10 nejslavnějších abstraktních obrazů

V názvu - první abstraktní akvarel Najdeme dobrý výbuch barvy, jak se nachází ve většině jejích obrazů, ale použití akvarelů místo olejů ponechává viditelně odlišný hotový, díky čemuž je tato práce zajímavá a zcela jedinečná pro svou produkci v roce 1910. Zdá se, že práce je úzce. Rychle dokončeno, což je pro tuto uměleckou formu typické, protože malování velmi rychle vyschne. Rovněž funguje také výrazně, aniž by se příliš obával přesnosti, ale více se zaměřuje na výběr barev a naplnění plátna různými tvary a liniemi. Bylo to opravdu abstraktní a to bylo něco, co se objevilo stále více a více, když postupoval ve své kariéře, když se stále více a více od reality pohyboval ve způsobu, jakým použil.

Kandinsky se specializoval na oleje, ale čas od času pracoval s akvarely. Našel bych tento snadný prostředek k práci a něco, co se také dobře přizpůsobilo rychlým studijním kusům, kde jsem se snažil porozumět designu budoucího díla. Rovněž využil litografie, xylografy a leptání jindy, zejména v raných fázích své kariéry, když byl zvláště experimentální.

Ve spolupráci s akvarely by Kandinsky mohl tento obraz dokončit za pouhé tři dny. Nicméně, navzdory svému spěchu, Kandinsky provedl několik studií pro toto umělecké dílo před zahájením konečného složení. To, co se připojilo k rychlosti, kterou lze interpretovat v názvu, byla jeho volba barev, protože Kandinsky si geniálně vybral barvy, o nichž věděl, že v té době budou věrně reprezentovat jeho emoce. Čáry a tvary, které byly také nakresleny a zdůrazněny a zdůrazňovaly chaos a naléhavost, která má zažíváno vidět tento obraz.

Abstrakce je také jasně prokázána v tomto uměleckém díle prostřednictvím reprezentovaných volných a vágních linií, které v té době vzbudily značný zájem mezi uměleckým davem. Jako důležitý podněcovatel abstraktního uměleckého hnutí neexistuje žádný název, protože to bylo poprvé, kdy bylo něco vzdáleně odděleno a bez omezení bylo v té době přijato jako přiměřené téma v uměleckém díle. Bez názvu To znamenalo definující bod v rámci evropského umění, jako je odchod tradičních uměleckých děl směrem k abstraktnějším a neinhibovaným uměleckým dílům.

Období mezi lety 1910 a 1914 bylo považováno za vrchol Kandinského kariéry a vrchol jeho největších uměleckých úspěchů. Proto bez názvu existovala jako jedno z prvních uměleckých děl, které očividně vyřadilo všechny odkazy na rozpoznatelné formy a vyplynulo z omezení, která představují konvence reprezentace západní Evropy.

Tato představa o celkové svobodě pokračovala ve většině děl vytvořených Kandinskym během tohoto období.

Č. 2 dospělost #7 - Hilma Af Klint

Ačkoli není tak známá jako mnoho mužských umělců své doby, švédská umělkyně Hilma Af Klint byla abstraktním průkopnickým umělcem, jehož radikální obrazy jsou před mnoha jejími současníky. Požádal, aby jeho velká práce, z nichž většina nebyl během svého života nikdy vystaven, zůstala skrytá až 20 let po jeho smrti. 

Sbírka představuje fáze života, včetně dětství, mládí, zralosti a stáří. Kombinují botanické prvky a rozpoznatelné organické objekty, které odkazují na narození a růst.

The Stáří Dospělý Č. 7 Hilma Klint Je to obrovské plátno, vysoká 3 metry a široká 2 metry, byla namalována na papíře, na podlaze studia a pak se zasekla na plátně.

Af Klint interpretuje dospělost v plném kvetení malování několika forem, které volně proudí v různých velikostech a barvách na pozadí šeří. Centrální žlutý symbol se podobá květu, zatímco spirály a biomorfní formy jsou symboly růstu a plodnosti.

Č. 3 senecio - Paul Klee

Dokončeno v roce 1922, Senecio malba Je to projev smyslu pro humor a africkou kulturu Pavla. Jednoduché barvy a tvary, Paul využívá několik tónů oranžové, červené a žluté, aby odhalil portrét starého muže. Umělecké použití forem vyvolává falešný dojem, že se zvedne oko. Jeho levé obočí je reprezentováno trojúhelníkem, zatímco druhé je tvořeno jednoduchou zakřivenou linií. Portrét se také nazývá hlava muže, který jde senile a úmyslně napodobuje díla umění dětí pomocí nejednoznačných forem a forem s minimálními detaily obličeje.

Tato adaptace lidské tváře je dělena barvou v obdélnících. Ploché geometrické čtverce jsou udržovány uvnitř kruhu, který představuje maskovanou tvář a ukazuje vícebarevný oblek Harlequinu. Portrét umělce senátora umělce lze považovat za symbol měnícího se vztahu mezi uměním, iluzí a světem dramatu. Tento obraz demonstruje principy Kleeho umění, ve kterých jsou grafické prvky linky, barev a vesmírné plány uvedeny do pohybu energií z mysli umělce. Ve svých imaginativních čmáracích se mu líbil vlastními slovy: „Vyjměte chůzi.“

Č. 4 Etail Bleue - Joan Miró

Etoile Bleue Painting Byl to přechod Miró mezi figurativním a abstraktním uměním.

Tento obraz je známý tím, že je jedním z nejdůležitějších obrazů v Miroově kariéře. Zejména použitá modrá modrá lze vidět v několika jeho budoucích dílech a dokonce ovlivňovat malíře jako Mark Rothko a Yves Klein.

Etoile Bleue je skvělý obraz, ale je to obraz otázek více než odpovědi.

Miró byl velkým syntetizátorem éry mnoha různých nápadů, něco jako dnes, ale umělecké myšlenky tehdy byly mnohem složitější než dnes.

Obraz kombinuje barvy Fauvistas, kubistické tvary a neskutečné úmysly v díle, které divák může vizuálně prozkoumat znovu a znovu. Patří mezi tolika věcmi, že máte mnoho otázek, jejichž odpovědi jsou stejně snové jako obrázek.

Pokud je modrý tvar pozorován v levém horním rohu. Je to pták. S největší pravděpodobností to je, ale to, co pták není jasný. Na chvíli se na to podíváme, určitě to může říci, že se jedná o dynamickou podobu, ale lze snadno tvrdit, že letí doleva nebo doprava nebo dokonce dolů k nám.

Velký červený kus v dolním středu. Je to noha? Určitě je považován za stabilní a ukotvený, protože modrý kus je dynamický.

Tento obraz je klenotem pro vaše milence. Na první pohled se trochu kolísá a pohybuje se, ale okamžik se pohybuje proti této elastické postavě v pravé dolní části.

Miró, katalánský umělec narozený v Barceloně v roce 1893, nazval jeho surrealitní vysněná krajina Peinture (Étoile Bleue) z roku 1927 klíčovým obrazem, který zahrnuje symboly, které by opakovaně používal v pozdějších letech, a dokonce i barevné modré barvy ovlivněné pozdějšími malíři, včetně Marka, včetně Marka Rothko a Yves. Klein

Č. 5. Složení VII - Wassily Kandinsky

The Malování kompozice VII Wassily Kandinského je považován za mnoho fanoušků abstraktního umění za nejdůležitější umělecké dílo dvacátého století, možná i nejdůležitější abstraktní malbu, jaký kdy byl vytvořen.

Tato práce je logickým pokračováním složení V a Složení VI . Tyto tři obrazy jsou spojeny tématem apokalypsy. Takové prvky složení VI Jak lze v této práci vysledovat povodeň a vzkříšení. Jeho hlavním tématem je konečný úsudek, ale není považován za katastrofu, ale jako osvobození přechod od světa od materiálu k duchovnímu. Složení VII se proto liší od ostatních děl série pro její jasné barvy a její šumivé kontrastní linie.

Kandinsky postavil každou ze svých kompozic tak, aby divák mohl vstoupit na obraz, jako by se do ní otočil. Udělal spodní okraj kompozice těžší a tlačil ji dopředu, zatímco horní část zůstává pro diváka lehčí a vzdálenější. Jeden z hlavních kontrastů umělce, modrá a žlutá tvoří centrální oblast aktivního pohybu dovnitř a ven.

Kandinsky strávil mnoho měsíců přípravou své skladby VII, ale trvalo ji jen čtyři dny, než ji maloval. Umělec provedl asi 30 studií tohoto obrazu. Někteří z nich si pamatují Caravaggio nebo Leonardo da Vinci's s jejich podrobnými studiemi o textilních záhybech, listech stromů nebo lidských končetin. V této sérii některá díla opakovaně představují stejnou zakřivenou linii, jiná schematicky ukazují základní strukturální prvky složení a některé obsahují podrobnou rovinu složení. Kromě toho existuje asi 15 různých obrazů, které souvisejí s složením VII: jedná se o olejové skici nebo tužku, akvarely, sklo a ryté obrazy.

Gabrielle Minterová, která byla svědkem stvoření tohoto obrazu, napsala ve svých novinách 25. listopadu 1913, že plátno pro kompozici VII bylo dodáno v jeho domě v Murnau a Kandinské začalo téže noci pracovat. Následujícího rána pořídil první fotografii obrazu a po obědě vzal druhou. Vstup z 28. listopadu v Diario de Minter uvedl, že obraz byl kompletní. 29. listopadu vyfotil hotovou práci. Bylo tedy zaregistrováno narození velkého mistrovského díla.

Složení VII zaujímá pozici č. 100 na našem seznamu slavné obrazy

Složení č. 6 X - Kandinsky

Wassily Kandinsky, citovaný jako jeden z prvních šampionů abstraktního malby, nebyl jen ruský malíř, ale také umělecký teoretik. Vliv, který podnítil a odešel ve světě umění a v abstrakci, byl obrovský, protože umělecká skupina Phalanx a nová skupina umělců od té doby organizovala výstavy pro své současné roky jako umělec. Během své kariéry produkoval více než 600 prací s malbou z roku 1913, který v roce 2017 dosáhl rekordní ceny aukce 41,6 milionu dolarů. 

Navzdory tomuto působivému záznamu bylo jeho nejvýznamnější práce Složení x. Poslední v jeho životě „skladby“. S tím se snažil vyvrcholit svůj výzkum o čistotě formy a vyjádření prostřednictvím této práce. Poté, co ve své praxi použil černou barvu v tomto bodě, bylo kritizováno, že tato práce evokuje jak kosmos, tak tma omen, která se blíží na konci svého života. 

Zpočátku bylo vytvoření složení X ovlivněno biomorfními formami surrealismu.

Wassily však Kandinsky později použila umění používání organických forem ve svých obrazech. To je styl, který později použil během svých obrazů.

Styl dal své práci jedinečnost. Bylo snadné a téměř nemožné neuznat obrazy vytvořené Wassily Kandinsky, když byly zobrazeny na výstavách nebo na jiných místech.

Kromě toho byla ve Francii vytvořena kompozice X. Vidění barvy těsně ukazuje, že malíř použil černé pozadí. Hlavním důvodem použití černého pozadí bylo jasně vidět barvy do popředí.

Konvergence č. 7 - Jackson Pollock

Konvergence „Černobílý obraz, na kterém Pollock vrhl primární barvy,“ odráží krizi studené války. Je to jedno z jeho mistrovských děl a může to být také nejznámějším obrazem abstraktního expresionisty. V roce 1964 vydala Springbok Editions puzzle malby, která byla propagována jako „nejobtížnější hádanka na světě“, a stovky tisíc Američanů ji koupily.

V roce 1951 Pollock řekl: „Zdá se mi, že moderní malíř nemůže vyjádřit svůj čas, letadlo, atomovou bombu, rádio, ve starých formách renesance nebo jakékoli jiné minulé kultury. Každá éra najde svou vlastní techniku. “ Pollock našel svou techniku ​​v malbě domů a kapky a použil ji k vyjádření svého vlastního času.

S velikostí 237 x 394 centimetrů je konvergence jedním z nejvíce ambiciózní obrazy Pollocka. Je známý pro svou vizuální brilanci a evokuje hluboké emoce v divákovi. Ačkoli Jacksonova díla je stále obtížné dešifrovat i pro umělecké odborníky, jeho obrazy jsou považovány za projevy svobody projevu. Konvergence, která je v tomto smyslu prominentním příkladem, zůstává jedním z nejslavnějších mistrovských děl.

Č. 8 Elegory do španělské republiky -Robert Motherwell

Ačkoli Robert Motherwell měl jen 21 let, když vypukla španělská občanská válka, jeho zvěrstva ho v následujících letech hodně ovlivnila. To ho vedlo k vytvoření řady více než 200 obrazů v reakci na něj. Série „zvolená do Španělské republiky“ slouží jako mnohonásobné vzpomínky na lidské utrpení, jakož i „abstraktní a poetické symboly pro neúprosný cyklus života a smrti“.

O elegancích, Motherwell prohlásil, že: „Po období malování jsem je objevil Black jako jeden z mých problémů a s černými, kontrastními bílými, smyslem pro život a smrt, který je pro mě docela španělský. Jsou to v podstatě španělská černá smrt kontrastovala s pohledem na sluneční světlo jako Matisse. “

Jeho elegie představují rozšířenou abstraktní meditaci o životě a smrti. V celé sérii jsou horizontální bílé plátna rytmicky děleny dvěma nebo třemi svislými pruhy volně nakreslenými a interpunkčními v několika intervalech vejcemi. Obrazy jsou obvykle zcela složeny z černé a bílé, barvy smutku a záře, smrti a života. Motherwell komentoval zapletení těchto sil jako metaforu pro pochopení zkušenosti s živým.

Vybral si španělskou republiku popisuje majestátní pasáž organického a geometrického, náhodného a úmyslného. Stejně jako ostatní abstraktní expresionisté, Motherwell byl přitahován surrealistickým principem automatismu - metod, které unikly umělcově vědomému záměru - a jeho mrtvice má emoční zátěž, ale v obecné struktuře určité závažnosti. Ve skutečnosti mateřka viděla pečlivá uspořádání barvy a formy jako srdce abstraktního umění, které „je zbaveno jiných věcí, aby ji zintenzivnil, jeho rytmy, vesmírné intervaly a strukturu barev“.

Č. 9 Black Iris - Georgia O'Keeffe

Tato monumentální květinová malba je jedním z prvních mistrovských děl O'Keeffe. Zvětšením okvětních lístků daleko za hranicemi přirozené velikosti nutí diváka, aby pozoroval malé detaily, které by jinak mohly přehlédnout. Když byly obrazy této skupiny poprvé vystaveny v roce 1924, dokonce i Alfred Stieglitz, její manžel a obchodník, byla překvapena její drzostí.

Černá Iris Gruzie O'Keeffe je příkladem jednoho z jeho mnoha děl na téma květin a zejména Iris, květiny bohaté na symboliku. V Black Iris III však cílem O'Keeffe nebylo odkazovat na tuto symboliku nebo ji přidat, ale spíše povzbudit diváka, aby hledal a viděl květinu a zvážil různé způsoby, jak lidé vidí. Stává se tedy hlubokou meditací o umění pohledu, a to nejen k umění, ale také k životu. V tomto článku Singularnart analyzuje předpokládanou symboliku v O'Keeffeově obraze a jeho vlastní záměry při vytváření Black Iris III. 

Georgia O'Keeffe se obávala problému malby Iris po mnoho let, zejména Black Iris, které bylo obtížnější najít a bylo v New Yorku k dispozici pouze několik týdnů v roce. Iris je symbol rodiny v západním světě: V řecké mytologii bohyně Iris zosobňuje duhu a spojení mezi nebem a zemí; V křesťanství Iris symbolizuje vášeň Krista a vzkříšení a také utrpení Marie. Linda Nochlin, historička umění, z jeho strany, změnila Iris O'Keeffe na feministický symbol, když je popisovala jako „morfologickou metaforu“ ​​ženských genitálií, což odráží „jednotu ženského a přirozeného řádu“. Popis Black Iris IIIY IIIY Ostatní iris obrazy O'Keeffe je zakotvily v historii umění a historii feminismu a feministického umění.

O'Keeffe však tento popis odmítl a uvedl, že: „Nikdo nevidí květinu, je opravdu tak malý. Nemáme čas a vidíme čas mít přítele, který potřebuje čas. Kdybych mohl malovat květinu přesně tak, jak ji vidím, nikdo by neviděl, co vidím, protože bych ji maloval, protože květina je malá. Takže jsem si řekl: Budu malovat to, co vidím, co je pro mě květina, ale budu to namalovat velký a budu překvapen, až si uděláte čas, abych se na to podíval, i donutím i okupované Newyorčany, aby si udělali čas vidět, co vidím o květinách. Přinutil jsem tě, abyste si vzali čas, abyste se podívali na to, co jsem viděl, a když jsi si vzal čas na to, abyste si všimli mé květiny, vložíš do mého květu všechna své vlastní sdružení s květinami a psal o mé květině, jako bych si myslel a viděl, co si myslíte a uvidíte, co si myslíte a uvidíte, co si myslíte a viz. Květina a já ne.

Výměna č. 10 - William de Kooning

V roce 1955 dokončil Kooning Willem výměnu práce. Dlouho soustředil na přepracování studií postav zahrnoval ženy, které začaly v roce 1948. Ty byly spojeny s jejich individuální výstavou v roce 1953, obrazy na téma žen, které se v té době otevřely v New Yorku. Některé tituly těchto prací zahrnují ženy I, Woman III a Women V, stejně jako dvě ženy s mrtvou povahou.

V roce 1955 z Kooningu přestal malovat lidské postavy a pokračoval v používání abstraktních reprezentací architektury a komunit v New Yorku.

Kooning Willem použil na plátně rychlé gestické značky. Obrázek ukazuje ženu sedící na židli, ale ženy se objevují pouze jako hmotnost vrcholu. Při jmenování svých obrazů vždy upřednostňoval odkaz na oblast, kde žil. Výměna získala jméno okolí, centra New Yorku, místo, kde v té době žil.

Původně obraz prodal umělec v roce 1955 za 4 000 $.

V září 2015 ji poté prodala nadace Davida Geffen Kenneth C. Griffin za 300 milionů dolarů, přičemž se umístila na druhém místě do seznamu dražších obrazů, které překonaly pouze Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, která byla prodána za 450.3, která byla prodána za 450,3 milion dolarů v listopadu 2017.

Kuadros ©, slavná barva na vaší zdi.