De 10 beroemdste abstracte schilderijen

In titel - Eerste abstracte waterverf We vinden een goede uitbarsting van kleur, zoals te vinden in de meeste schilderijen, maar het gebruik van aquarellen in plaats van oliën laat een zichtbaar ander afgewerkt dat dit werk interessant en vrij uniek maakt voor de productie ervan. Het werk lijkt nauwlettend te zijn Snel voltooid, wat typerend is voor deze kunstvorm, omdat het schilderen erg snel droogt. Hij werkt ook expressief, zonder zich te veel zorgen te maken over precisie, maar meer gericht op de keuze van kleuren en het vullen van het canvas met verschillende vormen en lijnen. Het was echt abstract en dit was iets dat steeds meer verscheen toen hij in zijn carrière vooruitging, terwijl hij steeds meer van de realiteit wegging op de manieren die hij gebruikte.

Kandinsky specialiseerde zich in oliën maar werkte van tijd tot tijd met aquarellen. Ik zou dit gemakkelijke middel hebben gevonden om te werken en iets dat zich ook goed aanpaste aan de snelle studies, waar ik het ontwerp voor een toekomstig stuk wilde begrijpen. Hij maakte ook gebruik van litho's, xyografen en etsen op andere momenten, vooral in de vroege stadia van zijn carrière toen hij bijzonder experimenteel was.

Werkend met aquarellen, kon Kandinsky dit schilderij in slechts drie dagen voltooien. Ondanks zijn haast heeft Kandinsky echter verschillende studies uitgevoerd voor dit kunstwerk voordat hij aan de laatste compositie begon. Wat deelnam aan de snelheid die in de titel kan worden geïnterpreteerd, was zijn kleurkeuze, omdat Kandinsky hij ingenieus koosde kleuren koos waarvan hij wist dat ze op dat moment zijn emoties trouw zouden vertegenwoordigen. De lijnen en vormen die ook werden getekend en benadrukten en benadrukten de chaos en urgentie die wordt ervaren om dit schilderij te zien.

Abstractie wordt ook duidelijk aangetoond binnen dit kunstwerk door de losse en vage vertegenwoordigde lijnen, die op dat moment een aanzienlijke interesse wekten tussen de artistieke menigte. Er bestaat geen titel als een belangrijke aanstichter van de abstracte kunstbeweging, omdat het de eerste keer was dat iets op afstand gescheiden en zonder beperkingen werd geaccepteerd als een adequaat thema binnen de kunstwerken op dat moment. Geen titel Het markeerde een bepalend punt binnen Europese kunst, zoals het vertrek van traditionele kunstwerken naar meer abstracte en ongeremde kunstwerken.

De periode tussen 1910 en 1914 werd beschouwd als de piek van de carrière van Kandinsky en het hoogtepunt van zijn grootste artistieke prestaties. Daarom bestond het zonder titel als een van de eerste kunstwerken die schaamteloos alle verwijzingen naar herkenbare vormen weggingen en voortkwamen uit de beperkingen van de conventies van de representatie van het schilderen van West -Europa.

Deze notie van totale vrijheid ging verder met het innemen van een prominente plaats in de meeste werken die Kandinsky in deze periode creëerden.

Nr. 2 volwassenheid #7 - Hilma AF Klint

Hoewel ze niet zo bekend is als veel van de mannelijke kunstenaars van haar tijd, was de Zweedse kunstenaar Hilma AF Klint een abstracte pionierskunstenaar wiens radicale schilderijen zijn voorafgaand aan veel van haar mannelijke tijdgenoten. Hij vroeg dat zijn grote werk, waarvan de meerderheid nooit werd tentoongesteld tijdens zijn leven, tot 20 jaar na zijn dood verborgen bleef. 

De collectie vertegenwoordigt de stadia van het leven, waaronder jeugd, jeugd, volwassenheid en ouderdom. Ze combineren botanische elementen en herkenbare organische objecten die verwijzen naar geboorte en groei.

De Leeftijd Volwassen Nr. 7 van Hilma Klint Het is een enorm canvas, 3 meter hoog en 2 meter breed, op papier, op de studiovloer geschilderd en vervolgens vastgelopen op een canvas.

AF Klint interpreteert de volwassenheid in vol bloeiende schilderen Verschillende vormen die vrij in verschillende maten en kleuren op een lila -achtergrond stromen. Het centrale gele symbool lijkt op een bloem, terwijl spiralen en biomorfe vormen symbolen zijn van groei en vruchtbaarheid.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Voltooid in 1922, Senecio -schilderij Het is een manifestatie van het gevoel voor humor en Afrikaanse cultuur van Paulus. Eenvoudige kleuren en vormen, Paul maakt gebruik van verschillende tonen van oranje, rood en geel om het portret van een oude man te onthullen. Het artistieke gebruik van formulieren geeft de valse indruk dat een oog wordt verhoogd. De linker wenkbrauw wordt weergegeven door een driehoek, terwijl de andere wordt gevormd door een eenvoudige gebogen lijn. Het portret wordt ook genoemd hoofd van een man die seniel gaat en imiteert opzettelijk de kunstwerken van kinderen door het gebruik van dubbelzinnige vormen en vormen met minimale gezichtsdetails.

Deze aanpassing van het menselijk gezicht wordt gedeeld door kleur in rechthoeken. De platte geometrische vierkanten worden in een cirkel gehouden die een gemaskeerd gezicht vertegenwoordigt en het veelkleurige pak van een harlekijn toont. Een portret van de artiest Senecio -kunstenaar kan worden gezien als een symbool van de veranderende relatie tussen kunst, illusie en de wereld van drama. Dit schilderij demonstreert de principes van Klee's kunst, waarin de grafische elementen van lijn, kleur en ruimteplannen in beweging worden gebracht door een energie uit de geest van de kunstenaar. In zijn fantasierijke krabbels vond hij het leuk, in zijn eigen woorden: "Haal een wandellijn."

Nr. 4 Etail Bleue - Joan Miró

Etoile Bleue -schilderij Het was de overgang van miró tussen figuratieve en abstracte kunst.

Dit schilderij staat bekend als een van de belangrijkste schilderijen in de carrière van Miro. In het bijzonder is het verzengende blauw gebruikte te zien in verschillende van zijn toekomstige werken en hebben zelfs invloed gehad op schilders zoals Mark Rothko en Yves Klein.

Etoile Bleue is een groot schilderij, maar het is een schilderij van vragen meer dan antwoorden.

Miró was de grote synthesizer van een tijdperk van veel verschillende ideeën, zoiets als vandaag, maar de artistieke ideeën van toen waren veel complexer dan vandaag.

Het schilderij combineert fauvistas -kleuren, kubistische vormen en surrealistische bedoelingen in een werk dat de kijker steeds opnieuw visueel kan verkennen. Het is een van de zoveel dingen dat je veel vragen hebt wiens antwoorden net zo dromerig zijn als de foto.

Als de blauwe vorm in de linkerbovenhoek wordt waargenomen. Het is een vogel. Hoogstwaarschijnlijk is het, maar welke vogel niet duidelijk is. Als je er een tijdje naar kijkt, kan het zeker zeggen dat het een dynamische vorm is, maar het kan gemakkelijk beweren dat het naar links of naar rechts of zelfs naar beneden en naar ons toe vliegt.

Het grote rode stuk in het onderste midden. Is het een voet? Het wordt zeker als stabiel en verankerd gezien als het blauwe stuk dynamisch is.

Dit schilderij is een juweel voor je geliefden. Op het eerste gezicht wiebelt het een beetje en beweegt het, maar een moment beweegt het tegen die elastische figuur rechtsonder.

Miró, een Catalaanse kunstenaar geboren in Barcelona in 1893, noemde zijn surrealistische droomlandschap Peinture (Étoile Bleue) van 1927 een belangrijk beeld, met symbolen die hij herhaaldelijk zou gebruiken in latere jaren, en zelfs de kleurrijke blauwe kleur beïnvloedde latere schilders, inclusief mark Rothko en Yves. Klein

Nee. 5. Samenstelling VII - Wassily Kandinsky

De Schildersamenstelling VII van Wassily wordt Kandinsky door veel fans van abstracte kunst beschouwd, als het belangrijkste kunstwerk van de twintigste eeuw, misschien zelfs het belangrijkste abstracte schilderij dat ooit is gecreëerd.

Dit werk is een logische voortzetting van compositie V en Samenstelling VI . De drie schilderijen zijn gekoppeld door het thema van Apocalyps. Dergelijke elementen van compositie VI hoe de overstroming en opstanding in dit werk kunnen worden getraceerd. Het hoofdthema is het uiteindelijke oordeel, maar het wordt niet gezien als een ramp, maar als een bevrijding, de overgang van de wereld van het materiaal naar het spirituele. Daarom verschilt compositie VII van de andere werken van de serie voor zijn heldere kleuren en zijn sprankelende contrastlijnen.

Kandinsky bouwde elk van zijn composities zodat de kijker de afbeelding zou kunnen betreden alsof hij zich in haar keerde. Hij maakte de onderrand van de compositie zwaarder, duwde hem naar voren, terwijl het bovenste deel lichter en verder weg blijft voor de kijker. Een van de belangrijkste contrasten van de kunstenaar, blauw en geel vormen het centrale gebied van actieve beweging in en uit.

Kandinsky bracht vele maanden door met het voorbereiden van zijn compositie VII, maar het duurde slechts vier dagen om haar te schilderen. De kunstenaar heeft ongeveer 30 studies van dit schilderij uitgevoerd. Sommigen van hen herinneren zich dat Caravaggio of Leonardo Da Vinci's met hun gedetailleerde studies van de stofplooien, de bladeren van de bomen of de menselijke ledematen. In deze serie presenteren sommige werken herhaaldelijk dezelfde gebogen lijn, anderen tonen schematisch de basisstructurele elementen van de compositie en sommige bevatten een gedetailleerd vlak van de compositie. Bovendien zijn er ongeveer 15 verschillende schilderijen die gerelateerd zijn aan compositie VII: dit zijn de olieschetsen of potlood, aquarellen, glas en gegraveerde schilderijen.

Gabrielle Minter, die getuige was van de oprichting van dit schilderij, schreef in zijn krant op 25 november 1913 dat het canvas voor compositie VII in zijn huis in Murnau werd afgeleverd en Kandinsky begon diezelfde nacht te werken. De volgende ochtend nam hij de eerste foto van het schilderij en na de lunch nam hij de tweede. De ingang van 28 november in de Diario de Minter zei dat het schilderij voltooid was. Op 29 november nam hij een foto van het voltooide werk. Zo werd de geboorte van een groot meesterwerk geregistreerd.

Samenstelling VII neemt de positie nr. 100 op onze lijst met beroemde schilderijen

Nr. 6 Compositie X - Kandinsky

Geciteerd als een van de eerste kampioenen van abstract schilderen, Wassily Kandinsky was niet alleen een Russische schilder, maar ook een kunsttheoreticus. De invloed die werd aangezet en achtergelaten in de kunstwereld en in abstractie was enorm sinds de kunstgroep Phalanx en de nieuwe groep kunstenaars vanaf dat moment, en organiseerde tentoonstellingen voor hun tijdgenoten gedurende zijn jaren als kunstenaar. Hij produceerde gedurende zijn carrière meer dan 600 werken, met een schilderij uit 1913 dat zijn recordprijs van de veiling van 41,6 miljoen dollar in 2017 bereikte. 

Ondanks dit indrukwekkende record was zijn belangrijkste werk mogelijk mogelijk Samenstelling x. Laatste in zijn leven van 'composities'. Daarmee probeerde hij zijn onderzoek naar de zuiverheid van vorm en expressie door dit werk te culmineren. Na de zwarte kleur in zijn praktijk tot nu toe te hebben gebruikt, is het bekritiseerd dat dit werk zowel de kosmos als de duisternis van het voorteken oproept dat aan het einde van zijn leven nadert. 

Aanvankelijk werd het creëren van compositie X beïnvloed door de biomorfe vormen van surrealisme.

Wassily Kandinsky gebruikte echter later de kunst van het gebruik van organische vormen in haar schilderijen. Dit is een stijl die hij later in zijn schilderijen gebruikte.

De stijl gaf zijn werk de singulariteit. Het was gemakkelijk en bijna onmogelijk om de schilderijen die door Wassily Kandinsky werden gecreëerd niet te herkennen toen ze werden getoond in tentoonstellingen of andere plaatsen.

Bovendien is compositie X gemaakt in Frankrijk. Als je de verf op de voet ziet, laat het zien dat de schilder een zwarte achtergrond gebruikte. De belangrijkste reden voor het gebruik van de zwarte achtergrond was dat de kleuren naar de voorgrond duidelijk werden gezien.

Nr. 7 Convergence - Jackson Pollock

Convergentie "Een zwart -wit schilderij waarop Pollock primaire kleuren gooide", weerspiegelt de crisis van de Koude Oorlog. Het is een van zijn meesterwerken, en het kan ook het bekendste schilderij van een abstracte expressionist zijn. In 1964 produceerden Springbok -edities een puzzel van schilderen, die werd gepromoot als de "moeilijkste puzzel ter wereld", en honderdduizenden Amerikanen kochten het.

In 1951 zei Pollock: “Het lijkt mij dat de moderne schilder zijn tijd, het vliegtuig, de atoombom, de radio, niet kan uiten in de oude vormen van de renaissance of een andere cultuur in het verleden. Elk tijdperk vindt zijn eigen techniek. " Pollock vond zijn techniek in het schilderen van huizen en druppels en gebruikte deze om zijn eigen tijd uit te drukken.

Met een grootte van 237 x 394 centimeter is convergentie een van de meest ambitieuze schilderijen van Pollock. Hij staat bekend om zijn visuele schittering en roept diepe emoties op in de kijker. Hoewel de werken van Jackson nog steeds moeilijk te ontcijferen zijn, zelfs voor kunstexperts, worden zijn schilderijen beschouwd als manifestaties van vrijheid van meningsuiting. Convergentie, wat in die zin een prominent voorbeeld is, blijft een van de beroemdste meesterwerken.

Nr. 8 Elegory to the Spaanse Republiek -Robert Motherwell

Hoewel Robert Motherwell pas 21 jaar oud was toen de Spaanse burgeroorlog uitbrak, hebben zijn wreedheden hem de volgende jaren veel getroffen. Dit bracht hem ertoe een reeks van meer dan 200 schilderijen te maken als reactie op hem. De serie 'gekozen in de Spaanse Republiek' dient als een veelvoud van herdenking van menselijk lijden, evenals 'abstracte en poëtische symbolen voor de onverbiddelijke cyclus van leven en dood'.

Over de elegieën verklaarde Motherwell dat: “Na een periode van het schilderen ervan ontdekte ik zwart als een van mijn problemen, en met zwart, contrasterend wit, een gevoel van leven en dood dat voor mij behoorlijk Spaans is. Ze zijn in wezen de Spaanse zwarte dood in contrast met de schittering van een zonlicht zoals Matisse. ”

Zijn elegieën vormen een uitgebreide abstracte meditatie over leven en dood. Gedurende de serie worden horizontale witte doeken ritmisch gedeeld door twee of drie verticale staven die vrij worden getekend en onderbroken in verschillende intervallen door eivormige vormen. De schilderijen zijn meestal volledig samengesteld uit zwart en wit, de kleuren van rouw en de gloed, dood en leven. Motherwell gaf commentaar op de verstrengeling van deze krachten als een metafoor voor hun begrip van de ervaring van leven.

Hij koos voor de Spaanse Republiek beschrijft een majestueuze passage van het organische en de geometrische, het toevallige en de opzettelijke. Net als andere abstracte expressionisten werd Motherwell aangetrokken tot het surrealistische principe van automatisme - van methoden die ontsnapten naar de bewuste intentie van de kunstenaar - en zijn beroerte heeft een emotionele last, maar binnen een algemene structuur van een bepaalde ernst. Motherwell zag zelfs de zorgvuldige regelingen van kleur en vorm als het hart van abstracte kunst, die, "is ontdaan van andere dingen om het te intensiveren, zijn ritmes, ruimte -intervallen en kleurstructuur."

Nr. 9 Black Iris - Georgia O'Keeffe

Dit monumentale bloemenschilderij is een van de eerste meesterwerken van O'Keeffe. Door de bloemblaadjes ver buiten de verhoudingen van de natuurlijke grootte te vergroten, dwingt het de kijker om de kleine details te observeren die anders over het hoofd zouden kunnen zien. Toen de schilderijen van deze groep voor het eerst werden tentoongesteld in 1924, was zelfs Alfred Stieglitz, haar man en handelaar, verrast door haar durf.

De zwarte iris van Georgia O'Keeffe is een voorbeeld van een van zijn vele werken over het onderwerp bloemen en in het bijzonder de iris, een bloem die rijk is aan symboliek. In Black Iris III was het doel van O'Keeffe echter niet om naar deze symboliek te verwijzen of toe te voegen, maar de kijker aan te moedigen om de bloem te kijken en te zien en de verschillende manieren te overwegen waarop mensen zien. Het wordt dus een diepe meditatie over de kunst van het kijken, niet alleen voor kunst maar voor het leven. In dit artikel analyseert SingularArt de geprojecteerde symboliek in het schilderij van O'Keeffe, evenals zijn eigen bedoelingen bij het maken van zwarte iris III. 

Georgia O'Keeffe maakte zich vele jaren zorgen over de kwestie van Iris Painting, met name de Black Iris, die moeilijker te vinden was en slechts enkele weken per jaar beschikbaar was in New York. Iris is een familiesymbool in de westerse wereld: in de Griekse mythologie personifieert de godin iris de regenboog en de verbinding tussen hemel en aarde; In het christendom symboliseert Iris de passie van Christus en opstanding, evenals het lijden van Maria. Van zijn kant veranderde Linda Nochlin, kunsthistoricus, de iris van O'Keeffe in een feministisch symbool bij het beschrijven van ze als een "morfologische metafoor" van de vrouwelijke geslachtsdelen, die 'de eenheid van het vrouwelijke en de natuurlijke orde' weerspiegelt. Black Iris IIIY's beschrijving van Black IIIY De andere iris schilderijen van O'Keeffe verankerd ze in de geschiedenis van kunst en de geschiedenis van feminisme en feministische kunst.

O'Keeffe verwierp echter deze beschrijving en verklaarde dat: “Niemand ziet een bloem echt zo klein. We hebben geen tijd en zien de tijd om een ​​vriend te hebben, kost tijd. Als ik de bloem precies kon schilderen zoals ik hem zie, zou niemand zien wat ik zie omdat ik hem klein zou schilderen omdat de bloem klein is. Dus ik zei tegen mezelf: ik zal schilderen wat ik zie, wat de bloem voor mij is, maar ik zal het groot schilderen en zal verrast zijn als je de tijd neemt om ernaar te kijken, ik zal zelfs de bezette New Yorkers de tijd laten nemen Om te zien wat ik zie over bloemen. Ik liet je de tijd nemen om te kijken naar wat ik zag en toen je de tijd nam om mijn bloem echt op te merken, stopte je al je eigen associaties met bloemen in mijn bloem en schreef over mijn bloem alsof ik dacht en zag wat je denkt en zien . De bloem, en ik niet.

Nr. 10 Exchange - William de Kooning

In 1955 voltooide Kooning Willem de werkuitwisseling. Hij had een lange tijd gericht op het herwerken van studies van cijfers die vrouwen begonnen die in 1948 begonnen. Deze werden geassocieerd met hun individuele tentoonstelling in 1953, schilderijen over het onderwerp van vrouwen, die op dat moment in New York City openden. Sommige titels van deze werken zijn vrouwen I, Woman III en Women V, evenals twee vrouwen met een dode aard.

Tegen 1955, uit Kooning, was hij gestopt met het schilderen van menselijke figuren en bleef abstracte representaties van architectuur en gemeenschappen in New York City gebruiken.

Kooning Willem gebruikte snelle Gestural Marks op het canvas. Het beeld toont een vrouw die in een stoel zit, maar vrouwen verschijnen alleen als een massa piek. Bij het aanstellen van zijn schilderijen gaf hij altijd de voorkeur aan een link naar het gebied waar hij woonde. De uitwisseling verkreeg de naam van de omgeving, het centrum van New York, de plaats waar hij in die tijd woonde.

Oorspronkelijk werd het schilderij door de kunstenaar verkocht in 1955 voor $ 4.000.

Het werd vervolgens verkocht door de David Geffen Foundation aan Kenneth C. Griffin voor $ 300 miljoen in september 2015 en plaatste het op de tweede plaats in de lijst met duurdere schilderijen, alleen overtroffen door Salvator Mundi de Leonardo Da Vinci, die werd verkocht voor 450,3 Million Dollar in november 2017.

Kuadros ©, een beroemde verf op je muur.