10 nejslavnějších obrazů Ježíše

Ježíšova postava je jednou z nejznámějších v historii. 

Umění kolem obrazu Ježíše Krista bylo idealizováno amatérskými umělci i velkými učiteli.

Jak je možné ukázat na plátně postavu, která je jak nejasně lidská, tak zcela božská? Tento typ umělecké odvážnosti je dokonce odvážný vyzkoušet.

Umělci, kteří malovali křesťanskou tradici, udělali přesně to po dobu dvou tisíciletí.

10 nejslavnějších obrazů Ježíše

Toto je pohled na 10 nejslavnějších Ježíšových obrazů v celé historii, podle klasifikace odborníků Kuadros.

# 1 Poslední večeře - Leonardo da Vinci

Nejslavnější obraz Ježíše Krista je nepochybně Poslední večeře Leonarda da Vinci.

Práce obnovuje poslední velikonoční setkání mezi Ježíšem a jeho apoštoly, z příběhu popsaného v evangeliu Johna, kapitoly 13. Umělec si představoval a podařilo se mu vyjádřit touhu, která je kolem myslí apoštolů, kdo vědí, kdo je, kdo je, kdo je, kdo je, kdo je, kdo je, kdo je zradil svého učitele.

Malované na konci 15. století jako nástěnná malba na stěnách refektáře konventu Santa Maria Delle Grazie v Miláně.

Freskové obrazy se obvykle vytvářejí aplikací pigmentu na Intonaco, tenkou vrstvu mokré klidné omítky.

Toto je obvykle nejlepší technika, která se má použít, protože umožňuje fresky postarat se o přirozené dýchání nebo pocení, díky kterému se stěna pohybuje směrem k povrchu.

Na poslední večeři se však Da Vinci rozhodne používat olejovou barvu, protože tento materiál vyschne mnohem pomaleji, což mu umožnilo pracovat na obrázku mnohem pomaleji a podrobnějším způsobem.

Leonardo věděl, že přirozená vlhkost, která proniká většinou budov kamenných stěn, by musela být utěsněna, kdyby použil olejomalby, nebo by vlhkost nakonec zničila jeho práci.

Potom umělec přidal dvojitou vrstvu sádry, tmelu a rozbití, aby bojoval proti zhoršení vlhkosti.

Navzdory tomu muselo být umělecké dílo mnohokrát obnoveno ve své dlouhé historii.

Dnes je velmi málo počáteční horní vrstvy olejové barvy v důsledku environmentálního a také úmyslného poškození.

#2 Transfiguration - Rafael

Transfigurace Rafael Je to poslední práce velkého renesančního umělce Rafaela, který byl pověřen kardinálem Giulio de Medici z Dynastie Medici Banqueros.

Původně byla umělecká díla koncipována jako ústřední oltář katedrály Narbonne ve Francii a nyní visí na Vatikánské Pinacoteca ve městě Vatikán.

Po Rafaelově smrti nebyl obraz nikdy poslán do Francie a kardinál ho zavěsil namísto toho v hlavním oltáři požehnaného Amadeo kostela v San Pietro v Montorio v Římě v roce 1523.

V roce 1797 však obraz pořídil francouzské jednotky v rámci italské kampaně Napoleona a následně visel v Louvru.

Lze se domnívat, že obraz odráží dichotomii na nejjednodušší úrovni: vykupitelská síla Krista, symbolizovaná čistotou a symetrií horní poloviny malby. To kontrastuje s nedostatky člověka, symbolizované v dolní polovině ponurými a chaotickými scénami.

Transfigurace souvisí s následnými příběhy evangelia Matthew. Horní část malby představuje zvýšený Krista před zvlněnými a osvětlenými mraky a obě strany jsou proroci Eliáše a Mojžíš. Ve spodní části malby jsou apoštoli zastoupeni, kteří se bez úspěchu snaží o jízdu na dítě posedlé démony. Horní část ukazuje, že Kristus přeměnil, který se zdá, že dělá zázrak, uzdravuje dítě a osvobozuje ho od zla.

Rozměry transfigurace jsou kolosální, 410 x 279 cm. Rafael upřednostňoval malování na plátně, ale tento obraz byl vyroben z olejomaleb na dřevě jako vybraná média. Rafael ve skutečnosti vykazoval v tomto obraze pokročilé indikace a techniky barokního období.

Stylizované a zkroucené pozice středních postav naznačují manýrismus. Dramatické napětí v těchto postavách a liberální použití světla a tmy nebo kontrastů Chiaroscuro představují barokní období přehnaného pohybu za účelem produkce dramatu, napětí, nadšení nebo osvětlení. Ve skutečnosti byla transfigurace postoupena do své doby i Rafaelovy smrti, která přišla příliš brzy.

Tato práce by byla Rafaelovým posledním obrazem, který by na ní pracoval až do své smrti v dubnu 1520.

Čištění malby v letech 1972 až 1976 ukázalo, že účastníci byly dokončeny pouze některé z levých osob dole, zatímco většina malby pocházela od samotného umělce.

#3 Konečný rozsudek - Miguel Ángel

Konečný rozsudek Miguela Ángela Je na zdi za oltářem v Sixtinské kapli. Jeho zastoupení druhého příchodu Krista v „The konečný soud“ přineslo okamžitou kontroverzi katolické církve protiformace.

Miguel Angel musel malovat konec času, začátek věčnosti, když se smrtelník stane nesmrtelným, když se vyvolení připojí Krista v jejich nebeském království a ti, kteří jsou usvědčeni, jsou vrženi do nekonečného mučení pekla. 

Žádný umělec v šestnáctém století Itálie nebyl pro tento úkol lépe umístěn než Miguel Ángel, jehož konečná práce zapečetila jeho pověst největšího učitele lidské postavy, zejména mužského nahého. Papež Pavel IIII si toho velmi dobře uvědomoval, když obvinil Miguela Ángela z opětovného vysílání zdi oltáře kaple konečným rozsudkem. Se svým zaměřením na vzkříšení těla to bylo perfektní téma pro Miguela Ángela.

Silné složení se zaměřuje na dominantní postavu Krista, zachycené v době před tím, že vyslovila verdikt konečného rozsudku.

Zdá se, že jeho tiché a nezbytné gesto přitahují pozornost a umisťují okolní agitaci. Na obrázku začíná široký pomalý rotační pohyb, ve kterém zasahují všechny postavy. Dvě horní okna jsou vyloučena se skupinami andělů nesoucích v letu symboly vášně (doleva kříž, nehty a koruna trnů; napravo je sloupec bičíků, schody a kopí s houbou zaměřeno na octa).

Uprostřed spodní části jsou andělé apokalypsy, kteří probouzí mrtvé zvukem dlouhých trumpet. Nalevo vzbudili vzkříšenou jejich těla, zatímco stoupali na oblohu (vzkříšení těla), na pravé anděly a démoni bojují, aby ty odsoudili k peklu. Nakonec, hluboko se svými veslami, spolu s jejich démony, způsobuje, že odsouzená opustí svou loď, aby je řídila před pekelným soudcem Minosem, jehož tělo je zabaleno do spirál hada.

Odkaz v této části na peklo z Dante Alighieriho božské komedia je jasný. Kromě chvály způsobil konečný rozsudek také násilné reakce mezi současníky. Například mistr obřadů Biagio da Cesena řekl, že „bylo to nejnectivější na tak upřímném místě, aby namaloval tolik nahých postav, že jejich ostuda ukazuje tak nepoctivě a že to nebyla díla pro kapli papeže, ale nebyla pro kamna a taverny "(G. Vasari, Vite). Spory, které po celá léta pokračovaly, vzaly v roce 1564 rozhodnutí o shromáždění Rady Trentu, aby pokryly některé z údajů soudního řízení, které byly považovány za „obscénní“.

Úkol malování záclon střechy, byl takto, který byl „Braghe“ (kalhoty) pověřen Daniele Da Volterrovi, od té doby známý jako „Braghetton“. Danieleho „Braghe“ byl jen první, který byl vyroben. Ve skutečnosti bylo v nadcházejících staletích přidáno několik dalších.

#4 Kristus nakládá kříž - El Greco

Během své dlouhé kariéry ve Španělsku vytvořil Greco četné obrazy Krista nesoucího kříž. Kristus nakládá kříž Je to obraz dokonalého lidstva. Práce vyniká pro charakteristiky mrtvice, s nimiž malíř používá barvu k modelování objemu a narušuje těla, aby odrážela duchovní touhu charakteru.

Greco maluje oči Krista dramatickými a přehnanými slzami v nich. Jeho oči jsou klíčovým prvkem malování, protože vyjadřují mnoho emocí.

Mezi jeho robustními rameny a ženskou krásou jeho rukou existuje jemný kontrast. Na jeho tváři však nejsou žádné známky bolesti. Stejně jako jejich pasivní ruce nevyjadřují úzkost ani snahu nést kříž.

Greco transformoval obraz Krista ohromen a bolestivý z těžkého kříže k tomu, kdo je klidný a připraven čelit svému osudu. Kristovo klidy před jeho obětí zve diváka, aby přijali svůj vlastní osud ve chvílích strachu a pochybností. 

#5 ukřižovaný Kristus - Diego Velázquez

Tento intenzivně silný obraz Ježíše na kříži byl vymalován během tvůrčího období, které následovalo po prvním stimulačním výletu do Velázqueze do Itálie. Na rozdíl od svých ostatních mužských aků, které se objevily v obrazech, jako je Apollo v The Forge of Vulcano a Tunic Josepha, je jeho Kristus na kříži mrtvé nebo umírající tělo. To není doprovázeno jinými narativními prvky s výjimkou samotného kříže. Umělec však dokáže poskytnout práci velké důstojnosti a klidu.

Předpokládá se, že práce byla provizí pro sakristii kláštera San Plácida, strohé pozice Ukřižovaný Kristus Představuje čtyři nehty, nohy dohromady a zřejmě podporované malou dřevěnou policí, která umožňuje, aby paže vytvořily jemnou křivku, místo trojúhelníku. Hlava je korunována halo, zatímco tvář spočívá na hrudi a nechává nás zahlédnout. Na pravé straně jeho obličeje visí jeho rovné a rovné vlasy, jeho zadní cesta je nakreslena krví, která kape ránu na jeho pravé straně.

Obrázek je neobvykle autobiografický v tom smyslu, že ilustruje všechny hlavní vlivy ve Velázquezově obraze. Nejprve si pamatujte oddaný tón a ikonografii barev absorbovaných během jejich raných let v Seville pod Francisco Pacheco, aktivním členem španělské inkvizice.

Za druhé, odráží jeho schopnost malovat postavy získané ve Španělsku ze studia umělců španělské renesance a v Itálii umění klasického starověku, umění vysoké renesance v Římě a Benátkách a Caravaggio pracuje v Římě a Neapoli. 

Vliv klasicismu v práci je zobrazen v obecném klidu těla a jeho idealizované poloze. Vliv karavaggismu se projevuje v dramatické temnotě, která zaměřuje všechny bledé tělo Kristovo.

Je pravda, že obraz nemá charakteristické drama barokního malby, které je vidět v náboženských dílech, jako je ukřižování sv. Petra nebo Cross Descent. Místo toho má monumentální sochařskou kvalitu, která ji zvyšuje, podle spirituality předmětu. Složení je naprosto jednoduché, ale s živým kontrastem mezi bílým tělem a temným pozadím a na jeho hrudi je naturalismus naturalismus. Zamotané vlasy jsou natřeny lehkostí, kterou Velázquez viděl a obdivoval z první ruky příklady benátského malby.

Velázquez získal pověst jednoho z nejlepších portrétistů ve Španělsku a stal se oficiálním malířem Felipe IV (vládl mezi 1621 a 1640) a nakonec v největším představiteli španělského obrazu barokního období. Navzdory skutečnosti, že náboženské umění bylo ve Španělsku obzvláště důležité, země, jejíž vládnoucí monarchie byla hrdá na to, že byla jedním z hlavních sponzorů umění katolického kontrastu, Velázquez namaloval poměrně málo pozoruhodných náboženských obrazů.

Místo toho umělec maloval svět kolem sebe, specializující se na umění portrétu, nějaké genderové malby (zátiší) a další historické malby. Je ironií, že vzhledem k nedostatku svých náboženských děl byl více ovlivněn italským géniem Caravaggiem, který vyniká hlavně za své biblické umění, popravený v agresivně realistickém stylu. Velázquez byl také silně ovlivněn myšlenkami italského znovuzrození získaného od jeho sevilliánského učitele Francisco Pacheco.

 

#6 Kristus nakládá kříž - Titian 

1508 nebo 1509, Tiziano maloval olej, který je známý jako Kristus nakládá kříž. Skutečný původ malby je poněkud záhadný a dokonce i několik uměleckých historiků to někdy připisovalo jinému italskému malíři Giorgione. Oba malíři patřili do umělcového spolku spojeného se školou a církví, oba jednali současně a místo, a je pravděpodobné, že práce byla výslovně namalována pro instituci. Dalším tajemstvím olejomalby je to, že bylo řečeno, že má zázračné uzdravovací dovednosti, na kterých byl napsán v mnoha historických příbězích. Poutníci se modlili v kostele na bočním oltáři, kde byla barva zavěšena, a hlásili, že se uzdravili onemocněním.

Obecná nálada práce je ponurá a tmavá. Nejjasnější barvy jsou tóny masa a paletě dominuje několik hnědých tónů. Na téměř černém pozadí se Kristus objeví ze semiperfilu, který jeho kříž na rameni. Zatímco se díval doleva, rozzlobený -rozzlobený popravčí stiskne kolem krku lano a další postava mírně za popravcem se dívá dovnitř scény. Složení má styl, který byl v té době inovativní, blízký pohled, který se vyhýbal perspektivě a hloubce intimity a detailů. Charakteristicky pro Tiziana je malba plná akce a odpočinek se zdá být vzdálený pro zastoupené postavy.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Tento slavný obraz, i když je stále velmi atraktivní, již není považován za práci Leonarda Da Vinciho a ztratil své místo mezi naším seznamem 100 nejslavnějších obrazů v historii.

Původně se předpokládalo, že Leonardo da Vinci namaloval Salvator Mundi pro krále Louise XII z Francie a jeho konsorku Ana de Britain. Odborníci dnes zpochybňují přiřazení italského malování učitelů, ačkoli to bylo prodáno na aukci v listopadu 2017 za 450 312 500 $, což je rekordní cena za umělecké dílo.

Salvator Mundi býval součástí seznamu seznamu slavné obrazy, ale nechal své místo na další obraz hlasovaný veřejností a našimi umělci.

#8 učedníci Emaus - Caravaggio

 

Tato práce Master Caravaggio je také známá jako pouť našeho Pána Emausu nebo jednoduše Emausova večeři. Obraz ukazuje okamžik, kdy si dva apoštolové, kteří ho doprovázejí, uvědomí si, že kdo s nimi celý den mluvil, byl jeho milovaným učitelem.

Malované v apogee umělcovy slávy, Emausovy učedníci Je to jeden z nejpůsobivějších náboženských obrazů v historii umění. V tomto obraze Caravaggio brilantně zachycuje dramatické vyvrcholení okamžiku, druhý exaxt, ve kterém učedníci najednou pochopí, kdo byl před nimi od začátku. Jeho činy a přirozená reakce přenášejí jeho dramatické údiv: jeden se chystá skočit ze své židle, zatímco druhý rozprostírá ruce gestem nedůvěry. Surové osvětlení podtrhuje intenzitu celé scény.

V práci Caravaggio ukazuje učedníkům jako obyčejné pracovníky, s vousatými tvářemi, vrásčenými a potrhanými oblečeními, na rozdíl od mladého Krista bez vousů, který se zdá, že pochází z jiného světa.

V různých bodech jsou skryta některá tajemství. V díle například umělec skryl velikonoční vejce. Zdá se, že stín promítnutý košíkem ovoce na stole zobrazuje rybu, což by mohla být narážka na velký zázrak.

A v tomto mistrovském díle je skryto více pokladů. Někdy není vada vůbec vada, ale rána génia. Vezměme si například textilie proutěného koše, která se kolísá na okraji stolu ve středu barvy.

Ačkoli nesčetné oči se divily tajemnému dramatu, které se vyvíjí uvnitř tohoto hostince, význam téměř nepostřehnuté nedokonalosti prošel dosud bez povšimnutí po staletí.

Volná větvička, která vyniká z tkáňového copu, transformuje slavné plátno Caravaggia na odvážný akt, duchovní výzvu pro pozorovatele.

Abychom ocenili všechny důsledky tohoto malého detailu, stojí za to si zapamatovat obrysy obecného prostředí, které Caravaggio ve své práci vyvolalo.

Téma večeře Emaus je něco, co inspirovalo skvělé učitele v historii, od Rembrandtu po Velásquez. Klíčový okamžik je vyprávěn v Lukášově evangeliu v Novém zákoně. Existuje historie intimního jídla Krista se dvěma učedníky, Lucasem a Cleofásem, kteří ignorují pravdu společníka. Při malbě byl chléb již rozdělen a požehnán a podle příběhu evangelia nastal čas, aby Kristus „otevřel“ oči jeho následovníků a zmizel “z jeho dohledu.

Mistrovské dílo zachycuje mystický práh mezi stíny a světlem, druhá magie před Kristem, která je zabalena siluetou cizince za ním, zmizí ze světa. V tomto nesmírném okamžiku mezi zjevením a zmizením Caravaggio Hila jeho spiknutí, hlavní setkání mezi dvěma světy.

Když je pravdou otcovským strýcem Krista, Cleofás, vychází z jeho předsedy vězně paniky a úžasu k Zjevení: jeho lokty jsou dynamicky zvedány přes rukávy jeho kabátu.

Na druhé straně proutěného plodu, napravo, Lucas otevřel paže vysoké, protože tvrdil, že nepravděpodobnost skenování přitáhne stejné držení těla na kříži v době jeho bolestivé smrti. Mezitím je hostinec nedotknutelný a pozoruje bez porozumění, zatímco poslouchá slova, která Kristus mluvil se svými ohromenými učedníky, neschopný zachytit význam transcendentálního okamžiku pro lidstvo.

Učedníci Emaus zaujímají pozici ne. 82 na seznamu slavné obrazy 

#9 Pantocrador Kristus

Pantocrador Kristus Jedná se o malovaný dřevěný panel pocházející ze sedmého století Santa Catalina v Egyptě Sinaj. Tento obraz je považován za jednu z nejstarších byzantských náboženských ikon a je nejstarším známým dílem Pantocrayanova stylu.

Malovaný panel má výšku 84 cm se šířkou 45,5 cm a hloubkou 1,2 cm. Předpokládá se, že barva byla původně větší, ale v určitém okamžiku byla z neznámých důvodů vyříznuta nahoře a po stranách, aby vytvořily aktuální rozměry. Práce ukazuje, že Kristus oblečený ve fialovém rouchu.- Barva, která se běžně vybrala, aby reprezentovala barvy imperiálního postavení a královské hodnosti. Tato volba barvy pro vaši tuniku je symbolem vašeho stavu a důležitosti. Kristus je reprezentován zvednutím levé ruky jako znamení požehnání a s pravou drží knihu.

Můžeme předpokládat, že tato kniha je pravděpodobně evangeliem, protože je zdobena křížovými šperky. Obraz je úmyslně asymetrický, aby symbolizoval dvojí povahu Krista. Levá strana Krista je symbolem své lidské přirozenosti s jeho rysy představovanými mnohem měkčí a světle. Zatímco pravá strana Krista symbolizuje jeho božství svým těžkým pohledem a intenzivními rysy. Samotné oči se liší tvarem a velikostí, stejně jako vlasy na levé straně se shromažďují za ramenem.

Jednou z nejdůležitějších křesťanských ikon je Pantocker Kristus. Tento obrázek zobrazuje Ježíše jako svrchovaného vládce světa. Kristus Pantocker byl jedním z nejstarších obrazů Ježíše a objevuje se na nejvýznamnějších místech skalních kostelů.

Slovo Pantocker znamená „Všemohoucí“. V řecké verzi Starého zákona (LXX) je Pantocker Slovo překladem „Pána armád“ a „Všemohoucího Boha“. V knize Apokalypsy se Pantocrador zdá devětkrát jako titul, který zdůrazňuje svrchovanost a Boží sílu.

Ikona Pantocrador Christ zdůrazňuje Ježíšovu všemocnost, jeho sílu dělat cokoli. Ježíš je „vládcem všeho“, který drží všechny věci. Symbolika Krista Pantocradora (vysvětlená níže) je inspirována římským imperiálním obrazy k promítnutí své suverénní síly. První křesťané použili kulturní symboly k hlášení suverénní síly vzkříšeného Krista.

Kromě toho má umístění Pantokradorského Krista v apse (zdi přední svatyně) také teologický význam. Byzantské církve měly model římské baziliky, královské komory na oslavu soudu. Apse byla pozice autority, kde vládnoucí úředník seděl. Ježíšovo postavení v APSE prohlašuje, že je především legitimním vládcem a suverénním soudcem. 

Křesťané začali vizuálně reprezentovat Ježíše na konci 300 let, jakmile již neexistovala hrozba pronásledování. Tyto první obrazy představují Ježíše jako stoickou postavu, která sedí na trůnu se svitkem. V 600s, Kristus Pantocrador vznikl jako zjednodušení tohoto prvního obrazu. Aspekt Pantokradorského Krista se za posledních 1500 let stěží změnil.

Většina Ježíšových prvních obrazů byla zničena během diskuse o ikonoklastu.

#10 Kristus San Juan de la Cruz

Z dálky je nejoblíbenější ze všech náboženských děl Dalí bezpochyby jeho „Kristus San Juan de la Cruz“, jehož postava dominuje zálivu Port Lligat. Obraz byl inspirován kresbou, zachovaným v konventu inkarnace Ávily ve Španělsku a vytvořeným samotným San Juan de la Cruz poté, co viděl tuto vizi Krista během extáze. Lidé vedle lodi jsou odvozeni z obrázku Le Naina a kresby Diego Velázquez pro kapitulaci Bredy.

Na úpatí svých studií pro Krista Dalí napsal: „V první řadě, v roce 1951, jsem měl kosmický sen, ve kterém jsem viděl tento barevný obraz a že ve svém snu představoval jádro atomu. Metafyzický smysl: Zvažoval jsem v „jednotě vesmíru“ Kristu! Za druhé, díky pokynům otce Bruna, karmelita, viděl jsem Krista nakresleného svatým Johnem, geometricky vypracoval trojúhelník a kruh, který shrnul esteticky všechny mé předchozí experimenty a zapsal můj Krista do tohoto trojúhelníku. “

Tato práce byla považována za banální důležitou uměleckou kritikou, když byla poprvé vystavena v Londýně. 

Obraz byl jedním z nejkontroverznějších nákupů Dr. Toma Honeymana, tehdejšího ředitele muzeí Glasgow. Nyní se široce uznává, že Dr. Honeyman učinil velmi mazané rozhodnutí tím, že navrhl tehdejší Glasgow Corporation, že město koupilo obraz.

Honeyman získal nejen obraz za méně než cenu katalogu, ale také koupil autorská práva práce Salvador Dalí, čímž zajistila dlouhodobé dědictví nákupu.

Zpočátku však obraz nebyl dobře přijat všemi a studenti Glasgowské školy umění tvrdili, že peníze by mohly být použity na nákup děl skotských umělců nebo Glasgow.

Po vystavení v Kelvingrove v roce 1952 Dalí přilákala masové návštěvníky.

Obraz ve sbírce muzea v Glasgowu nebyl od dramatu osvobozen, protože byl dvakrát poškozen, nejslavnější, když bylo plátno vážně roztrháno návštěvníkem, který ovládal ostrý kámen. Kelvingrove konzervativci dokázali opravit barvu do té míry, že poškození je stěží viditelné.

Více než 60 let po svém původním nákupu, trvalá přitažlivost malby nevykazuje známky poklesu a nyní je jednou z nejpopulárnějších výstav muzea.

Kuadros ©, slavná barva na vaší zdi.