스페인어 사용 아티스트 7명'

예술 역사에 걸쳐, 스페인어를 사용하는 예술가들은 선구자로서 중요한 위치를 확립해 왔습니다. 위험을 감수하는 데 두려움이 없이, 그들은 종종 고유한 문화와 관련된 상징과 기법을 통합합니다. 이 외에도, 많은 유명한 스페인어 예술가들은 창의력을 정치적 및 사회적 불안에 대해 논의하는 플랫폼으로 사용하여 변화를 추구하고 국가적 자부심을 고취시키려 합니다.

No.1 디에고 벨라스케스 - 1599 – 1660

디에고 벨라스케스는 17세기 스페인의 화가로, "라스 메니나스"를 제작했으며, 이는 그의 가장 유명한 작품일 가능성이 높고, 왕 펠리페 4세의 궁정 일원으로서 많은 유명 초상화를 남겼습니다.

디에고 로드리게스 데 실바 이 벨라스케스는 1599년 6월 6일경 스페인 세비야에서 태어났습니다. 11세에 그는 지역 화가 프란시스코 파체코와 6년간의 수업을 시작했습니다. 벨라스케스의 초기 작품은 그의 스승이 선호한 전통적인 종교 주제를 다루었지만, 이탈리아 화가 카라바조의 자연주의에도 영향을 받았습니다. 그는 1617년 수업을 마친 후 자신의 작업실을 열었습니다. 그는 왕 펠리페 4세의 궁정 일원으로 거의 40년간 재직하며 사실적이고 복잡한 초상화로 유명해졌습니다. 디에고 벨라스케스는 스페인 황금시대의 주요 예술가로 자리잡은 성공적인 경력을 가졌습니다.

그의 말년, 스페인 마스터는 교황 인노센시오 10세의 유명한 초상과 '라스 메니나스'를 제작했습니다. 그는 1660년 8월 6일 마드리드에서 사망했습니다.

벨라스케스는 서양 예술의 위대한 마스터 중 한 사람으로 기억됩니다. 파블로 피카소와 살바도르 달리는 그를 큰 영향력으로 간주했던 예술가들 중 하나이며, 프랑스 인상파 에두아르 마네는 이 위대한 스페인을 "화가 중의 화가"라고 묘사했습니다.

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No.2 프란시스코 고야 - 1746 – 1828

프란시스코 고야, 전칭은 프란시스코 호세 데 고야 y 루시엔테스(1746년 3월 30일, 스페인 푸엔테토도스 출생; 1828년 4월 16일, 프랑스 보르도 사망).

프란시스코 고야는 18세기 가장 영향력 있는 화가 중 한 사람으로, 평생 동안 막대한 성공을 거두었습니다. 그의 작품은 종종 낭만주의 운동과 관련이 있으며, 고대의 마지막 위대한 마스터 중 한 명으로 여겨집니다. 고야의 가장 유명한 그림 중 하나인 1808년 5월 3일의 마드리드는 나폴레옹의 점령 기간 동안 스페인의 저항을 기리는 정치적으로 중대한 걸작입니다. 이 혁신적인 작업은 예술에서 전쟁의 공포를 표현하는 새로운 선례를 세웠습니다.

벨라스케스의 작품을 왕립 소장품에서 공부함으로써, 그는 보다 유연하고 즉흥적인 화풍을 개발하였습니다. 동시에 고야는 그의 첫 대중적인 성공을 거두었습니다. 그는 1780년 왕립상예술원에 선출되었고, 1786년 왕의 화가로 임명되었으며, 1789년 궁정 화가가 되었습니다. 1792년 심각한 질병으로 고야는 영구적으로 귀머거리로 되었고, 그는 만화에 가까운 대담하고 자유로운 스타일을 개발하였습니다. 그의 종교적인 프레스코에서 그는 폭넓고 자유로운 스타일과 전례 없는 현실감을 사용했습니다. 고야는 1795년부터 1797년까지 왕립 아카데미에서 회화 감독으로 재직하였고, 1799년에는 스페인 궁정의 주요 화가로 임명되었습니다.

나폴레옹의 침략과 1808년에서 1814년 사이에 벌어진 스페인 독립 전쟁 동안, 고야는 프랑스 궁정의 화가였습니다. 스페인 왕정 복원이 이루어진 후, 고야는 프랑스에 봉사한 것으로 사면되었지만, 그의 작품은 새로운 왕에게 환영받지 못했습니다. 1816년 그는 '투우의 타우로마키아'라는 그의 판화를 발표했습니다. 1819년부터 1824년까지 고야는 마드리드 교외의 한 집에 은둔하며 지냈습니다. 법적 제약에서 벗어난 그는 점점 더 개인적인 양식을 채택하였습니다. 그의 집 벽에 그려진 '검은 그림들'에서 고야는 자신의 가장 어두운 비전을 표현했습니다. 악몽 같은 특성은 '풍자적인 엉터리'라는 판화 시리즈에도 나타나며, 이는 '속담'이라는 이름으로 알려져 있습니다. 1824년, 자유 정부를 복원하려는 시도가 실패한 후, 고야는 자발적으로 프랑스로 망명하였습니다. 그는 보르도에 정착하여 1828년 4월 16일 사망할 때까지 작업을 계속하였습니다.

오늘날 그의 가장 뛰어난 그림 중 다수는 마드리드 프라도 미술관에 있습니다.

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No.3 프리다 칼로 - 1907 – 1954

막달레나 카르멘 프리다 칼로 칼데론 (코요칸, 1907년 7월 6일 - 코요칸, 1954년 7월 13일)

멕시코 아티스트 프리다 칼로는 자기 초상화, 고통과 열정, 생생하고 대담한 색상으로 기억됩니다. 그녀는 멕시코의 전통 문화에 대한 관심과 여성의 경험과 형식을 묘사한 것으로 멕시코에서 기념받고 있으며, 여성주의자들에게도 그녀의 작업이 높이 평가되고 있습니다.

개인적이고 상징적인 작업으로 인해 그녀는 20세기 가장 유명한 아티스트 중 한 명이 되었습니다. 그녀의 경력 대부분 동안, 그녀는 종종 디에고 리베라의 아내로 단순히 간과되었지만, 그녀의 그림에 대한 인식은 1970년대 이후로 계속 증가했습니다. 그녀는 자신의 멕시코 정체성을 강하게 자랑스럽게 여기며 종종 그녀의 그림에 선사조적 상징을 통합하였으며, 전통 멕시코 드레스를 입은 모습으로 잘 알려져 있습니다. 젊은 시절 버스 사고로 인해 그녀는 평생 동안 여러 건강 문제로 고통받았고, 척추, 쇄골, 갈비뼈, 부서진 골반, 부러진 발, 탈구된 어깨의 여러 골절을 겪었습니다. 그녀는 몸에 깁스를 하고 회복하는 동안 많은 그림에 집중하게 되었습니다. 그녀는 인생에서 30번의 수술을 받았습니다. 삶의 경험은 그녀의 약 200여 점의 그림, 스케치, 드로잉에서 공통된 주제입니다. 그녀의 신체적 및 감정적 고통은 캔버스에 분명히 드러나며, 남편이자 동료 예술가인 디에고 리베라와의 격동의 관계도 드러나 있습니다. 143점의 그녀의 그림 중 55점이 자화상입니다. 버스 사고로 인해 몸이 망가진 것은 '부서진 기둥'에서 상세히 표현됩니다. 칼로는 거의 벌거벗은 모습으로 자신의 척추가 장식용으로 잘린 기둥처럼 표현된 자신의 모습을 나타냅니다. 그녀의 피부는 못으로 방울져 있습니다. 그녀는 또한 수술 장비를 장착하고 있습니다.

그녀의 마르크스주의 성향으로 널리 알려진 프리다는 마르크스 혁명가 체 게바라와 함께 20세기의 반문화 상징이 되었으며, 그녀의 그림에서 이어지는 유산은 여전히 많은 여성운동과 정치운동에 영감을 주고 있습니다.
그녀의 번창하는 경력은 47세에 이른 조기 죽음으로 중단되었습니다. 그녀의 유산은 여전히 살아 있으며 많은 여성주의 및 정치 운동의 아이콘이 되고 있습니다.

No.4 디에고 리베라 - 1886 – 1957

디에고 마리아 데 라 콘셉시온 후안 네포무세노 에스타니스라오 데 리베라 이 바리엔토스 아코스타 이 로드리게즈, 잘 알려진 대로 디에고 리베라(과나후아토, 1886 - 멕시코시티, 1957)는 저명한 멕시코 화가입니다. 그의 대형 프레스코는 멕시코와 국제 예술에서 벽화 운동의 기틀을 세우는 데 도움을 주었습니다.
멕시코에서 태어난 리베라는 성인기 대다수를 유럽과 미국에서 보냈으며, 멕시코 시티에 거주했습니다. 경력 초반에 그는 입체파에 손을 대었고, 이후에는 후기 인상파를 수용했습니다. 그러나 그의 독특한 스타일과 관점은 즉각적으로 알아볼 수 있습니다. 그는 헌신적인 마르크스주의자로서 정치 세계에 참여하였으며 1922년에 멕시코 공산당에 가입하였습니다. 그는 1930년대 멕시코 시티에서 러시아 망명자 레온 트로츠키와 그의 아내를 맞이하였습니다. 그는 불안한 시기에 살았고 격동의 삶을 보냈습니다. 디에고 리베라는 마르크스주의 성향으로 알려져 있으며, 체 게바라와 함께 20세기의 반문화 상징이 되고, 영감을 주는 예술 유산을 남겼습니다.
그는 멕시코다움에 기반한 국가적 정체성을 구축하는 데 도움을 주었으며, 그의 미술에서 멕시코 정체성에 대한 자부심이 드러납니다. 그의 화려한 색상 팔레트와 마야 및 아즈텍 예술의 영향으로 단순화된 형태 사용이 그 예로 보입니다. 그의 가장 유명한 작품 중 일부는 멕시코 시티에 있으며, 리베라는 미국에서도 광범위하게 화폭을 펼쳤습니다. 그의 벽화 '교차로의 남자'는 작품의 이미지 때문에 뉴욕 록펠러 센터에서 철거되었습니다.

No.5 파블로 피카소 - 1881 – 1973

파블로 피카소, 전칭은 파블로 디에고 호세 프란시스코 데 파울라 후안 네포무세노 크리스핀 크리스피니아노 마리아 레메디오스 데 라 산티시마 트리니다드 루이스 피카소, 또는 (1901년 이전) 파블로 루이즈 혹은 파블로 루이즈 피카소(1881년 10월 25일, 스페인 말라가 태어남)에서 1973년 4월 8일, 프랑스 무전에서 사망한 화가, 조각가, 판화가, 도자기 제작자 및 스페인으로 망명한 무대 디자이너이며, 20세기 가장 위대한 영향력 있는 예술가 중 한 사람으로 평가받으며(조르주 브라크와 함께) 입체파의 창시자입니다.
어린 시절부터 그는 고전적인 기법을 마스터하였고, 전통적인 예술 창작 방식을 무너뜨리기 위해 스스로 나아갔습니다. 그의 작품은 매우 인상적이며, 그는 평생 동안 약 50,000개의 예술 작품을 제작했습니다. 그의 작품에는 그림, 조각, 도자기, 드로잉 및 판화가 포함됩니다.
입체주의의 선구자로서 그는 예술에서 현실을 회피하고 순수하게 추상적인 것을 표현하는 것에 목표를 두었습니다. 그의 작품은 '블루 시기'로 시작하여 '핑크 시기', '아프리카의 영향기', '입체파 시기' 그리고 '초현실주의 및 고전주의 시기'로 구분됩니다.
피카소의 '데모이젤' 시대의 예술이 급진적이라는 이유로, 20세기 어떤 예술가도 그의 영향을 피할 수 없었습니다. 피카소는 자신의 인생 마지막 10년을 혁신하는 예술가로 남아있었습니다. 이것은 그의 생전과 그 이후로도 오해와 비판을 초래했습니다. 비록 1980년대에 그의 마지막 그림들이 그 자체로 인식되고 새로운 세대의 젊은 화가들에게 깊은 영향을 미쳤습니다. 피카소는 1920년대부터 자신의 작품을 높은 가격에 판매할 수 있었기 때문에 자신의 작품 대부분을 변호하는 수집품으로 보존할 수 있었습니다.

No.6 살바도르 달리 - 1904 – 1989

살바도르 펠리페 하킨토 달리 이 도메네크, 푸볼의 달리 후작(피게라스, 1904년 5월 11일 - 피게라스, 1989년 1월 23일).
그는 초현실주의의 최고의 대표 중 한 사람으로 여겨집니다.
60년 이상의 경력을 가진 살바도르 달리는 현대 예술에서 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명입니다. '기억의 지속'과 같은 초현실주의 회화로 유명한 달리는 조각가, 영화 제작자, 사진 작가 및 일러스트레이터로도 활발히 활동했습니다. 그는 그와 그의 아내 갈라가 개최하던 전설적인 저녁 만찬을 기반으로 한 요리책도 작성했습니다.
어린 시절부터 그의 예술을 연습하는 데 열중했던 달리는 결국 마드리드의 한 아카데미에서 공부했습니다. 1920년대에 그는 파리로 가서 파블로 피카소, 르네 마그리트, 미로와 같은 예술가들과 교류하며 달리의 첫 초현실주의 단계로 이어졌습니다.
그는 매우 상상력이 풍부한 예술가였고, 자아도취적이며 과대 망상적인 성향이 있었으며, 대중의 관심을 끌기를 좋아했습니다. 이러한 행동은 그의 예술을 평가하는 사람들을 짜증나게 하였고, 그의 괴짜 행위에 반대하는 비평가들은 그의 태도를 정당화했습니다. 달리는 그의 모든 황금색을 사랑하고, 화려함과 동양 패션에 대한 열정을 자신의 자칭 아랍 혈통에 뿌리를 두고 있다며, 이베리아 반도의 아랍 정복 시대까지 거슬러 올라간다고 주장했습니다.
유럽에서 전쟁이 가까워짐에 따라, 특히 스페인에서, 달리는 초현실주의 운동의 일원들과 충돌했습니다. 1934년에 열린 '재판'에서 그는 그룹에서 추방되었습니다.
1980년, 달리는 손의 떨림과 약화로 인해 그림 그리기를 그만둘 수밖에 없었습니다. 그는 더는 붓을 잡을 수 없었고, 자신이 가장 잘 표현하는 방법을 잃었습니다. 1982년에는 그의 사랑하는 아내이자 친구인 갈라가 사망하면서 더 큰 비극이 찾아왔습니다. 이 두 사건은 그를 깊은 우울증으로 몰아넣었습니다. 그는 갈라를 위해 사주한 성에서 대중의 시선을 피하거나 죽기 위해 숨어들었습니다. 1984년, 달리는 화재로 심각하게 화상을 입었습니다. 그의 부상으로 휠체어에 얽매이게 되었습니다. 친구들과 후원자들, 동료 예술가들은 그를 성에서 구출해 피게라스로 데려가 Teatro-Museo에서 편안함을 느끼게 했습니다. 1988년 11월, 달리는 심장 문제로 피게라스의 병원에 입원했습니다. 짧은 회복 후, 그는 Teatro-Museo로 돌아갔습니다. 1989년 1월 23일, 그의 출생지에서 달리는 심부전으로 84세의 나이로 세상을 떠났습니다. 그의 장례식은 Teatro-Museo에서 거행되었으며, 그곳의 지하실에 묻혔습니다.
그의 다채로운 개성과 기이한 성격은 그의 예술적 생산과 일치하여 그의 죽음 30년이 지난 지금도 여전히 대중의 상상력을 사로잡고 있습니다.

No.7 페르난도 보테로 - 1932 –

페르난도 보테로(콜롬비아 출생, 1932년생)는 동물과 비율이 부풀려진 인물로 그린 장면으로 유명합니다. 이는 예술가의 풍자, 만화 및 정치적 논평에 대한 선호를 반영합니다. 그는 콜롬비아 메데진에서 태어났으며, 세 자녀 중 두 번째로, 아버지인 행상은 그가 겨우 네 살 때 세상을 떠났습니다. 그의 어머니는 가족을 부양할 수 있도록 재봉사로 일해야 했습니다. 권투학교에서 잠시 보내고 난 후, 보테로는 예술이 자신의 진정한 소명임을 깨닫고 1948년, 16세에 첫 전시회를 가졌습니다. 세 해 후, 콜롬비아 수도 보고타로 이사하면서 첫 개인전시회를 개최했습니다.
1950년대에 그는 스페인, 이탈리아, 프랑스 등 여러 유럽 나라를 여행하면서 르네상스 및 바로크의 대가들의 작품을 연구했습니다. 또한 그는 현재 멕시코의 아방가르드를 익히기 위해 멕시코로 여행했습니다. 보테로는 콜롬비아 민속 이미지는 물론 디에고 벨라스케스, 파블로 피카소, 프란시스코 고야의 고전적 작품들에서 다양한 자료를 사용하여 유명해졌습니다.
그는 현대 라틴 아메리카 생활을 묘사하며, 콜롬비아에서 만연한 가난과 폭력을 음울한 이미지로 그리고 있으며, 그의 상징적인 비율이 부풀려진 인물들로, 라틴 아메리카의 대통령, 영부인 및 정부 관료들을 풍자적으로 표현합니다. 1960년대 초, 현대 미술관의 도로시 밀러와의 회의에서 그 회의는 그의 경력의 전환점이 되었습니다. 그녀는 추상화가 유명했을 당시 그의 작품을 구입하였고, 이후 그의 작품을 박물관의 주요 전시회에서 전시하여 국제적으로 그의 명성을 확립하였습니다.
1970년대에 보테로는 파리로 이사해 그의 고유한 형태의 부풀려진 조각상을 제작하였습니다. 그는 여전히 고향 라틴 아메리카의 이미지와 공개적인 정치적 이미지를 고집하고 있으며, 그의 최근 작품에는 이라크 전쟁에 대한 직접적인 논평으로 아부 그라이브의 포로들 대형 회화도 포함됩니다. 보테로는 코펜하겐 현대 미술관, 파리의 마이요 미술관, 로마의 팔라조 베네치아, 상트페테르부르크의 에르미타주 박물관, 보고타의 국립 미술관에서 그의 작품을 전시하였습니다. 현재 그는 파리, 몬테카를로 및 뉴욕에서 살고 일하고 있습니다.
보테로는 이제 80세이며 여전히 타의 추종을 불허하는 열정을 지니고 있습니다. 그는 수천 점의 그림과 수백 개의 조각을 제작하였으며, 자신만의 독특한 스타일로 사람들과 사물을 끊임없이 매료시키며 계속해서 창조할 것입니다. 보테로 자신이 말했듯이, "예술가는 결코 완전하지 않다."

KUADROS ©, 당신의 벽에 걸린 유명한 그림.