종종 이미지에는 보이는 것보다 더 많은 것이 있으며, 세계에서 가장 유명한 예술 작품의 많은 부분은 표면 아래에 숨겨진 비밀을 가지고 있습니다. 좋아하는 그림을 반복해서 연구하면서도 여전히 새로운 암호나 숨겨진 디테일을 발견할 수 있습니다. 세계에서 가장 유명한 예술가들 중 일부는 의도적으로 자신의 그림에 비밀 메시지를 남기며, 일부는 권위를 전복하거나 대중에게 도전하거나 자신에 대한 무언가를 드러내기 위해 대중적인 음모 이론을 촉발하기도 했습니다. 수백 년이 지나면서 기술 발전 덕분에 이러한 비밀 메시지 중 많은 부분이 처음으로 발견되고 있습니다. Kuadros는 이러한 신비록들을 여러분을 위해 밝혀내고자 했습니다. 여기에 우리가 가장 신비로운 것으로 고려한 유명한 그림들이 있습니다.
No.1 최후의 만찬 - 레오나르도 다 빈치
레오나르도 다 빈치의 예수와 그의 제자들이 등장하는 최후의 만찬의 유명한 재현은 최근 몇 년 동안 대중적인 몇 가지 이론의 중심에 있었습니다. 이는 2003년 댄 브라운의 소설 "다 빈치 코드"와 2006년 톰 행크스 주연의 영화로 각색된 소설에서 설명됩니다. 브라운은 예수의 오른쪽 제자는 실제로 요한 사도 복장을 한 마리아 막달레나라고 제안했습니다. 또한 예수와 '요한' 사이에 형성된 'V' 모양은 여성의 자궁을 나타내며, 이는 예수와 마리아 막달레나가 함께 자녀를 두었다는 것을 내포하고 있다고 주장합니다. 그러나 미술사학자들은 회의적입니다. 다 빈치의 최후의 만찬은 그 표현력 있는 구성과 당시 혁신적이었던 원근법의 사용으로 중요합니다. 다 빈치는 원본이 그려진 벽에 있는 못에서 방의 벽과 인물을 설명하는 끈으로 조정했습니다. 많은 사람들이 요한의 외모가 여성적으로 보이는 것은 그가 그렇게 표현되었기 때문이라고 제안합니다. 전문가 마리오 타데이는 Artnet.com에 "레오나르도가 이전의 최후의 만찬을 복사해야 했으며, 요한은 여성을 닮았다"고 말했습니다. 그러나 이탈리아 컴퓨터 기술자 조반니 마리아 팔라가 발견한 훨씬 더 설득력 있는 비밀 메시지가 있습니다. 그는 다 빈치가 "최후의 만찬" 안에 음악 노트를 숨겨놓았으며, 왼쪽에서 오른쪽으로 읽을 경우 40초 길이의 찬송가와 일치한다고 주장합니다.
수도원장의 페인트 작업 지연에 대한 불만이 커지자, 격분한 예술가가 배신자 유다를 모델로 수도원의 얼굴을 사용할 것이라고 위협했다고 전해집니다. 결국 다 빈치는 밀라노의 감옥을 방문하여 왼쪽에서 다섯 번째로 앉아 있는 유다에 대한 완벽한 악당의 얼굴을 찾았습니다. 미술 역사 전문가들은 "다 빈치 코드"와 이와 관련된 책에서 제기된 최후의 만찬에 대한 음모 이론에 대한 증거가 없으며, 예수의 왼쪽에 있는 인물을 제자 요한이 아닌 그의 추종자인 마리아 막달레나로 식별하는 것을 거부합니다.
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No.2 아담의 창조 - 미켈란젤로
"아담의 창조"는 미켈란젤로가 시스티나 성당 천장에 그린 9개의 성경 패널 중 가장 유명한 작품일 것입니다. 하지만 이 장면에 인간의 뇌가 포함되어 있다는 것을 알고 계셨나요? 숨겨진 메시지는 캔버스에 있는 뇌 형태에서 발견될 수 있습니다. 예술가는 당시 교회에서 부검이 금지되었던 시기에 자신의 프레스코화에 이를 넣었다고 전해집니다. 미켈란젤로는 인간 해부학의 전문가로 알려져 있으며, 17세 때 교회 묘지에서 시체를 해부하는 다소 섬뜩한 일을 했습니다. 따라서 일부는 그의 이 해부학에 대한 열정을 그의 가장 큰 업적 중 하나인 시스티나 성당의 천장에 표현하고 싶어했을 것이라고 믿습니다. 신경 해부학 전문가인 이안 석과 라파엘 타마르고에 따르면, 이 화가는 시스티나 성당의 천장에 신체의 특정 부분에 대한 세밀하게 숨겨진 일러스트를 배치했습니다. 그리고 "아담의 창조"에서 하나님을 감싸고 있는 수의에서 인간 뇌의 해부학적 일러스트가 만들어진다는 것을 발견할 수 있습니다. 석과 타마르고는 미켈란젤로가 뇌가 아담에게 생명뿐만 아니라 인간의 지식도 주고 있다는 개념을 나타내기 위해 의도했을 것이라고 믿습니다.
한 의사는 미켈란젤로가 인간의 뇌에 매우 익숙했으며 그의 "아담의 창조"에서 상징적으로 뇌를 표현하기 위해 자신의 신경 해부학 지식을 사용했다는 것입니다. 다른 해석은 더욱 나아가 이 그림은 종교 이념에 반하며 모든 것이 인간에서 시작된다는 메시지를 전달합니다. 사실 이것은 매우 신성모독적인 생각입니다. 그렇게 유명한 예술작품임에도 불구하고, 그 conception으로부터 수세기 후에도 여전히 숨겨진 비밀이 발견되고 있습니다.
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No.3 모나리자 - 레오나르도 다 빈치
잘 알려진 바와 같이, 모나리자, 가장 유명한 것들 중 가장 유명한 그림, 루브르 박물관에서 가장 많이 방문된 작품입니다. 이 수수께끼의 여성은 실은 그 악명 높은 반쪽 미소보다 더 많은 것을 보여줍니다. 우선, 그녀의 팔이 배에 올려져 있고 어깨 주위에는 베일이 있으므로 임신했을 가능성이 있다고 추측됩니다. 이는 태어난 여성들이 이탈리아 르네상스 시대에 착용했던 것입니다. 그러나 최근의 발견은 그녀의 눈에 있습니다. 2011년, 이탈리아 연구자 실바노 빈체티는 그녀의 눈에 미세하게 그려진 문자와 숫자를 발견했다고 주장했습니다. 그는 AP통신에 그녀의 오른쪽 눈 위의 'L'이 아티스트의 이름을 나타낼 가능성이 높다고 말했습니다. 그러나 그녀의 왼쪽 눈에 있는 'S'의 의미와 배경의 아치형 다리 아래의 숫자 '72'는 덜 명확합니다. 빈체티는 'S'가 밀라노를 지배한 스포르차 가문의 여성을 나타낼 수 있으며, 따라서 이 그림 속 여성이 오랫동안 알려져 온 리사 게라르디니가 아닐 수 있다고 믿습니다. '72'와 관련하여 빈체티는 기독교와 유대교 모두에서 숫자의 중요성과 관련이 있을 수 있다고 주장합니다. 예를 들어, '7'은 세상의 창조를 의미하며, '2'는 남성과 여성을 상징할 수 있습니다.
더욱 놀라운 것은, 2015년, 한 프랑스 과학자가 반사광 기술을 사용하여 우리가 오늘 보는 이미지 아래에 또 다른 여성 초상화를 발견했다고 주장했습니다. 일반적으로 이 초상화는 다 빈치의 "첫 번째 초안"으로, 그의 걸작을 만들기 위해 그린 것으로 여겨집니다.
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No.4 밤의 카페 테라스 - 빈센트 반 고흐
이 화려한 야외 풍경의 그림은 한 관객이 도덕적인 걱정 없이 주변의 매력을 즐기는 모습으로, 평화롭고 아기자기한 작품입니다. 반 고흐가 "밤은 낮보다 더 생동감 있고 더 많은 색을 가진다"고 썼던 기분을 상기시켰습니다. 처음에 빈센트 반 고흐가 1888년에 그린 이 유화는 제목이 설명하는 그대로 단순한 듯 보이는 프랑스의 아름다운 카페 테라스처럼 보입니다. 그러나 2015년, 반 고흐 전문가 자레드 바스커는 이 그림이 실제로 "최후의 만찬"에 대한 예술가의 버전이라고 제안했습니다. 상세한 연구는 긴 머리를 한 중앙 인물과 12명의 사람들을 보여주며, 그 중 한 명은 유다처럼 그림자 속으로 스며드는 것처럼 보입니다. 또한 그림 전반에 걸쳐 작고 숨겨진 십자가들이 있다는 것처럼 보입니다. 예수님과 비슷한 중앙 인물 위에도 하나가 있습니다.
종교적 언급은 반 고흐에게 그리 부자연스럽지 않을 수 있습니다. 그 유명한 네덜란드 예술가는 그림에 집중하기 전에 “어디서나 복음을 전하고 싶다”고 원했으며, 그의 아버지 테오도르스 반 고흐는 네덜란드 개혁 교회의 목사였습니다. 밤의 카페 테라스 작업 당시 반 고흐는 그의 형 테오 반 고흐에게 "종교라는 말을 사용해야 할 것 같은 엄청난 필요가 있다"고 직접 언급하였습니다.
반 고흐는 "밤의 카페 테라스"에 서명을 하지 않았습니다. 그러나 그는 세 통신에서 이 그림을 specifically 언급했기 때문에 미술 역사학자들은 그가 그렸다고 확신합니다.
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No.5 아르놀피니 초상화 - 얀 반 에이크
이 이미지는 런던 국립미술관에 걸려 있으며, 아마 조반니 디 니콜라오 아르놀피니와 그의 아내 코스탄자 트렌타를 나타냅니다. 이 커플의 신원은 몇 가지 가능성만으로 제한되었지만, 그들만이 화가를 가까이서 알 만큼 브뤼헤에서 충분히 시간을 보냈습니다. 이 그림의 첫 번째 단서는 부유한 집안 환경으로, 아름다운 물건과 의복으로 가득 차 있습니다. 그림 속의 상징들은 무시할 수 없지만 단일 해석이 아닙니다. 또한 이미지의 의미는 완전히 명확하지 않습니다. 세기를 걸쳐, 이 이미지는 결혼식의 상징이 있는 신혼 부부의 초상으로 해석되었습니다. 특히 코스탄자의 임신한 모습은 명백한 다산의 상징으로, 당시의 유행이었습니다. 실제로 그 커플은 결국 아이가 없었습니다. 다른 다산의 상징은 빨간 침대와 카펫입니다. 나무 바닥에 놓인 신발도 신부에게 신랑이 주는 일반적인 결혼 선물로서의 의미를 가졌습니다. 오렌지는 다산과 사랑을 상징하며, 강아지는 충성을 상징합니다. 그러나 방 중앙의 거울을 자세히 살펴보면 방에 들어오는 두 인물을 볼 수 있습니다. 그들 중 한 명은 얀 반 에이크 자신을 나타내는 것으로 널리 믿어집니다. 또한 거울 위의 벽에는 "얀 반 에이크가 여기 있었다. 1434"라는 매우 정교한 글씨체의 라틴어 문구가 있습니다.
하지만 이 그림에서 가장 중요한 부분은 나타나지 않는 연대의 불일치입니다. 앞서 언급했듯이 이 그림은 1434년으로 날짜가 기재되어 있지만, 코스탄자 트렌타는 1433년에 사망했습니다. 또한 이 그림은 완성되었을 때와는 다른 맥락을 가졌을 수도 있습니다. X선 검사 결과, 얀 반 에이크는 여러 차례 수정을 하였으며, 이 수정이 그러한 상황과 관련이 있는지는 논란의 여지가 있습니다.
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No.6 앰배서더들 - 한스 홀바인 더 유니어
3D 안경이나 부활절 달걀을 찾는 것이 대중화되기 오래 전, 르네상스 화가들은 관객이 작품을 새로운 각도에서 바라보도록 만들었습니다. 이 기법의 가장 유명한 예 중 하나는 한스 홀바인 더 유니어의 더블 초상화인 앰배서더들로, 그의 붓질에 숨겨진 많은 세부 사항과 함께 풍부한 이야기를 지니고 있습니다.
이 그림이 헨리 8세의 교단적 영국의 정치적, 종교적 혼란의 우화를 나타내는 것으로 해석되어 온 것은 100년 넘게 보편적으로 받아들여지고 있습니다.
이 그림은 첫 번째 바닥에 꽤 인상적인 환영을 제시합니다. 그림 하단의 오른쪽에서 왼쪽으로 비뚤어진 이미지를 보면, 아마포의 형태가 해골처럼 보입니다. 학자들은 이것이 죽음이 항상 코너에 있다는 것을 기억상기시키려는 것이라고 믿습니다.
왼쪽 상단 구석의 푸른 커튼 뒤에는 예수께서 상징적인 자세로 서 있습니다. 일부 미술사학자들은 이 신성한 카메오가 해골의 메멘토 모리와 연결되어 있으며, 죽음을 넘는 장소를 암시한다고 믿습니다. 죽음이 아닌 삶이 있다는 것을 제시하는 상징입니다. 다른 학자들은 이 숨겨진 아이콘이 헨리 8세가 그의 동료들에게 적용하고 있었던 교회의 분열을 나타낸다고 믿습니다.
앰배서더들 왼쪽의 인물은 프랑스의 앰배서더 장 드 딘트빌이며, 이 더블 초상화가 진행된 유일한 외교관입니다. 이 초상화를 그릴 당시 그는 30세가 되어가고 있었습니다. 사진 오른쪽의 그의 친구이자 외교관인 조르주 드 셀베는 당시 겨우 25세였고, 이미 몇 차례 베네치아 공화국의 프랑스 대사로 활동했습니다.
오크 위에 그려진 유화는 딘트빌의 집 복도에 걸기 위해 제작되었습니다. 그러나 내셔널 갤러리는 1890년부터 홀바인의 이 환상적인 그림을 전시하고 있습니다. 125년이 넘도록 런던 미술관에서 가장 소중한 전시물 중 하나였습니다.
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No.7 비너스의 탄생 - 산드로 보티첼리
보티첼리의 유명한 그림에서의 나체는 15세기 말기에 꽤 혁신적인 것이었습니다. 하지만 이것이 예술가의 대담함이 끝나는 곳은 아닙니다. 일부 미술사학자들은 비너스가 바다의 파도를 타고 있는 조개가 실제로 여성 생식기를 상징하며, 이는 다산을 암시하는 것이라고 믿고 있습니다. 이는 비너스의 태생을 반영하고 인류의 태생과 상징적으로 연결되는 출생 장면을 만들어냅니다.
사랑의 여신 비너스는 조개껍질에 조심스럽게 앉아 있으며, 서쪽 바람의 신 제피르가 그녀를 해변으로 인도하고 있습니다. 거기에서 시간의 여신 중 하나인 호라가 새로 태어난 여신에게 옷을 입히기 위해 준비하고 있습니다. 제피르와 함께 있는 네 번째 인물은 아우라(바람의 님프) 또는 클로리스로, 봄과 꽃과 관련이 있습니다.
중세 미술에서 기독교의 영향은 지배적이므로 나체가 묘사되는 경우는 드물었습니다. 그러나 인문주의의 출현은 고대 로마의 신화에 대한 관심을 새롭게 하였고, 그와 함께 나체의 부활을 가져왔습니다.
초기 르네상스 시대에 목재 패널에 그리는 것이 유행이었습니다. 그러나 습한 지역에서 목재가 변형되는 경향이 있었기 때문에 캔버스의 인기가 상승하고 있었습니다. 캔버스는 목재보다 더 저렴했기 때문에 그 인식이 다소 낮아져서 대중적인 전시를 위해서는 less well-known 작품에 사용되었습니다. 이 그림은 토스카나에서 가장 첫 번째 캔버스 작품으로 주목받고 있습니다.
비너스의 탄생은 방에 걸도록 계획되었습니다. 이 작품의 나체는 결혼 침대 위에 걸리도록 의도되었기 때문에 좀 더 감각적으로 보입니다. 이 장소와 그 대담한 표현은 약 50년 동안 대중의 시야에서 비너스의 태생이 가려지도록 기여했습니다. 이 그림에는 보조 작품이 있습니다. 비너스의 태생보다 4년 먼저 완성되었지만, 봄은 비너스의 탄생의 일종의 속편으로 볼 수 있습니다. 후자는 비너스가 꽃이 만개하기 직전의 세계에 도착하는 모습을 나타내지만, 전자는 이제 드레스가 된 어머니 모습을 중심으로 한 만개한 세상을 보여줍니다. 두 작품은 "사랑이 잔인함을 초월한다"는 메시지를 전달하기 위해 의도되었다고 합니다.
보티첼리는 그의 비너스의 발치에 묻히고 싶어했습니다. 그림이 아니었습니다. 그는 자신의 세속적인 영감을 제공한 시몬네타 카타네오 베스푸치의 발치에서 영원히 누워있기를 원했습니다. 피렌체에서 가장 아름다운 여성으로 불리며 르네상스 최고의 미녀로 알려진 시몬네타는 보티첼리의 여러 작품에 영감을 주었던 뮤즈입니다, 그중 비너스의 탄생과 봄이 포함됩니다. 시몬네타가 1510년에 세상을 떠났을 때, 보티첼리는 그녀 가까이에 묻히기를 원했으며, 그를 향한 짝사랑을 품고 있었던 것으로 추측됩니다.
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No.8 자화상 - 렘브란트
렘브란트는 생애 동안 많은 자화상을 그렸고, 그의 모습 변화는 이미지 간 비교를 통해 그의 기분을 평가하도록 초대합니다. 그러한 전기적 해석은 예술가가 관객을 직접 대면하는 방식에 의해 장려됩니다. 렘브란트는 1659년에 이 자화상을 그렸습니다. 그는 수년간의 성공에도 불구하고 재정적 실패를 겪은 후입니다. 그의 방대한 집과 시이나스도 주택은 작년에 채권자들에게 경매에 나오게 되었습니다. 이 후기 작품에서, 그 피부로 된 깊은 눈이 관객을 응시하며 내면의 힘과 존엄성을 표현하는 것처럼 보입니다. 그러나 작가의 전기에 기반하여 그림을 해석하는 것은 위험하며, 특히 렘브란트처럼 그의 삶이 그렇게 이상화된 예술가에 대해서는 더욱 그렇습니다. 얼굴을 효과적으로 비추는 빛은 렘브란트의 왼쪽 어깨와 함께 그의 두 손도 강조합니다.
2001년, 영국의 예술가 데이비드 호크니와 미국의 물리학자 찰스 팔코는 렘브란트와 다른 구 작품들이 사실적으로 장면과 초상화를 창조하기 위해 곡면 렌즈와 거울의 사용에 의존했다는 단서를 발견했다고 발표했습니다. 그리고 2016년 8월, 영국에서 두 연구자, 아티스트 프랜시스 오닐과 물리학자 소피아 팔라조 코너가 렘브란트가 그의 유명한 자화상을 창조하기 위해 곡면 거울과 렌즈의 조합을 사용했을 수 있다는 것을 설명하는 논문을 광학 저널에 발표했습니다. 연구자들은 렘브란트의 자화상에서 강한 빛이 비치는 중앙과 가장자리에서 상대적으로 어둡다는 등 이 이론을 지지하는 많은 세부사항을 확인합니다.
예술가들은 꾸준히 새로운 색소와 오일을 사용하여 더욱 생동감 있고, 빛나며 흥미로운 색을 생산합니다. 렘브란트 반 레인도 마찬가지였습니다. 이 오래된 네덜란드 거장은 기법, 창의성, 그리고 세심한 작업을 갖추었습니다. 그는 화학적 지식도 가지고 있었습니다. 그의 작품에 대한 새로운 분석은 그가 일부 그림에서 희귀한 화합물인 납 비소 광물인 plumbonacrite, Pb5 (CO3) 3O (OH)를 사용했음을 보여줍니다. 예술가의 팔레트 구성요소를 아는 것은 보존가들이 그의 예술작품을 시간이 지나도 잘 보존할 수 있도록 돕는 데 유용할 것입니다.
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No.9 바코 - 카라바조
카라바조의 바코 그림에는 그 아래에 신화적 방탕자와 관련된 모든 사치가 포함되어 있습니다. 고요함 아래의 폭풍우 같은 감정이 이 작품을 강력한 예술로 만드는 요소입니다. 보통 와인의 신 바코는 취해 있는 모습으로 묘사되지만, 카라바조의 바코는 차분하고 자율적입니다. 그는 종종 호랑이, 표범 또는 염소가 끄는 승리의 마차를 타고 있으며, 카라바조의 버전에서는 바코의 행렬이 시작되거나 끝날 때입니다. 또는 이 바코는 전혀 다른 계획을 가지고 있을지도 모릅니다.
이 작품에서 어떤 숨겨진 것이 처음 발견된 것은 1922년, 한 미술 복원가가 1595년 작품의 캔버스를 청소하고 있을 때였습니다. 수 세기 동안 축적된 더러움이 사라지면서 숨겨진 초상화가 보이게 되었습니다. 왼쪽 하단의 유리 와인 병에 작은 카라바조의 모습이 빛 반사 옆에 앉아 있습니다.
오늘 날, 거의 한 세기 이후에, 연구자들은 이를 확인했습니다. 너무 숨겨져 보이지는 않았지만, 현대의 반사광 기술 덕분에 2009년 미술 전문가들은 왼쪽 하단의 와인 병 안에 사실상 숨겨진 한 남자의 이미지를 발견할 수 있었습니다. 그리고 그 남자가 바로 카라바조일 수도 있습니다. "카라바조는 캔버스 위에 수직으로 서 있는 사람을 그렸으며, 팔을 캔버스 작업 중인 이가운데 굽혀졌다. 이는 그가 그리는 모습의 자화상인 것 같습니다"라고 전문가 미나 그레고리는 The Telegraph에 밝혔습니다.
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KUADROS ©, 당신 벽에 유명한 그림입니다.
