예술사에 대한 기초는 수만 년 전으로 거슬러 올라가며, 고대 문명은 문화적으로 중요한 주제를 표현하기 위해 가능한 기술과 수단을 사용했습니다. 이러한 초기 사례들로부터 수많은 예술 운동이 등장했으며, 각각의 운동은 그 시대의 정치적, 사회적 영향을 반영하는 독특한 스타일과 특징을 가지고 있습니다.
퐁비즘은 무엇을 의미하며 개념 예술은 무엇인가요? 예술에 대해 이야기하는 것은 그 자체로 하나의 학문이며, 이 세계에 처음 접근하는 경우, 특히 각 운동과 다양한 예술 유형에 대해 많은 질문이 있을 것입니다.
르네상스에서 현대주의의 출현에 이르기까지 영향력 있는 예술 장르들은 역사에 지워지지 않는 흔적을 남겼습니다.
예술 운동의 역사와 중요성에 대한 개념을 명확히 이해함으로써, 반 고흐, 피카소 및 워홀과 같은 유명한 예술가들이 예술 세계를 혁신한 방식을 더 깊이 이해할 수 있을 것입니다.
Kuadros는 당신을 위해 가장 중요한 운동 목록을 준비했습니다.
1위: 이탈리아 르네상스 (1400–1550)
주요 예술가: 기베르티의 문, 브루넬레스키, 도나텔로, 보티첼리, 레오나르도, 미켈란젤로, 라파엘.
14세기 말, 이탈리아의 사상가들은 자신들이 새로운 시대에 살고 있다고 선언했습니다. 어두운 야만적인 "중세"가 끝났고, 학습, 문학, 예술 및 문화의 "르네상스"가 시작되고 있었습니다. 이는 현재 알려진 르네상스 시대의 탄생이었습니다. 수 세기 동안, 학자들은 이탈리아 르네상스가 다음과 같은 방식으로 발생했다고 의견을 모았습니다: 14세기에서 17세기 사이에, 인간과 세계에 대한 현대적 사고 방식이 구시대적인 사고 방식을 대체했습니다. 이 시기의 많은 과학적, 예술적, 문화적 성취는 공통 주제를 공유하며, 특히 인간 중심의 세계관을 반영한 인본주의적 신념이 그 중심에 있습니다.
15세기 이탈리아는 유럽의 다른 지역과는 달랐습니다. 독립적인 도시국가로 나뉘어 각자 정부를 가지고 있었습니다. 르네상스 이탈리아가 시작된 플로렌스는 독립 공화국이자 은행 및 상업의 중심지였습니다. 부유한 플로렌티인들은 예술가와 지식인들을 지원함으로써 그들의 힘을 과시하며 도시를 유럽과 르네상스 시대의 문화 중심으로 만들었습니다.
르네상스는 두 가지 주요 부분으로 나뉩니다:
초기 르네상스 동안, 예술가들은 종교적 회화의 비잔틴 스타일을 거부하고 인간의 형태와 공간의 실제적 재현을 위해 노력했습니다. 이 목표는 치마부에와 지오토로 시작되어, 안드레아 만테냐와 파올로 우첼로와 같은 예술가들에 의해 절정에 달했습니다. 종교가 여전히 일상 생활에서 중요하게 여겨졌지만, 신화적인 주제도 착수하게 되었습니다. 많은 사람들은 보티첼리의 비너스의 탄생를 신화적 장면의 첫 번째 패널 회화로 간주합니다.
고임르 르네상스라는 이 시기는 초기 르네상스의 목표 달성의 정점으로 나타납니다. 가장 저명한 예술가는 레오나르도 다 빈치, 라파엘, 틴토레토 및 미켈란젤로입니다. 그들의 회화와 프레스코화는 세계적으로 가장 인정받는 작품들 중 일부로, 최후의 만찬, 아테네 학당, 미켈란젤로의 시스티나 성당 천장화와 같은 작품들이 있습니다.
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2위: 바로크 (1600–1750)
주요 예술가: 루벤스, 렘브란트, 카라바조, 벨라스케스, 베르사유 궁전.
바로크라는 용어는 아마도 중세 시대에 논리적 장애물을 설명하기 위해 사용된 이탈리아어 "barocco"에서 유래한 것으로 보입니다. 이후 복잡한 아이디어 혹은 뒤틀린 사고 과정을 나타내게 되었습니다. 또 다른 가능성 있는 출처는 포르투갈어 "barroco"이며, 이는 불규칙하거나 불완전한 형태의 진주를 설명합니다. 바로크는 17세기 초부터 18세기 중반까지 유럽에서 발달한 예술 및 건축bewegung입니다. 극적인 움직임과 과장된 디테일을 강조하며 드라마, 긴장, 화려함 및 위엄을 생산하는 데 중점을 둡니다.
초기 표현은 16세기 후반 이탈리아에서 발생했으며, 독일 및 남미 식민지와 같은 지역에서는 18세기까지 특정 정점에 이르지 않았습니다.
예술가들은 르네상스의 미적 이상을 재현하였으며, 예술, 음악 및 건축에 새로운 호화로움과 장식성을 주입하였습니다. 이 스타일, 즉 바로크는 혁신적인 기술과 정교한 디테일을 특징으로 하여 상대적으로 한정된 예술의 시기에 풍부한 시각 언어를 제공합니다. 바로크는 교황과 이탈리아, 프랑스, 스페인, 플란데르의 가톨릭 지배자들에 의해 촉진되며 유럽 전역으로 확산되었습니다. 수도원과 수녀원 전역으로 더 확산되어 나갔습니다.
새로 떠오른 바로크 스타일은 감각적이면서도 영적인 것이었습니다. 자연주의로 표현된 종교적 이미지들은 더 쉽게 접근할 수 있게 되었고, 드라마틱하고 환상적인 효과는 경건함을 자극하고 신성한 영광을 전달했습니다. 교회의 천장들은 천국으로 향하는 감각을 이끌어내는 그려진 장면들로 녹아내렸습니다.
비록 주제와 스타일이 바로크 회화들 사이에 다양하지만, 대부분은 드라마를 공통의 요소로 공유합니다. 카라바조와 렘브란트와 같은 예술자들의 작품에서는 빛과 그림자의 극적인 대조에서 드라마에 대한 관심이 드러납니다.
스페인이 지배하는 가톨릭 지역의 주요 거장은 피터 폴 루벤스인데, 그의 역동적인 구성과 힘찬 인물들은 바로크 회화의 정점이 됩니다. 앤서니 반 다이크의 고상한 초상화와 야콥 요르다엔스의 강력한 작품들도 그의 본보기를 따랐습니다. 네덜란드에서는 중산층의 리얼리즘 취향의 영향을 받아 렘브란트와 프란스 할스와 같은 화가들이 주요한 부분에서 바로크 스타일로부터 독립적으로 남아 있었습니다. 그러나 바로크는 특히 서지프레소 및 존 반브루흐가 설계한 교회와 궁전에 상당한 영향을 미쳤습니다.
르네상스의 조각들, 예를 들어 미켈란젤로의 상징적인 다비드와 마찬가지로, 바로크 조각들은 종종 장엄한 건물과 같은 위대한 배경을 장식하기 위해 의도되었습니다. 교회 내부 또는 왕궁 정원과 같은 다른 웅장한 장소들도 포함됩니다.
바로크의 마지막 꽃봉오리는 독일 남부와 오스트리아에서 발생했으며, 1720년대에 현지 건축가들이 이탈리아 모델에서 벗어났습니다.
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3위: 사실주의 (1848–1900)
주요 예술가: 코로, 쿠르베, 도미에, 밀레.
사실주의는 자연 또는 현대 생활을 정확하고 세밀하게 장식 없이 표현하는 것을 의미합니다. 외부의 모습들을 면밀히 관찰함으로써 이상화를 거부합니다. 따라서 사실주의는 다양한 문명에서 많은 예술적 경향을 포함했습니다. 예를 들어, 헬레니즘 그리스의 조각에서 복서나 노인을 묘사하며, 17세기 화가들의 작품에서 카라바조, 네덜란드 장르 화가들, 스페인의 호세 데 리베라, 디에고 벨라스케스, 프란시스코 데 수르바란, 그리고 프랑스의 레 나과 형제들과 같이 사실적인 접근 방식을 가지고 있습니다. 18세기 영국 소설가들인 다니엘 디포와 헨리 필딩의 작품도 사실주의적으로 여겨질 수 있습니다.
사실주의는 1850년대 프랑스에서 발생했으며, 1848년 혁명 이후 "노동할 권리"가 설정되었습니다. 이는 보통 사람들, 현대적 세팅, 그리고 일상적인 장면을 예술적 주제로 제시하는 아이디어를 도입했습니다.
사실주의는 러시아 알렉산드르 2세 정부 하에서부터 빅토리아 여왕 시대의 영국까지, 그리고 빌헬름 1세의 독일과 리소르짐멘토 시대의 이탈리아를 넘어 유럽으로 확장되었습니다. 1855년은 유럽에서 사실주의 확립에 중요한 해였습니다.
귀스타브 쿠르베는 사실주의의 주요 인물로 간주됩니다. 그는 1840년대에 농민들과 노동자들을 미화하지 않고 대담하고 가차없이 묘사함으로써 논란을 일으킴으로써 이 운동의 기초를 마련했습니다.
쿠르베의 스타일과 주제는 바르비종 학파 화가들의 작업에 기반합니다. 테오도르 루소, 샤를 프란수아 도비냑, 장 프랑수아 밀레 등이 바르비종 프랑스 마을에 정착하여 생태적 특성을 충실히 재현하고자 하는 목표를 가지고 있었습니다.
프랑스를 넘어서의 사실주의 미술은 19세기 미국에서 잘 나타납니다. 윈슬로 홈의 바다 관련 주제에 대한 강력하고 표현적인 그림과 토마스 이킨스의 작품은 현대 생활에 대한 진솔하고 면밀한 증거입니다. 사실주의는 20세기 미술에서 획기적인 흐름으로 자리잡았으며, 예술가들이 일상 생활의 빈틈없는 및 미화되지 않은 현장을 표현하거나 사회적, 정치적 비판을 위한 매체로 예술을 사용하는 욕망에서 촉발되었습니다.
The Eight라는 그룹에 속하는 세밀하고 거의 저널리즘적인 도시 생활 장면들은 이 카테고리에 속합니다. 독일의 새로운 객관성(New Objectivity) 운동은 제1차 세계 대전 이후 독일에서 냉소와 환멸을 표현하기 위해 사실적인 스타일로 작업했습니다. 소련의 사회주의 사실주의는 과감한 노동자와 엔지니어의 초상을 만들기 위해 자연주의적 이상화를 기술로 사용했습니다.
또한, 사실주의는 사진 사실주의 및 하이퍼 사실주의와 같은 현대 미술 운동에 직접적인 영향을 주어 그 지속적이며 진화하는 유산을 입증했습니다.
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4위: 인상파 (1865–1885)
주요 예술가: 모네, 마네, 르누아르, 피사로, 카사트, 모리소, 드가.
프랑스 인상파는 주로 19세기 말과 20세기 초 프랑스에서 발전한 중요한 운동입니다. 그 가장 두드러진 특징은 빛과 색상의 일시적인 효과의 측면에서 시각적 현실을 정확하고 객관적으로 기록하려고 하는 시도였습니다. 인상파 예술가들은 전통적인 현실 표현을 포기하고 종종 야외에서 주변 환경을 순간적으로 인상적으로 표현하는 새로운 시각적 오브제를 보여주었습니다. 음악에서는 엄격한 형식 구조 대신 무드나 효과를 전달하려고 했습니다.
1860년대 후반, 마네의 예술은 인상파 작업에서 이끌어낼 새로운 미학을 반영하였으며, 전통 주제의 중요성이 줄어들었고 색상, 톤 및 텍스처 조작에 주목했습니다.
1874년, 화가들로 구성된 'Anonymous Society of Painters, Sculptors, Engravers'가 파리에서 인상파라는 운동을 시작하는 전시회를 조직했습니다. 그들의 창립 멤버에는 클로드 모네, 에드가 드가 및 카밀 피사로가 있었습니다. 모네의 회화 인상, 해돋이 (1872)는 언론인 루이 레로이로부터 "인상파"라는 조롱적인 이름이 붙여졌습니다. 예술가들은 곧 시각적 "인상"을 정확하게 전달하려는 의도의 설명적인 이름으로 이 용어를 받아들였습니다. 보수적 비평가들은 그들의 작업을 불완전하고 스케치한 것이라 비판했지만, 더 진보적 저자들은 그것을 현대 생활을 묘사하는 것에 대해 칭찬했습니다.
인상파라는 개념이 등장한 이후, 그것은 느슨한 붓놀림, 독특한 색상, 일반 주제 재현 및 빛 중심의 효과, 사진에서 영감을 얻은 구성을 특징으로 정의되었습니다.
1885년대 중반에는 각각의 화가들이 자신의 관심사와 미학적 원칙을 추구함에 따라 인상파 그룹은 해체되기 시작했습니다. 그럼에도 불구하고 그들은 예술 역사에 혁명을 일으키며, 세잔, 드가, 고갱, 반 고흐 및 조르주 스뢰를 포함한 후기 인상파 예술가들에게 기술적 출발점이 되었습니다.
오늘날 인상파의 유산과 존재
모더니즘의 출발점으로서 인상파는 이후 여러 움직임에 영향을 미쳤습니다. 후기 인상파들은 느슨한 붓놀림을 채택했으며; 추상 표현주의자들은 모네의 비전통적인 접근 방식에서 영감을 찾았습니다; 많은 현대 예술가들이 계속해서 네오 인상파 스타일로 작업하고 있습니다.
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5위: 후기 인상파 (1885–1910)
주요 예술가: 반 고흐, 고갱, 세잔, 스뢰.
후기 인상파는 1880년대 인상파에 대한 반응을 설명하는 용어로 사용됩니다. 폴 세잔, 폴 고갱, 빈센트 반 고흐 및 조르주 스뢰가 이끌었습니다. 후기 인상파들은 인상파가 자연스럽고 자발적인 빛과 색의 표현에 대해 가졌던 관심을 거부했습니다.
이 예술가들은 반 고흐를 제외하고 프랑스인이었으며 대다수는 처음에는 인상파로 시작했습니다. 각자는 자신의 매우 개인적인 예술을 형성하기 위해 스타일을 버렸습니다.
인상파와 마찬가지로 그들은 이미지의 인위성을 강조했습니다. 그들은 색상이 형태 및 구성과 독립적으로 감정적이고 미학적 의미의 전달자일 수 있다고 믿었습니다. 인상파와 후기 인상파는 모네의 수련와 반 고흐의 별이 빛나는 밤과 같은 현대 예술 작품 중 일부를 포함합니다.
그들은 파리에서 독립 전시회를 통해 대중과 작업을 공유했습니다. 1910년, 미술 비평가 로저 프라이가 "마네와 후기 인상파" 전시회에서 "후기 인상파"라는 용어를 만들어냈습니다. 프라이는 예술의 아름다움은 인식에 뿌리를 둔다고 믿었습니다. "예술은 실제 세계의 복제가 아닌, 상상력을 자극하고 삶의 자극인 표현"이라고 "미학 에세이"에 설명했습니다.
후기 인상파들은 작품이 스타일, 과정 또는 미적 접근 방식에 국한되지 않고 심볼리즘을 강조해야 하며, 예술가의 무의식에서 메시지를 전달해야 한다고 믿었습니다.
그들은 종종 함께 전시했지만, 인상파와 달리 원래 결속된 그룹으로 시작하지 않았으며 주로 혼자 그림을 그렸습니다. 세잔은 액스-앙-프로방스에서 고립되어 그림을 그렸고, 고갱은 1891년에 타히티로 이주하였으며, 반 고흐는 아를에서乡土에서 그림을 그렸습니다. 고갱과 반 고흐 모두 인상파의 객관성을 거부하고 개인적인 영적 표현을 선호했습니다.
"색깔! 얼마나 깊고 신비로운 언어인가, 꿈의 언어." - 폴 고갱
자연광의 효과를 포착하려는 인상파와 다르게, 후기 인상파는 자신의 세계 인식 표현을 위해 인위적인 색상 팔레트를 사용했습니다. 그들의 작품에서는 포화된 색상과 다채로운 그림자가 뚜렷하게 나타나며, 그들의 혁신적인 접근 방식을 보여줍니다.
후기 인상파는 자연주의적 접근에서 벗어나 색상과 선을 통해 감정을 불러일으키려고 하는 입체파 및 퐁비즘과 같은 운동으로 나아갔습니다.
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6위: 퐁비즘과 표현주의 (1900–1935)
두꺼운 색채와 페이지를 넘어서는 색상, 비자연적인 색조: 퐁비즘과 표현주의는 이러한 특징에 생명을 불어넣은 두 운동입니다. 그럼 둘의 차이는 무엇일까요? 먼저 각각의 운동을 설명하겠습니다.
퐁비즘
주요 예술가: 마티스, 드랭, 시냐크
퐁비즘은 1905년에서 1910년까지 예술계의 주요 흐름으로, 강렬한 색상과 대담한 붓놀림이 특징입니다. 어떤 경우에는 예술가들이 튜브에서 직접 페인트를 적용했습니다. 색상은 자연에 충실할 필요가 없었고, 감정을 표현하기 위해 수정될 수 있었습니다. 그들은 단순한 주제를 선택하여 그 결과로 회화가 거의 추상적으로 보이게 했습니다. 예술 비평가 루이 보쉘에 의해 마티스와 앙드레 드랭의 작품이 "les fauves" 또는 "야수들"이라고 묘사된 후 이 단어가 퐁비즘이라는 용어가 되었습니다. 그들의 작품은 비자연적인 색상과 캔버스에서 야성적으로 얼룩덜룩한 페인트로 가득 차 있었습니다. 이는 퐁비즘의 시작이 되었습니다.
퐁비즘 작가들은 19세기 과학 색 이론에 깊은 관심을 가졌습니다. 특히 보색을 사용함으로써, 그들은 이 이론을 통합하여 색상을 더 밝고 대담하게 만드는 방법을 이해했습니다.
마티스의 "모자를 쓴 여성"은 여성의 얼굴에 비자연적인 색상 때문에 비판을 받았습니다. 폴 시냐크는 점묘법으로 유명하며 마티스의 멘토였습니다. 점묘법은 기본 색상의 작은 점을 배치하여, 멀리서 보면 단일 이미지로 결합되는 기법입니다. 이는 컴퓨터 화면의 픽셀과 비교될 수 있습니다.
마티스와 드랭 외에도 주요 퐁비즘 예술가들에는 조르주 브라크, 라울 뒤피, 조르주 루오와 모리스 드 블라민크가 포함됩니다.
표현주의
주요 예술가: 뭉크, 칸딘스키, 클레
표현주의는 예술이 실제 장면이 아니라 아티스트의 내부 감정, 관점 또는 아이디어와 일치하도록 현실을 왜곡하는 모든 예술 작품를 포괄하는 일반적인 용어입니다. 요약하자면, 그것은 현실 세계에서 내부 현실을 표현하는 예술입니다. 표현주의의 뚜렷한 특징들이 있습니다: 강렬하고 비자연적인 색상, 캔버스 위에 많은 양의 페인트를 적용하여 질감을 만드는 것입니다.
표현주의는 "내부로부터" 나오며, 아티스트의 감정을 반영하는 것이며, 장면을 단순히 나타내는 것 이상입니다. 표현주의의 영향력 있는 두 아티스트는 에밀 놀데와 에드바르 뭉크입니다.
주제와 관련하여 표현주의 예술은 감정적이며 때로는 신화적이기까지 합니다. 표현주의는 매우 일반적인 용어로, 모든 시대의 예술에 적용하기 쉬우나 일반적으로 20세기 예술에 적용됩니다. 빈센트 반 고흐의 작품에서 시작되었고, 오늘날 우리가 알고 있는 현대 미술로 발전해 나갔습니다.
표현주의 운동에 주요 기여를 한 아티스트로는 바실리 칸딘스키, 폴 클레, 막스 베크만, 에른스트 루드비히 키르히너 등이 있습니다.
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퐁비즘은 표현주의의 하위 집합으로 볼 수 있습니다. 이들은 유사한 기법들을 사용하며 동일한 특징으로 분류됩니다. 그러나 진정한 차이는 퐁비즘의 특정 본질이 표현주의의 일반성과 대조를 이룬다는 점입니다.
퐁비즘으로 간주될 수 있는 것은 표현주의의 범위에서 부분이 될 수 있지만, 모든 표현주의가 퐁비즘이 아닙니다. 퐁비즘은 약간 더 불완전하지만 더 단순한 주제를 가지고 있습니다.
7위: 입체파 (1905–1920)
주요 예술가: 파블로 피카소, 조르주 브라크
입체파는 20세기 예술의 중요한 스타일로, 주로 파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 1907년에서 1914년 사이에 파리에서 창조되었습니다. 입체파 스타일은 이미지의 평면적이고 2차원적인 표면을 강조하고, 전통적인 원근법, 스케일 및 명암의 기술을 거부하였으며, 예술이 자연을 모방해야 한다는 오래된 이론을 반박했습니다. 입체파는 서양 미술의 전통이 고갈되었다고 믿고, 그들의 작업을 재활성화하기 위해 다른 문화의 예술, 특히 아프리카 예술의 표현적 에너지를 찾았습니다.
입체파라는 이름은 비평가 루이 보쉘이 1908년 브라크의 작품을 "정육면체로 이루어져 있다"고 경시하여 붙인 것입니다. 브라크의 회화에서는 집의 볼륨, 나무의 실린더형 형태 및 색조 조합이 폴 세잔의 풍경을 떠오르게 합니다. 세잔은 입체파의 초기 발전 단계에서 깊은 영감을 주었습니다 (1909까지). 하지만 피카소의 아비뇽의 처녀들 (1907)은 새로운 스타일을 예고하는 작품이었으며, 그 안에서 다섯 명의 여성 누드의 형태가 각지고 조각화된 것으로 변모되었습니다.
입체파는 두 가지 뚜렷한 단계, 즉 분석적 입체파와 합성적 입체파로 발전했습니다. 분석적 입체파 (1908–1912)는 더 소박하며, 헐거운 종이와 어두운 색조의 결합으로 정의됩니다. 합성적 입체파 (1912–1914)는 더 간단한 형태와 밝은 색조를 특징으로 하며, 신문과 같은 실제 요소들을 결합했습니다. 실제 물체들을 예술에 직접 포함하는 것은 현대 미술의 가장 중요한 아이디어 중 하나의 시작이었습니다.
피카소와 브라크가 이 새로운 시각 언어를 창조한 공로가 있지만, 페르낭 레제르, 로버트와 소니아 드로니 등의 많은 화가들이 이를 채택하고 발전시켰습니다. 입체파는 20세기 조각과 건축에도 깊은 영향을 미쳤습니다.
입체파가 시작한 자유로운 형식 개념들은 다다 및 초현실주의와 같은 운동에 큰 영향을 미쳤으며, 전 세계에서 абстраксия(추상미술)를 추구하는 예술가들에게도 큰 영향을 미쳤습니다.
8위: 다다와 초현실주의 (1917–1950)
다다
주요 예술가: 후고 볼, 마르셀 뒤샹, 에미 헨닝스, 한스 알프, 라울 하우스만, 한나 회흐, 프란시스 피카비아, 조지 그로스
다다는 유럽 아방가르드 예술 운동으로, 취리히와 뉴욕에 중심지를 두고 있었습니다. 1차 세계 대전의 도살, 선전 및 미친 충격에 대한 직접적인 반응으로 등장했습니다. 공통된 아이디어로 연결된 독립적인 그룹들이 베를린, 파리 및 다른 지역에서 나타났습니다. 그들은 보편적인 스타일을 공유하지 않았지만, 이상주의 및 고정관념을 거부함으로써 연결되어 있었습니다.
다다라는 이름은 1916년 사전에서 무작위로 추출된 것으로, 프랑스어로 "장난감 말"을 의미하거나 루마니아어 및 러시아어로 "예"를 의미합니다. 하지만 이 운동의 이름으로는 실제로 아무 의미가 없습니다. 1차 세계 대전의 대량학살이 만들어낸 문화에 지친 다다이스트들은 모든 규범에 도전하였고, 우연성과 부조리를 축하했습니다.
다다의 뿌리는 전쟁 이전의 아방가르드에서 찾아볼 수 있습니다. "반예술"이라는 용어는 다다의 선구자로서 마르셀 뒤샹이 1913년경에 제정하였으며, 이는 예술의 전통적 제약을 도전하는 작업들을 나타냅니다.
다다 운동은 퍼블릭 미팅, 데모 및 예술 및 문학 잡지 출전을 포함했습니다. 예술, 정치 및 문화는 다양한 매체를 통해 자주 논의되었습니다.
초현실주의
주요 예술가: 막스 에른스트, 앙드레 마쏭, 살바도르 달리, 르네 마그리트
초현실주의는 20세기에서 가장 중요한 반체제 운동 중 하나로, 1920년대에 발생하여 입체주의의 합리적 및 형식적 품질에 대한 급진적 대안을 제공하였습니다. 이것은 마음의 작용을 탐구하는 문학적, 철학적, 예술적 운동으로, 비합리적이고, 시적인 것과 혁명적인 것을 옹호하였습니다.
다다와 마찬가지로 많은 방법으로 이 운동에서 등장하였지만, 이전의 전통을 긍정적으로 거부하는 데 초점을 맞추었습니다. 파리의 시인 및 예술가 집단의 리더 앙드레 브르통은 그의 "초현실주의 선언"(1924)에서 초현실주의를 다음과 같이 정의했습니다: "정신적 자동성의 완전한 표현, 이는 사고의 실제 작용을 나타내고자 하는 것입니다."
초현실주의 시각적 표현에는 여러 실타래가 있을 수 있습니다. 막스 에른스트와 앙드레 마쏭과 같은 아티스트들은 의식적인 통제를 억제하고 무의식이 통제를 허용하는 자동성을 선호하였습니다. 반대로, 살바도르 달리와 르네 마그리트는 표현된 장면들이 실제로 아무런 의미가 없는 초현실적인 감각을 추구하였습니다. 세 번째 변형은 관련이 없는 요소들의 우연한 나열로, 일반적인 한계에서 벗어난 현실을 수립하는 것입니다.
초현실주의는 파리에서 시작되었으나, 그 영향은 잡지와 국제 전시회를 통해 널리 퍼졌습니다. 제2차 세계 대전의 발발로 인해 초현실주의 활동의 중심지는 뉴욕으로 옮겨졌습니다. 이 운동은 전후 혼란으로 인해 일관성을 잃었지만, 현대 예술에 여전히 강력한 영향을 미치고 있습니다.
9위: 추상 표현주의 (1940–1950)
주요 예술가: 잭슨 폴록, 빌럼 드 쿠닝, 프란츠 클라인
"추상 표현주의"는 1940년대와 1950년대 뉴욕에서 발달한 운동입니다. 비록 이 용어가 이상적이지는 않았지만, 그들은 캔버스를 색상 및 추상 형태의 영역으로 채우는 예술가들과 강렬한 제스처의 표현주의로 캔버스를 공격하는 예술가들을 포함했습니다. 그들은 모두 자아의 표현으로서의 예술에 헌신하였으며, 깊은 감정 및 보편적인 주제에서 태어났습니다.
이 운동은 다양한 화법 스타일을 포함했습니다. 잭슨 폴록과 빌럼 드 쿠닝과 같은 예술가들은 느슨하고 역동적인 페인트 사용으로 특징지어졌습니다. 반면에, 마크 로스코와 같은 아티스트들은 평면적인 대색 영역을 사용하여 미세하고 명상적인 효과를 창출했습니다.
이 운동은 대체로 남성 예술가들의 작품으로 묘사되지만, 이 시기에 중요한 여러 여성 추상 표현주의자들이 등장했습니다.
10위: 팝 아트 (1960)
주요 예술가: 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인, 제임스 로젠퀴스트, 클라에스 올덴버그
팝 아트는 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인, 제임스 로젠퀴스트 및 클라에스 올덴버그와 같은 뉴욕 아티스트들로 시작해, 대중 이미지를 영감을 받고 국제적인 현상으로 자리잡았습니다. 이는 예술의 지배적 접근 방식과 문화, 그리고 아트가 무엇이어야 하는지에 대한 전통적인 관념에 대한 반란이었습니다. 젊은 예술가들은 예술 학교에서 배우는 것과 미술관에서 보는 것이 그들의 삶과는 아무런 관련이 없다고 느꼈습니다.
1957년, 팝 아티스트 리처드 해밀턴은 한 편지에서 팝 아트의 특징을 나열했습니다: "팝 아트는: 대중, 일시적, 소모성, 저비용, 대량 생산, 젊고, 기발하고, 섹시하고, 잔혹하고, 화려하며, 큰 비즈니스입니다."
팝 아트는 새로운 주제 영역으로 예술을 끌어들이고 새로운 방식으로 제시하게 되었으며, 포스트모더니즘의 첫 번째 표현 중 하나로 볼 수 있습니다.
11위: 포스트모더니즘 (1970–)
주요 예술가: 게르하르트 리히터, 신디 셔먼, 안젤름 키퍼, 프랭크 게리, 자하 하디드
하늘의 마릴린 - 제임스 길
포스트모던 아트라는 용어는 1970년경부터 지금까지 창조된 현대 예술의 광범위한 범주를 지칭합니다. 특정 특징은 그 선임인 "모던 아트"에 의존했던 미학을 거부하는 것입니다. 거부되는 가치 중 하나는 "예술"이 대중의 취향과는 분리되어야 하는 "특별한" 것이라는 생각입니다.
본질적으로 반권위적인 포스트모더니즘은 예술이 무엇이어야 하는지에 대한 어떤 스타일이나 정의의 권위를 인정하기를 거부합니다. 높은 문화와 대중 문화 사이, 예술과 일상 생활 사이의 구분을 파괴하였습니다. 이는 새로운 자유의 시대와 "어떤 것이든 괜찮아"라는 감각을 도입했습니다.
다양한 스타일과 매체를 혼합하면서 포스트모던 아트는 과거 스타일을 차용하거나 아이러니하게 언급할 수 있습니다. 포스트모더니스트들은 자신들의 이론적 입장을 포괄적이고 민주적이라고 바라봅니다.
1980년대와 1990년대에 포스트모더니즘은 "정체성 정치" 운동의 비공식적인 철학이 되었습니다.
KUADROS ©, 당신의 벽에 유명한 회화.
