Begynnelsen av Art Nouveau
Fremkomsten av Art Nouveau - bokstavelig talt "ny kunst" - kan tilskrives to forskjellige påvirkninger: den første var introduksjonen, rundt 1880, av den britiske kunst- og håndverksbevegelsen, som i likhet med Art Nouveau var en reaksjon mot dissaldesign og dekorative kunstkomposisjoner fra den viktorianske tiden.
Den andre var den nåværende mote for japansk kunst, spesielt tregraveringer, som feide mange europeiske kunstnere på 1880- og 1890 -tallet, inkludert artister som Gustav Klimt, Emile Gallé og James Abbott McNeill Whistler. Japanske graveringer i treblokker inneholdt spesielt blomster- og bulbøse former, og "pisk" -kurver, alle viktige elementer i det som til slutt skulle bli Art Nouveau.
Art Nouveau Japanese - Katsushika Hokusais bølge
Det er vanskelig å påpeke de første kunstverkene som Art Nouveau offisielt lanserte. Noen hevder at de stemplede og flytende linjene og blomsterfondene som finnes i maleriene til Vincent Van Gogh og Paul Gauguin representerer fødselen av Art Nouveau, eller kanskje til og med de dekorative litografiene til Henri de Toulouse-Lautrec, for eksempel Moulin Rouge: The Goulue ( 1891).
Flertallet peker imidlertid på opprinnelsen til dekorativ kunst og spesielt på støvkappen i en arkitekts bok og Engelsk designer Arthur Heygate Mackmurdo For volumet i 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: Tilskrevet som den første representasjonen av Art Nouveau
Utformingen av boka viser Serpenteante -stammer av blomster som stammer fra en flatblokk nederst på siden, som tydelig husker graveringene i japansk stil tre.
Art Nouveau -utstillinger
Art Nouveau var ofte mer iøynefallende i internasjonale utstillinger under toppen. Den nye stilen likte den sentrale scenen på fem private messer: Universell -utstillingene fra 1889 og 1900 i Paris; Eksponeringen av Tervueren fra 1897 i Brussel, der Art Nouveau i stor grad ble brukt for å vise mulighetene for håndverk med det eksotiske skogen i det belgiske Kongo; Den internasjonale utstillingen av moderne dekorativ kunst av Torino fra 1902; og den internasjonale utstillingen av L'EST av Frankrike i 1909 i Nantes.
På hver av disse messene var stilen dominerende når det gjelder den dekorative kunst og arkitektur som ble utstilt, og i Torino i 1902 var Art Nouveau virkelig stilen valgt av praktisk talt alle designere og alle nasjoner som var representert, unntatt å ekskludere noen andre.
Internasjonal utstilling av moderne dekorativ kunst
Art Nou
Veau: En kunststrøm med tusen navn
Siegfried Bing, en tysk kjøpmann og bevissthet om japansk kunst bosatt i Paris, åpnet en butikk kalt L'Art Nouveau i desember 1895, som ble en av de viktigste leverandørene av stilen i møbler og dekorativ kunst. På kort tid ble navnet på butikken synonymt med stil i Frankrike, Storbritannia og USA. Imidlertid betydde den store populariteten til Art Nouveau i Vest- og Sentral -Europa at den hadde flere forskjellige titler. I tyske -talende land ble det generelt kalt Jugendstil (Ungdomsstil), hentet fra et München -magasin kalt Jugend som populariserte det. I mellomtiden, i Wien, Hogar av Gustav Klimt, var Otto Wagner, Josef Hoffmann og de andre grunnleggerne av Wien sin løsrivelse, kjent som SezessionStil (løsrivelsestil).
Det var også kjent som Modernisme På spansk, modernisme på katalansk og Stile Floreale (blomsterstil) eller Stile Liberty I Italia, sistnevnte fra Arthur Liberty Fabric Store i London, noe som bidro til å popularisere stilen. I Frankrike ble det ofte kalt Stil modrne og av og til Stil Guimard Til ære for sin mest kjente utøver der, er arkitekten Hector Guimard, mens han i Nederland vanligvis kalles Nieuwe Kunst (Ny kunst).
Det skal bemerkes at hans mange detractors også ga ham flere nedsettende navn: Style Nouille (Noodle Style) i Frankrike, Paling Stijl (ålstil) i Belgia og Bandwurmstil (Tenia -stil) I Tyskland, alle navn som ga en leken referanse til tendensen til Art Nouveau til å bruke sinuøse og væskelinjer.
Art Nouveau: konsepter, stiler og trender
Utenkningen av Art Nouveau på slutten av 1800 -tallet må delvis forklares med bruken av at mange kunstnere av populære og enkle -til -reproduserer måter gjør, funnet i grafisk kunst. I Tyskland trykket Jugendstil -artister som Peter Behrens og Hermann Obrist arbeidet sitt på bokomslag og utstillingskataloger, magasin- og plakatannonser.
Men denne trenden var ikke begrenset på noen måte til Tyskland. Den engelske illustratøren Aubrey Beardsley, kanskje figuren av Art Nouveau mest kontroversiell for sin kombinasjon av det erotiske og makabre, skapte en serie plakater i sin korte karriere som brukte grasiøse og rytmiske linjer. Beardsleys meget dekorative utskrifter, som påfuglskjørtet (1894), var samtidig dekadent og enkel, og representerer den mest direkte koblingen som vi kan identifisere mellom Art Nouveau og japansk / inngravert Ukiyo-e.
Påfuglskjørtet til Aubrey Beardsley - Art Nouveau
I Frankrike, plakatene og grafisk produksjon av Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen og noen andre, populariserte den luksuriøse og dekadente livsstilen til den vakre époque, omtrent era mellom 1890-1914, generelt tilknyttet den vakre époque, omtrent era mellom 1890-1914, vanligvis tilknyttet den vakre époque, omtrent er det å med Sordid -distriktet Cabaret de Montmartre i Nord -Paris.
Hans grafiske verk brukte nye kromolitografiske teknikker for å markedsføre alt fra nye teknologier som telefoner og elektriske lys til barer, restauranter, nattklubber og til og med individuelle artister, og fremkalte energien og vitaliteten i det moderne livet. I prosessen løftet de snart plakaten til radene med fotgjenger kunngjøringen til høy kunst.
Den modernistiske arkitekturen til Art Nouveau
I tillegg til grafisk og visuell kunst, bør enhver seriøs diskusjon om Art Nouveau vurdere arkitektur og den store innflytelsen den hadde på europeisk kultur. I urbane sentre som Paris, Brussel, Glasgow, Torino, Barcelona, Antwerpen og Wien, samt i mindre byer som Nancy og Darmstadt, sammen med steder i Øst -Europa som Riga, Praha og Budapest, Art nouveau Arkitektur rådet i stor grad, både i størrelse og tilsynelatende, og er fremdeles synlig i dag i strukturer som varierte som små hus knyttet til store institusjonelle og kommersielle bygninger. Spesielt innen arkitektur ble Art Nouveau utstilt på et bredt utvalg av språk.
Mange bygninger inneholder en vidunderlig bruk av terrakotta og fargerike fliser. Den franske keramisten Alexandre Bigot, for eksempel, ble i stor grad berømt gjennom produksjon av terrakotta -ornamenter for fasadene og skorsteinene til boligene og bygningene i parisiske leiligheter. Andre Art Nouveau -strukturer, spesielt i Frankrike og Belgia, der Héctor Guimard og Victor Horta var viktige utøvere, viser de teknologiske mulighetene med jernstrukturer knyttet sammen med glasspaneler.
Batlló Casa - Barcelona - Art Nouveau
I mange områder av Europa var Art Nouveau boligarkitektur preget av den lokale steinen, for eksempel gul kalkstein eller landlig estetikk med tilfeldig kurs med trelister. Og i flere tilfeller ble det brukt en skulpturell hvit stukkhud, spesielt i Art Nouveau -bygninger som ble brukt til utstillinger, for eksempel paviljongene i Universal Exhibition of Paris fra 1900 og Wien Seession Building. Selv i USA dannes anlegget som pryder skyskrapere til Louis Sullivan, som Wainwright Building og Chicago Stock Exchange, ofte talt blant de beste eksemplene på det brede arkitektoniske omfanget av Art Nouveau.
Den gjenværende buen til Chicago Stock Exchange - Art Nouveau
Art nouveau stil møbler og interiørdesign
I likhet med viktoriansk stilistisk gjenfødt og kunst- og håndverksbevegelsen, var Art Nouveau intimt assosiert med interiørdekorasjon minst like mye som iøynefallende i de ytre fasadene. Også som disse andre stilene på 1800 -tallet, kjempet interiøret Art Nouveau også med å skape et harmonisk og sammenhengende miljø som ikke ville etterlate noen intakt overflate. Møbeldesignet okkuperte et sentralt sted i denne forbindelse, spesielt i produksjonen av utskåret tre som presenterte skarpe og uregelmessige konturer, ofte håndlagde, men noen ganger laget med maskiner. Møbelprodusenter produserte stykker for alle tenkelige bruksområder: senger, lenestoler, spisebord og stoler, skap, sidelengs og lysestaker. De sinuøse kurvene til designene ble ofte matet på den naturlige vene på treverket og ble ofte permanent installert som veggpaneler og lister.
I Frankrike inkluderte de viktigste designerne av Art Nouveau Louis Majorelle, Emile Galle og Eugène Vallin, alle med base i Nancy, og Tony Selmersheim, Édouard Colonna og Eugène Gaillard, som jobbet i Paris, de to siste spesifikt for Siegfried Buting som ble kalt Ling lange. 'Art Nouveau, og deretter gir hele bevegelsen sitt vanligste navn.
Designer's Furniture - Louis Majorelle Art Nouveau
I Belgia kan cervical whiplash-linjen og de mest kantete og reserverte konturene sees i designene til Gustave Serrurier-Bovy og Henry van de Velde, som beundret verkene til de engelske kunstnerne og håndverket. Italienerne Alberto Bugatti og Augustino Lauro var kjent for sine inngrep i stilen der. Mange av disse designerne beveget seg fritt blant media, noe som ofte gjorde dem vanskelige å kategorisere: Majorelle, for eksempel, produserte sine egne tre møbeldesign og åpnet en hestesko smelting,
Alberto bugatti møbler art nouveau
Art Nouveau -maleri og High Arts
Få stiler kan hevde å være representert i nesten alle former for visuelle og materielle medier som er så komplette som Art Nouveau. I tillegg til de som hovedsakelig jobbet med grafikk, arkitektur og design, har Art Nouveau noen fremragende representanter i maleriet, for eksempel løsrivelsen av Wien Gustav Klimt, kjent av Hope II og KISS (begge 1907-08), og Victor Prouvé i Frankrike.
The Hope II of Klimt - Art Nouveau
Men Art Nouveaus malere var få og fjerne fra hverandre: Klimt hadde praktisk talt ikke studenter eller tilhengere (Egon Schiele var i retning av ekspresjonisme), og Prouvé er like kjent som en skulptør og møbeldesigner. På den annen side kan det sies at Art Nouveau var ansvarlig, mer enn noen annen stil i historien, for å redusere gapet mellom dekorativ kunst eller anvendt på utilitaristiske gjenstander og den findydige kunstkunsten, skulpturen og arkitekturen, kunst som hadde tradisjonelt blitt ansett som viktigere, reneste uttrykk for talent og kunstneriske ferdigheter, og kunne diskuteres hvis dette gapet ble lukket fullstendig.
Victor Prouvé Art Nouveau Drawing
Art nouveau smykker og glassvarer
Det luksuriøse omdømmet til Art Nouveau var også tydelig for utnyttelsen av noen av de mest kjente glassartistene i historien. Emile Galle, Daum Brothers, Tiffany og Jacques Gruber fant først anerkjent, i det minste delvis, gjennom deres Art Nouveau -glass og deres applikasjoner i mange utilitaristiske former. Bedriftene i Galleé og Daum etablerte sitt rykte i vasedesign og glasskunst, og var pionerer i nye teknikker i syre -innspilte stykker hvis små og godt dannede overflater som så ut til å strømme mellom gjennomskinnelige toner uten problemer.
Broths Daum og Tiffany utnyttet også de kunstneriske mulighetene til glass til utilitaristiske formål, for eksempel lampeskjermer og desktop -redskaper. Både Tiffany og Jacques Gruber, som hadde trent i Nancy med Daum Brothers i smykker, samt René Lalique, Louis Comfort Tiffany og Marcel Wolfers, skapte noen av de mest dyrebare stykkene i århundrets endring, og produserte alt, fra øreringer til halskjeder, armbånd og brosjer, og dermed sikre at Art Nouveau alltid vil være assosiert med slutt-luksury av Siècle, til tross for håpet om at allestedsnærheten hans kunne gjøre det universelt tilgjengelig.
Bedriftsidentitet hos Art Nouveau
Art Nouveau hoppet til berømmelse samtidig som detaljhandelssalget utvidet for å tiltrekke seg et virkelig massivt publikum. Han hadde en enestående plass i mange av de viktigste urbane varehusene som ble opprettet på slutten av 1800 -tallet, inkludert Samaritaine i Paris, Wertheims i Berlin og Magasins Reunis i Nancy.
I tillegg ble det aggressivt markedsført av noen av tidenes mest kjente designpunkter, og startet med L'Art Nouveau -butikken i Siegfried Bing i Paris, som forble en bastion av formidlingen av stilen til dens nedleggelse i 1905 lite etter Bings død. Hans var langt fra å være den eneste butikken i byen som spesialiserte seg i interiør og møbler Art Nouveau.
I mellomtiden var Liberty & Co. den viktigste distributøren av stilobjekter i Storbritannia og Italia, der som et resultat av Liberty -navnet nesten ble synonymt med stil.
Liberty & Co - Art Nouveau
Mange designere Art Nouveau ble kjent som utelukkende for disse forhandlerne før de flyttet i andre retninger. Arkitekten Peter Behrens, for eksempel, designet praktisk talt alt, fra tekanner til bokomslag, reklameplakater, interiør av utstillingspaviljoner, redskaper og møbler, og ble til slutt den første industridesigneren da han i 1907 hadde ansvaret for hele designarbeidet for Aeg, den tyske elektriske generalen.
Kunstnuveauens innflytelse på kultur: hva som kom etter
Hvis Art Nouveau raskt tok overgrepet på Europa de siste fem årene av det nittende århundre, forlot kunstnere, designere og arkitekter ham raskt i det første tiåret av det tjuende århundre.
Selv om mange av dens utøvere hadde gjort læren til "formen må følge til funksjonen" sentrum av deres etos, hadde noen designere en tendens til å være luksuriøs i bruken av dekorasjon, og stilen begynte å bli kritisert for å være for forseggjort. På en måte, etter hvert som stilen modnet, begynte den å vende tilbake til de samme vanene som den hadde foraktet, og et økende antall motstandere begynte å bekrefte at den gamle mannen i stedet for å fornye designen ganske enkelt hadde endret seg for det overfladisk nye. Selv ved bruk av nye masseproduksjonsmetoder, forhindret intensivt håndverk involvert i mye av Art Nouveau -designet det fra å bli virkelig tilgjengelig for et massepublikum, ettersom eksponentene opprinnelig hadde forventet at det kunne være. I noen tilfeller, som i Darmstadt, forhindret de slappe internasjonale lovene om opphavsrett også kunstnere fra å dra nytte av deres design.
Art Nouveau -foreningen med utstillingene bidro også snart til ødeleggelsen. For å starte var de fleste bygningene på messen midlertidige strukturer som ble revet umiddelbart etter avslutningen av arrangementet. Men det som er viktigere, utstillingene i seg selv, selv om de ble holdt under påskudd av å fremme internasjonal utdanning, forståelse og fred, hadde en tendens til å mate rivaliseringen og konkurransen mellom nasjoner på grunn av utstillingens iboende komparative natur. Mange land, inkludert Frankrike og Belgia, betraktet som Art Nouveau som potensielle kandidater for tittelen "National Style", gitt beskyldningene om utenlandsk opprinnelse eller undergravende politiske nyanser av Art Nouveau, for eksempel i Frankrike, den forbundet med forskjellige måter med designere med Designere belgiere og tyske kjøpmenn, og noen ganger var det stilen som ble brukt i sosialistiske bygninger, og vendte tilbake til opinionen mot ham. Med noen bemerkelsesverdige unntak der han likte en engasjert sirkel av lokale sponsorer dedikert, hadde Art Nouveau i 1910 forsvunnet fra det europeiske designpanoramaet nesten fullstendig.
Fra Werkstätte til Art Deco
Døden til Art Nouveau begynte i Tyskland og Østerrike, der designere som Peter Behrens, Josef Hoffmann og Koloman Moser begynte å ta i bruk en mer nøktern og mer alvorlig estetikk. Mer presis, industriell inspirasjon, som utelot enhver referanse åpen for naturen.
Denne årsaken til maskin -laget designegenskaper ble understreket i 1907 av to viktige hendelser: installasjonen av Behrens som leder for hele bedriftsdesignet til AEG, fra bygninger til produkter og reklame, noe som gjorde den til den første industridesigneren i verden; og det tyske Werkbund Foundation, den formelle alliansen mellom industrimenn og designere som i økende grad prøvde å definere et system med typer produkter basert på standardisering. Kombinert med en ny respekt for klassisisme, og inspirert av den universelle Chicago -utstillingen i 1893 og den offisielle velsignelsen av byens vakre bevegelse i USA, ville denne estetikken inspirert av maskiner til slutt utvikle seg etter første verdenskrig, i den stilen vi nå Ring sent Art Deco.
Den rent kommersielle karakteren ble uttrykt mer kortfattet i den internasjonale utstillingen Des Arts Decoratifs et Industries Modernes i Paris i 1925, hendelsen som på 1960 -tallet ville gi navnet sitt til Art Deco. Kombinert med en ny respekt for klassisisme, inspirert av Chicago Universal -utstillingen i 1893 og den offisielle velsignelsen av byens vakre bevegelse i USA, ville denne estetikken inspirert av maskiner til slutt utvikle seg etter første verdenskrig, i den stilen vi nå kaller sent Art Deco.
Postmoderne påvirkninger av kunst Nouveau
Til tross for sitt korte liv, ville Art Nouveau være innflytelsesrik på 1960- og 1970 -tallet for designere som ønsket å frigjøre seg fra restriktive, stramme, upersonlige og stadig mer minimalistiske estetikk som rådet i grafisk kunst. De lineære egenskapene til fri og ukontrollert flyt av Art Nouveau ble en inspirasjon for kunstnere som Peter Max, hvis evokasjon av en alternativ psykedelisk og drømmeopplevelse husker den fantasifulle, flyktige og frie estetiske verdenen med fri flyt i begynnelsen av århundret.
Alltid anerkjent fra begynnelsen som et viktig skritt i utviklingen av modernismen både innen kunst og arkitektur, er i dag kunstnuveauet mindre forstått som en overgangsbro mellom kunstneriske perioder og er et uttrykk for stil, ånd og den intellektuelle tenkningen på en viss tid ramme, fokusert rundt århundrets tilbakekomst, i 1900. I sitt søk for å etablere en virkelig moderne estetikk, kunsten Nouveau Det ble det definitive visuelle språket i et flyktig øyeblikk av tiden.
Kuadros ©, en berømt maling på veggen din.
