추상 표현주의는 1940년대와 1950년대에 잭슨 폴록, 마크 로스코, 윌렘 드 쿠닝과 같은 미국 화가들에 의해 발전된 새로운 형태의 추상 예술을 나타내는 용어입니다. 종종 제스처 브러시 스트로크나 자국이 특징이며, 즉흥성의 인상을 줍니다.
추상 표현주의 - 잭슨 폴록의 파란 기둥들
비록 이것이 받아들여진 명칭이지만, 추상 표현주의는 이러한 예술가들이 만든 작업 집합체를 정확하게 설명하는 용어는 아닙니다. 사실 이 운동은 기술과 표현의 질 모두에서 다양한 화풍을 포함했습니다. 이러한 다양성에도 불구하고, 추상 표현주의의 그림들은 몇 가지 일반적인 특성을 공유합니다. 종종 추상화의 정도를 사용하며, 즉, 비현실적인 형태를 나타내거나, 극단적으로는 눈에 보이는 세계에서 추출되지 않은 형태를 나타냅니다(비객관적). 그들은 자유롭고 즉흥적이며 개인적인 감정 표현을 강조하며, 이를 달성하기 위해 기법과 실행에 상당한 자유를 행사하며, 회화의 물리적 특성을 활용하여 감정적 속성(예: 관능, 역동성, 폭력, 신비, 서정성)을 불러일으키는 데 특히 중점을 둡니다. 그들은 또한 그런 회화를 즉흥적으로 자발적으로 적용하는 데 유사한 강조를 보이며, 이는 초현실주의자들의 자동기법과 유사한 심리적 즉흥의 형태로, 예술에서 창조적 무의식의 힘을 표현하고자 하는 유사한 의도를 가지고 있습니다. 예술가들은 종종 분리 가능한 개별 요소로 구성된 전통적으로 구조화된 구성을 포기하고 하나의 필드, 그물 또는 비구조화된 공간에 존재하는 통합된 이미지로 대체하는 데 유사한 강조를 보입니다. 마지막으로, 그림들은 이러한 시각적 효과에 위대한 크기와 흡입력 있는 힘을 주기 위해 큰 캔버스를 채웁니다.
추상 표현주의자들은 주로 뉴욕에 본거지를 두고 있었고 뉴욕 스쿨이라고도 불렸습니다. 이 이름은 비록 추상적이지만 표현적이거나 감정적인 효과를 지닌 예술을 만들겠다는 그들의 목표를 잘 나타냅니다. 그들은 예술이 무의식의 마음에서 나와야 한다는 초현실주의자의 관념과 예술가 후안 미로의 자동성에서 영감을 받았습니다.
그레이트 애플에서 소수의 약한 연관을 가진 예술가들이 스타일적으로 다양한 작업 집합체를 만들어 예술에 새로운 급진적 방향을 도입하고 예술 세계의 접근 방식을 변화시켰습니다. 비록 공식적인 협회는 아니었지만 "추상 표현주의자들" 또는 "뉴욕 스쿨"로 인식된 예술가들은 몇 가지 공통 가정을 공유했습니다. 잭슨 폴록, 윌렘 드 쿠닝, 프란츠 클라인, 리 크래스너, 로버트 마더웰, 윌리엄 바지오테스, 마크 로스코, 바넷 뉴먼, 아돌프 고틀리브, 리차드 포세트-다트, 클리포드 스틸과 같은 예술가들은 의미 있는 내용의 추구에서 형식적으로 대담하게 나아갔습니다. 그들은 기술과 주제 모두에서 받아들여진 관습을 깨뜨리며 개인의 정신을 반영하는 기념비적인 규모의 작품을 창조했습니다. 이러한 작품을 통해 그들은 보편적인 내부 자원에 접근하려고 했습니다. 이 예술가들은 즉흥성과 자발성을 중요시했으며, 과정을 최우선으로 여겼습니다.
추상 표현주의 - 윌렘 드 쿠닝의 추상화
추상 표현주의자의 작업은 스타일적 범주화에 저항하지만 두 가지 기본 성향을 중심으로 그룹화될 수 있습니다: 역동적이고 에너제틱한 제스처의 강조와 보다 개방된 색상 필드에 대한 반영적이고 지적인 접근의 대비. 어떤 경우든 이미지는 주로 추상적이었습니다.
초기 추상 표현주의자들은 두 명의 주목할 만한 선구자를 두었습니다: 아르실 고르키는 유동적이고 섬세한 선으로 액체 페인트를 사용하여 제안적인 생물 형태를 그렸고, 한스 호프만은 전통적인 구성을 가진 작품에서 역동적이고 강한 질감의 붓질을 사용했습니다. 또 다른 중요한 영향을 미친 요소는 1930년대 후반과 1940년대 초반에 나치가 지배하는 유럽을 피하는 많은 초현실주의자들과 다른 주요 유럽 전위 예술가들의 미국 해안으로의 도착이었습니다. 이러한 예술가들은 뉴욕에 있는 토착 화가들에게 큰 자극을 주었고, 유럽 회화의 전위에 대한 보다 친밀한 시각을 제공했습니다. 일반적으로 추상 표현주의 운동은 잭슨 폴록과 윌렘 드 쿠닝이 1940년대 후반과 1950년대 초반에 그린 그림으로 시작된 것으로 간주됩니다.
추상 표현주의 - 아르실 고르키의 일년 호주머니
추상 표현주의 - 한스 호프만의 별들의 길
추상 표현주의의 유형
추상 표현주의 운동의 다양성과 관계없이 세 가지 일반적인 접근 방식을 구별할 수 있습니다. 하나는 "행동의 회화"로, 붓질의 스윕이나 슬래시로 느슨하고 빠르며 역동적이거나 강한 페인팅의 방식과 우연에 의해 부분적으로 지시된 기술로 특징지어집니다. 제이슨 폴록은 상업용 페인트를 원시 캔버스 위에 쏟아내어 복잡하고 엉킨 회화의 뭉치를 구축하는 추상 행동 회화를 처음 실천했습니다. 드 쿠닝은 색상과 질감이 풍부한 이미지를 생성하기 위해 극적으로 힘차고 표현적인 붓질을 사용했습니다. 클라인은 흰 캔버스 위에 강력하고 넓은 검정 스트로크를 사용하여 저명하게 기념비적인 형태를 만들었습니다.
추상 표현주의 내에서의 중간 용어는 여러 가지 다양한 스타일로 나타내어지는 데, 여기에는 구스턴과 프랭크텐할러의 더욱 서정적이고 섬세한 이미지와 유동적인 형태에서부터 마더웰과 고틀리브의 거의 캘리그래픽하고 강력하게 구조화된 이미지에 이르기까지 다양한 이미지들이 포함됩니다.
세 번째 접근법이자 가장 감정적으로 표현력이 적은 것은 로스코, 뉴먼, 레인하르트의 방법이었습니다. 이러한 화가들은 조용하고 섬세하며 거의 명상적인 효과를 얻기 위해 큰 면적의 평면 또는 색상 필드와 얇고 투명한 페인트를 사용했습니다. 색상 필드 화가로서 로스코의 대부분의 작품은 부드러운 가장자를 가진 고체 색상의 직사각형 영역의 대규모 조합으로 구성되어 있으며, 그레이징하고 공명하는 경향이 있습니다.
추상 표현주의 하에는 두 개의 주요 그룹이 있었습니다: 표현적인 붓질로 캔버스를 공격하는 이른바 행동 화가들과 단일 색상의 큰 영역으로 캔버스를 채우는 색상 필드 화가들입니다.
행동 화가들은 잭슨 폴록과 윌렘 드 쿠닝이 이끌며, 자발적이고 즉흥적으로 작업을 하며 종종 큰 붓을 사용해 제스처 마크를 만들어냈습니다. 폴록은 캔버스를 바닥에 놓고 그 주위를 춤추며 페인트를 통에서 쏟거나 붓이나 막대기로 긁었습니다. 이렇게 행동 화가들은 그들의 내부 충동을 직접적으로 캔버스에 담아냈습니다.
두 번째 그룹은 마크 로스코, 바넷 뉴먼, 클리포드 스틸을 포함했습니다. 이러한 예술가들은 종교와 신화에 깊이 관심을 가지며 색상의 큰 영역으로 구성된 간단한 구성을 만들어 관객에게 사색적이거나 명상적인 반응을 유도했습니다. 1948년에 쓴 에세이에서 바넷 뉴먼은 이렇게 말했습니다: '우리는 그리스도, 인간 또는 '삶'으로 성당을 짓는 대신 우리 자신과 우리의 감정으로 성당을 짓고 있습니다.' 이 회화 접근 방식은 약 1960년경에 색상 필드 회화로 발전했으며, 이는 주로 하나의 평면 색상으로 형성된 큰 면적을 사용하는 예술가들로 특징지어졌습니다.
추상 표현주의는 다양하고 중첩된 출처와 영감의 맥락에서 발전했습니다. 많은 젊은 예술가들은 1930년대에 시작되었습니다. 대공황은 두 개의 대중 예술 운동, 즉 지역주의와 사회적 사실주의를 생산했습니다. 이 두 운동 모두 이 그룹의 예술가들이 의미가 풍부하고 사회적 책임의 냄새가 나는 내용을 찾고자 하는 욕구를 충족시키지 못했습니다. 대공황은 또한 많은 그룹의 구성원들이 참여했던 실업 미국인을 위한 고용 프로그램인 Works Progress Administration(WPA)을 포함한 정부 지원 프로그램의 발전을 촉진했습니다. 이를 통해 많은 예술가들이 경력을 쌓을 수 있었습니다.
그러나 유럽 현대주의의 노출과 수용이 미국에서 가장 진보된 예술의 무대를 준비했습니다. 뉴욕에는 유럽의 전위 예술을 볼 수 있는 여러 장소가 있었습니다. 현대 미술관은 1929년에 문을 열었고, 그곳에서 예술가들은 알프레드 H. 바르 주니어 관장이 수집한 급속히 성장하는 컬렉션을 보았습니다. 그리고 그들은 입체파와 추상 예술(1936), 환상 예술, 다다이즘, 초현실주의(1936-1937), 마티스, 레거, 피카소 등의 회고전 등의 새로운 작업에 대한 혁신적인 임시 전시회도 보았습니다.
보다 진보된 예술을 볼 수 있는 또 다른 포럼은 알버트 갈라틴의 생생한 예술 박물관이었습니다. 이 박물관은 1927년부터 1943년까지 뉴욕 대학에 위치했습니다. 그곳에서 추상 표현주의자들은 몬드리안, 가보, 엘 리시트스키 등의 작업을 보았습니다. 솔로몬 R. 구겐하임 박물관의 전신인 비대상 회화 박물관은 1939년에 문을 열었습니다. 그 이전에도 칸딘스키의 컬렉션은 여러 번 공개적으로 전시되었습니다. 유럽 현대주의의 교훈 또한 교육을 통해 전달되었습니다. 독일 망명자 한스 호프만(1880–1966)은 미국에서 가장 영향력 있는 현대 미술 교수로 자리 잡았으며, 그의 영향력은 예술가들과 비평가들에게까지 미쳤습니다.
전쟁의 위기와 그에 따른 결과는 추상 표현주의자들의 불안을 이해하는 데 핵심적입니다. 이러한 젊은 예술가들은 인간의 어두운 면을 걱정하고 비이성적이며 인간의 취약함을 의식하며, 의미와 실질이 있는 새로운 예술에서 그들의 우려를 표현하고 싶어했습니다. 유럽 초현실주의자들은 무의식을 접근하는 새로운 가능성을 열었습니다. 의식적인 마음에서 자유로워지기 위한 초현실주의 자원은 자동적인 제스처와 즉흥적이며 자유롭게 이루어지는 것에 의존했습니다.
초기에는 강력하고 영원한 주제를 찾고자 하는 추상 표현주의자들이 원시 신화와 고대 예술을 영감의 원천으로 삼았습니다. 로스코, 폴록, 마더웰, 고틀리브, 뉴먼, 바지오테스는 고대 또는 원시 문화에서 표현을 찾았습니다. 그들의 초기 작품들은 그들만의 코드로 변형된 그림 기호와 생물 형태의 요소를 보여줍니다. 융 심리학 역시 무의식의 집단적 능력에 대한 주장으로 매력적이었습니다. 표현의 솔직함은 기본적이었으며, 사전 숙고 없이 이루어지는 것이 가장 좋았습니다. 1943년 6일 뉴욕 타임즈에 보낸 유명한 편지에서 고틀리브와 로스코는 뉴먼의 도움으로 이렇게 썼습니다: “우리에게 예술은 상상력의 미지의 세계에서 모험이며, 환상으로부터 해방되고 상식에 강력히 반대합니다. 아무것도 아닌 것에 대한 좋은 회화란 존재하지 않습니다. 우리는 주제가 중요하다고 주장합니다.”
추상 표현주의 - 아돌프 고틀리브의 원
추상 표현주의의 절정: 행동 회화
1947년, 폴록은 전통적인 방법(페인트를 붓으로 스트레칭된 캔버스에 적용하는 방법) 대신, 바닥에 놓인 원시 캔버스 위에 희석된 페인트를 붓거나 떨어뜨리는 급진적으로 새로운 기법을 개발했습니다. 그림들은 완전히 비객관적이었습니다. 주제(또는 보이는 결핍), 규모(거대), 기술(붓 없이, 프레임 없이, 이젤 없이)에 있어 이러한 작품들은 많은 관객에게 깊은 인상을 주었습니다. 드 쿠닝 또한 매우 부하가 큰 제스쳐 스타일의 자신의 버전을 개발하고 있었으며, 추상 작업과 강력한 아이코닉한 인물 이미지를 번갈아가며 만들고 있었습니다. 크래스너와 클라인을 포함한 다른 동료들도 이미지의 각 인치가 완벽하게 충전된 역동적인 제스처 예술을 만들기 위해 열정적이었습니다. 추상 표현주의자들에게, 작품의 진실성이나 가치는 솔직함과 즉각적인 표현의 여하에 달려 있습니다. 하나의 회화는 예술가의 진정한 정체성을 드러내기 위해 의도되었습니다. 제스처, 즉 예술가의 "서명"은 작품의 창조 과정을 증명합니다. 비평가 해럴드 로젠버그는 이 작품의 측면을 언급하며 1952년에 “행동 회화”라는 용어를 만들었습니다: “어느 시점에서 캔버스는 미국 화가에게 연극 무대처럼 나타나기 시작했습니다. 그들은 객체, 실제 또는 상상의 물체를 재현, 재설계, 분석하거나 '표현'하는 공간이 아니라 그곳에서 행동하는 장소로 나타났습니다. 캔버스에 무엇을 맡길지가 아니다. 그림이 아니라 사건입니다.”
추상 표현주의의 절정: 색상 필드
또 다른 길은 색상의 표현적 잠재력에 있었습니다. 예를 들어, 로스코, 뉴먼, 스틸은 단순화된 대형 색상 필드 기반의 예술을 만들었습니다. 일반적으로 그들의 충동은 반응적이고 지적이었으며, 본질적인 영향을 만들기 위해 간소화된 매체 기술을 사용했습니다. 로스코와 뉴먼은 "아름다움"보다 "숭고함"을 달성하려는 목표에 대해 이야기했으며, 이것은 에드먼드 버크를 회상하며 장대한 발상과 영웅적 비전을 염두에 두게 했습니다. 뉴먼은 자신의 축소주의를 “구식이고 진부한 과거 전설의 지구와의 부속물에서 우리를 해방하는 수단으로... 기억, 연관, 향수, 전설과 신화를 차단하게 해 주는” 방법으로 묘사했습니다.
로스코에게는 부드러운 가장자리를 가진 발광 색상의 직사각형들이 관객에게 거의 종교적인 경험을 유도해야 했으며, 심지어 눈물을 줄 수도 있었습니다. 폴록과 다른 이들과 마찬가지로 규모는 의미를 더했습니다. 그 당시 그들의 작업은 대형이었으며, 상대적으로 가까운 환경에서 시청되어야 하는 의도가 있었습니다. 따라서 관객은 작품에 마주하는 경험에서 거의 감싸여 있는 느낌을 가질 수 있었습니다. 로스코는 "나는 친밀하게 그리기 위해 크게 그린다"고 말했습니다. 이 개념은 위대한 것보다는 개인적(개인의 진정한 표현)이라는 쪽으로 향합니다. 관객은 작품에 맞닥뜨릴 때 거의 감싸여 있었습니다.
추상 표현주의: 그 영향
추상 표현주의는 1950년대 동안 미국과 유럽 예술계에 큰 영향을 미쳤습니다. 사실 이 운동은 현대 회화의 창조 중심이 파리에서 뉴욕으로 옮겨가는 변화를 나타냈습니다. 1950년대 동안, 이러한 운동의 젊은 추종자들은 점점 더 색상 필드 화가들의 본보기를 따랐으며, 1960년에는 그들의 참여자들이 일반적으로 행동 화가들의 고도로 감정적인 표현력에서 멀어져 있었습니다.
이 시기에 그들의 작업은 순회 전시회와 출판물을 통해 널리 소개되었습니다. 추상 표현주의의 결과로, 새로운 세대의 예술가들, 미국과 유럽 모두는 첫 번째 세대의 발전에 의해 깊은 영향을 받았고, 길을 닦은 이들을 기반으로 자신들의 중요한 표현을 창출했습니다.
KUADROS ©, 당신의 벽에 걸린 유명한 그림.
