Expresionismul abstract este termenul care se aplică noilor forme de artă abstractă dezvoltate de pictori americani precum Jackson Pollock, Mark Rothko și Willem de Kooning în decadelor 1940 și 1950. Adesea este caracterizat prin pensule gestuale sau marcaje și prin impresia de spontaneitate.
Expresionismul abstract - Stâlpii Albastre de Jackson Pollock
Deși este denumirea acceptată, expresionismul abstract nu este o descriere precisă a corpului de lucru creat de acești artiști. De fapt, mișcarea includea multe stiluri picturale diferite care variau atât în tehnică, cât și în calitatea expresiei. În ciuda acestei varietăți, picturile expresionismului abstract împărtășesc mai multe caracteristici generale. Adesea folosesc grade de abstractizare; adică, reprezintă forme neobișnuite sau, în extremă, forme neextrase din lumea vizibilă (non-obișnuite). Pun accent pe exprimarea emoțională liberă, spontană și personală și exercită o considerabilă libertate de tehnică și execuție pentru a atinge acest obiectiv, cu un accent special pe exploatarea caracterului fizic variabil al picturii pentru a evoca calități expresive (de exemplu, senzualitate, dinamism, violență, mister, lirism). Artiștii pun adesea un accent similar pe aplicarea intuitivă și neînvățată a acelei picturi într-o formă de improvizație psihică similară automatismului Surrealistilor, cu o intenție similară de a exprima forța inconștientului creativ în artă. Artiștii arată adesea un accent similar pe abandonarea compoziției structurate convențional construite din elemente discrete și separabile și înlocuirea acesteia cu un singur câmp, plasă sau altă imagine unificată și nediferențiată care există într-un spațiu nestrutură. Și în cele din urmă, picturile umplu mari pânze pentru a oferi acestor efecte vizuale menționate anterior atât monumentalitate, cât și putere absorbită.
Expresioniștii abstracti aveau sediul în principal în orașul New York, fiind cunoscuți și sub numele de școala din New York. Numele evocă obiectivul lor de a crea artă care, deși abstractă, să fie de asemenea expresivă sau emoțională în efectele sale. S-au inspirat din ideea surrealistă că arta trebuie să provină din mintea inconștientă și din automatismul artistului Joan Miró.
În Marea Măr, un mic grup de artiști puțin afiliați a creat un corp de lucru stilistic divers care a introdus noi direcții radicale în artă și a schimbat abordarea lumii artistice. Fără a fi o asociație formală, artiștii cunoscuți invariabil sub numele de "Expresioniști abstracti" sau "Școala din New York" împărtășeau unele presupuneri comune. Printre altele, artiști precum Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner, Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Richard Pousette-Dart și Clyfford Still au avansat cu o audiență formală în căutarea unui conținut semnificativ. Ruptând cu convențiile acceptate atât în tehnică, cât și în temă, artiștii au creat opere de scară monumentală care s-au ridicat ca reflecții ale psihicelor lor individuale și, făcând asta, au încercat să acceseze surse interne universale. Acești artiști valorau spontaneitatea și improvizația, acordând o importanță maximă procesului.
Expresionismul abstract - Abstracție de Willem de Kooning
Lucrările expresioniștilor abstracti se împotrivesc categorisirii stilistice, dar pot fi grupate în jurul a două înclinații de bază: un accent pe gestul dinamic și energic, în contrast cu o abordare reflexivă și cerebrală în câmpuri de culoare mai deschise. În orice caz, imaginile erau în principal abstracte.
Primii expresioniști abstracti au avut doi precursori remarcabili: Arshile Gorky, care a pictat forme biomorfice sugestive folosind o aplicare de vopsea lichidă, delicat liniară și liberă, și Hans Hofmann, care a utilizat pensule dinamice și puternic texturate în lucrări abstracte, dar cu compoziție convențională. O altă influență importantă în expresionismul abstract în formare a fost sosirea pe țărmurile americane la sfârșitul decadelor 1930 și începutul celor 1940 a unei mari cantități de surrealisti și alți artiști europeni de avangardă care fugeau din Europa dominată de naziști. Astfel de artiști au stimulat enorm pictorii nativi din orașul New York și le-au oferit o viziune mai intimă asupra avangardelor picturii europene. În general, mișcarea expresionistă abstractă este considerată a fi început cu picturile realizate de Jackson Pollock și Willem de Kooning la sfârșitul decadelor 1940 și începutul celor 1950.
Expresionismul abstract - Un an de algodoncillo de Arshile Gorky
Expresionismul abstract - Așa este calea stelelor de Hans Hofmann
Tipuri de Expresionism Abstract
În ciuda diversității mișcării expresioniste abstracte, pot fi distinse trei abordări generale. Una, "pictura de acțiune", se caracterizează printr-o gestionare liberă, rapidă, dinamică sau puternică a vopselei în pensule de măturare sau tăiere și în tehnici parțial dictate de întâmplare, cum ar fi stropirea sau vărsarea vopselei direct pe pânză. Jackson Pollock a practicat pentru prima dată pictura de acțiune vărsând vopsele comerciale pe pânze brute pentru a construi ghemuri de vopsea complexe și încurcate în modele liniare emoționante și sugestive. De Kooning a folosit pensule extrem de viguroase și expresive pentru a crea imagini bogate în culori și texturi. Kline a folosit lovituri negre puternice și ample pe o pânză albă pentru a crea forme în mod deosebit monumentale.
Termenul mediu din cadrul expresionismului abstract este reprezentat de mai multe stiluri variate, care variază de la imagini mai lirice și delicate și forme fluide ale picturilor lui Guston și Frankenthaler până la imagini aproape caligrafice, puternice și clar structurate ale lui Motherwell și Gottlieb.
A treia abordare, cea mai puțin expresivă emoțional, a fost cea a lui Rothko, Newman și Reinhardt. Acești pictori au utilizat mari zone, sau câmpuri, de culoare plană și vopsea fină și transparentă pentru a obține efecte calme, subtile, aproape meditative. Pictorul câmpurilor de culoare a fost Rothko, ale cărui lucrări constau în principal din combinații de mari dimensiuni de zone dreptunghiulare de culori solide și margini blânde care tind să strălucească și să rezoneze.
În cadrul expresionismului abstract erau două mari grupări: așa-numiții pictori de acțiune, care atacau pânzele cu pensule expresive; și pictorii câmpului de culoare care umpleau pânzele cu mari zone de o singură culoare.
Pictorii de acțiune au fost conduși de Jackson Pollock și Willem de Kooning, care au lucrat într-un mod spontan și improvisat, folosind adesea pensule mari pentru a face marcaje gestuale de măturare. Pollock a pus pânza pe jos și a dansat în jurul ei vărsând vopsea din cutie sau trăgând-o cu pensula sau cu un băţ. În acest fel, pictorii de acțiune au pus direct impulsurile lor interioare pe pânză.
Al doilea grup i-a inclus pe Mark Rothko, Barnett Newman și Clyfford Still. Acești artiști erau profund interesați de religie și mit și au creat compoziții simple cu mari zone de culoare destinate să producă o reacție contemplativă sau meditativă în spectator. Într-un eseu scris în 1948, Barnett Newman a spus: 'În loc să facem catedrale cu Hristos, omul sau 'viața', le facem cu noi înșine, cu sentimentele noastre proprii'. Această abordare a picturii s-a dezvoltat în jurul anului 1960 în ceea ce a fost cunoscută ca pictura câmpului de culoare, caracterizată prin artiști care folosesc mari zone de mai mult sau mai puțin o singură culoare plană.
Expresionismul abstract s-a dezvoltat în contextul unor surse și inspirații diverse și suprapuse. Mulți dintre tinerii artiști au început în anii 1930. Marea Depresiune a produs două mișcări de artă populare, regionalismul și realismul social, niciuna dintre acestea nefiind satisfăcătoare pentru dorința acestui grup de artiști de a găsi un conținut bogat în semnificație și cu un parfum de responsabilitate socială, dar liber de provincialism și politică explicită. Marea Depresiune a impulsionat de asemenea dezvoltarea programelor guvernamentale de ajutor, inclusiv Works Progress Administration (WPA), un program de muncă pentru americanii șomeri în care au participat mulți membri ai grupului și care a permis atâtor artiști să își stabilească o carieră.
Însă, expunerea și asimilarea modernismului european au pregătit terenul pentru arta americană mai avansată. Existau mai multe locuri în New York pentru a vedea artă de avangardă din Europa. Muzeul de Artă Modernă și-a deschis porțile în 1929, iar acolo artiștii au văzut o colecție în creștere rapidă achiziționată de directorul Alfred H. Barr, Jr. De asemenea, au fost expuși la expoziții temporare inovatoare de lucrări noi, inclusiv Cubismul și Arta Abstractă (1936), Arta Fantastică, dadaism, surrealism (1936-1937) și retrospectivele lui Matisse, Léger și Picasso, printre alții.
Un alt forum pentru a vedea arta mai avansată a fost Muzeul de Artă Vie al lui Albert Gallatin, care a fost găzduit la Universitatea din New York din 1927 până în 1943. Acolo expresioniștii abstracti au văzut lucrările lui Mondrian, Gabo, El Lissitzky și altele. Precursorul Muzeului Solomon R. Guggenheim, Muzeul de Pictură Non Obiectivă, și-a deschis porțile în 1939. Chiar și înainte de acea dată, colecția sa de Kandinsky a fost expusă public de mai multe ori. Lecțiile modernismului european s-au difuzat de asemenea prin educație. Expatria germană Hans Hofmann (1880–1966) a devenit cel mai influent profesor de artă modernă din Statele Unite, iar impactul său a ajuns atât la artiști, cât și la critici.
Criza războiului și consecințele sale sunt esențiale pentru înțelegerea îngrijorărilor expresioniștilor abstracti. Acești tineri artiști, preocupați de laturile întunecate ale omului și anxioși conștienți de iraționalitatea și vulnerabilitatea umană, doreau să își exprime îngrijorările într-o nouă artă de semnificație și substanță. Surrealistii europeni au deschis noi posibilități cu accentul lor pe atingerea inconștientului. O resursă surrealistă pentru a se elibera de mintea conștientă a fost automatismul psihic, în care gestul automat și improvizația își câștigă avânt.
La început, expresioniștii abstracti, în căutarea unei teme atemporale și puternice, s-au întors la mitul primitiv și la arta arhaică în căutare de inspirație. Rothko, Pollock, Motherwell, Gottlieb, Newman și Baziotes au căutat exprimare în culturi antice sau primitive. Primele lor lucrări prezintă elemente pictografice și biomorfice transformate în cod personal. Psihologia junguiană a fost de asemenea convingătoare în afirmația sa a inconștientului colectiv. Franquețea exprimării era primordială, fiind realizată cel mai bine fără premeditare. Într-o celebră scrisoare către New York Times (iunie 1943), Gottlieb și Rothko, cu ajutorul lui Newman, au scris: “Pentru noi, arta este o aventură într-o lume necunoscută a imaginației care este liberă de fantezii și se opune violent bunului simț. Nu există așa ceva ca o pictură bună despre nimic. Afirmăm că tema este critică”.
Expresionismul abstract - Roți de Adolph Gottlieb
Expresionismul abstract în apogeul său: pictura de acțiune
În 1947, Pollock a dezvoltat o tehnică radical nouă, turnând și picurând vopsea diluată pe o pânză brută așezată pe podea (în loc de metodele tradiționale de vopsire în care pigmentul este aplicat cu pensula pe o pânză întinsă așezată pe un șevalet). Picturile erau complet neobișnuite. În tema sa (sau aparenta lipsă a unei teme), scară (uriașă) și tehnica (fără pensulă, fără șevalet, fără cadru), lucrările au impactat mulți spectatori. De Kooning dezvolta și el propria versiune a unui stil gestual foarte încărcat, alternând între lucrări abstracte și puternice imagini figurative iconice. Alții colegi, inclusiv Krasner și Kline, erau de asemenea angajați în crearea unei arte de gest dinamic în care fiecare centimetru al unei imagini este complet încărcat. Pentru expresioniștii abstracti, autenticitatea sau valoarea unei lucrări se bazează pe franchețea și imediația exprimării acesteia. O pictură este destinată să fie o revelație a autenticei identități a artistului. Gestul, "semnătura" artistului, este dovada procesului real de creare a lucrării. Este în referința la acest aspect al operei că criticul Harold Rosenberg a inventat termenul "pictura de acțiune" în 1952: “Într-un anumit moment, pânza a început să apară unui artist american după altul ca o scenă în care să acționeze, în loc de un spațiu în care să reproducă, reproiecteze, analizeze sau 'exprime' un obiect, real sau imaginar. Ceea ce urma să intre în pânză nu era un tablou, ci un eveniment.” este dovada procesului real de creare a lucrării. Este în referința la acest aspect al operei că criticul Harold Rosenberg a inventat termenul “pictura de acțiune” în 1952: “Într-un anumit moment, pânza a început să apară unui artist american după altul ca o scenă în care să acționeze, în loc de un spațiu în care să reproducă, reproiecteze, analizeze sau 'exprime' un obiect, real sau imaginar. Ceea ce urma să intre în pânză nu era un tablou, ci un eveniment.” este dovada procesului real de creare a lucrării. Este în referința la acest aspect al operei că criticul Harold Rosenberg a inventat termenul “pictura de acțiune” în 1952: “Într-un anumit moment, pânza a început să apară unui artist american după altul ca o scenă în care să acționeze, în loc de un spațiu în care să reproducă, reproiecteze, analizeze sau 'exprime' un obiect, real sau imaginar. Ceea ce urma să intre în pânză nu era un tablou, ci un eveniment.”
Expresionismul abstract în apogeul său: câmpul de culoare
O altă cale rezida în potențialul expresiv al culorii. Rothko, Newman și Still, de exemplu, au creat artă bazată pe câmpuri simplificate, de mari dimensiuni și dominate de culoare. Impulsul a fost, în general, reflexiv și cerebral, cu mijloace picturale simplificate pentru a crea o formă de impact elemental. Rothko și Newman, printre alții, au vorbit despre un obiectiv de a atinge "sublimul" în loc de "frumos", amintind de Edmund Burke într-un impuls pentru viziunea grandioasă și eroică în opoziție cu un efect calmant sau reconfortant. Newman a descris reducionismul său ca o modalitate de “a ne elibera de accesoriile învechite ale unei legende demodate și învechite… a ne elibera de impedimentele memoriei, asociației, nostalgiei, legendei și mitului care au fost dispozitivele picturii din Europa de Vest”.
Pentru Rothko, dreptunghiurile cu margini moi de culoare luminescentă ar trebui să provoace în spectatori o experiență aproape religioasă, chiar provocând lacrimi. La fel ca și cu Pollock și ceilalți, scara a contribuit la semnificație. La acea vreme, lucrările erau de mari dimensiuni. Și erau destinate să fie văzute în medii relativ apropiate, astfel încât spectatorul să fie practic înfășurat în experiența de a se confrunta cu lucrarea. Rothko a spus: "Păstrez lucrările mari pentru a fi intim". Noțiunea este către personal (exprimarea autentică a individului) mai degrabă decât către grandios. astfel încât spectatorul să fie practic înfășurat în experiența de a se confrunta cu lucrarea.
Expresionismul abstract: impactul său
Expresionismul abstract a avut un impact mare asupra scenei artistice americane și europene în decada 1950. De fapt, mișcarea a marcat schimbarea centrului creativ al picturii moderne de la Paris la New York în decadelor de după război. În decursul decadelor 1950, adepții mai tineri ai mișcării au urmat tot mai mult exemplul pictorilor câmpului de culoare și, în 1960, participanții săi s-au îndepărtat în general de expresivitatea foarte încărcată a pictorilor de acțiune.
În această perioadă lucrările au fost văzute pe scară largă în expoziții itinerante și prin publicații. În urma expresionismului abstract, noile generații de artiști, atât americani, cât și europeni, au fost profund influențate de progresele realizate de prima generație și au creat propriile expresii importante bazate pe cei care au deschis calea.
KUADROS ©, o pictură faimoasă pe peretele tău.
