De 10 beroemdste schilderijen van Jezus

De figuur van Jezus is een van de meest iconische in de geschiedenis. 

De kunst rond het beeld van Jezus Christus is geïdealiseerd door zowel amateurartiesten als grote leraren.

Hoe is het mogelijk om op het canvas een figuur te laten zien die zowel omplig menselijk als volledig goddelijk is? Dit type artistieke vrijmoedigheid durft zelfs te proberen.

De kunstenaars die in de christelijke traditie schilderden, hebben dat precies twee millennia gedaan.

De 10 beroemdste schilderijen van Jezus

Dit is een blik op de 10 beroemdste Jezus -schilderijen door de geschiedenis heen, volgens de classificatie van Kuadros -experts.

# 1 Het laatste avondmaal - Leonardo da Vinci

Het beroemdste schilderij van Jezus Christus is ongetwijfeld Leonardo Da Vinci's laatste diner.

Het werk herschept de laatste paasbijeenkomst tussen Jezus en zijn apostelen, uit het verhaal beschreven in het evangelie van Johannes, hoofdstuk 13. De kunstenaar stelde zich voor en is erin geslaagd om het verlangen te uiten dat rond de hoofden is van de apostelen van weten wie is wie is wie is wie is zijn leraar verraden.

Aan het einde van de 15e eeuw geschilderd als een muurschildering op de muren van de refter van het klooster van Santa Maria Delle Grazie in Milaan.

Fresco -schilderijen worden meestal gemaakt door pigment aan te brengen op Intonaco, een dunne laag nat kalm gips.

Dit is normaal gesproken de beste techniek om te gebruiken, omdat het de fresco in staat stelt om te zorgen voor natuurlijke ademhaling of zweten dat een muur maakt terwijl vocht naar het oppervlak beweegt.

Tijdens het laatste diner besluit Da Vinci echter olieverf te gebruiken, omdat dit materiaal veel langzamer droogt, waardoor hij op een veel langere en gedetailleerdere manier in de afbeelding kon werken.

Leonardo wist dat de natuurlijke vochtigheid die door de meeste stenen wandgebouwen doordringt, zou moeten worden verzegeld als hij olieverfschilderijen zou gebruiken, of vocht zou uiteindelijk zijn werk verpesten.

Vervolgens voegde de kunstenaar een dubbele laag gips, stopverf en breuk toe om de verslechtering van het vocht te bestrijden.

Desondanks heeft het kunstwerk in zijn lange geschiedenis vele malen moeten worden hersteld.

Tegenwoordig is er heel weinig van de eerste bovenste laag olieverf als gevolg van milieu en ook opzettelijke schade.

#2 Transfiguratie - Rafael

Rafael -transfiguratie Het is het laatste werk van de grote Renaissance -kunstenaar Rafael, die in opdracht van kardinaal Giulio de Medici van de Medici Banqueros -dynastie werd beheerd.

Oorspronkelijk werd het kunstwerk opgevat om op te hangen als een centraal altaarstuk van de kathedraal van Narbonne in Frankrijk en hangt nu aan de Vaticaan Pinacoteca in de stad van het Vaticaan.

Na de dood van Rafael werd het schilderij nooit naar Frankrijk gestuurd en de kardinaal hing het in plaats daarvan in het hoofdaltaar van de gezegende Amadeo -kerk van San Pietro in Montorio, Rome in 1523.

In 1797 werd het schilderij echter door de Franse troepen genomen als onderdeel van de Italiaanse campagne van Napoleon en vervolgens in het Louvre hangen.

Er kan worden aangenomen dat het schilderij een tweedeling op het eenvoudigste niveau weerspiegelt: de verlossende kracht van Christus, gesymboliseerd door de zuiverheid en symmetrie van de bovenste helft van het schilderij. Dit staat in contrast met de tekortkomingen van de mens, gesymboliseerd in de onderste helft door sombere en chaotische scènes.

Transfiguratie is gerelateerd aan opeenvolgende verhalen over het Matthew -evangelie. Het bovenste deel van het schilderij vertegenwoordigt verhoogde Christus voor golvende en verlichte wolken, en beide zijden ervan zijn de profeten Elia en Mozes. In het onderste deel van het schilderij worden de apostelen weergegeven, zonder succes proberen, van het rijden op het kind bezetene van demonen. Het bovenste gedeelte toont aan Christus getransfigureerd, die een wonder lijkt te doen, het kind geneest en hem van het kwaad bevrijden.

De afmetingen van de transfiguratie zijn kolossaal, 410 x 279 cm. Rafael gaf er de voorkeur aan om op canvas te schilderen, maar dit schilderij werd gemaakt met olieverfschilderijen op hout als gekozen media. Rafael vertoonde eigenlijk geavanceerde mannerisme -indicaties en technieken van de barokperiode in dit schilderij.

De gestileerde en verwrongen houdingen van de mediumfiguren duiden op het maniërisme. De dramatische spanning binnen deze figuren, en het liberale gebruik van licht en duisternis, of contrasten van chiaroscuro, vertegenwoordigen de barokke periode van overdreven beweging om drama, spanning, uitbundigheid of verlichting te produceren. Eigenlijk werd de transfiguratie naar voren gebracht naar zijn tijd, evenals de dood van Rafael, die te snel kwam.

Dit werk zou het laatste schilderij van Rafael zijn, die tot haar dood in april 1520 aan haar zou werken.

De schoonmaak van het schilderij van 1972 tot 1976 toonde aan dat slechts enkele van de figuren linksonder werden voltooid door aanwezigen, terwijl het grootste deel van het schilderij van de kunstenaar zelf was.

#3 laatste oordeel - Miguel Ángel

Miguel Ángel's laatste oordeel Het ligt op de muur achter het altaar in de Sixtijnse kapel. Zijn weergave van de tweede komst van Christus in "het uiteindelijke oordeel" genereerde onmiddellijke controverse door de katholieke kerk van de contrareformatie.

Miguel Angel moest het einde van de tijd schilderen, het begin van de eeuwigheid, wanneer het sterfelijk onsterfelijk wordt, wanneer de uitverkorenen zich bij Christus voegen in hun hemelse koninkrijk en degenen die veroordeeld zijn, worden in de eindeloze kwellingen van de hel gegooid. 

Geen kunstenaar in de zestiende eeuw Italië was beter gepositioneerd voor deze taak dan Miguel Ángel, wiens uiteindelijke werk zijn reputatie als de grootste leraar van de menselijke figuur bezegelde, vooral het mannelijke naakt. Paus Paulus III was zich hiervan zeer bewust toen hij Miguel Ángel beschuldigde van het opnieuw schilderen van de muur van het altaar van de kapel met het uiteindelijke oordeel. Met zijn focus op de opstanding van het lichaam was dit het perfecte thema voor Miguel Ángel.

De krachtige compositie, richt zich op de dominante figuur van Christus, gevangen genomen op het moment voorafgaand aan degene die werd uitgesproken door het vonnis van het definitieve oordeel.

Zijn rustige en noodzakelijke gebaar lijkt de aandacht te trekken en omliggende agitatie te kalmeren. In het beeld begint een brede trage roterende beweging waarin alle figuren ingrijpen. De twee bovenste ramen zijn uitgesloten met groepen engelen die in de vlucht de symbolen van de passie dragen (links links het kruis, de nagels en de kroon van doornen; rechts de kolom van de flagellatie, de trap en de speer met de spons met de spons met de spons met de spons met de spons met de spons met de spons gericht in azijn).

In het midden van de onderste sectie zijn de engelen van de apocalyps die de doden wakker maken met het geluid van lange trompetten. Aan de linkerkant herstellen de opgeheven hun lichaam terwijl ze opstaan ​​naar de hemel (opstanding van het vlees), naar de rechter engelen en demonen vechten om degenen die in de hel te vallen te laten vallen. Ten slotte, diep van binnen met hun riemen, samen met hun demonen, laat de veroordeelde hun boot verlaten om hen te drijven voor de helse rechter Minos, wiens lichaam is gewikkeld in de spiralen van de slang.

De verwijzing in dit deel naar de hel van Dante Alighieri's goddelijke commedia is duidelijk. Naast lof veroorzaakte het uiteindelijke oordeel ook gewelddadige reacties bij tijdgenoten. De Master of Ceremonies Biagio da Cesena zei bijvoorbeeld dat "het de meest oneerlijke was in zo'n eerlijke plek om zoveel naakte figuren te hebben geschilderd dat hun schaamte zo oneerlijk laat zien en dat het geen werk was voor een kapel van de paus maar voor kachels en tavernes "(G. Vasari, Vite). De controverses, die jarenlang voortduren, namen in 1564 de beslissing van de gemeente van de Raad van Trent om enkele van de cijfers van het proces te hebben behandeld die als "obsceen" werden beschouwd.

De taak om de gordijnen van het dak te schilderen, de zo -aangedane "Braghe" (broek) werd toevertrouwd aan Daniele da Volterra, sindsdien bekend als de "Braghettone". Daniele's "Braghe" waren slechts de eerste die werd gemaakt. In feite zijn er in de komende eeuwen nog meer toegevoegd.

#4 Christus Load the Cross - El Greco

Tijdens zijn lange carrière in Spanje maakte de Greco talloze schilderijen van Christus die het kruis droeg. Christus laadt het kruis Het is een beeld van de perfecte mensheid. Het werk valt op voor de slagkenmerken waarmee de schilder de kleur gebruikt om de volumes te modelleren en vervormt de lichamen om het spirituele verlangen van het personage te weerspiegelen.

De Grieks schildert de ogen van Christus met dramatische en overdreven tranen erin. Zijn ogen zijn het belangrijkste element van schilderen, omdat ze veel emotie uitdrukken.

Er is een delicaat contrast tussen zijn robuuste schouders en de vrouwelijke schoonheid van zijn handen. Er zijn echter geen tekenen van pijn op zijn gezicht. Net zoals hun passieve handen geen angst of moeite uiten om het kruis te dragen.

De Grieks transformeerde het beeld van Christus overweldigd en pijnlijk van het zware kruis naar iemand die kalm en klaar is om zijn bestemming onder ogen te zien. De sereniteit van Christus vóór zijn offer nodigt de kijker uit om zijn eigen bestemming te accepteren in momenten van angst en twijfel. 

#5 gekruisigde Christus - Diego Velázquez

Dit intens krachtige beeld van Jezus aan het kruis werd geschilderd tijdens de creatieve periode die volgde op de eerste stimulerende reis van Velázquez naar Italië. In tegenstelling tot zijn andere mannelijke naakten die verschenen in schilderijen zoals de Apollo in de smidse van Vulcano en de tuniek van Joseph, is zijn Christus aan het kruis een dood of stervend lichaam. Dat gaat niet gepaard met andere verhalende elementen behalve het kruis zelf. De kunstenaar slaagt er echter in om het werk van grote waardigheid en sereniteit te bieden.

Er wordt aangenomen dat het werk een commissie was voor de sacristie van het klooster van San Plácido, de sobere positie van de Gekruisigde Christus Het presenteert vier nagels, de voeten samen en blijkbaar ondersteund door een kleine houten plank, waardoor de armen een subtiele curve kunnen vormen, in plaats van een driehoek. Het hoofd wordt gekroond door een halo, terwijl het gezicht op de borst rust en ons laat zien. Zijn rechte en rechte haar hangt aan de rechterkant van zijn gezicht, zijn achterste pad wordt getrokken door het bloed dat de wond aan zijn rechterkant druppelt.

Het beeld is ongewoon autobiografisch in de zin dat het alle belangrijkste invloeden in het schilderij van Velázquez illustreert. Onthoud om te beginnen de devotionele toon en iconografie van de verf die tijdens hun vroege jaren in Sevilla zijn geabsorbeerd onder Francisco Pacheco, een actief lid van de Spaanse inquisitie.

Ten tweede weerspiegelt het zijn vermogen om figuren te schilderen die in Spanje zijn verworven uit de studie van de kunstenaars van de Spaanse renaissance en, in Italië, van de kunst van de klassieke oudheid, van de kunst van de hoge renaissance in Rome en Venetië, en van de caravaggio Werkt in Rome en Napels. 

De invloed van het classicisme in het werk wordt getoond in de algemene kalmte van het lichaam en de geïdealiseerde positie ervan. De invloed van caravaggisme wordt duidelijk in dramatische duisternis die al het bleke lichaam van Christus richt.

Het is waar dat het beeld niet het karakteristieke drama van barokke schilderkunst heeft, dat wordt gezien in religieuze werken zoals de kruisiging van St. Peter of de Kruisafkomst. In plaats daarvan heeft het een monumentale sculpturale kwaliteit die het verhoogt, volgens de spiritualiteit van het onderwerp. De compositie is absoluut eenvoudig, maar met een levendig contrast tussen het witte lichaam en de donkere achtergrond, en er is naturalisme in de manier waarop het hoofd van Christus op zijn borst valt. Turled Hair is geschilderd met het gemak dat Velázquez uit de eerste hand had gezien en bewonderd in voorbeelden van Venetiaans schilderen.

Velázquez won de reputatie als een van de beste portretten in Spanje en werd de officiële schilder van Felipe IV (regeerde tussen 1621 en 1640) en, uiteindelijk, in de grootste vertegenwoordiger van het Spaanse schilderij van de barokke periode. Ondanks het feit dat religieuze kunst vooral belangrijk was in Spanje, was een land waarvan de heersende monarchie trots was een van de belangrijkste sponsors van de kunst van het katholieke tegenricht, Velázquez relatief weinig opmerkelijke religieuze schilderijen schilderde.

In plaats daarvan schilderde de kunstenaar de wereld om hem heen, gespecialiseerd in de kunst van het portret, wat geslacht schilderen (stillevens) en een ander geschiedenis van de geschiedenis. Ironisch genoeg werd hij, gezien het tekort aan zijn religieuze werken, meer beïnvloed door de Italiaanse genie Caravaggio, die vooral opvalt voor zijn bijbelse kunst, uitgevoerd in een agressief realistische stijl. Velázquez werd ook sterk beïnvloed door de ideeën van de Italiaanse wedergeboorte verkregen van zijn Sevilliaanse leraar Francisco Pacheco.

 

#6 Christus die het kruis laadt - Titiaan 

Tegen 1508 of 1509 schilderde Tiziano een olie die bekend staat als Christus laadt het kruis. De echte oorsprong van schilderen is enigszins mysterieus, en zelfs verschillende kunsthistorici hebben het soms toegeschreven aan een andere Italiaanse schilder, Giorgione. Beide schilders waren van een kunstenaargilde gekoppeld aan school en de kerk, beiden hebben tegelijkertijd en plaats gehandeld, en het is waarschijnlijk dat het werk uitdrukkelijk was geschilderd voor de instelling. Een ander mysterie over olieverfschilderij is dat er werd gezegd dat het wonderbaarlijke genezingsvaardigheden had, waarop het in veel historische verhalen is geschreven. De pelgrims baden in de kerk op een zijaltaar waar de verf werd opgehangen en meldden dat ze van kwalen waren genezen.

De algemene stemming van het werk is somber en donker. De helderste kleuren zijn de vlees -off -tonen en het palet wordt gedomineerd door verschillende bruine tonen. Op een bijna zwarte achtergrond verschijnt Christus van Semiperfil die het kruis op zijn schouder draagt. Terwijl hij naar links kijkt, knijpt een boze uitziende beul een touw om zijn nek, en een andere figuur iets achter de beul kijkt in de scène. De compositie heeft een stijl die op dat moment innovatief was, een nauwe weergave die perspectief en diepte vermeed voor intimiteit en detail. Kenmerkend voor Tiziano, is het schilderen vol actie en lijkt het rust ver weg voor de vertegenwoordigde personages.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Dit beroemde schilderij, hoewel het nog steeds erg aantrekkelijk is, wordt niet langer beschouwd als een werk van Leonardo Da Vinci en verloor zijn plaats tussen onze lijst met de 100 beroemdste schilderijen in de geschiedenis.

Oorspronkelijk werd gedacht dat Leonardo da Vinci Salvator Mundi schilderde voor koning Louis XII van Frankrijk en zijn partner, Ana de Britain. De experts vragen vandaag de toeschrijving van het schilderij van de Italiaanse leraar, hoewel het werd verkocht op een veiling in november 2017 voor $ 450.312.500, een recordprijs voor een kunstwerk.

Salvator Mundi maakte vroeger deel uit van ons de lijst met beroemde schilderijen, maar liet zijn plaats over aan een ander schilderij gestemd door het publiek en onze kunstenaars.

#8 EMAUS Disciples - Caravaggio

 

Dit werk van meester Caravaggio staat ook bekend als de bedevaart van onze Heer tot Emaus of Simply Emause -diner. Het schilderij toont het moment waarop de twee apostelen die hem vergezellen zich realiseren dat wie de hele dag met ze heeft gesproken, zijn geliefde leraar is geweest.

Geschilderd in de Apogee van de bekendheid van de kunstenaar, Emaus -discipelen Het is een van de meest indrukwekkende religieuze schilderijen in de kunstgeschiedenis. In dit schilderij legt Caravaggio briljant de dramatische climax van het moment vast, de tweede exaxt waarin de discipelen plotseling begrijpen wie vanaf het begin voor hen is geweest. Zijn acties en natuurlijke reactie geven zijn dramatische verbazing over: de een staat op het punt van zijn stoel te springen, terwijl de andere zijn armen uitstrekt in een gebaar van ongeloof. De ruwe verlichting onderstreept de intensiteit van de hele scène.

In het werk toont Caravaggio de discipelen als gewone arbeiders, met bebaarde gezichten, gerimpelde en gescheurde kleding, in tegenstelling tot de jonge Christus zonder een baard, die uit een andere wereld lijkt te zijn gekomen.

Er zijn enkele geheimen verborgen op verschillende punten. In het werk verborg de kunstenaar bijvoorbeeld een paasei. De schaduw geprojecteerd door de fruitmand op de tafel lijkt ook een vis af te beelden, wat een toespeling kan zijn op het grote wonder.

En er zijn meer schatten verborgen in dit meesterwerk. Soms is een defect helemaal geen defect, maar een klap van genialiteit. Laten we bijvoorbeeld de stof van de rieten mand nemen die aan de rand van de tafel in het midden van de verf wiebelt.

Hoewel ontelbare ogen zich hebben verwonderd over het mysterieuze drama dat zich in die herberg ontwikkelt, is de betekenis van een bijna onmerkbare imperfectie door de eeuwen heen tot nu toe onopgemerkt verstreken.

Een losse tak, dat opvalt van de weefselvlecht, verandert het beroemde canvas van caravaggio in een gedurfde daad, een spirituele uitdaging voor de waarnemer.

Om alle implicaties van dit kleine detail te waarderen, is het de moeite waard om de contouren van de algemene omgeving te onthouden die Caravaggio in zijn werk opriep.

Het thema van het Emaus -diner is iets dat geweldige leraren in de geschiedenis heeft geïnspireerd, van Rembrandt tot Velásquez. Het belangrijkste moment wordt verteld in het evangelie van Luke in het Nieuwe Testament. Er is de geschiedenis van het intieme voedsel van Christus met de twee discipelen, Lucas en Cleofás, die de waarheid van de metgezel negeren. Bij het schilderen is het brood al verdeeld en gezegend, en de tijd is gekomen, volgens het verhaal van het evangelie, dat Christus de ogen van zijn volgelingen "open" uit zijn ogen "openen".

Het meesterwerk legt een mystieke drempel vast tussen schaduwen en licht, de tweede magie voor Christus, die wordt gewikkeld door het silhouet van een vreemdeling achter hem, verdwijnt uit de wereld. In dat onmetelijke moment tussen openbaring en de verdwijning, Caravaggio Hila zijn plot, de meester -ontmoeting tussen twee werelden.

Wanneer de waarheid de vaderlijke oom van Christus is, komt Cleofás op uit zijn stoelgevangene van paniek en verbazing tot openbaring: zijn ellebogen worden dynamisch opgeheven door de mouwen van zijn jas.

Aan de andere kant van de rieten vruchtvrucht, rechts, opent Lucas zijn armen lang, als bewering van de aandoening van de scan, die dezelfde houding aan het kruis trekt op het moment van zijn pijnlijke dood. Ondertussen is de herbergier onverstoorbaar en observeert hij zonder begrip terwijl hij luistert naar de woorden die Christus tot zijn verbijsterde discipelen heeft gesproken, niet in staat om de betekenis van een transcendentaal moment voor de mensheid vast te leggen.

Emaus discipelen bezetten de positie nr. 82 op de lijst met beroemde schilderijen 

#9 De pantocrador Christus

De pantocrador Christus Het is een geschilderd houten paneel uit de zevende eeuw van Santa Catalina in Sinai, Egypte. Dit schilderij wordt beschouwd als een van de oudste Byzantijnse religieuze iconen en is het oudste bekende werk van de Pantocrayan -stijl.

Het geschilderde paneel heeft een hoogte van 84 cm met een breedte van 45,5 cm en een diepte van 1,2 cm. Er wordt aangenomen dat de verf oorspronkelijk groter was, maar deze werd op een bepaald moment, om onbekende redenen, aan de bovenkant gesneden om de huidige dimensies te produceren. Het werk toont Christus gekleed in een paars gewaad.- Een kleur die gewoonlijk wordt gekozen om die van imperiale status en royalty's weer te geven. Deze kleurkeuze voor uw tuniek is een symbool van uw status en belang. Christus wordt vertegenwoordigd door de linkerhand op te heffen als een teken van zegen en met rechts houdt een boek vast.

We kunnen aannemen dat dit boek waarschijnlijk een evangelie is omdat het is versierd met kruisvormige juwelen. Het schilderij is opzettelijk asymmetrisch om de dubbele aard van Christus te symboliseren. De linkerkant van Christus is een symbool van zijn menselijke natuur met zijn kenmerken die evenzeer zachter en meer licht vertegenwoordigen. Terwijl de rechterkant van Christus zijn goddelijkheid symboliseert met zijn ernstige blik en intense kenmerken. De ogen zelf zijn verschillend van vorm en grootte, evenals het haar aan de linkerkant wordt verzameld achter je schouder.

Een van de belangrijkste christelijke iconen is de Pantocker Christus. Dit beeld portretteert Jezus als de soevereine heerser van de wereld. De Pantocker Christus was een van de oudste beelden van Jezus en verschijnt op de meest prominente plaatsen van de rockkerken.

Het woord pantocker betekent "almachtige." In de Griekse versie van het Oude Testament (LXX) is het Pantocker -woord de vertaling van "Heer van de legers" en "Almachtige God". In het boek van Apocalypse verschijnt Pantocrador negen keer als een titel die de soevereiniteit en kracht van God benadrukt.

De pantocrador Christus icon benadrukt de almacht van Jezus, zijn kracht om alles te doen. Jezus is de "heerser van alles" die alle dingen vasthoudt. De symboliek van Christus Pantocrador (hieronder uitgelegd) is geïnspireerd door de Romeinse keizerlijke beelden om zijn soevereine macht te projecteren. De eerste christenen gebruikten culturele symbolen om de soevereine kracht van de opgestane Christus te verkondigen.

Bovendien heeft de locatie van de Pantocrador Christus in de apsis (de voorste heiligdommuur) ook een theologische betekenis. De Byzantijnse kerken hadden het model van de Romeinse basiliek, de kamer van de koning om het hof te vieren. De APSE was de positie van autoriteit waar de heersende functionaris zat. De positie van Jezus in de apsis verklaart dat hij de legitieme heerser en de soevereine rechter vooral is. 

De christenen begonnen Jezus visueel te vertegenwoordigen aan het einde van de 300s, toen er eenmaal niet langer de dreiging van vervolging was. Deze eerste beelden presenteren Jezus als een stoïcijnse figuur die op een troon met een scroll zit. In de jaren 600 ontstond Christ Pantocrador als een vereenvoudiging van dat vroege beeld. Het aspect van de Pantocrador Christus is de afgelopen 1500 jaar nauwelijks veranderd.

De meeste eerste beelden van Jezus werden vernietigd tijdens de controverse van Iconoclast.

#10 Christus van San Juan de la Cruz

Van verre is de meest populaire van alle religieuze werken van Dalí ongetwijfeld zijn "Christus van San Juan de la Cruz", wiens figuur de baai van Port Lligat domineert. Het schilderij werd geïnspireerd door een tekening, bewaard in het klooster van de incarnatie van Ávila, Spanje, en gemaakt door San Juan de la Cruz zelf na deze visie van Christus te hebben gezien tijdens een extase. Mensen naast het schip zijn afgeleid van een foto van Le Nain en een tekening van Diego Velázquez voor de overgave van Breda.

Aan de voet van zijn studies voor de Christus schreef Dalí: "In de eerste plaats, in 1951, had ik een kosmische droom waarin ik dit kleurbeeld zag en dat in mijn droom de kern van het atoom vertegenwoordigde. Deze kern nam later aan Een metafysische zin: ik heb in 'de eenheid van het universum' aan de Christus overwogen! Ten tweede, dankzij de instructies van pater Bruno, een Carmelite, zag ik de Christus getrokken door Saint Johannes van het Kruis, ik ging geometrisch een driehoek uit en een Circle, die esthetisch al mijn eerdere experimenten samenvatte, en mijn Christus in deze driehoek inschreven. "

Dit werk werd door een belangrijke kunstcriticus als banaal beschouwd toen het voor het eerst werd tentoongesteld in Londen. 

Het schilderij was een van de meest controversiële aankopen van Dr. Tom Honeyman, vervolgens directeur van de Glasgow Museums. Het wordt nu algemeen erkend dat Dr. Honeyman een zeer sluwe beslissing nam door aan de toenmalige Glasgow Corporation voor te stellen dat de stad het schilderij heeft gekocht.

Honeyman kreeg niet alleen het schilderij voor minder dan de catalogusprijs, maar kocht ook het auteursrechten van het werk op Salvador Dalí, waardoor een langdurige erfenis van de aankoop zorgde.

Aanvankelijk werd het schilderij echter niet goed ontvangen door iedereen, en de studenten van de Glasgow School of Art betoogden dat geld had kunnen worden gebruikt om werken van Schotse kunstenaars of Glasgow te kopen.

Na expositie in Kelvingrove in 1952 trok Dalí massale bezoekers aan.

Het schilderij in de Glasgow Museum -collectie is niet vrijgesteld van drama, omdat het twee keer is beschadigd, de meest bekende toen het canvas ernstig werd gescheurd door een bezoeker die een scherpe steen hanteerde. Kelvingrove -conservatieven konden de verf zo repareren dat de schade nauwelijks zichtbaar is.

Meer dan 60 jaar na de oorspronkelijke aankoop vertoont de blijvende aantrekkelijkheid van het schilderij geen tekenen van afname en is nu een van de meest populaire tentoonstellingen van het museum.

Kuadros ©, een beroemde verf op je muur.