De 10 mest kända abstrakta målningarna

I Utan titel - Första abstrakta akvarell finner vi en bra färgexplosion, som finns i de flesta av hans målningar, men användningen av akvareller istället för oljor ger en synligt annorlunda finish som gör detta konstverk intressant och ganska unikt från hans produktion 1910. Verket verkar sett på nära håll ha slutförts snabbt, vilket är typiskt för denna konstform då målningen torkar mycket snabbt. Han arbetar också uttrycksfullt, utan att oroa sig för mycket för precisionen, utan fokuserar mer på färgvalet och fyller duken med olika former och linjer. Det var verkligen abstrakt och detta var något som blev mer och mer framträdande ju längre han avancerade i sin karriär, efterhand som han avvek mer och mer från verkligheten i de former han använde.

Kandinsky specialiserade sig på oljemålningar men arbetade ibland med akvareller. Han skulle ha funnit detta medium lätt att arbeta med och något som också passade bra för snabba studieverk, där han sökte förstå designen för ett framtida verk. Han använde också litografier, xilo- och aguafuerte i andra perioder, särskilt under de tidiga stadierna av sin karriär när han var särskilt experimentell.

Genom att arbeta med akvareller kunde Kandinsky slutföra denna målning på endast tre dagar. Men trots sin brådska gjorde Kandinsky flera studier för detta konstverk innan han började med den slutliga kompositionen. Vad som bidrog till hastigheten som kan tolkas i Utan titel var hans val av färg, eftersom Kandinsky smart valde färger som han visste skulle representera hans känslor vid den tiden. De linjer och former som drogs bidrar också till och betonar kaos och brådska som upplevs när man ser på denna målning.

Abstraktionen återspeglas också tydligt inom detta konstverk genom de lösa och vaga linjer som föreställs, vilket väckte ett betydande intresse bland den konstnärliga publiken vid den tiden. Utan titel existerar som en betydande instigator av den abstrakta konst-rörelsen, eftersom det var första gången något som var avlägset och obehindrat accepterades som ett lämpligt ämne inom konstverken vid den tiden. Utan titel markerade en definierande punkt inom europeisk konst som avvikelse från traditionella konstverk mot mer abstrakta och avspända konstverk.

Perioden mellan 1910 och 1914 ansågs vara höjdpunkten av Kandinskys karriär och toppen av hans största konstnärliga prestationer. Således existerade Utan titel som ett av de första konstverken som öppet avvisade alla referenser till igenkännbara former och uppkom ur begränsningarna som konventionerna för representation av västerländsk målning utgjorde.

Denna uppfattning om total frihet kom att spela en framträdande roll i de flesta verk som skapades av Kandinsky under denna period.

Nr. 2 Vuxen ålder # 7 - Hilma AF Klint

Även om hon inte är så känd som många av de manliga konstnärerna under sin tid var den svenska konstnären Hilma af Klint en banbrytande abstrakt konstnär vars radikala målningar är tidigare än många av hennes manliga samtida. Hon begärde att hennes stora verk, varav de flesta aldrig visades under hennes liv, skulle förbli dolda i 20 år efter hennes död.

Samlingen representerar livets stadier, inklusive barndom, ungdom, mognad och ålderdom. De kombinerar botaniska element och igenkännbara organiska objekt som refererar till födelse och tillväxt.

Den Vuxen Ålder Nr. 7 av Hilma Klint är en enorm duk, 3 meter hög och 2 meter bred, målad på papper, på golvet i studion, och sedan limmad på en duk.

Af Klint tolkar vuxen ålder i full blom genom att måla flera former som flödar fritt i olika storlekar och färger mot en lila bakgrund. Den centrala gula symbolen liknar en blomma, medan spiralerna och biomorfiska former symboliserar tillväxt och fruktbarhet.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Slutförd 1922, målningen Senecio är en manifestation av Pauls sinne för humor och afrikansk kultur. De enkla färgerna och formerna, Paul använder flera nyanser av orange, röd och gul för att avslöja porträttet av en gammal man. Den konstnärliga användningen av former ger ett falskt intryck av att ett öga höjs. Hans vänstra ögonbryn representeras av en triangel medan det andra är format av en enkel kurva. Porträttet kallas också Head of a Man Going Senile och imiterar medvetet barnens konstverk genom att använda otydliga former och former med minimala ansiktsdetaljer.

Denna anpassning av det mänskliga ansiktet delas upp efter färg i rektanglar. De platta geometriska kvadraterna hålls inom en cirkel som representerar ett maskerat ansikte och visar den färgglada dräkten hos en harlekin. Ett porträtt av den performativa konstnären Senecio kan ses som en symbol för det föränderliga förhållandet mellan konst, illusion och dramatikens värld. Denna målning demonstrerar Klee's konstprinciper, där grafiska element av linje, färgplan och rum sätts i rörelse av konstnärens sinne. I sina fantasifulla skisser gillade han, enligt sina egna ord, att "ta en linje på promenad".

Nr. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Målningen Etoile Bleue var Mirós övergång mellan figurativ konst och abstrakt konst.

Denna målning är känd för att vara en av de viktigaste målningarna i Mirós karriär. Särskilt den brännande blå som används kan ses i flera av hans framtida arbeten och kom till och med att påverka målare som Mark Rothko och Yves Klein.

Etoile Bleue är en stor målning, men det är en målning av frågor snarare än svar.

Miró var den stora syntetiseraren av en era med många olika idéer, något som idag liknar, men de konstnärliga idéerna på den tiden var mycket mer komplexa än idag.

Målningen kombinerar fauvistiska färger, kubiska former och surrealistiska avsikter i ett verk som betraktaren kan utforska visuellt gång på gång. Det är mellan så många saker som du lämnas med många frågor vars svar är lika drömska som målningen.

Om du observerar den blå formen i det övre vänstra hörnet. Det är en fågel. Sannolikt är det en fågel, men vilken fågel är oklart. Genom att titta på det ett tag kan man definitivt säga att det är en dynamisk form, men det kan lätt hävdas att det flyger till vänster, höger eller till och med ner mot oss.

Det stora röda stycket i det nedre mitten. Är det en fot? Det ser definitivt stabilt och förankrat ut, precis som den blå formen är dynamisk.

Denna målning är ett smycke för dess älskare. Vid första anblicken svajar den lite och rör sig, men ett ögonblick, rör den sig mot den elastiska figuren i det nedre högra hörnet.

Miró, en katalansk konstnär född i Barcelona 1893, kallade sitt drömlandskap surrealistiska Peinture (Étoile Bleue) från 1927 en nyckelbild, som inkorporerade symboler som han skulle använda upprepade gånger i senare år, och till och med den brännande blå färgen påverkade senare målare, inklusive Mark Rothko och Yves. Klein.

Nr. 5. Komposition VII - Wassily Kandinsky

Den målningen Komposition VII av Wassily Kandinsky betraktas av många älskare av abstrakt konst som det mest betydelsefulla konstverket under 1900-talet, kanske till och med den viktigaste abstrakta målningen som någonsin skapats.

Detta verk är en logisk fortsättning på Komposition V och Komposition VI . De tre målningarna förenas av temat Apokalypsen. Sådana element i Komposition VI som Floden och Återuppståndelsen kan spåras i detta verk. Temat är det yttersta domedagen, men den ses inte som en katastrof utan som en befrielse, övergången från den materiella världen till den andliga. Därför skiljer sig Komposition VII från de andra verken i serien genom sina ljusa färger och sina glittrande kontrastlinjer.

Kandinsky byggde var och en av sina kompositioner så att betraktaren kunde gå in i bilden som om han snurrade inom den. Han gjorde den nedre kanten av kompositionen tyngre, vilket tryckte den framåt, medan den övre delen förblir lättare och mer avlägsen för betraktaren. En av konstnärens huvudkontraster, blått och gult utgör det centrala området av aktiv rörelse inåt och utåt.

Kandinsky tillbringade många månader med att förbereda sin Komposition VII, men han tog bara fyra dagar på sig att måla den. Konstnären gjorde cirka 30 studier av denna målning. Några av dem påminner om Caravaggio eller Leonardo da Vincis med sina detaljerade studier av tygets veck, trädens löv eller mänskliga extremiteter. I denna serie visar några verk upprepade gånger samma kurvlinje, andra visar schematiskt de grundläggande strukturella elementen av kompositionen och vissa innehåller en detaljerad plan av kompositionen. Dessutom finns det cirka 15 olika tavlor som är relaterade till Komposition VII: dessa är oljemålningar eller blyertsritningar, akvareller, glasmålningar och tryck.

Gabrielle Munter, som bevittnade skapandet av denna målning, skrev i sin dagbok den 25 november 1913 att duken för Komposition VII levererades till hennes hem i Murnau, och Kandinsky började arbeta samma kväll. Nästa morgon tog han den första bilden av målningen och efter lunchen tog han den andra. Inlägget den 28 november i Munters dagbok sa att målningen var färdig. Den 29 november tog han en bild av det färdiga verket. Så registrerades födelsen av ett stort mästerverk.

Komposition VII är plats nr. 100 på vår lista över kända målningar

Nr. 6 Komposition X - Kandinsky

Citerad som en av de första försvararna av abstrakt målning, var Wassily Kandinsky inte bara en rysk målare utan också en konstteoretiker. Det inflytande han instiftade och lämnade i konstvärlden och i abstraktionen var enormt, eftersom han var med och grundade konstgruppen Phalanx och The New Group of Artists, organiserade utställningar för sina samtida under hela sina år som konstnär. Han producerade över 600 verk under sin karriär, med en målning från 1913 som nådde sitt rekordhögsta auktionspris på 41,6 miljoner dollar 2017.

Trots detta imponerande rekord var hans mest betydelsefulla arbete kanske Komposition X. Det är den sista i hans livslånga serie av 'Kompositioner'. Med den sökte han kulminera sin forskning kring renheten av form och uttryck genom detta verk. Haft på en relativtmåttlig användning av svart i sin praktik fram till denna punkt, har det kritiserats att detta verk väcker både kosmos och mörkret av förebud som närmar sig slutet av hans liv.

Inledningsvis påverkades skapandet av Komposition X av de biomorfiska formerna av surrealismen.

Men Wassily Kandinsky använde senare konsten att använda organiska former i sina målningar. Detta är en stil som han sedan använde i sina målningar.

Stilen gav hans arbete en unikhet. Det var enkelt och nästan omöjligt att inte känna igen målningar skapade av Wassily Kandinsky när de visades på utställningar eller på andra ställen.

Förutom detta skapades Komposition X i Frankrike. När man ser på målningen på nära håll märks det att målaren använde en svart bakgrund. Den huvudsakliga anledningen till att använda den svarta bakgrunden var att färgerna i förgrunden skulle synas tydligt.

Nr. 7 Konvergens - Jackson Pollock

Konvergens —en svartvit målning som Pollock kastade primära färger på— återspeglar kalla krigets kris. Det är ett av hans mästerverk och kan också vara den mest kända målningen av en abstrakt expressionist. År 1964 producerade Springbok Editions ett pussel av målningen, som marknadsfördes som "världens svåraste pussel", och hundratusentals amerikaner köpte det.

År 1951 sa Pollock: “Jag tycker att den moderna målaren inte kan uttrycka sin tid, planet, atombomben, radion, i de gamla formerna från renässansen eller någon annan förfluten kultur. Varje tid hittar sin egen teknik.” Pollock hittade sin teknik i husmålning och droppmålning, och använde den för att uttrycka sin egen tid.

Med en storlek på 237 x 394 centimeter är Konvergens en av de mest ambitiösa målningarna av Pollock. Den är känd för sin visuella briljans och för att väcka djupa känslor hos betraktaren. Även om Jacksons verk fortfarande är svåra att tyda även för konstexperter, betraktas hans målningar som manifestationer av yttrandefrihet. Konvergens, som är ett framstående exempel i det avseendet, förblir ett av hans mest berömda mästerverk.

Nr. 8 Elegy för den spanska republiken - Robert Motherwell

Även om Robert Motherwell bara var 21 år gammal när spanska inbördeskriget bröt ut, påverkades han mycket av dess grymheter under de efterföljande åren. Detta ledde honom till att skapa en serie av över 200 målningar som svar på det. Serien 'Elegy för den spanska republiken' tjänar som en mängd minnen av mänskligt lidande, samt "abstrakta och poetiska symboler för livets och dödens obevekliga cykel".

Om Elegierna sa Motherwell att: ”Efter en period av att måla dem, upptäckte jag svart som ett av mina teman, och med svart, den kontrasterande vita, en känsla av liv och död som för mig är ganska spansk. De är i huvudsak det spanska svarta av döden kontrasterat med bländningen av en solens ljus som Matisse”.

Hans Elegier är en utsträckt abstrakt meditation över liv och död. Under hela serien delas de horisontella vita dukarna rytmiskt av två eller tre fritt ritade vertikala staplar och prickas med jämna mellanrum av oval form. Målningarna är ofta helt komponerade av svart och vitt, sorgens och ljusets färger, livets och dödens färger. Motherwell kommenterade på sammanflätningen av dessa krafter som en metafor för hans förståelse av erfarenheten av att vara levande.

Elegy för den spanska republiken beskriver ett majestätiskt avsnitt av det organiska och geometriska, det slumpmässiga och det avsiktliga. Som andra abstrakta expressionister drogs Motherwell till den surrealistiska principen av automatism — av metoder som undvikit konstnärens medvetna intention — och hans penseldrag har en emotionell laddning, men inom en allmän struktur av viss stränghet. Faktum är att Motherwell såg de noggrant arrangerade färgerna och formerna som kärnan av abstrakt konst, som, sa han, "avlägsnas från andra saker för att intensifiera, sina rytmer, rumsliga intervall och färgstruktur".

Nr. 9 Svart iris – Georgia O'Keeffe

Denna monumentala blommålning är en av O'Keeffes första mästerverk. Genom att förstora petalerna långt bortom naturliga storlekar tvingar hon betraktaren att observera de små detaljer som annars kan förbises. När målningarna i denna grupp först ställdes ut 1924 blev också Alfred Stieglitz, hennes make och hanterare, förvånad över hennes djärvhet.

Svart iris av Georgia O'Keeffe är ett exempel på ett av hennes många arbeten med blommotivet och särskilt irisen, en blomma rik på symbolik. Men i Black Iris III var O'Keeffes avsikt inte att referera till denna symbolik eller lägga till den, utan snarare att uppmana betraktaren att titta och se blomman och överväga de olika sätt på vilka människor ser. Det blir därför en djup meditation över konsten att se, inte bara på konsten utan på livet. I denna artikel analyserar Singulart den symbolik som projiceras i O'Keeffes målning samt hennes egna avsikter när hon skapade Black Iris III.

Georgia O'Keeffe hade ägnat sig åt ämnet iris-målning under många år, särskilt den svarta irisen, som var svårare att hitta och endast var tillgänglig under några veckor om året i New York. I västvärlden är irisen en bekant symbol: i grekisk mytologi personifierar gudinnan Iris regnbågen och anslutningen mellan himmel och jord; inom kristendomen symboliserar irisen Kristi passion och återuppståndelse liksom Marias lidande. Å sin sida omvandlade konsthistorikern Linda Nochlin O'Keeffes irisar till en feministisk symbol genom att beskriva dem som en “morfo-logisk metafor” för kvinnliga genitalier, vilket återspeglar “enheten av det feminina och den naturliga ordningen”. Nochlins beskrivning av Black Iris III och de andra iris-målningarna av O'Keeffe förankrade dem i konsthistorien och i feministisk och feministisk konsthistoria.

Men O'Keeffe avvisade denna beskrivning och hävdade: “Ingen ser en blomma, på riktigt, den är så liten. Vi har inte tid, och att se tar tid som att ha en vän tar tid. Om jag kunde måla blomman precis som jag ser den, skulle ingen se vad jag ser eftersom jag skulle måla den litet som blomman är liten. Så jag sa till mig själv: jag kommer att måla vad jag ser, vad blomman är för mig, men jag målar den stort och de kommer att bli överraskade över att ta sig tid att titta på den, jag kommer att få även de upptagna New York-borna att ta sig tid att titta på vad jag ser av blommor. Jag gjorde så att du tog tid att titta på vad jag såg och när du tog dig tid att faktiskt lägga märke till min blomma, satte du alla dina egna associationer med blommor i min blomma och skrev om min blomma som om jag tänkte och såg vad du tänker och ser. blomman, och jag gjorde inte.

Nr. 10 Utbyte - William de Kooning

År 1955 fullbordade Willem de Kooning verket Utbyte. Han hade under lång tid fokuserat på att omarbeta figurstudier som involverade kvinnor som han började med 1948. Dessa var kopplade till hans individuella utställning 1953, målningar på tema kvinnan, som invigdes i New York vid den tiden. Några titlar på dessa verk inkluderar Kvinna I, Kvinna III och Kvinna V, samt Två kvinnor med stilleben.

År 1955 hade de Kooning slutat måla människofigurer och fortsatte använda abstrakta framställningar av arkitektur och samhällen i New York.

Willem de Kooning använde snabba gestiska märkningar på duken. Bilden visar en kvinna som sitter på en stol, men kvinnor visas bara som en massa av näbbar. När det gäller namngivningen av sina målningar föredrog han alltid en hänvisning till området där han bodde. Utbytet fick sitt namn från omgivningen, centrum av New York, platsen där han bodde under den tiden.

Ursprungligen såldes målningen av konstnären 1955 för 4 000 dollar.

Den såldes senare av David Geffen-stiftelsen till Kenneth C. Griffin för 300 miljoner dollar i september 2015, vilket placerade den i andra plats på listan över de dyraste målningarna, endast överträffad av Salvator Mundi av Leonardo da Vinci, som såldes för 450,3 miljoner dollar i november 2017.

KUADROS ©, en känd målning på din vägg.