La Abstracción Lírica y sus Secretos - KUADROS

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진정한 추상적 서정의 뿌리와 의미를 발견하고 그것이 예술의 경향과 어떻게 상호작용하는지를 이해하기 위해 우리는 추상 미술의 초기 시절을 바라보아야 합니다.

추상적 서정은 겉보기에 단순한 용어이지만, 세대에 걸쳐 그 기원과 의미에 대한 논의가 있어왔습니다. 미국의 미술 수집가 라리 앨드리치(Larry Aldrich)는 1969년에 자신이 최근에 수집한 여러 작품의 본질을 정의하기 위해 이 용어를 사용했으며, 그의 의견에 따르면 이는 미니멀리즘에 따른 개인적 표현과 실험으로의 복귀를 나타낸다고 보았습니다.

하지만 프랑스의 미술 평론가 장 조제 마르샹(Jean José Marchand)은 몇십 년 전인 1947년에 이 용어의 변형인 '추상 서정(Abstraction Lyrique)'을 사용하여 미국의 추상 표현주의와 유사한 유럽에서 떠오르는 경향을 지칭했습니다. 두 용어의 사용은 모두 객관적 현실과는 동떨어진 자유롭고 감정적이며 개인적인 구성으로 특징 지워지는 예술을 지칭합니다.

하지만 이러한 경향은 적어도 20세기 초 첫 10년까지 거슬러 올라가, 바실리 칸딘스키의 작업으로 거슬러 올라갈 수 있습니다.

추상적 서정 - 첫 걸음

바실리 칸딘스키 1911, Composition No. 4

러시아 화가 바실리 칸딘스키 (1866-1944)는 서정적 추상의 기본이 되는 내러티브, 형태 및 색상의 우아한 조합에서 선구자적 역할을 했다고 할 수 있지만, 이 경향은 1947년 파리의 룩셈부르크 갤러리에서 열린 "L'Imaginaire"라는 전시회에서 나타났으며, 한스 하르퉁, Wols(알프레드 오토 볼프강 슐체) 및 장-폴 리오펠(Jean-Paul Riopelle) 등의 작품이 포함되었습니다.

현재의 "추상 서정(Abstracción Lyrique)"이라는 용어는 프랑스 화가이자 전시 공동 조직자 조르주 마튀(Georges Mathieu, 1921-2012)에 의해 만들어졌으며, 그의 동료인 조세 장 마르샹(Jose-Jean-Marchand)은 전시된 작품 중 일부가 "모든 의무와 연결되지 않은 서정성을 보여준다..."고 썼습니다. 이는 이 그림들이 지적 이론의 무게에 의해 기인하거나 억제되지 않았음을 의미합니다.

추상적 서정에서 서정을 찾다

1910년대에 여러 그룹의 예술가들이 각기 다른 관점에서 서정적 추상의 개념과 사랑에 빠져 있었습니다. 입체파와 미래파 예술가들은 실제 세계의 이미지로 작업하고 이들을 개념적으로 수정하여 추상적인 아이디어를 표현했습니다. 수프레마티스트와 구상주의 예술가들은 예술에서 인식 가능한 형태로 작업했지만, 이들을 모호하거나 상징적인 방식으로, 혹은 보편성을 전달하고자 하는 방식으로 사용했습니다.

그러나 다른 예술가들 그룹은 나머지와는 전혀 다른 관점에서 추상화를 접근했습니다.

이 그룹은 바실리 칸딘스키를 대표로 하여, 그들이 그리는 것의 의미가 무엇인지 알 수 없다는 시각에서 추상화를 접근했습니다. 그들은 단순히 선입견 없이 자유롭게 그림을 그리면 그들의 작품을 통해 미지의 것을 표현할 수 있다고 기대했습니다. 칸딘스키는 자신의 그림을 음악적 구성과 비교했으며, 이는 완전히 추상적인 방식으로 감정을 전달했습니다. 그의 추상 그림들은 상상력이 풍부하고, 감정적이며, 표현적이고, 개인적이며, 열정적이고 완전히 주관적이었습니다; 다시 말해, 서정적이었습니다.

추상적 서정의 특징: 스타일의 혼란

"타로 오카모토, '타오른 남자들'(1955), 도쿄 근대 미술관

이론적으로, 아트 인포르멜(Art Informel)은 여러 부 스타일과 부 그룹을 포괄하는 주요 운동으로, 포르스 누벨(Forces Nouvelles), 코브라(CoBrA), 타키즘(Tachisme), 아트 브뤳(Art Brut), 비구상 미술(Art Non Figuratif) 및 추상 서정이 포함됩니다. 이 모든 학교들은 추상적이거나 적어도 반추상적이며, 기하학적 추상화뿐만 아니라 자연주의와 인물 장르를 거부했습니다. 모든 예술가들은 기존 이론이나 현재의 관습에서 벗어나 새로운 자발적인 회화 스타일을 창조하고자 했습니다. 그럼에도 불구하고 당시 많은 추상 화가들이 이들 하위 운동의 일원이었기에, 각 운동에 속하는 그림들을 권위 있게 식별하는 것은 거의 불가능합니다.

전후 추상 서정

디 스틸, 매개체

칸딘스키의 추상 서정은 1920년대와 1930년대의 다른 추상 미술 경향과 대조를 이룹니다. 그의 예술은 특정한 종교와 관련이 없었지만, 명백히 영적인 것이 있었습니다. 디 스틸, 아트 콘크리트 및 초현실주의와 같은 스타일과 연관된 다른 예술가들은 세속적인 예술을 만들고 객관적인 학문적 해석에 적용할 수 있었습니다. 칸딘스키는 결코 완전히 정의되거나 설명될 수 없는 것을 찾고 있었습니다. 그는 우주의 신비와의 개인적인 연결을 공개적으로 표현했습니다. 마치 그는 일종의 영적 실존주의를 발명한 듯했습니다.

실존주의는 제2차 세계 대전 후 인기를 얻은 철학으로, 사람들은 삶의 무의미함을 이해하기 위해 투쟁하고 있었습니다. 비판적인 사상가들은 그들이 목격한 파괴를 허용할 수 있는 더욱 고상한 힘이 존재할 수 있다고 믿지 못했습니다. 그러나 신이 없다는 것처럼 보이는 상황에서 그들은 허무주의로 향하기보다는 전반적인 삶의 무의미함을 뚫고 나가고자 개인적 의미를 찾아 나섰습니다. 실존주의 작가 장-폴 사르트르는 1943년 자신의 저서 '존재와 무'에서 "인간은 자유롭게 되도록 운명 지어져 있으며, 그가 하는 모든 일에 책임이 있다"고 썼습니다. 본질적으로 개인적인 것을 찾는 것은 실존주의의 핵심이자, 제2차 세계 대전 이후 추상 서정의 일반적인 부활에서도 핵심이었습니다.

추상 서정에 연관된 다른 이름들

1940년대와 1950년대에 걸쳐, 개별적으로 의미를 표현하는 것과 관련된 다양한 추상 미술 운동이 등장했습니다. 추상 서정(Abstracción Lyrique), 아트 인포르멜, 타키즘, 아트 브뤳, 추상 표현주의, 컬러 필드 아트(Color Field art) 및 심지어 개념 미술과 퍼포먼스 아트까지 모두 어느 정도 동일한 일반적인 실존적 탐구로 거슬러 올라갑니다. 이 시기의 가장 영향력 있는 미술 비평가 중 한 명인 해럴드 로젠버그(Harold Rosenberg)는 "오늘날 각 예술가는 스스로를 발명하는 데 전념해야 한다... 우리 시대의 예술의 의미는 자기 창조의 이 기능에서 흐른다"고 썼습니다.

하지만 문화가 다음 세대와 함께 변화하자, 예술에서 이러한 실존적 경향의 많은 부분이 잊혀졌습니다. 그리고 최소주의로 상징되는 기하학적이고 구체적이며 무감정한 추상 예술이 다시 그 자리를 차지하게 되었습니다.

하지만 모든 예술가들이 서정적 전통을 포기한 것은 아닙니다. 1960년대 말에 상황은 다시 변했습니다. 1969년에 추상 서정이라는 용어를 회복한 라리 앨드리치는 "지난 시즌 초기에, 회화에서 기하학적이고 경직되고 미니멀리즘을 벗어나서 서정적이며 부드럽고 생동감 있는 색상으로 된 감각적인 추상으로 나아가는 움직임이 분명해졌다... 이 종류의 회화에서는 예술가의 터치가 항상 드러나며, 심지어 그림이 총, 스펀지 또는 다른 물체로 만들어졌을 때도 그렇다"고 지적했습니다.

현대의 추상적 서정

Abstracción Lírica Jimenez Balaguer

짐네즈-발라그어, 세부 사항

예술 운동과 마찬가지로, 추상 서정을 정의하는 경향은 이 용어가 만들어지기 전에 존재했습니다. 20세기 초의 초기 몇십 년 동안, 바실리 칸딘스키, 알베르토 자코메티, 장 포트리에, 폴 클레 및 Wols와 같은 예술가들이 처음으로 추상에서 서정적인 경향을 구현했습니다. 그리고 수십 년 후, 조르주 마튀, 장-폴 리오펠, 피에르 수랄즈 및 조안 미첼과 같은 예술가들이 그 경향을 이어갔습니다. 그 후 1960년대와 1970년대 후반에는 헬렌 프랑켄탈러, 줄스 올리츠키, 마크 로스코 등 여러 예술가들이 그 자리를 재활성화하고 확장했습니다.

현대 추상 서정의 가장 매력적인 목소리 중 하나인 스페인 예술가 로랑 짐네즈-발라그어가 2015년에 세상을 떠났습니다. 그러나 그의 개념, 이론 및 기법은 여전히 마가렛 닐(Margaret Neill)과 같은 현대 예술가들의 작업에서 강력하게 나타나고 있으며, 그녀의 본능적으로 얽힌 서정적인 선의 구성은 관람객에게 개인적인 의미의 주관적인 참여를 초대합니다. 또한 앨런 프리스트(Ellen Priest)의 작업은 재즈 음악과의 미학적 대화에 생명을 불어넣습니다. 이러한 모든 예술가들을 연결하는 공통된 요소는 추상 서정의 근본적인 탐구인 개인적이고 주관적이며 감정적인 것을 표현하고 그것을 시적이고 추상적인 방식으로 수행하는 것입니다.

미국의 추상적 서정 (1960, 1970)

헬렌 프랑켄탈러, 마담 버터플라이

추상적 서정으로 알려진 운동은 1960년대와 1970년대에 미국에서 등장했으며, 최소주의와 개념 미술의 성장에 대한 반응으로 나타났습니다. 여러 화가들이 기하학적이고 정밀하며 딱딱한 윤곽과 최소주의 스타일에서 벗어나면서 더 조화롭고 회화적인 스타일로 전환하며 풍부하고 감각적인 색상을 사용했습니다. 그들은 사회 정치적 아이콘으로 육성하기보다는 미적 원칙을 재정립하려고 했습니다. 이 미국식 추상적 서정은 헬렌 프랑켄탈러(1928년생)와 줄스 올리츠키(1922-2007) 등의 작품에 잘 드러납니다. 1971년 5월부터 7월까지 미국 예술 박물관에서 '추상적 서정'이라는 제목의 전시회가 열렸습니다.

그러나 이 시기에는 2세대의 추상 표현주의의 여러 유사한 변형도 존재했습니다(구상적 추상화). 색면 회화(Color Field Painting), 하드 엣지 회화(Hard Edge Painting), 색 얼룩 회화(Color Stain Painting) 및 서정적 추상(Lyrical Abstraction) 사이의 이론적 차이점이 있었지만, 이러한 차이점은 육안으로는 전혀 명백하지 않습니다.

서정적 추상 운동의 그림들은 오늘날 세계의 주요 미술관에 걸려 있습니다.