Art Deco er en populær designstil i 1920 og 1930 -tiårene, spesielt preget av elegante geometriske eller stiliserte former og ved bruk av menneskeskapte materialer.
Egenskapene til Art Deco -stilen har sin opprinnelse i Frankrike midt i og på slutten av 1910 1930 -tallet.
De karakteristiske egenskapene til Art Deco gjenspeiler beundring for maskinens modernitet og av designkvalitetene som ligger i objektene som er laget av maskin, for eksempel relativ enkelhet, planaritet, symmetri og ufravikelig repetisjon av elementer. Art Deco -objekter viser ofte enkle og rene former, vanligvis med et "stilisert" utseende; Geometrisk eller stilisert ornament fra figurative former som blomster, dyr og solstråler; og bruk av menneskeskapte stoffer, inkludert plast, vitaminglass og armert betong, ofte kombinert med naturlige materialer som jade, sølv, elfenben og krom.
Art Deco - Plakat
Blant Art Deoks formative påvirkninger er Art Nouveau, Bauhaus, kubismen og Russes Ballets av Serge Diaghilev. Art Deco -utøvere fant også inspirasjon i kildene til de amerikanske indianerne, egypterne og tidlige klassikere, så vel som i naturen.
I likhet med Art Deco er Art Nouveau en prydstil som gjelder medier som arkitektur, interiørdesign, smykker og illustrasjon. Begge stilene var populære i Europa og USA, men Art Nouveau blomstret før, mellom 1890 og 1910.
På sin side nådde Art Deco sitt høydepunkt på slutten av 1920 -tallet og begynnelsen av 1930 av blomster, vintreet, insektvinger og andre delikate naturlige gjenstander. Art Deco feiret derimot den moderne maskinen og promoterte geometriske linjer og elegante former.
Den viktigste forskjellen med Art Nouveau er innflytelsen fra kubismen som gir Art Deco -design en mer fragmentert geometrisk karakter. Bilder basert på planter og sinuøse kurver forble imidlertid i noen Art Deco -design, for eksempel den fra Clarice Cliff i Storbritannia. Art Deco var veldig variert i påvirkningene, inspirert av gammel egyptisk kunst, aztekisk kunst og annen gammel sentralamerikansk kunst, så vel som i utformingen av moderne skip, tog og biler. Det ble også inspirert av den moderne arkitekturen og utformingen av Bauhaus og arkitekter som Le Corbusier og Mies van de Rohe.
Art Deco avledet navnet sitt fra utstillingen Internationale des Arts Decoratifs et Industries Modernes, som ble holdt i Paris i 1925, hvor stilen først ble stilt ut. Art Deco -designet representerte modernismen ble til mote. Produktene deres inkluderte begge luksuriøse artikler individuelt laget som masseproduserte artikler, men i alle fall var intensjonen å skape en elegant og antitradiksjonell eleganse som ville symbolisere rikdom og raffinement.
Flertallet av de fremtredende skaperne av Art Deco designet artikler laget for hånd eller begrenset utgave. De inkluderte møbeldesignere Jacques Ruhlmann og Maurice Dufrène; arkitekten Eliel Saarinen; gullsmeden Jean Puiforcat; designeren av smykker og krystaller René Lalique; motedesigneren Erté; Artistene-Murms Raymond Templier, HG Murphy og Wiwen Nilsson; og Chiparus figurativ billedhugger.
Art Deco- Jacques Ruhlmann Furniture
Art Deco del Opberes Jean Puiforcat
Tidlig Art Deco
På slutten av 1800 -tallet i Frankrike anerkjente mange av kunstnerne, arkitektene og bemerkelsesverdige designere som hadde spilt en viktig rolle i utviklingen av Art Nouveau -stilen at den ble stadig mer forbi fasjonabelt. På slutten av et århundre som så den industrielle revolusjonen etablere seg, ble samtidslivet veldig forskjellig fra noen tiår før. Det var på tide med noe nytt, noe som utbryter "det tjuende århundre" fra modernistisk og god smak.
Society of Decorative Artists of France
Fra dette ønsket om å bevege seg mot det nye århundret til innovasjonens passering i stedet for å bli stoppet av nostalgi, dannet en gruppe franske kunstneriske innovative en organisasjon kalt Societé des Artistes Décoralateurs (Society of Decorative Artists). Gruppen var sammensatt av anerkjente figurer som Art Nouveau Eugene Grasset, og arkitekt Art Nouveau Hector Guimard, sammen med nye dekorative kunstnere og designere som Pierre Chaareou og Francis Jourdain. Den franske staten støttet og oppmuntret til denne retningen av kunstnerisk aktivitet.
Art Deco - The Society of Decorative Artists
Et av hovedmålene med den nye gruppen var å utfordre den hierarkiske strukturen til visuell kunst som henviste dekorative kunstnere til en status som er mindre enn de mest klassiske maleriene og skulpturen. Jourdain er sitert berømt: "Derfor bestemte vi oss for å returnere den dekorative kunsten, diskusjonelt behandlet som en Askepott eller en dårlig slektning som fikk lov til å spise sammen med tjenerne, til det viktige stedet, nesten overveiende som han okkuperte i fortiden, av alle tidene og til enhver tid "av Globe -landene".
Planen for en flott utstilling som presenterte en ny type dekorativ kunst ble opprinnelig tenkt av 1914, men måtte suspenderes til etter at første verdenskrig var over og deretter forsinket av flere grunner til 1925.
Utstillingen som offisielt lanserte Art Deco -bevegelsen
Den franske regjeringen, som var vertskap for utstillingen mellom Esplanade av Les Invalides med en gylden kuppel og inngangene til Petit Palais og Grand Palais på begge sider av Sena -elven, kjempet for å vise den nye stilen. Mer enn 15 000 kunstnere, arkitekter og designere stilte ut sitt arbeid i utstillingen. I løpet av de syv månedene av utstillingen turnerte mer enn 16 millioner mennesker de mange individuelle utstillingene. Denne utstillingen var katalysatoren for begynnelsen av bevegelsen.
Art Nouveau og Art Deco
Art Deco var en direkte og filosofisk direkte respons på Art Nouveau -stilen og det bredere kulturelle fenomenet modernisme. Art Nouveau begynte å bli fasjonabel under første verdenskrig, siden mange kritikere følte at de utviklede detaljene, delikate designene, ofte dyre materialer og stilproduksjonsmetoder ikke tilpasset seg en moderne, ustabil, ustabil verden og mer og mer maskinert. Mens Art Nouveau -bevegelsen avledet sine intrikate og stiliserte naturformer og opphøyet dyderne til det som ble gjort for hånd, la Art Deco -estetikken vekt på aerodynamikk og elegant geometri fra maskintiden.
Art Deco og modernismen
Utstilling Internationale samlet seg ikke bare i Art Deco -stilen, men plasserte også håndverksartikler i nærheten av eksempler på avant -garde -malerier og skulpturer i stiler som kubisme, konstruktivisme, Bauhaus, stijl og futurisme. På 1920 -tallet var Art Deco et frodig kontrapunkt, men stort sett konvensjonell, den mest hjerneestetikken Bauhaus og Stijl. De tre delte en vektlegging av rene og sterke linjer som et organiserende designprinsipp. Art Deco -utøvere tok i bruk teknologisk innovasjon, moderne materialer og mekanisering og prøvde å understreke dem i den generelle estetikken i selve stilen. Utøverne lånte og lærte også av andre modernistiske bevegelser. Art Deco ble vurdert av fans som var oppdatert med de fremtidige perspektivene til moderne avant -gardebevegelser. Ironisk nok spilte modernistisk maleri og skulptur en sekundær rolle i utstillingen med de få unntakene av den sovjetiske paviljongen og Esprit Nouveau Pavilion of Le Corbusier.
Art Deco etter den store depresjonen
Begynnelsen på den andre fasen av Art Deco falt sammen med begynnelsen av den store depresjonen. Innstramninger kan faktisk være sentral estetikk av både pragmatiske og konseptuelle grunner til denne andre utviklingen av Art Deco. Mens Art Deco -arkitektur, for eksempel, hadde vært orientert vertikalt med skyskrapere som steg til store høyder, symboliserte senere Art Deco -bygninger med sine eksteriør stort sett uten ornamenter, elegante kurver og horisontal vekt på robusthet, stille verdighet og motstand. I de verste årene med økonomisk katastrofe, fra 1929 til 1931, gikk den amerikanske Art Deco fra å følge trender for å etablere dem.
Strømlinjeforme Modrne
Streamline Modrne ble den amerikanske fortsettelsen av den europeiske Art Deco -bevegelsen. Utover den alvorlige økonomiske og filosofiske påvirkningen, den estetiske inspirasjonen for den første strømlinjeformen Modrne i begynnelsen av -Siglo XX.
Art Deco - strømlinjeforme Modrne
Kunstnerne og arkitektene for den nye objektiviteten ble inspirert av samme type nøkterne pragmatisme som tvang forsvarerne av å strømlinjeforme Modrne til å eliminere overskridelser, inkludert følelsesmessigheten til ekspresjonisme. Arkitektene for den nye objektiviteten konsentrerte seg om å produsere strukturer som kan betraktes som praktiske, for eksempel en refleksjon av kravene fra det virkelige liv. De foretrakk at designene deres tilpasser seg den virkelige verden i stedet for å få andre til å tilpasse seg litt praktisk estetikk. For det formål var nye objektivitetsarkitekter til og med pionerer innen prefabrikasjonsteknologi (bidro til å raskt og effektivt huse de fattige i Tyskland).
Jeg blottet for ornamenter, strømlinjeforme moderne arkitektur hadde rene kurver, lange horisontale linjer (inkludert vinduerbånd), glassmurstein, okse øyestilvinduer og sylindriske former og noen ganger nautiske. Mer enn noen gang var det vekt på aerodynamikk og andre uttrykk for moderne teknologi. De dyreste og ofte eksotiske materialene fra Art Deco ble erstattet av betong, glass og krommaskinvare i Streamline Modern. Fargen ble brukt i moderasjon, siden hvitaktig, beige og jordfarger erstattet de mest livlige fargene på Art Deco. Stilen ble først introdusert i arkitektur og utvidet deretter til andre objekter, lik den tradisjonelle Art Deco -stilen.
Art Deco er tilbakevirkende navn
Opprinnelig ble begrepet "Art Deco" brukt pejorativt av en berømt detractor, den modernistiske arkitekten Le Corbusier, i artikler der han kritiserte stilen for ornamentikken, et kjennetegn som han anså som unødvendig i moderne arkitektur. Mens stilforsvarere anerkjente ham som en modernistisk og forenklet respons på overdreven ornamentikk, spesielt sammenlignet med hans umiddelbare forgjenger, Art Nouveau, siden enhver dekorasjon var overflødig for Le Corbusier. Det var først på slutten av 1960 -tallet, da interessen for stil ble revitalisert, at den britiske historikeren og kritikeren Bevis Hillier brukte begrepet "Art Deco" på en positiv måte.
Art Deco i USA
I USA utviklet mottakelsen av Art Deco -bevegelsen seg i en annen bane. Herbert Hoover, den amerikanske handelssekretæren. På den tiden bestemte han at amerikanske designere og arkitekter ikke kunne stille ut sitt arbeid i den internasjonale utstillingen fordi det hevdet at landet fremdeles måtte bli gravid en tydelig amerikansk kunststil som var tilfredsstillende " nytt nok. " Som et alternativ sendte han en delegasjon til Frankrike for å evaluere tilbudene i utstillingen og deretter bruke det de så på en moderne amerikansk kunstnerisk og arkitektonisk stil. I kontingenten av estetiske utsendinger sendt av Hoover, ble viktige figurer fra American Institute of Architecture, Metropolitan Museum of Art og The New York Times inkludert. Oppdraget inspirerte en nesten øyeblikkelig boom av kunstnerisk innovasjon i USA.
I 1926 turnerte en mindre versjon av den franske messen "en valgt samling av gjenstander fra den internasjonale utstillingen av moderne, industriell og dekorativ kunst" mange amerikanske byer. UU. Som New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis , Boston, Minneapolis. og Philadelphia. American World Fairs i Chicago (1933) og New York City (1939) fremhevet Art Deco -designene, mens Hollywood tok i bruk estetikk og gjorde det glamorøst i hele landet. Til og med amerikanske selskaper som General Motors og Ford bygde paviljonger på New York World Fair.
Art Deco - World Fair i New York
Blant de mest kjente eksemplene på den amerikanske Art Deco -stilen er skyskrapere og andre store bygninger. Faktisk har Art Deos amerikanske iterasjon i bygningsdesign blitt kalt sikksakk moderne for sine kantete og geometriske mønstre som utdypede arkitektoniske fasader. Imidlertid er den amerikanske art deco generelt ofte mindre pryd enn den europeiske forgjengeren. Utover rene linjer og sterke kurver, dristige geometriske former, intense farger og noen ganger luksuriøs ornamentikk, er den amerikanske versjonen enklere. Som viktige påvirkninger som den nye objektiviteten og den internasjonale arkitekturstilen, så vel som de alvorlige økonomiske tilbakeslagene på slutten av 1920 -tallet og begynnelsen av 1930 -tallet, begynte de å påvirke Art Deco -estetikken, stilen ble mye mindre luksuriøs.
Art Deco - Zig Zag Modern
Den amerikanske Art Deco -stilen ble utviklet som en feiring av teknologisk fremgang, inkludert masseproduksjon, og en tro gjenopprettet i sosial fremgang. I hovedsak kan disse prestasjonene betraktes som en refleksjon av nasjonal stolthet. På 1930 -tallet under Works Progress Administration (WPA) av Roosevelt var mange av verkene som ble opprettet Art Deco, fra kommunale strukturer som biblioteker og skoler til masse offentlige veggmalerier. WPA hadde til hensikt å øke den etterkrigsøkonomien gjennom opprettelsen av arbeidsplasser i offentlige arbeider, og prøvde å tjene samfunnet gjennom å skape arbeidsplasser og innpode amerikanske verdier innen design. Bruken av amerikansk art deco brakte et uttrykk for demokrati gjennom design. Noen materialer som ofte ble brukt i Art Deco -skapelsen var dyre og derfor var utenfor rekkevidden til den gjennomsnittlige mannen. Bruken av nye eller lave kostnader gjorde det imidlertid mulig å produsere et bredt spekter av rimelige produkter, og brakte derfor skjønnhet til den offentlige sfæren på en ny måte.
Global vekst av Art Deco
Art Deco -stilen ble styrket i verdens hovedsteder så forskjellige som Havana, Cuba, Mumbai og Yakarta. Havana har et helt nabolag innebygd Art Deco -stil. London Underground Rail -systemet inkluderer i stor grad stilen. Port of Shanghai inneholder mer enn femti Art Deco -strukturer, hvorav de fleste ble designet av den ungarske Laszlo Hudec. Fra krigsmonumenter til sykehus, har også byer som er så fjerne som Sydney og Melbourne i Australia absorbert den fenomenale stilen.
Art Deco - Laszlo Hudec
De viktigste visuelle egenskapene til Art Deco er avledet fra repeterende bruk av lineære og geometriske former som inkluderer trekantede former, i sikksakk, trapesformet og med Chevrons mønster. Som forgjengeren, Art Nouveau, når gjenstander som blomster, dyr eller menneskelige figurer er representert, blir disse stilisert og forenklet mye for å opprettholde den generelle estetikken til Art Deco. Arten og omfanget av stilisering og forenkling eller forenkling varierer i henhold til den regionale iterasjonen av stilen. For eksempel er en figur som Fire Bird (1922) av den franske designeren René Lalique, elegant slank og dempet, mens Atlas of Lee Lawrie (1937) utenfor Rockefeller -senteret er solid og robust med en ettertrykkelig lineær muskulatur, selv om begge regnes som gode fremstillinger av Deco -stilen.
Art Deco - Atlas de Lee Lawrie i Rockerfeller -bygningen
I henhold til vektleggingen av bevegelsen innen moderne teknologi, utnyttet kunstnere og designere Art Deco moderne materialer som plast, Baquelita og rustfritt stål. Men når det var nødvendig med et snev av rikdom og foredling, innlemmet designere mer eksotiske materialer som elfenben, horn og sebrahud. Som med Art Nouveau og kunst- og håndverksbevegelser, ble Art Deco -stilen mye mindre brukt på formene for uttrykk for visuell kunst tradisjonelt av høyeste rangering: maleri og skulptur.
Art Deco Design
Art Deco -stilen utøvde sin innflytelse på grafisk kunst på en måte som avslører innflytelsen fra italiensk futurisme med sin kjærlighet til hastigheten og tilbedelsen av maskinen. Futuristkunstnere brukte linjer for å indikere bevegelsen, kjent som "hastighetshus", som kom ut av hjulene til biler og raske bevegelsestog. I tillegg brukte Art Deco -utøvere parallelle linjer og koniske former som antyder symmetri og aerodynamikk. Typografien ble påvirket av den internasjonale innflytelsen fra Art Deco og typene Bifur, Broadway og Peignots skrift husk stilen.
Art Deco - Fuente Bifur
Når det gjelder bilder, minner enkle former og store fastefarlige områder japanske tregraveringer, som hadde blitt en viktig kilde til innflytelse for vestlige kunstnere, spesielt i Frankrike, etter slutten av den isolasjonistiske perioden Edo i 1868. Den påfølgende tilstrømningen av Japans Kunst til Europa hadde stor innvirkning. Spesielt kunstnere som er funnet i den formelle enkelheten i tregraveringer en modell for å lage sine egne utpreget moderne stiler, som starter med impresjonisten.
Art Deco -møbler
Fram til slutten av 1920 -tallet besto designen av avant -garde møbler i Frankrike hovedsakelig av variasjoner i Art Nouveau -stilen, men forenklet og mindre krumlinjet. Etter hvert som tiåret gikk, fremsto Émile-Jacques Ruhlmann som den viktigste møbeldesigneren (Ruhlmann hadde sin egen paviljong i utstillingen i 1925). Selv om designene hans hovedsakelig var inspirert av stykker av 1700 -tallet produsert i den nyklassisistiske stilen, eliminerte han mye av ornamentet mens han brukte eksotiske materialer som var foretrukket av designerne Art Nouveau, som mahogany, Ebony, Palisandro, Ivory og Turtle Shell. Selvfølgelig var brikkene deres ofte for dyre for at noen kunne skaffe dem, bortsett fra de rikeste.
I motsetning til de luksuriøse designene til Ruhlmann, som så ut til å være på hesteryggen blant Styles Art Nouveau og Art Deco, var den absolutt Art Deco Furniture Designer i Frankrike Jules Leleu. Han hadde vært en tradisjonell designer til den nye stilen erstattet Art Nouveau og er kjent for utformingen av den store spisesalen til Elysium Palace i Paris og de luksuriøse hyttene på den første klassedekket til den elegante Normandie Steamboat.
Art Deco - Jules Leleu Møbler
I motsetning til Leleu og Ruhlmann, var Le Corbusier en forsvarer av en veldig liten versjon og uten ornamenter av Art Deco -stilen, og skapte ofte tilstrekkelige møbler for de stramme interiørene i sine egne arkitektoniske strukturer. Hans intensjon var å designe prototyper, spesielt stoler, som kunne produseres av masse og derfor var rimelige for et forsterkermarked
rot. Det skal også bemerkes at interiørdesignet til Donald Deskey på det berømte interessestedet i New York City, City Music Hall, er et utmerket eksempel på utformingen av amerikanske Art Deco -møbler som fremdeles forblir intakt i sin opprinnelige form i den tilstede.
Art Deco - Le Corbusier møbler
Art Deco -arkitektur
Art Deco -arkitektur er preget av hardkantdesign, ofte rikt utsmykket, fremhevet av skinnende metalldetaljer. Mange av disse bygningene har en vertikal vektlegging, bygget med den hensikt å tiltrekke oppmerksomhet. Rektangulære former, ofte i blokker, er geometrisk anordnet, med tilsetning av nåler på taket og/eller buede prydelementer for å gi en aerodynamisk effekt. New York skyskrapere og Miamis pastellfargede bygninger er blant de mest kjente amerikanske eksemplene, selv om stilen ble implementert i en rekke strukturer over hele verden.
I USA hjalp Works Progress Administration Architecture Art Deco med å generalisere. Interessant nok er fusjonen av klassisismen Art Deco og Beaux-Arts sett i mange offentlige verk av depresjonen kjent som PWA Modrne eller Moderne depresjon.
Art Deco PWA Moderne - Moderne depresjon
Etterfølgende utvikling: Etter Art Deco
Art Deco gikk ut av stilen i årene med andre verdenskrig i Europa og Nord -Amerika, med nøysomheten til krigens tid som gjorde stilen mer og mer slående og dekadent. Metallene kom seg for å bruke dem i konstruksjonen av våpen, i stedet for å dekorere bygninger eller innvendige rom. Møblene ble ikke lenger betraktet som statusobjekter. Andre teknologiske fremskritt tillot en billigere produksjon av grunnleggende forbruksartikler, og eliminerer behovet og populariteten til Art Deco -designere.
En bevegelse som på mange måter forsøkte å bryte med fortiden, har nå blitt en klassiker som genererer suveren nostalgi og huskes med kjærlighet. Siden 1960 -tallet har det vært en konstant og kontinuerlig interesse for stil. Du kan se Art Deco -ekko i den moderne utformingen av midten av århundre, som utfører de aerodynamiske estetikken til Deco og gjennomgår den rene enkelheten i Bauhaus. Deco hjalp også til å inspirere Memphis Group, en design- og arkitekturbevegelse sentrert om Milano i løpet av 1980 -tallet. Memphis var også basert på popkunst og kitsch som kilder for deres fargerike og bevisst postmoderne design.
Kuadros ©, en berømt maling på veggen din.
