Art Deco este un stil de design popular din decadelor 1920 și 1930, caracterizat în special prin forme geometrice sau stilizate elegante și prin utilizarea de materiale fabricate de om.
Caracteristicile stilului Art Deco au avut originea în Franța la mijlocul și sfârșitul anilor 1910, s-au maturizat în timpul Expoziției Internaționale de Arte Decorative și Industriale Moderne desfășurată la Paris în 1925, devenind un stil important în Europa de Vest și Statele Unite în anii 1930.
Trăsăturile caracteristice ale Art Deco reflectă admirația pentru modernitatea mașinilor și pentru calitățile de design înnascute ale obiectelor fabricate, de exemplu, simplitatea relativă, planitatea, simetria și repetarea invariabilă a elementelor. Obiectele Art Deco afișează adesea forme simple și curate, având de obicei un aspect "stilizat"; ornamentație geometrică sau stilizată din forme figurative precum flori, animale și raze de soare; și utilizarea substanțelor fabricate de om, inclusiv plăstic, sticlă vitaminizată și beton armat, adesea combinate cu materiale naturale precum jadul, argintul, fildeșul și cromul.
Art Deco - poster
Printre influențele formativ ale Art Deco se numără Art Nouveau, Bauhaus, Cubismul și Ballets Russes de Serge Diaghilev. Practicanții Art Deco au găsit, de asemenea, inspirație în surse precum indienii americani, egipteni și clasici timpurii, precum și în natură.
La fel ca Art Deco, art nouveau este un stil ornamental care se aplică mediilor precum arhitectura, designul interior, bijuteria și ilustrația. Ambele stiluri au fost populare în Europa și Statele Unite, dar Art Nouveau a înflorit mai devreme, între 1890 și 1910.
Art Deco a atins apogeul la sfârșitul anilor 1920 și începutul anilor 1930. Art Nouveau punea accent pe natură, iar obiectele se caracterizau în special prin linii sinuose asimetrice, care adesea luau forma tulpinilor și bobocilor de flori, vlăstare de viță de vie, aripi de insecte și alte obiecte naturale delicate. Art Deco, pe de altă parte, a celebrat mașina modernă și a promovat linii geometrice și forme elegante.
Principala sa diferență față de art nouveau este influența cubismului, care dă designului Art Deco un caracter geometric mai fragmentat. Totuși, imaginile bazate pe forme de plante și curbe sinuose au rămas în unele designuri Art Deco, de exemplu, cel realizat de Clarice Cliff în Marea Britanie. Art Deco a fost foarte variat în influențele sale, inspirându-se din arta egipteană antică, arta aztecă și alte arte din America Centrală antică, precum și din designul navelor, trenurilor și automobilelor moderne. De asemenea, s-a inspirat din arhitectura și designul modern ale Bauhaus și arhitecților precum Le Corbusier și Mies van de Rohe.
Art Deco și-a derivat numele de la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, desfășurată la Paris în 1925, unde stilul a fost expus pentru prima dată. Designul Art Deco a reprezentat modernismul transformat în modă. Produsele sale includeau atât articole de lux realizate manual, cât și articole produse în masă, dar, în orice caz, intenția era de a crea o eleganță rafinată și antitradițională care să simbolizeze bogăția și sofisticarea.
Cei mai mulți dintre creatorii de renume ai Art Deco au realizat articole handmade sau în ediții limitate. Aceștia includ designerii de mobilier Jacques Ruhlmann și Maurice Dufrène; arhitectul Eliel Saarinen; aurarul Jean Puiforcat; designerul de bijuterii și cristale René Lalique; designerul de modă Erté; artiștii-bijutieri Raymond Templier, HG Murphy și Wiwen Nilsson; și sculptorul figurativ Chiparus.
Art Deco - mueble de Jacques Ruhlmann
Art Deco al aurar Jean Puiforcat
Întâlnirile Art Deco
La sfârșitul secolului XIX în Franța, mulți dintre artiștii, arhitecții și designerii remarcabili care jucaseră un rol important în dezvoltarea stilului Art Nouveau au recunoscut că acesta devenise din ce în ce mai depășit. La sfârșitul unui secol care a fost martor la consolidarea Revoluției Industriale, viața contemporană a devenit foarte diferită față de acum câteva decenii. Era timpul pentru ceva nou, ceva care să exclamă "secolul XX" din acoperișurile moderniste și de bun gust.
Societatea Artiștilor Decoratori din Franța
Pornind de la această dorință de a avansa către noul secol într-un ritm al inovației, în loc să fie frânat de nostalgie, un grup de inovatori artistici francezi a format o organizație numită Societé des Artistes Décorateurs (Societatea Artiștilor Decoratori). Grupul era format din figuri recunoscute precum designerul și gravorul de stil Art Nouveau Eugene Grasset și arhitectul Art Nouveau Hector Guimard, împreună cu artiști și designeri decorativi emergenți precum Pierre Chareau și Francis Jourdain. Statul francez a sprijinit și încurajat această direcție a activității artistice.
Art Deco - Societatea Artiștilor Decoratori
Unul dintre principalele obiective ale noului grup a fost să conteste structura ierarhică a artelor vizuale care relegau artiștii decorativi la un statut inferior comparativ cu mediile mai clasice de pictură și sculptură. Jourdain a declarat celebru: "Prin urmare, am decis să restituim arta decorativă, tratată cu desconsiderare ca o Cenușăreasă sau ca un ruda săracă care era lăsată să mănânce cu servitorii, locul important, aproape preponderent, pe care l-a ocupat în trecut, de toate timpurile și în toate timpurile" al țărilor globului".
Planul pentru o mare expoziție care să prezinte un nou tip de artă decorativă a fost conceput inițial pentru 1914, dar a trebuit să fie suspendat până după încheierea Primului Război Mondial și apoi a fost întârziat din mai multe motive până în 1925.
Expoziția care a lansat oficial mișcarea Art Deco
Guvernul francez, care a găzduit expoziția între esplanada Les Invalides cu cupola de aur și intrările Petit Palais și Grand Palais de ambele părți ale râului Sena, s-a străduit să prezinte noul stil. Peste 15.000 de artiști, arhitecți și designeri și-au expus lucrările la expoziție. În cele șapte luni ale expoziției, peste 16 milioane de oameni au vizitat numeroasele expoziții individuale. Această expoziție a fost catalizatorul pentru începutul mișcării.
Art Nouveau și Art Déco
Art Deco a fost un răspuns direct estetic și filozofic la stilul Art Nouveau și la fenomenul cultural mai larg al modernismului. Art Nouveau a început să fie depășit în timpul Primului Război Mondial, deoarece mulți critici au considerat că detaliile elaborate, designurile delicate, materialele adesea costisitoare și metodele de producție ale stilului nu se potriveau cu o lume modernă provocatoare, instabilă și din ce în ce mai mecanizată. În timp ce mișcarea Art Nouveau a derivat formele sale complexe și stilizate din natură și a glorificat virtuțile celor realizate manual, estetica Art Deco a accentuat aerodinamica și geometria elegantă a erei mașinilor.
Art Deco și Modernismul
Exposition Internationale a reunit nu doar lucrări în stilul Art Deco, ci a plasat articolele artizanale aproape de exemple de picturi și sculpturi avangardiste în stiluri precum cubismul, constructivismul, Bauhaus, De Stijl și futurismul. În anii 1920, Art Deco era un contrapunct exuberant, dar în mare parte convențional, la estetica mai cerebrală Bauhaus și De Stijl. Cele trei au împărtășit un accent pe linii curate și puternice ca principiu organizator de design. Practicanții Art Deco au adoptat inovația tehnologică, materiale moderne și mecanizare și au încercat să le pună accentul în estetica generală a stilului în sine. Practicanții au împrumutat, de asemenea, și au învățat de la alte mișcări moderniste. Art Deco a ajuns să fie considerat de către admiratorii care se aflau la curent cu perspectivele de viitor ale mișcărilor avangardiste contemporane. Ironia este că pictura și sculptura modernistă au jucat un rol secundar la expoziție, cu câteva excepții, cum ar fi pavilionul sovietic și pavilionul Esprit Nouveau al lui Le Corbusier.
Art Deco după Marea Depresiune
Începerea celei de-a doua faze a Art Deco a coincis cu începutul Marii Depresiuni. Austeritatea, de fapt, ar putea fi estetica centrală atât din motive pragmatice, cât și conceptuale pentru acest al doilea dezvoltare al Art Deco. De exemplu, arhitectura Art Deco se orientase vertical cu zgârie-nori ce se înălțau la mari înălțimi, clădirile Art Deco ulterioare, cu exterioarele lor în mare parte dezgolite, curbe elegante și accent pe orizontalitate simbolizau robustețea, demnitatea liniștită și rezistența. În anii de criză economică, între 1929 și 1931, Art Deco-ul american a trecut de la a urma tendințe la a le stabili.
Streamline Moderne
Streamline Moderne a devenit continuarea americană a mișcării Art Deco europene. Dincolo de influențele economice și filozofice serioase, inspirația estetică pentru primele structuri Streamline Moderne au fost clădiri proiectate de susținătorii mișcării Noua Obiectivitate în Germania, care a apărut dintr-o asociație informală de arhitecți, designeri și artiști germani care s-a format la începutul secolului XX.
Art Deco - Streamline Moderne
Artiștii și arhitecții din Noua Obiectivitate s-au inspirat din același tip de pragmatism sobru, care a forțat susținătorii Streamline Moderne să elimine excesele, inclusiv emotivitatea expresionismului. Arhitecții din Noua Obiectivitate s-au concentrat asupra producerii de structuri care puteau fi considerate practice, ca un reflecție a cerințelor vieții reale. Au preferat ca designurile lor să se adapteze la lumea reală, în loc să facă ca altele să se conformeze unei estetici impracticabile. În acest scop, arhitecții din Noua Obiectivitate au fost pionieri în tehnologia prefabricării (ajutând la găzduirea rapidă și eficientă a săracilor din Germania).
Privită fără ornamente, arhitectura Streamline Moderne prezenta curbe elegante, linii orizontale lungi (inclusiv benzile de feronerie), cărămizi de sticlă, feronerie în stil ogival și forme cilindrice, uneori nautice. Mai mult ca niciodată, a existat un accent pe aerodinamică și alte expresii ale tehnologiei moderne. Materialele mai scumpe și, de obicei, exotice ale Art Deco au fost înlocuite de feronerie din beton, sticlă și crom în Streamline Moderne. Culoarea a fost utilizată cu moderație, deoarece tonurile de alb, bej și pământ au înlocuit culorile mai vii ale Art Deco. Stilul a fost introdus mai întâi în arhitectură și apoi s-a extins la alte obiecte, în mod similar cu stilul tradițional Art Deco.
Art Deco este numit retroactiv
În mod inițial, termenul "Art Deco" a fost folosit peiorativ de un faimos detractor, arhitectul modernist Le Corbusier, în articole în care critica stilul pentru ornamentația sa, o caracteristică pe care o considera inutilă în arhitectura modernă. În timp ce susținătorii stilului l-au aclamat ca o reacție modernistă și simplificată la ornamentația excesivă, mai ales în comparație cu predecesorul său imediat, Art Nouveau, având în vedere că orice decor era superflu pentru Le Corbusier. Abia la sfârșitul anilor 1960, când interesul pentru stil a fost revitalizat, istoricul și critic de artă britanic Bevis Hillier a folosit termenul "Art Deco" într-un sens pozitiv.
Art Deco în Statele Unite
În Statele Unite, recepția mișcării Art Deco s-a dezvoltat pe o traiectorie diferită. Herbert Hoover, secretarul de comerț al SUA la acel moment, a decretat că designerii și arhitecții americani nu puteau să-și expună lucrările la Expoziția Internațională deoarece susținea că țara nu concepuse un stil artistic clar american care să fie satisfăcător "suficient de nou". Ca alternativă, a trimis o delegație în Franța pentru a evalua ofertele de la expoziție și apoi a aplica ceea ce au văzut la un stil artistic și arhitectural contemporan american. În contingentul de emiși estetici trimis de Hoover s-au inclus figuri importante din Institutul American de Arhitectură, Muzeul Metropolitan de Artă și The New York Times. Misiunea a inspirat un vârf aproape imediat de inovație artistică în SUA.
Până în 1926, o versiune mai mică a ferii franceze numită "O colecție selectată de obiecte de la Expoziția Internațională de Arte Moderne, Industriale și Decorative" a trecut prin multe orașe din SUA precum New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis și Filadelfia. Expozițiile mondiale din SUA desfășurate în Chicago (1933) și orașul New York (1939) au evidențiat designurile Art Deco, în timp ce Hollywood a adoptat estetica și a făcut-o glamour în întreaga țară. Chiar și corporații americane precum General Motors și Ford au construit pavilioane la Expoziția Mondială din New York.
Art Deco - Expoziția Mondială din New York
Printre cele mai cunoscute exemple ale stilului Art Deco american se numără zgârie-norii și alte clădiri de mari dimensiuni. De fapt, iterația americană a Art Deco în designul clădirilor a fost denumită Zigzag Modern datorită modelelor sale unghiulare și geometrice, precum și fațadelor arhitecturale elaborate. Totuși, Art Deco-ul american este adesea mai puțin ornamental decât predecesorul său european. Dincolo de liniile curate și curbele puternice, formele geometrice îndrăznețe, culorile intense și, uneori, ornamentația luxoasă, versiunea americană este mai simplă. Pe măsură ce influențele importante precum Noua Obiectivitate și Stilul Internațional al arhitecturii, precum și gravele reversuri economice de la sfârșitul anilor 1920 și începutul anilor 1930 au început să influențeze estetica Art Deco, stilul a devenit considerabil mai puțin luxos.
Art Deco - Zig Zag Modern
Stilul Art Deco american s-a dezvoltat ca o celebră a avansului tehnologic, inclusiv producția în masă, și o credință restabilită în progresul social. În esență, aceste realizări ar putea fi considerate un reflecție a mândriei naționale. În anii 1930, sub Works Progress Administration (WPA) a lui Roosevelt, multe dintre lucrările create au fost Art Deco, de la structuri municipale precum biblioteci și școli până la murale publice masive. WPA a avut intenția de a impulsiona economia americană de după război prin crearea de locuri de muncă în lucrări publice și a căutat să servească comunitatea prin crearea de locuri de muncă și prin îmbunătățirea valorilor americanului în design. Utilizarea Art Deco-ului american a adus astfel o expresie de democrație prin design. Unele materiale utilizate frecvent în crearea Art Deco erau costisitoare și, prin urmare, erau inaccesibile pentru omul obișnuit. Cu toate acestea, utilizarea materialelor noi sau cu cost redus a făcut posibilă producerea unei game largi de produse accesibile, aducând astfel frumusețea în sfera publică într-un mod nou.
Cresterea globală a Art Deco
Stilul Art Deco s-a impus în capitalele mondiale atât de diverse precum Havana, Cuba, Mumbai și Jakarta. Havana are un întreg cartier construit în stil Art Deco. Sistemul feroviar subteran din Londra încorporează în mare parte stilul. Portul Shanghai conține peste cincizeci de structuri Art Deco, majoritatea fiind proiectate de ungurul Laszlo Hudec. De la monumente de război până la spitale, orașe atât de îndepărtate precum Sydney și Melbourne din Australia au absorbit de asemenea stilul fenomenal.
Art Deco - Laszlo Hudec
Principalele caracteristici vizuale ale Art Deco derivă din utilizarea repetitivă a formelor liniare și geometrice care includ forme triunghiulare, în zigzag, trapezoidale și cu model de chevron. La fel ca predecesorul său, Art Nouveau, atunci când sunt reprezentate obiecte precum flori, animale sau figuri umane, acestea sunt stilizate și simplificate mult pentru a menține estetica generală a Art Deco. Natura și amploarea stilizării și simplificării variază în funcție de iterația regională a stilului. De exemplu, o figură precum Pasărea de foc (1922) a designerului francez René Lalique este elegant subțire și atenuată, în timp ce Atlasul lui Lee Lawrie (1937) de la Rockefeller Center este solid și robust, cu o musculatură emfatic liniară, deși ambele sunt considerate reprezentări bune ale stilului Deco.
Art Deco - Atlasul lui Lee Lawrie din clădirea Rockefeller
Conform accentului pus de mișcare pe tehnologia modernă, artiștii și designerii Art Deco au exploatat materiale moderne precum plasticele, baquelita și oțelul inoxidabil. Dar, atunci când era nevoie de o atingere de bogăție și rafinament, designerii au incorporat materiale mai exotice precum fildeșul, cornul și pielea de zebră. La fel ca în mișcările Art Nouveau și Arts and Crafts, stilul Art Deco a fost aplicat mult mai puțin la formele de exprimare ale artelor vizuale, care sunt tradițional de un rang mai înalt: pictura și sculptura.
Designul Art Deco
Stilul Art Deco și-a exercitat influența asupra artelor grafice în moduri care dezvăluie influența futurismului italian cu dragostea sa pentru viteză și adorarea mașinii. Artiștii futuristi foloseau linii pentru a indica mișcarea, cunoscute sub numele de "mustăți de viteză", care ieșeau din roțile automobilelor și trenurilor în mișcare rapidă. În plus, practicanții Art Deco au utilizat linii paralele și forme conice care sugerează simetrie și aerodinamică. Tipografia a fost afectată de influența internațională a Art Deco, iar tipurile de litere Bifur, Broadway și Peignot amintesc imediat stilul.
Art Deco - font Bifur
În termeni de imagini, formele simple și zonele mari de culoare solidă amintesc de gravurile în lemn japoneze, care au devenit o sursă importantă de influență pentru artiștii occidentali, în special în Franța, după încheierea perioadei izolaționiste Edo în 1868. Influxul ulterior al artei din Japonia în Europa a avut un impact enorm. În special, artiștii au găsit în simplitatea formală a gravurilor în lemn un model pentru a crea propriile lor stiluri distinctiv moderne, începând cu impresionismul.
Mobilier Art Deco
Până la sfârșitul anului 1920, designul de mobilier de vârf în Franța consta în principal din variații ale stilului Art Nouveau, dar simplificate și mai puțin curbilinii. Pe măsură ce decadea avansa, Émile-Jacques Ruhlmann a ieșit în evidență ca principal designer de mobilier (Ruhlmann avea un pavilion propriu la Expoziția din 1925). Deși designurile sale s-au inspirat în principal din piese din secolul XVIII realizate în stil neoclasic, a eliminat o mare parte din ornamentație fără a renunța la utilizarea materialelor exotice preferate de designerii Art Nouveau, cum ar fi mahonul, ebonita, palisandrul, fildeșul și invitațiile de țestoasă. Desigur, piesele sale au fost adesea prea costisitoare pentru ca cineva să le achiziționeze, cu excepția celor mai bogați.
În contrast cu designul luxos al lui Ruhlmann, care părea a fi între stilurile Art Nouveau și Art Deco, designerul de mobilier mai definit Art Deco din Franța a fost Jules Leleu. A fost un designer tradițional până când noul stil a înlocuit Art Nouveau și este cunoscut pentru designul marelui salon al Palatului Elysee din Paris și cabinelor luxoase de la bordul elegantului transatlantic Normandie.
Art Deco - mobilier de Jules Leleu
În contrast cu Leleu și Ruhlmann, Le Corbusier era un avocat al unei versiuni foarte reduse și fără ornamentație a stilului Art Deco, creând adesea mobilier adecvat pentru interiorul auster al propriilor sale structuri arhitecturale. Intenția sa era de a proiecta prototipuri, în special de scaune, care puteau fi produse în masă și, prin urmare, erau accesibile pentru un public mai migraț 
lio. De asemenea, este demn de remarcat că designul interior al lui Donald Deskey pentru celebrul loc de atracție din New York, Radio City Music Hall, este un exemplu excelent de design de mobilier Art Deco american care încă se menține în forma sa originală în prezent.
Art Deco - mobilier de Le Corbusier
Arhitectura Art Deco
Arhitectura Art Deco se caracterizează prin designuri cu margini dure, adesea bogat ornamentate, accentuate de detalii metalice strălucitoare. Multe dintre aceste clădiri au un accent vertical, construite având intenția de a atrage atenția în sus. Formele dreptunghiulare, adesea în blocuri, sunt dispuse geometric, cu adăugarea de acoperișuri în formă de vârf și/sau elemente ornamentale curbe pentru a oferi un efect aerodinamic. Zgârie-norii din New York și clădirile colorate în nuanțe pastel din Miami se numără printre cele mai celebre exemple americane, deși stilul a fost implementat în diverse structuri din întreaga lume.
În Statele Unite, Works Progress Administration a ajutat arhitectura Art Deco să devină comună. Interesant este că fuziunea clasicismului Art Deco și Beaux-Arts care se observă în multe lucrări publice din era Depresiunei este cunoscută sub numele de PWA Moderne sau Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Dezvoltări ulterioare: după Art Deco
Art Deco a ieșit din modă în timpul anilor celui De-al Doilea Război Mondial în Europa și America de Nord, cu austeritatea războiului făcând stilul să pară din ce în ce mai ostentativ și decadent. Metalele au fost recuperate pentru a fi folosite în construcția de arme, în loc să decoreze clădiri sau spații interioare. Mobilierul nu mai era considerat obiecte de statut. Alte progrese tehnologice au permis o producție mai ieftină de articole de consum de bază, eliminând necesitatea și popularitatea designerilor Art Deco.
O mișcare care în multe privințe a căutat să rupă cu trecutul, acum a devenit un clasic care generează o suprema nostalgie și este amintită cu drag. Din anii 1960, a existat un interes constant și continuu pentru acest stil. Se pot observa ecouri ale Art Deco în designul modern de mijloc al secolului, care continuă estetica aerodinamică a Deco și revizitează simplitatea curată a Bauhaus. Deco a ajutat, de asemenea, la inspirarea Grupului Memphis, o mișcare de design și arhitectură centrata în Milano în anii 1980. Memphis s-a bazat, de asemenea, pe arta pop și kitsch ca surse pentru designurile sale colorate și conștient post-moderne.
KUADROS ©, o pictură faimoasă pe peretele tău.
