De 10 Mest Berömda Målningarna av Jesus

Jesusgestalten är en av de mest ikoniska i historien.

Konsten kring bilden av Jesus Kristus har idealiserats både av amatörkonstnärer och stora mästare.

Hur är det möjligt att visa på duken en figur som är både helt mänsklig och helt gudomlig? Denna typ av konstnärlig djärvhet är något till och med vågat att försöka.

Konstnärerna som har målat inom den kristna traditionen har gjort just det i två årtusenden.

De 10 mest kända målningarna av Jesus

Detta är en översikt av de 10 mest kända målningarna av Jesus genom historien, enligt klassificeringen utförd av experterna från Kuadros.

# 1 Den sista måltiden - Leonardo Da Vinci

Den mest kända målningen av Jesus Kristus är utan tvekan Den sista måltiden av Leonardo Da Vinci.

Verket återskapar den sista påskmåltiden mellan Jesus och hans apostlar, baserat på berättelsen i evangeliet enligt Johannes, kapitel 13. Konstnären föreställde sig, och har lyckats uttrycka, den önskan som finns i apostlarnas sinne att veta vem som förråder deras Mästar.

Målad i slutet av 1400-talet som muralmålning på väggarna i klostrets refektorium Santa Maria delle Grazie i Milano.

Freskomålningar skapas vanligtvis genom att applicera pigment på intonaco, ett tunnt lager av fuktig kalkgips.

Detta är normalt den bästa tekniken att använda, eftersom det gör att fresken kan hantera den naturliga andningen eller svettningen som en vägg ger när fukt rör sig mot ytan.

Men i Den sista måltiden väljer Da Vinci att använda oljefärg eftersom detta material torkar mycket långsammare, vilket tillät honom att arbeta med bilden på ett mycket långsammare och mer detaljerat sätt.

Leonardo visste att den naturliga fukt som tränger in genom de flesta stenbyggnader måste tätas om han skulle använda oljefärger, annars skulle fukten förstöra hans arbete.

Därefter tillsatte konstnären ett dubbelt lager av gips, spackel och tejp för att motverka fuktens nedbrytande effekt.

Ändå har konstverket behövt restaureras många gånger under sin långa historia.

Idag återstår mycket lite av det ursprungliga ytlager av oljefärgen som en följd av miljöskador och även avsiktliga skador.

#2 Förvandlingen - Rafael

Förvandlingen av Rafael är det sista verket av den stora renässanskonstnären Rafael som beställdes av kardinal Giulio di Medici från bankerfamiljen Medici.

Ursprungligen var konstverket tänkt att hänga som central altartavla i katedralen i Narbonne i Frankrike och hänger nu i Vatikanens pinakotek.

Efter Rafels död skickades målningen aldrig till Frankrike, utan kardinalen hängde den istället i huvudaltaret i Beato Amadeo-kyrkan i San Pietro in Montorio, Rom 1523.

Men 1797 togs målningen av franska trupper som en del av Napoleons italienska kampanj och hängdes senare i Louvren.

Målningen kan anses återspegla en dikotomi på den enklaste nivån: den befriande kraften hos Kristus, symboliserad av renheten och symmetrin av den övre halvan av målningen. Detta kontrasterar med mänsklighetens brister, symboliserade i den nedre halvan av mörka och kaotiska scener.

Förvandlingen relaterar till de påföljande berättelserna i evangeliet enligt Matteus. Den övre delen av målningen visar Kristus upphöjd framför svallande och upplysta moln, och på båda sidor av honom står profeterna Elia och Mose. I den nedre delen av målningen är apostlarna avbildade, som utan framgång försöker befria den besatta pojken från demonerna. Den övre delen visar den förvandlade Kristus, som verkar utföra ett mirakel, hela pojken och befria honom från det onda.

Mått på Förvandlingen är kolossala, 410 x 279 cm. Rafael föredrog att måla på duk, men denna målning gjordes med oljefärger på trä som valda medier. Rafael visade faktiskt avancerade tecken på manérism och tekniker från den barocka perioden i denna målning.

De stiliserade och vridna poserna av de nedre halvorna indikerar manérism. Den dramatiska spänningen inom dessa figurer och den liberala användningen av ljus och mörker, eller chiaroscuro-kontraster, representerar den barska perioden av överdriven rörelse för att producera drama, spänning, överflöd eller belysning. Förvandlingen gick faktiskt före sin tid, precis som Rafaelins död, som kom för tidigt.

Detta verk skulle bli den sista målningen av Rafael, som skulle arbeta med den fram till sin död i april 1520.

Rengöringen av målningen mellan 1972 och 1976 visade att endast några av de nedre vänstra figurerna avslutades av assistenter, medan största delen av målningen var av konstnären själv.

#3 Domedagen - Michelangelo

Domedagen av Michelangelo finns på väggen bakom altaret i Sixtinska kapellet. Hans framställning av Kristi andra ankomst i "Domedagen" väckte omedelbar kontrovers från den katolska kyrkan i motreformationen.

Michelangelo skulle måla tidens slut, evighetens början, när det dödliga blir odödligt, när de utvalda förenas med Kristus i hans himmelska rike och de dömda kastas in i de oändliga plågor som helvetet erbjuder.

Ingen konstnär i 1500-talets Italien var bättre positionerad för denna uppgift än Michelangelo, vars sista verk förseglade hans rykte som den största mästaren av den mänskliga figuren, särskilt den manliga naken. Påven Paulus III var mycket medveten om detta när han anklagade Michelangelo för att måla om altarmuren i kapellet med Domedagen. Med sitt fokus på kroppens uppståndelse var detta det perfekta temat för Michelangelo.

Den kraftfulla kompositionen centrerar kring Kristus som den dominerande figuren, fångad i ögonblicket innan domen i Domedagen utdöms.

Hans lugna och befallande gest verkar dra till sig uppmärksamhet och dämpa den omgivande oroligheten. I bilden inleds en bred, långsam rotationsrörelse där alla figurer deltar. De två övre lunetterna med grupper av änglar som bär i flygande rörelse symbols för lidandena utesluts (till vänster korset, spikarna och törnekronan; till höger piskkolumnen, stegarna och spjutet med svampen doppad i vinäger).

I mitten av den nedre sektionen finns de apokalyptiska änglarna som väcker de döda med ljudet av långa trumpeter. Till vänster återfår de uppstådda sina kroppar medan de stiger upp mot himlen (Kropps uppståndelse), till höger kämpar änglar och demoner för att få de dömda att falla i helvetet. Slutligen, i bakgrunden, ser Charon med sina åror, tillsammans med sina demoner, till att de dömda lämnar sin båt för att föra dem inför den infernaliska domaren Minos, vars kropp är insvept i ormens spiraler.

Referensen i denna del till helvetet i Dantes Gudomliga komedi är tydlig. Förutom beröm, orsakade Domedagen också våldsamma reaktioner bland samtida. Till exempel sa mästaren av ceremonierna Biagio da Cesena att "det var det mest oanständiga i en så hedervärd plats att måla så många nakna figurer som så oanständigt visar sin skam och att det inte var ett verk för en påva kapell utan för eldstäder och krog" (G. Vasari, Le Vite). Kontroverserna, som fortsatte i flera år, ledde 1564 till beslutet av Tridentinkonciliets kongregation att täcka vissa av de figurer i domen som ansågs "obscena".

Uppdraget att måla täckningarna, det så kallade "braghe" (byxor), gavs till Daniele da Volterra, som sedan dess kallas "braghettone". Daniele's "braghe" var bara de första som utfördes. Faktiskt lades flera till i de kommande århundradena.

#4 Kristus som bär korset - El Greco

Under sin långa karriär i Spanien skapade El Greco många målningar av Kristus bärande korset. Kristus som bär korset är en perfekt bild av mänsklighet. Verket kännetecknas av de karakteristiska penseldragen som konstnären använder för att modellera volymer och förvrida kropparna för att återspegla karaktärens andliga längtan.

El Greco målar Kristus ögon med dramatiska och överdrivna tårar i dem. Hans ögon är den centrala element av målningen, eftersom de uttrycker mycket känsla.

Det finns en delikat kontrast mellan hans robusta axlar och den feminina skönheten i hans händer. Det finns dock inga tecken på smärta i hans ansikte. Precis som hans passiva händer inte uttrycker ångest eller ansträngning för att bära korset.

El Greco transformerade bilden av Kristus, som var plågad och smärtsam av det tunga korset, till en som är lugn och redo att möta sitt öde. Kristus' lugn inför sitt offer inbjuder besökaren att acceptera sitt eget öde i stunder av rädsla och tvekan.

#5 Kristus på korset - Diego Velázquez

Denna intensivt kraftfulla bild av Jesus på korset målades under den kreativa perioden som följde efter Velázquez första inspirerande resa till Italien. Till skillnad från hans andra manliga nakna målningar som dök upp i målningar som Apollon i Vulkanens smedja och Josefs klädnad, är hans Kristus på korset en död eller döende kropp som inte åtföljs av andra narrativa element förutom korset självt. Trots detta lyckas konstnären ge verket stor värdighet och lugn.

Man tror att verket var en beställning för sakristian i klostret San Plácido, den strikta hållningen av Kristus på korset visar fyra spikar, fötterna ihop och till synes stödda av en liten trähylla, vilket gör att armarna formar en subtil kurva istället för en triangel. Huvudet är krönt med en gloria, medan ansiktet lutar mot bröstet, vilket låter oss ana hans drag. Hans släta och raka hår hänger på den högra sidan av hans ansikte, hans ryggväg är präglad med blod som droppar från såret på hans högra sida.

Denna bild är ovanligt självbiografisk i den meningen att den visar alla de stora influenserna i Velázquez målning. Först och främst påminner den om den devotionella tonen och iktografien som absorberades under hans tidiga år i Sevilla under Francisco Pacheco, en aktiv medlem av den spanska inkvisitionen.

För det andra reflekterar den hans skicklighet i figurmåleri förvärvad i Spanien genom studier av den spanska renässanskonsten och, i Italien, av den klassiska antiken, av högrenässanskonst i Rom och Venedig, och av Caravaggios verk i Rom och Neapel.

Inflytandet av klassicism i verket visas i den allmänna lugnet av kroppen och dess idealiserade hållning. Inflytandet av caravaggism blir uppenbart i den dramatiska tenebrisms som centrerar all uppmärksamhet på Kristus bleka kropp.

Det är sant att bilden inte har den typiska dramatiken av barockmålning, som ses i religiösa verk som St. Peters korsfästelse eller Korsets nedstigning. Istället har det en monumental skulptural kvalitet som lyfter det, i enlighet med ämnets spiritualitet. Kompositionen är helt enkelt men med en livlig kontrast mellan den vita kroppen och den mörka bakgrunden, och det finns naturalism i den sättet Kristus huvud faller över hans bröst. Håret är målat med den ledighet som Velázquez hade sett och beundrat på nära håll i exempel på venetiansk målning.

Velázquez fick ryktet att vara en av de bästa porträttmålarna i Spanien, och blev kung Filip IV:s officiella målare (som regerade mellan 1621 och 1640) och, i slutändan, den största representanten för spansk barockmåleri. Men trots att religiös konst var särskilt viktig i Spanien, ett land vars regering Monarki var stolt över att vara en av de främsta sponsorerna av katolsk konstmotsättning, målade Velázquez förhållandevis få anmärkningsvärda religiösa målningar.

I stället målade konstnären världen han såg omkring sig, specialiserad på porträttkonst, en del genremålningar (stilleben) och någon historia målning. Ironiskt nog, med tanke på bristen på hans religiösa verk, var han mer påverkad av den italienska geniet Caravaggio, som utmärker sig framförallt för sin bibliska konst, utförd i en aggressivt realistisk stil. Velázquez påverkades också starkt av idéerna från den italienska renässansen som han fått från sin sevillanska mästare Francisco Pacheco.

#6 Kristus som bär korset - Tizian

Runt år 1508 eller 1509 målade Tizian en olja som är känd som Kristus som bär korset. De verkliga ursprungen till målningen är något mystiska, och även flera konsthistoriker har ibland tillskrivit det till en annan italiensk målare, Giorgione. Båda konstnärerna tillhörde en yrkesförening av konstnärer kopplad till skolan och kyrkan, båda verkade vid samma tid och plats, och det är troligt att verket målades specifikt för institutionen. En annan mystik kring oljemålningen är att den sades ha mirakulösa helande egenskaper, vilket har skrivits om i många historiska berättelser. Pilgrimer bad i kyrkan vid ett sidaltare där målningen hängde och rapporterade att de blivit botade från sjukdomar.

Det allmänna sinnelaget i verket är dystert och mörkt. De ljusaste färgerna är de dämpade kötttonerna, och paletten domineras av olika nyanser av brunt. På en nästan svart bakgrund framträder Kristus i halvprofil som bär korset på axeln. Medan han tittar åt vänster, pressar en arg bödel ett rep runt hans hals, och en annan figur något bakom bödeln ser in i scenen. Kompositionen har en stil som var nyskapande vid den tiden, en närbild som undvek perspektiv och djup för intimitet och detalj. Karakteristiskt för Tizian är målningen full av rörelse och stillhet verkar avlägset för de avbildade karaktärerna.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Denna berömda målning, även om den fortfarande är mycket attraktiv, anses inte längre vara ett verk av Leonardo da Vinci och har förlorat sin plats på vår lista över de 100 mest kända målningarna i historien.

Ursprungligen troddes det att Leonardo da Vinci målade Salvator Mundi för kung Ludvig XII av Frankrike och hans consort, Anna av Bretagne. Idag ifrågasätter experter attribueringen av målningen till den italienska mästaren, trots att den såldes på auktion i november 2017 för $450,312,500, ett rekordpris för ett konstverk.

Salvator Mundi var tidigare en del av vår lista över kända målningar, men lämnade sin plats till en annan målning som valts av publiken och våra konstnärer.

#8 Disciplene i Emmaus - Caravaggio

Detta verk av mästaren Caravaggio är också känt som Vår Herres pilgrimsfärd till Emmaus eller helt enkelt Måltiden i Emmaus. Målningen visar ögonblicket när de två apostlarna som följer honom inser vem som har pratat med dem hela dagen.

Detta verk, målat i höjden av konstnärens berömmelse, Disciplene i Emmaus är en av de mest imponerande religiösa målningarna i konsthistorien. I denna målning fångar Caravaggio briljant det dramatiska klimaxet av ögonblicket, den andra exakta sekunden i vilket disciplene plötsligt förstår vem som har stått framför dem från början. Deras handlingar och naturliga reaktioner förmedlar deras dramatiska förundran: en är på väg att hoppa upp från sin stol när den andra sträcker ut armarna i en gest av misstro. Det råa ljuset understryker intensiteten av hela scenen.

I verket visar Caravaggio disciplene som vanliga arbetare, med skäggiga, rynkiga ansikten och trasiga kläder, i kontrast till den unge Kristus utan skägg, som verkar ha kommit från en annan värld.

Det finns några dolda hemligheter på flera ställen. I verket har konstnären gömt ett påskägg, till exempel. Skuggan som kastas av fruktkorgen på bordet verkar också porträttera en fisk, vilket kan vara en hänvisning till det stora miraklet.

Och det finns fler dolda skatter i detta mästerverk. Ibland är en defekt inte en defekt alls, utan ett slag av genialitet. Låt oss ta till exempel väven i korgen av williga som gungar vid bordets kant i mitten av målningen.

Även om otaliga ögon har beundrat det mystiska drama som utspelar sig i den dunkla värdshuset, har betydelsen av en nästan omärklig imperfektion fram till nu förblivit oupptäckt genom seklen.

En lös kvist som sticker ut från flätan av väv gör Caravaggios berömda duk till en djärv handling, en andlig utmaning för observatören.

För att kunna uppskatta alla implikationer av denna lilla detalj, är det värt att minnas konturerna av den allmänna atmosfären som Caravaggio försökte återskapa i sitt verk.

Temat i Måltiden i Emmaus, är något som har inspirerat stora mästare genom historien, från Rembrandt till Velázquez. Det avgörande ögonblicket återberättas i Lukas evangelium i Nya testamentet. Där berättas historien om Kristus intima måltid med de två disciplene, Lukas och Kleopas, som ignorerar den sanna identiteten hos följeslagaren. I målningen har brödet redan brutits och välsignats, och enligt evangelieberättelsen har stunden kommit när Kristus "öppnar" sina följares ögon och "försvinner" från deras sikte.

Mästerverket fångar en mystisk tröskel mellan skuggor och ljus, det magiska ögonblicket innan Kristus, som är omgiven av en främmande siluett bakom honom, försvinner från världen. I det ofattbara ögonblicket mellan uppenbarelse och försvinnande, väver Caravaggio sin intrig, det magistrala mötet mellan två världar.

När sanningen uppenbaras stiger Jesus farbror, Kleopas, upp från sin stol, som är gripen av panik och förundran inför uppenbarelsen: hans armbågar lyfter sig dynamiskt genom ärmarna på sin rock.

På andra sidan fruktkorgen, till höger, öppnar Lukas sina armar på vid gavel, som om han ifrågasätter den osannolika scenen, gestaltar den samma hållning på korset vid tidpunkten för sin plågsamma död. Under tiden förblir värden oberörd, observerande utan att förstå medan han lyssnar på de ord som Kristus har talat till sina häpna discipler, oförmögen att fånga betydelsen av ett transcendentalt ögonblick för mänskligheten.

Disciplene i Emmaus ligger på plats nr 82 på listan över kända målningar

#9 Kristus Pantokrator

Kristus Pantokrator är en målad träpanel som härstammar från 500-talet från klostret Saint Catherine beläget på Sinai, Egypten. Denna målning anses vara en av de äldsta bysantinska religiösa ikonerna och är det äldsta kända verket i pantokratorstilen.

Den målade panelen har en höjd av 84 cm med en bredd på 45,5 cm och en djup på 1,2 cm. Det tros att målningen ursprungligen var större, men den skars av på toppen och sidorna vid något tillfälle, av okända skäl, för att producera de aktuella dimensionerna. I verket avbildas Kristus klädd i en purpurfärgad kappa.- en färg som vanligtvis väljs för att representera de med kejsar- och kunglig status. Detta färgval för sin kappa är en symbol för hans status och betydelse. Kristus avbildas med vänster hand höjd i välsignelse och med höger hand hållande en bok.

Vi kan anta att denna bok sannolikt är ett evangelium eftersom den pryds med juveler i korsform. Målningen är avsiktligt asymmetrisk för att symbolisera Kristus dubbla natur. Kristus vänstra sida är en symbol för hans mänskliga natur med hans drag som framställs mycket mjukare och lättare. Medan Kristus högra sida symboliserar hans gudomlighet med sin stränga blick och intensiva drag. Ögonen själva är olika i form och storlek, såväl som håret på hans vänstra sida är uppsatt bakom hans axel.

En av de viktigaste kristna ikonerna är Kristus Pantokrator. Denna bild avbildar Jesus som världens suveräne härskare. Kristus Pantokrator var en av de äldsta bilderna av Jesus och dök upp på de mest framträdande platserna i klippkyrkor.

Ordet Pantokrator betyder "Allsmäktig". I den grekiska versionen av Gamla Testamentet (LXX) är ordet pantokrator översättningen av "Herre över härskare" och "Allsmäktig Gud". I Uppenbarelseboken förekommer pantokrator nio gånger som en titel som betonar Guds suveränitet och makt.

Ikonen Kristus Pantokrator betonar Jesu allmakt, hans makt att göra allt. Jesus är "Härskaren över allt" som håller allt. Symboliken i Kristus Pantokrator (förklarad nedan) inspireras av romersk imperialism för att projicera hans suveräna makt. De första kristna använde kulturella symboler för att proklamera den uppstånda Kristi suveräna makt.

Förutom har placeringen av Kristus Pantokrator i absiden (den främre helgedomsmuren) också en teologisk betydelse. De bysantinska kyrkorna hade modellen av den romerska basilikan, kungens kammare för att hålla hov. Absiden var försäljningsställena där den styrande tjänstemannen satt. Jesu position i absiden deklarerar att han är den legitima härskaren och suveräna domare över allt.

Kristna började visuellt representera Jesus i slutet av 300-talet, när hotet av förföljelse inte längre existerade. Dessa tidiga bilder presenterar Jesus som en stoisk gestalt sittande på en tron med ett pergament. På 600-talet framträdde Kristus Pantokrator som en förenkling av den tidiga bilden. Kristus Pantokrators utseende har knappt förändrats på de senaste 1 500 åren.

De flesta av de tidiga bilderna av Jesus förstördes under ikonosklisman.

#10 Kristus av San Juan de la Cruz

Långt borta är det mest populära av alla religiösa verk av Dalí utan tvekan hans "Kristus av San Juan de la Cruz", vars figur dominerar bukten i Port Lligat. Målningen inspirerades av en teckning, bevarad i Klostret för inkarnation i Ávila, Spanien, och utförd av San Juan de la Cruz själv efter att ha sett denna vision av Kristus under en extas. Personerna vid båten härstammar från ett måleri av Le Nain och en teckning av Diego Velázquez för Den nederlagna av Breda.

Vid foten av sina studier för Kristus skrev Dalí: "Först, 1951, hade jag en kosmisk dröm där jag såg denna bild i färg och som i min dröm representerade atomens kärna. Denna kärna tog sedan en metafysisk betydelse: jag betraktade i 'universums enhet' Kristus! För det andra, tack vare fader Brunos instruktioner, en karmelit, såg jag Kristus avbildad av San Juan de la Cruz, jag konstruerade geometriskt en triangel och en cirkel, som estetiskt sammanfattade alla mina tidigare experiment, och inskrev min Kristus i denna triangel".

Detta verk ansågs banalt av en viktig konstkritiker när det visades för första gången i London.

Målningen var ett av de mest kontroversiella köpen som gjordes av Dr. Tom Honeyman, dåvarande direktör för Glasgow-museerna. Nu erkänns det allmänt att Dr. Honeyman tog ett mycket smart beslut när han föreslog för Glasgow Corporation att staden skulle köpa målningen.

Honeyman lyckades inte bara få målningen för mindre än paketpriset, utan också köpa målningens upphovsrätt av Salvador Dalí, vilket säkerställde en långsiktig arv av köpet.

Men initialt mottogs inte målningen väl av alla, och studenterna vid Glasgow School of Art hävdade att pengarna kunde ha använts för att köpa verk av skotska eller glasgowkonstnärer.

Efter att ha ställts ut i Kelvingrove 1952, drogs Dalí till massbesökare.

Målningen i Glasgow-museernas samling har inte varit fri från drama, eftersom den har skadats två gånger, mest berömd när duken allvarligt slits av en besökare som höll en vass sten. Konservatorerna i Kelvingrove kunde reparera målningen så att skadan nu knappt är synlig.

Mer än 60 år efter sitt ursprungliga köp visar målningens bestående attraktion inga tecken på avtagande och är nu en av museumutställningarnas mest populära.

KUADROS ©, en berömd målning på din vägg.