Clase de Arte Kuadros: El Art Deco

 

El Art Deco es un estilo de diseño popular de las décadas de 1920 y 1930 caracterizado especialmente por formas geométricas o estilizadas elegantes y por el uso de materiales hechos por el hombre.

Las características del estilo Art Deco se originaron en Francia a mediados y a finales de la década de 1910, maduraron durante la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas celebrada en París en 1925, convirtiéndose en un estilo importante en Europa occidental y los Estados Unidos durante la década de 1930.

Los rasgos característicos del Art Deco reflejan la admiración por la modernidad de la máquina y por las cualidades de diseño inherentes a los objetos hechos a máquina, por ejemplo, relativa simplicidad, planaridad, simetría y repetición invariable de elementos. Los objetos Art Deco a menudo exhiben formas simples y limpias, generalmente con un aspecto "estilizado"; ornamento geométrico o estilizado a partir de formas figurativas como flores, animales y rayos de sol; y el uso de sustancias hechas por el hombre, incluidos los plásticos, el vidrio vitamínico y el hormigón armado, a menudo combinados con materiales naturales como el jade, la plata, el marfil y el cromo.

Art Deco Poster

Art Deco - póster

Entre las influencias formativas del Art Deco se encuentran el Art Nouveau , la Bauhaus , el Cubismo y los Ballets Russes de Serge Diaghilev. Los practicantes del Art Deco también encontraron inspiración en las fuentes de los indios americanos, egipcios y clásicos tempranos, así como en la naturaleza.

Al igual que el Art Deco, el art nouveau es un estilo ornamental que se aplica a medios como la arquitectura, el diseño de interiores, la joyería y la ilustración. Ambos estilos fueron populares en Europa y Estados Unidos, pero el Art Nouveau floreció antes, entre 1890 y 1910.

A su vez el Art Deco alcanzó su apogeo a fines de la década de 1920 y principios de la de 1930. El Art Nouveau enfatizaba la naturaleza, y los objetos se caracterizaban especialmente por líneas sinuosas asimétricas, que a menudo tomaban la forma de tallos y capullos de flores, zarcillos de vid, alas de insectos y otros objetos naturales delicados. El Art Deco, por otro lado, celebró la máquina moderna y promovió líneas geométricas y formas elegantes.

Su principal diferencia con el art nouveau es la influencia del cubismo que le da al diseño Art Deco un carácter geométrico más fragmentado. Sin embargo, las imágenes basadas en formas de plantas y curvas sinuosas permanecieron en algunos diseños Art Deco, por ejemplo, el de Clarice Cliff en Gran Bretaña. El Art Deco fue muy variado en sus influencias, inspirándose en el arte egipcio antiguo, el arte azteca y otros arte centroamericano antiguo, así como en el diseño de barcos, trenes y automóviles modernos. También se inspiró en la arquitectura y el diseño modernos de la Bauhaus y de arquitectos como Le Corbusier y Mies van de Rohe.

El Art Deco derivó su nombre del Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, celebrada en París en 1925, donde se exhibió por primera vez el estilo. El diseño Art Deco representó el modernismo convertido en moda. Sus productos incluían tanto artículos de lujo hechos a mano individualmente como artículos producidos en masa, pero, en cualquier caso, la intención era crear una elegancia elegante y antitradicional que simbolizara la riqueza y la sofisticación.

La mayoría de los destacados creadores de Art Deco diseñaron artículos hechos a mano o de edición limitada. Incluyeron a los diseñadores de muebles Jacques Ruhlmann y Maurice Dufrène; el arquitecto Eliel Saarinen; el orfebre Jean Puiforcat; el diseñador de joyas y cristales René Lalique; el diseñador de moda Erté; los artistas-joyeros Raymond Templier, HG Murphy y Wiwen Nilsson; y el escultor figurativo Chiparus.

Art Deco - Jacques Ruhlmann

Art Deco - mueble de Jacques Ruhlmann

Art Deco Jean Puiforcat

Art Deco del orfebre Jean Puiforcat

Comienzos del Art Deco

A fines del siglo XIX en Francia, muchos de los artistas, arquitectos y diseñadores notables que habían desempeñado un papel importante en el desarrollo del estilo Art Nouveau reconocieron que se estaba volviendo cada vez más pasado de moda. Al final de un siglo que vio afianzarse la Revolución Industrial, la vida contemporánea se volvió muy diferente a la de unas décadas antes. Era hora de algo nuevo, algo que exclamara " siglo XX" desde los tejados modernistas y de buen gusto.

 

La Sociedad de Artistas Decorativos de Francia

A partir de este deseo de avanzar hacia el nuevo siglo al paso de la innovación en lugar de ser frenado por la nostalgia, un grupo de innovadores artísticos franceses formó una organización llamada Societé des Artistes Décorateurs (La Sociedad de Artistas Decorativos). El grupo estaba compuesto por figuras reconocidas como el diseñador y grabador de estilo Art Nouveau Eugene Grasset, y el arquitecto Art Nouveau Hector Guimard, junto con artistas y diseñadores decorativos emergentes como Pierre Chareau y Francis Jourdain. El estado francés apoyó y fomentó esta dirección de la actividad artística.

Societé des Artistes Décorateurs Art Deco - La Sociedad de Artistas Decorativos

Uno de los principales objetivos del nuevo grupo era desafiar la estructura jerárquica de las artes visuales que relegaba a los artistas decorativos a un estatus menor que los medios más clásicos de pintura y escultura. Se cita célebremente a Jourdain: "Por lo tanto, decidimos devolver el arte decorativo, tratado desconsideradamente como una Cenicienta o un pariente pobre al que se le permitía comer con los sirvientes, al lugar importante, casi preponderante que ocupó en el pasado, de todos los tiempos y en todos los tiempos" de los países del globo".

El plan para una gran exposición que presentara un nuevo tipo de arte decorativo se concibió originalmente para 1914, pero tuvo que suspenderse hasta después de que terminara la Primera Guerra Mundial y luego se retrasó por varias razones hasta 1925.

 

La Exposición que lanzó oficialmente el movimiento Arte deco

El gobierno francés, que acogió la exposición entre la explanada de Les Invalides con cúpula dorada y las entradas del Petit Palais y el Grand Palais a ambos lados del río Sena, se esforzó por mostrar el nuevo estilo. Más de 15.000 artistas, arquitectos y diseñadores exhibieron su trabajo en la exposición. Durante los siete meses de la exhibición, más de 16 millones de personas recorrieron las muchas exhibiciones individuales. Esta exposición fue el catalizador para el comienzo del movimiento.

 

Art Nouveau y Art Déco

Art Deco fue una respuesta directa estética y filosóficamente al estilo Art Nouveau y al fenómeno cultural más amplio del modernismo. El Art Nouveau comenzó a pasar de moda durante la Primera Guerra Mundial, ya que muchos críticos sintieron que los detalles elaborados, los diseños delicados, los materiales a menudo costosos y los métodos de producción del estilo no se adaptaban a un mundo moderno desafiante, inestable y cada vez más mecanizado. Mientras que el movimiento Art Nouveau derivó sus formas intrincadas y estilizadas de la naturaleza y ensalzó las virtudes de lo hecho a mano, la estética Art Deco enfatizó la aerodinámica y la geometría elegante de la era de la máquina.

 

Art Deco y Modernismo

La Exposition Internationale reunió no solo obras en el estilo Art Deco, sino que colocó artículos artesanales cerca de ejemplos de pinturas y esculturas de vanguardia en estilos como el cubismo, el constructivismo, la Bauhaus, De Stijl y el futurismo. En la década de 1920, Art Deco era un contrapunto exuberante, pero en gran parte convencional, a la estética más cerebral Bauhaus y De Stijl. Los tres compartieron un énfasis en líneas limpias y fuertes como principio de diseño organizador. Los practicantes de Art Deco adoptaron la innovación tecnológica, los materiales modernos y la mecanización e intentaron enfatizarlos en la estética general del estilo en sí. Los practicantes también tomaron prestado y aprendieron de otros movimientos modernistas. Art Deco llegó a ser considerado por admiradores que estaban al día con las perspectivas de futuro de los movimientos de vanguardia contemporáneos. Irónicamente, la pintura y la escultura modernistas jugaron un papel secundario en la exposición con las pocas excepciones del pabellón soviético y el pabellón Esprit Nouveau de Le Corbusier .

 

Art Deco después de la Gran Depresión

El inicio de la segunda fase del Art Deco coincidió con el comienzo de la Gran Depresión. La austeridad, de hecho, podría ser la estética central tanto por razones pragmáticas como conceptuales para este segundo desarrollo del Art Deco. Mientras que la arquitectura Art Deco, por ejemplo, se había orientado verticalmente con rascacielos que subían a grandes alturas, los edificios Art Deco posteriores con sus exteriores en su mayoría sin adornos, curvas elegantes y énfasis horizontales simbolizaban robustez, dignidad tranquila y resistencia. Durante los peores años de desastre económico, de 1929 a 1931, el Art Deco estadounidense pasó de seguir tendencias a establecerlas.

 

Streamline Moderne

Streamline Moderne se convirtió en la continuación estadounidense del movimiento Art Deco europeo. Más allá de las serias influencias económicas y filosóficas, la inspiración estética para las primeras estructuras Streamline Moderne fueron edificios diseñados por defensores del movimiento de la Nueva Objetividad en Alemania, que surgió de una asociación informal de arquitectos, diseñadores y artistas alemanes que se había formado a principios de -Siglo XX.

Art Deco Streamline Moderne

Art Deco - Streamline Moderne

Los artistas y arquitectos de la Nueva Objetividad se inspiraron en el mismo tipo de pragmatismo sobrio que obligó a los defensores de Streamline Moderne a eliminar los excesos, incluida la emotividad del expresionismo. Los arquitectos de la Nueva Objetividad se concentraron en producir estructuras que pudieran considerarse prácticas, como un reflejo de las demandas de la vida real. Prefirieron que sus diseños se adaptaran al mundo real en lugar de hacer que otros se ajustaran a una estética poco práctica. Con ese fin, los arquitectos de New Objectivity incluso fueron pioneros en la tecnología de prefabricación (ayudando a albergar de manera rápida y eficiente a los pobres de Alemania).

Desprovisto de adornos, la arquitectura Streamline Moderne presentaba curvas limpias, largas líneas horizontales (incluidas las bandas de ventanas), ladrillos de vidrio, ventanas estilo ojo de buey y formas cilíndricas y, a veces, náuticas. Más que nunca, hubo un énfasis en la aerodinámica y otras expresiones de la tecnología moderna. Los materiales más caros y, a menudo, exóticos del Art Deco fueron reemplazados por herrajes de hormigón, vidrio y cromo en Streamline Moderne. El color se usó con moderación, ya que los tonos blanquecino, beige y tierra reemplazaron a los colores más vivos del Art Deco. El estilo se introdujo primero en la arquitectura y luego se expandió a otros objetos, de manera similar al estilo Art Deco tradicional.

 

Art Deco es nombrado retroactivamente

Originalmente, el término "Art Deco" fue utilizado de forma peyorativa por un famoso detractor, el arquitecto modernista Le Corbusier, en artículos en los que criticaba el estilo por su ornamentación, característica que consideraba innecesaria en la arquitectura moderna. Mientras que los defensores del estilo lo aclamaron como una respuesta modernista y simplificada a la ornamentación excesiva, especialmente en comparación con su predecesor inmediato, el Art Nouveau, ya que cualquier decoración era superflua para Le Corbusier. No fue hasta finales de la década de 1960, cuando se revitalizó el interés por el estilo, que el historiador y crítico de arte británico Bevis Hillier utilizó el término "Art Deco" de manera positiva.

 

Art Deco en los Estados Unidos

En los Estados Unidos, la recepción del movimiento Art Deco se desarrolló en una trayectoria diferente. Herbert Hoover, el Secretario de Comercio de los EE. UU. en ese momento, decretó que los diseñadores y arquitectos estadounidenses no podían exhibir su trabajo en la Exposición Internacional porque sostenía que el país aún tenía que concebir un estilo de arte claramente estadounidense que fuera satisfactoriamente "lo suficientemente nuevo". Como alternativa, envió una delegación a Francia para evaluar las ofertas en la Exposición y luego aplicar lo que vieron a un estilo artístico y arquitectónico estadounidense contemporáneo. En el contingente de emisarios estéticos enviados por Hoover se incluyeron importantes figuras del Instituto Americano de Arquitectura, el Museo Metropolitano de Arte y The New York Times. La misión inspiró un auge casi inmediato de la innovación artística en EE. UU.

Para 1926, una versión más pequeña de la feria francesa llamada "Una colección seleccionada de objetos de la Exposición Internacional de Artes Modernas, Industriales y Decorativas" recorrió muchas ciudades de EE. UU. Como Nueva York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis. y Filadelfia. Las ferias mundiales estadounidenses en Chicago (1933) y la ciudad de Nueva York (1939) destacaron los diseños Art Deco, mientras que Hollywood adoptó la estética y la hizo glamorosa en todo el país. Incluso corporaciones estadounidenses como General Motors y Ford construyeron pabellones en la Feria Mundial de Nueva York.

 

Art Deco - Feria Mundial de Nueva York

Entre los ejemplos más conocidos del estilo Art Deco estadounidense se encuentran los rascacielos y otros edificios a gran escala. De hecho, la iteración estadounidense de Art Deco en los diseños de edificios se ha denominado Zigzag Modern por sus patrones angulares y geométricos como fachadas arquitectónicas elaboradas. Sin embargo, el Art Deco estadounidense en general es a menudo menos ornamental que su predecesor europeo. Más allá de las líneas limpias y las curvas fuertes, las formas geométricas audaces, los colores intensos y, a veces, la ornamentación lujosa, la versión estadounidense es más sencilla. A medida que influencias importantes como la Nueva Objetividad y el Estilo Internacional de la arquitectura, así como los serios reveses económicos de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930, comenzaron a influir en la estética Art Deco, el estilo se volvió mucho menos lujoso.

 Art Deco Zig Zag Modern

Art Deco - Zig Zag Modern

El estilo Art Deco estadounidense se desarrolló como una celebración del avance tecnológico, incluida la producción en masa, y una fe restaurada en el progreso social. En esencia, estos logros podrían considerarse un reflejo del orgullo nacional. En la década de 1930 bajo la Works Progress Administration (WPA) de Roosevelt, muchas de las obras que se crearon fueron Art Deco, desde estructuras municipales como bibliotecas y escuelas hasta murales públicos masivos. La WPA tenía la intención de impulsar la economía estadounidense de la posguerra mediante la creación de empleos en obras públicas, y buscaba servir a la comunidad mediante la creación de empleos e inculcando los valores estadounidenses dentro del diseño. El uso del Art Deco estadounidense trajo así una expresión de democracia a través del diseño. Algunos materiales que se usaban a menudo en la creación Art Deco eran caros y, por lo tanto, estaban fuera del alcance del hombre promedio. Sin embargo, el uso de materiales nuevos o de bajo costo hizo posible producir una amplia gama de productos asequibles y, por lo tanto, trajo la belleza a la esfera pública de una manera nueva.

 

Crecimiento global del Art Deco

El estilo Art Deco se afianzó en capitales mundiales tan diversas como La Habana, Cuba, Mumbai y Yakarta. La Habana cuenta con todo un barrio construido en estilo Art Deco. El sistema ferroviario subterráneo de Londres incorpora en gran medida el estilo. El puerto de Shanghai contiene más de cincuenta estructuras Art Deco, la mayoría de las cuales fueron diseñadas por el húngaro Laszlo Hudec. Desde monumentos de guerra hasta hospitales, ciudades tan lejanas como Sydney y Melbourne en Australia también han absorbido el estilo fenomenal.

Art Deco Laszlo Hudec

Art Deco - Laszlo Hudec

Las principales características visuales del Art Deco se derivan del uso repetitivo de formas lineales y geométricas que incluyen formas triangulares, en zigzag, trapezoidales y con patrón de chevron. Al igual que su predecesor, el Art Nouveau, cuando se representan objetos como flores, animales o figuras humanas, estos se estilizan y simplifican mucho para mantener la estética general del Art Deco. La naturaleza y el alcance de la estilización y la simplificación o la simplificación varían según la iteración regional del estilo. Por ejemplo, una figura como El pájaro de fuego (1922) del diseñador francés René Lalique, es elegantemente esbelta y atenuada, mientras que el Atlas de Lee Lawrie (1937) fuera del Rockefeller Center es sólido y robusto con una musculatura enfáticamente lineal, aunque ambos se consideran buenas representaciones del estilo Deco.

Art Deco Atlas Lee Lawrie

Art Deco - Atlas de Lee Lawrie en el edificio Rockerfeller

De acuerdo con el énfasis del movimiento en la tecnología moderna, los artistas y diseñadores Art Deco explotaron materiales modernos como plásticos, baquelita y acero inoxidable. Pero cuando se necesitaba un toque de riqueza y refinamiento, los diseñadores incorporaron materiales más exóticos como el marfil, el cuerno y la piel de cebra. Al igual que con los movimientos Art Nouveau y Arts and Crafts, el estilo Art Deco se aplicó mucho menos a las formas de expresión de artes visuales tradicionalmente de más alto rango: la pintura y la escultura.

 

Diseño Art Deco

El estilo Art Deco ejerció su influencia sobre las artes gráficas de una manera que revela la influencia del futurismo italiano con su amor por la velocidad y la adoración de la máquina. Los artistas futuristas usaban líneas para indicar el movimiento, conocidas como "bigotes de velocidad", que salían de las ruedas de los automóviles y trenes en movimiento rápido. Además, los practicantes del Art Deco utilizaron líneas paralelas y formas cónicas que sugieren simetría y aerodinámica. La tipografía se vio afectada por la influencia internacional del Art Deco y los tipos de letra Bifur, Broadway y Peignot recuerdan inmediatamente el estilo.

Art Deco Bifur

Art Deco - fuente Bifur

En términos de imágenes, las formas simples y las grandes áreas de color sólido recuerdan a los grabados en madera japoneses, que se habían convertido en una importante fuente de influencia para los artistas occidentales, especialmente en Francia, tras el final del aislacionista período Edo en 1868. La afluencia posterior del arte de Japón a Europa tuvo un impacto enorme. En particular, los artistas encontraron en la simplicidad formal de los grabados en madera un modelo para crear sus propios estilos distintivamente modernos, comenzando con el impresionista.

 

Muebles Art Deco

Hasta finales de la década de 1920, el diseño de muebles de vanguardia en Francia consistía principalmente en variaciones del estilo Art Nouveau, pero simplificado y menos curvilíneo. A medida que avanzaba la década, Émile-Jacques Ruhlmann emergió como el principal diseñador de muebles (Ruhlmann tenía un pabellón propio en la Exposición de 1925). Si bien sus diseños se inspiraron principalmente en piezas del siglo XVIII producidas en el estilo neoclásico, eliminó gran parte de la ornamentación sin dejar de utilizar materiales exóticos preferidos por los diseñadores Art Nouveau, como la caoba, el ébano, el palisandro, el marfil y el caparazón de tortuga. Por supuesto, sus piezas a menudo eran demasiado caras para que alguien las adquiriera, excepto para los más ricos.

En contraste con los lujosos diseños de Ruhlmann, que parecían estar a caballo entre los estilos Art Nouveau y Art Deco, el diseñador de muebles más definitivamente Art Deco en Francia fue Jules Leleu. Había sido un diseñador tradicional hasta que el nuevo estilo suplantó al Art Nouveau y es conocido por el diseño del gran comedor del Palacio del Elíseo en París y los lujosos camarotes en la cubierta de primera clase del elegante barco de vapor Normandie.

Art Deco Jules Leleu

Art Deco - mueble de Jules Leleu

En contraste con Leleu y Ruhlmann, Le Corbusier era un defensor de una versión muy reducida y sin adornos del estilo Art Deco, a menudo creando muebles adecuados para los interiores austeros de sus propias estructuras arquitectónicas. Su intención era diseñar prototipos, particularmente de sillas, que pudieran producirse en masa y, por lo tanto, fueran asequibles para un mercado más amplio. También cabe destacar que el diseño de interiores de Donald Deskey del famoso lugar de interés de la ciudad de Nueva York, el Radio City Music Hall, es un excelente ejemplo del diseño de muebles Art Deco estadounidense que todavía se mantiene intacto en su forma original en la actualidad.

 Art Deco Le Corbusier

Art Deco - mueble de Le Corbusier

 

Arquitectura Art Deco

La arquitectura Art Deco se caracteriza por diseños de bordes duros, a menudo ricamente adornados, acentuados por detalles metálicos relucientes. Muchos de estos edificios tienen un énfasis vertical, construidos con la intención de llamar la atención hacia arriba. Las formas rectangulares, a menudo en bloques, están dispuestas geométricamente, con la adición de agujas en el techo y/o elementos ornamentales curvos para proporcionar un efecto aerodinámico. Los rascacielos de Nueva York y los edificios de colores pastel de Miami se encuentran entre los ejemplos estadounidenses más famosos, aunque el estilo se implementó en una variedad de estructuras en todo el mundo.

 

En los Estados Unidos, la Works Progress Administration ayudó a que la arquitectura Art Deco se generalizara. Curiosamente, la fusión del clasicismo Art Deco y Beaux-Arts que se ve en muchas obras públicas de la era de la Depresión se conoce como PWA Moderne o Depression Moderne.

 Art Deco Depression Moderne

Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne

 

Desarrollos posteriores: después del Art Deco

El Art Deco pasó de moda durante los años de la Segunda Guerra Mundial en Europa y América del Norte, con la austeridad de la época de guerra que hizo que el estilo pareciera cada vez más llamativo y decadente. Los metales se recuperaron para usarlos en la construcción de armamentos, en lugar de decorar edificios o espacios interiores. Los muebles ya no se consideraban objetos de estatus. Otros avances tecnológicos permitieron una producción más barata de artículos de consumo básicos, eliminando la necesidad y la popularidad de los diseñadores Art Deco.

Un movimiento que en muchos aspectos buscó romper con el pasado, ahora se ha convertido en un clásico que genera nostalgia suprema y es recordado con cariño. Desde la década de 1960, ha habido un interés constante y continuo en el estilo. Se pueden ver ecos de Art Deco en el diseño moderno de mediados de siglo, que lleva adelante la estética aerodinámica de Deco y revisita la limpia simplicidad de la Bauhaus. Deco también ayudó a inspirar al Grupo Memphis, un movimiento de diseño y arquitectura centrado en Milán durante la década de 1980. Memphis también se basó en el arte pop y el kitsch como fuentes para sus diseños coloridos y conscientemente posmodernos.


Kuadros, una pintura famosa en su pared.

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