen VII kangas toimitettiin hänen kotonaan Murnaussa ja Kandinsky alkoi työskennellä samana yönä. Seuraavana aamuna hän otti ensimmäisen valokuvan maalauksesta ja lounaan jälkeen hän otti toisen. Diario de Minterin 28. marraskuuta tapahtuva sisäänkäynti sanoi, että maalaus oli valmis. 29. marraskuuta hän otti kuvan valmiista työstä. Siten suuren mestariteoksen syntymä oli rekisteröity.

Koostumus VII vie aseman nro. 100 luettelostamme kuuluisat maalaukset

Nro 6 Koostumus X - Kandinsky

Abstraktin maalauksen ensimmäisistä mestarista viitattu Wassly Kandinsky ei ollut vain venäläinen maalari, vaan myös taideteoreetikko. Taidemaailmassa ja abstraktiossa jätetty vaikutus ja abstraktio oli valtava taidiryhmän Phalanx ja siitä lähtien uusi taiteilijaryhmä järjestämällä heidän aikalaisensa näyttelyitä taiteilijana vuosien ajan. Hän tuotti yli 600 teosta koko uransa ajan. Vuoden 1913 maalauksella, joka saavutti sen ennätysaineen 41,6 miljoonan dollarin huutokaupan vuonna 2017. 

Tästä vaikuttavasta ennätyksestä huolimatta hänen merkittävin työnsä oli mahdollisesti Koostumus x. Viimeksi hänen elämässään 'sävellykset'. Sen kanssa hän yritti huipentua tutkimukseensa muodon ja ilmaisun puhtaudesta tämän työn kautta. Käytettynä mustaa väriä maltillisesti käytännössä tähän mennessä, on kritisoitu, että tämä työ herättää sekä kosmosin että elämänsä lopussa lähestyvän Omenin pimeyden. 

Aluksi koostumuksen X luomiseen vaikuttivat surrealismin biomorfiset muodot.

Wassly Kandinsky käytti kuitenkin myöhemmin orgaanisten muotojen käytön taidetta maalauksissaan. Tämä on tyyli, jota hän myöhemmin käytti koko maalauksissaan.

Tyyli antoi hänen teokselle singulaarisuuden. Oli helppoa ja melkein mahdotonta olla tunnistamatta Wassly Kandinskyn luomia maalauksia, kun ne esitettiin näyttelyissä tai muissa paikoissa.

Lisäksi Ranskassa luotiin koostumus X. Nähdessään maalin tiiviisti se osoittaa, että maalari käytti mustaa taustaa. Tärkein syy mustan taustan käyttämiseen oli, että etualalla olevat värit näkyvät selvästi.

Nro 7 lähentyminen - Jackson Pollock

Lähentyminen "Mustavalkoinen maalaus, jolla Pollock heitti päävärit", heijastaa kylmän sodan kriisiä. Se on yksi hänen mestariteoksistaan, ja se voi olla myös abstraktin ekspressionistin tunnetuin maalaus. Vuonna 1964 Springbok Editions tuotti maalauksen palapelin, jota ylennettiin "maailman vaikeimmaksi palapeliksi", ja sadat tuhannet amerikkalaiset ostivat sen.

Vuonna 1951 Pollock sanoi: ”Minusta näyttää siltä, ​​että moderni maalari ei voi ilmaista aikansa, lentokoneen, atomipommin, radion, renessanssin vanhoissa muodoissa tai muussa aikaisemmassa kulttuurissa. Jokainen aikakausi löytää oman tekniikan. " Pollock löysi tekniikkaansa talojen ja tippujen maalaamisessa ja käytti sitä ilmaisemaan omaa aikaa.

Koko 237 x 394 senttimetriä, lähentyminen on yksi niistä kunnianhimoisimmat maalaukset Pollock. Hänet tunnetaan visuaalisesta kirkkaudestaan ​​ja herättäessään syviä tunteita katsojaan. Vaikka Jacksonin teoksia on edelleen vaikea purkaa jopa taiteen asiantuntijoille, hänen maalauksiaan pidetään ilmaisunvapauden ilmenemismuodoina. Konvergenssi, joka on näkyvä esimerkki siinä mielessä, on edelleen yksi sen tunnetuimmista mestariteoksista.

Nro 8 Elegory Espanjan tasavallassa -robert Motherwell

Vaikka Robert Motherwell oli vasta 21 -vuotias, kun Espanjan sisällissota puhkesi, hänen julmuutensa vaikuttivat häneen paljon seuraavina vuosina. Tämä sai hänet luomaan yli 200 maalauksen sarjan vastauksena hänelle. Espanjan tasavaltaan valittu sarja toimii moninaisuutena ihmisen kärsimysten muistoksi sekä "abstraktiksi ja runollisiksi symboleiksi kestämättömälle elämän ja kuoleman syklille".

Elegioista Motherwell julisti, että ”niiden maalaamisen jälkeen löysin mustana yhtenä aiheeni ja mustalla, vastakohtana valkoisella, elämän ja kuoleman tunne, joka minulle on melko espanja. Ne ovat pääosin espanjalaisia ​​musta kuolema, joka on vastakohtana auringonvalon, kuten Matisse, häikäisyn kanssa. "

Hänen elegiansa muodostavat laajennetun abstraktin meditaation elämästä ja kuolemasta. Koko sarjan ajan vaakasuorat valkoiset kankaat jaetaan rytmisesti kahdella tai kolmella pystysuoralla tangolla, jotka on piirretty vapaasti ja välimerkki useilla välein munasolun muodolla. Maalaukset koostuvat yleensä kokonaan mustasta ja valkoisesta, surun ja hehkua, kuolemasta ja elämästä. Motherwell kommentoi näiden joukkojen takertumista metaforiksi heidän ymmärryksensä kokemuksesta elossa.

Hän valitsi Espanjan tasavallan kuvailemaan orgaanisen ja geometrisen, vahingossa tapahtuvan ja tarkoituksellisen majesteettista kulkua. Kuten muutkin abstraktit ekspressionistit, Motherwell houkutteli taiteilijan tietoiseen aikomukseen pakenevia menetelmiä - menetelmiä - ja hänen aivohalvauksellaan on emotionaalinen taakka, mutta tietyn vakavuuden yleisessä rakenteessa. Itse asiassa Motherwell näki huolelliset värin ja muodon järjestelyt abstraktin taiteen sydämeksi, joka "on poistettu muista asioista sen tehostamiseksi, sen rytmeistä, avaruusvälistä ja värirakenteesta".

Nro 9 Black Iris - Georgia O'Keeffe

Tämä monumentaalinen kukkamaalaus on yksi O'Keeffen ensimmäisistä mestariteoksista. Laajentamalla terälehdet, jotka ovat kaukana luonnollisen koon mittasuhteista, pakottaa katsojaa tarkkailemaan pieniä yksityiskohtia, jotka muuten voisivat unohtaa. Kun tämän ryhmän maalaukset esiteltiin ensimmäisen kerran vuonna 1924, jopa hänen aviomiehensä ja kauppiaan Alfred Stieglitz yllättyi hänen rohkeudestaan.

Georgia O'Keeffen musta iiris on esimerkki yhdestä hänen monista teoksistaan, jotka koskevat kukkia ja erityisesti Iris, kukka, joka on runsaasti symbolismista. Black Iris III: ssa O'Keeffen tavoitteena ei kuitenkaan ollut viitata tähän symbolismiin tai lisätä sitä, vaan rohkaisee katsojaa katsomaan ja näkemään kukkaa ja pohtimaan erilaisia ​​tapoja, joilla ihmiset näkevät. Siitä tulee siten syvä meditaatio etsimisen taiteesta, ei vain taiteesta, vaan myös elämästä. Tässä artikkelissa Singularart analysoi O'Keeffen maalauksen ennustetut symbolismit sekä omia aikomuksiaan Black Iris III: n luotaessa. 

Georgia O'Keeffe oli huolissaan Iris -maalaamisesta monien vuosien ajan, erityisesti Musta Iris, jota oli vaikeampaa löytää ja joka oli käytettävissä vain muutaman viikon vuodessa New Yorkissa. Iris on perhesymboli länsimaassa: kreikkalaisessa mytologiassa jumalatar Iris personoi sateenkaaren ja taivaan ja maan välisen yhteyden; Kristinuskossa Iris symboloi Kristuksen intohimoa ja ylösnousemusta sekä Marian kärsimystä. Taidehistorioitsija Linda Nochlin puolestaan ​​muutti O'Keeffen iiriksen feministiseksi symboliksi kuvaamalla niitä naisten sukupuolielinten "morfologiseksi metaforiksi", mikä heijastaa "naispuolisen ja luonnollisen järjestyksen yhtenäisyyttä". Black Iris IIIY: n kuvaus mustasta IIIY O'Keeffen muut iirismaalaukset ankkuroivat ne taiteen historiaan sekä feminismin ja feministisen taiteen historiaan.

O'Keeffe kuitenkin hylkäsi tämän kuvauksen ja totesi: ”Kukaan ei näe kukkaa, todellakin niin pieni. Meillä ei ole aikaa, ja näemme, että ystäväsi vie aikaa. Jos voisin maalata kukan täsmälleen niin kuin näen sen, kukaan ei näe mitä näen, koska maalaan sen pieneksi, koska kukka on pieni. Joten sanoin itselleni: maalaan mitä näen, mikä kukka minulle on, mutta maalaan sen isoksi ja yllättyneen, kun otat aikaa katsoa sitä, teen jopa miehitetyt newyorkilaiset käyttävät aikaa viettämään aikaa nähdä mitä näen kukista. Sain sinut aikaa katsomaan mitä näin, ja kun otit aikaa huomataksesi kukkani, laitat kaikki omat assosiaatiot kukkiin ja kirjoitit kukastani ikään kuin ajattelin ja näet mitä ajattelet ja Katso. Kukka, enkä.

Nro 10 Exchange - William de Kooning

Vuonna 1955 Kooning Willem suoritti työvaiheen. Hän oli keskittynyt pitkään tutkimuksiin, jotka olivat vuonna 1948 aloittaneet naiset, jotka aloittivat vuonna 1948. Ne liittyivät heidän henkilökohtaiseen näyttelyyn vuonna 1953, maalauksia naisista, jotka avattiin tuolloin New Yorkissa. Joitakin näiden teosten nimikkeitä ovat naiset I, Woman III ja Women V, samoin kuin kaksi naista, joilla on kuollut luonto.

Vuoteen 1955 mennessä Kooningista hän oli lopettanut ihmishahmojen maalaamisen ja jatkanut arkkitehtuurin ja yhteisöjen abstraktien esitysten käyttöä New Yorkissa.

Kooning Willem käytti nopeaa eleitä koskevia merkkejä kankaalle. Kuvassa näkyy tuolissa istuva nainen, mutta naiset näkyvät vain huipun joukkana. Nimittäessään maalauksiaan hän piti aina linkkiä alueelle, jolla hän asui. Vaihto sai ympäristön nimen, New Yorkin keskustan, paikan, jossa hän asui tuona aikana.

Alun perin taiteilija myi maalauksen vuonna 1955 4000 dollarilla.

Sitten David Geffen -säätiö myi sen Kenneth C. Griffinille 300 miljoonalla dollarilla syyskuussa 2015 sijoittaen sen toiseksi kalliimpien maalausten luetteloon, jonka vain Salvator Mundi de Leonardo da Vinci ylitti, joka myytiin 450,3.3: lle. miljoonan dollarin marraskuussa 2017.

Kuadros ©, kuuluisa maali seinällesi.