アールデコは、特にエレガントな幾何学的または様式化された形状と、人間の材料の使用を特徴とする1920年と1930年の人気のあるデザインスタイルです。
アールデコ様式の特徴は、1930年代後半と1930年代後半にフランスで生まれました。
アールデコの特徴は、マシンの近代性に対する賞賛を反映しており、たとえば、相対的な単純さ、平面性、対称性、要素の不変性の繰り返しなど、機械によって作られたオブジェクトに固有のデザイン品質を反映しています。アールデコオブジェクトは、通常は「様式化された」外観のシンプルできれいな形を示すことがよくあります。花、動物、太陽光線などの比formからの幾何学的または様式化された飾り。そして、プラスチック、ビタミングラス、鉄筋コンクリートなどの人間の物質の使用は、しばしばja、銀、象牙、クロムなどの天然材料と組み合わされます。
アールデコ - ポスター
アールデコの形成的な影響の中には、セルジュディアハイレフによるアートヌーボー、バウハウス、キュービズム、ラスのバレエがあります。アールデコの実践者は、アメリカインディアン、エジプト人、初期の古典、そして自然界の源泉にもインスピレーションを与えました。
アールデコのように、アートヌーボーは、アーキテクチャ、インテリアデザイン、ジュエリー、イラストなどのメディアに適用される装飾スタイルです。どちらのスタイルもヨーロッパと米国で人気がありましたが、1890年から1910年の間に芸術ヌーボーは栄えました。
同様に、アールデコは、1920年代後半から1930年初頭にかけて、花、つるの巻きひげ、昆虫の翼、その他の繊細な自然のオブジェクトのキャパルトにピークに達しました。一方、アールデコはモダンな機械を祝い、幾何学的なラインとエレガントな形を宣伝しました。
アートヌーボーとの主な違いは、アールデコのデザインにより断片化された幾何学的な性格を与えるキュービズムの影響です。ただし、植物と波状の曲線に基づく画像は、たとえばイギリスのクラリスクリフのアールデコのデザインに残っていました。アールデコは、古代エジプトの芸術、アステカの芸術、その他の古代中央アメリカの芸術に触発され、現代の船、列車、車のデザインに触発された、その影響において非常に多様でした。また、バウハウスやル・コルビュジエやミース・ヴァン・デ・ロヘなどの建築家の現代建築とデザインにも触発されました。
アールデコは、1925年にパリで開催された展示インターナショナルデスアーツデコララティフスエトララティフスエットモダンからその名前を導き出しました。アールデコのデザインは、モダニズムを表現しました。彼らの製品には、大量生産された記事として個別に作られた豪華な記事の両方が含まれていましたが、いずれにせよ、富と洗練を象徴するエレガントで反抗的な優雅さを作成することを目的としていました。
アールデコの著名なクリエイターの大部分は、手または限定版で作られた記事をデザインした記事を設計しました。彼らには、家具デザイナーのJacques RuhlmannとMauriceDufrèneが含まれていました。建築家のエリエル・サアリネン。ゴールドスミスジャンプイフォーキャット。ジュエリーとクリスタルのデザイナールネラリック。ファッションデザイナーErté;アーティストマムズレイモンドテンプル、HGマーフィー、ウィウェンニルソン。そして、チパルスの比sculptor。
アールデコ - ジャックルールマン家具
アートデコdel opberesジャンプイフォーキャット
アーリーアールデコ
フランスの19世紀の終わりに、芸術ヌーボースタイルの発展において重要な役割を果たしたアーティスト、建築家、著名なデザイナーの多くは、それがますます過去にファッショナブルになっていることを認識していました。産業革命が確立された世紀の終わりに、現代の生活は数十年前とは大きく異なるようになりました。それは、モダニストと良い味から「20世紀」を叫ぶ何か、何か新しいものの時でした。
フランスの装飾芸術家協会
新世紀に向かって移動したいという欲求から、ノスタルジアに止められるのではなく、革新の通過まで、フランスの芸術的革新的なグループは、ソシエテ・デ・アーティストのデコラティール（装飾芸術家協会）と呼ばれる組織を形成しました。このグループは、アートヌーボーユージーングラッセット、建築家アートヌーボーヘクターギマードなどの認識された人物で構成されており、ピエールチャレウやフランシスジュルデインなどの装飾的な芸術家やデザイナーが新たになりました。フランス国家は、この芸術活動の方向を支持し、奨励しました。
アールデコ - 装飾芸術家の協会
新しいグループの主な目的の1つは、装飾的な芸術家を絵画や彫刻の最も古典的な手段よりも低いステータスに追いやった視覚芸術の階層構造に挑戦することでした。ヨルデンは有名に引用されています。「したがって、私たちは装飾的な芸術を返し、シンデレラまたは召使と一緒に食事を許可された貧しい親relativeとして、彼が過去に占領していた重要な場所に、時代と常に「地球国の」。
新しいタイプの装飾芸術を発表した素晴らしい展覧会の計画は、1914年までに最初に考案されましたが、第一次世界大戦が終わった後まで停止し、1925年までいくつかの理由で遅れました。
アールデコムーブメントを正式に開始した展示会
レスのエスプラネードの間の展示会を開催したフランス政府は、黄金のドームとセナ川の両側にあるプチパレとグランパレの入り口で侵入し、新しいスタイルを示すのに苦労しました。 15,000人以上のアーティスト、建築家、デザイナーが展覧会で作品を展示しました。展示会の7か月間、1600万人以上が多くの個別の展示会をツアーしました。この展覧会は、運動の始まりの触媒でした。
アートヌーボーとアールデコ
アールデコは、アートヌーボースタイルとモダニズムのより広範な文化的現象に対する直接的な哲学的な直接的な対応でした。多くの批評家は、開発された詳細、繊細なデザイン、しばしば高価な素材、スタイルの生産方法が現代的で不安定な不安定な世界に適応せず、ますます機械加工されていないと感じていたため、第一次世界大戦中に芸術ヌーボーがファッショナブルになり始めました。芸術ヌーボー運動は、その複雑で様式化された自然の形を導き出し、手で行われたことの美徳を高めましたが、アールデコの美学は機械時代の空力とエレガントな幾何学を強調しました。
アールデコとモダニズム
展覧会のインターナショナルは、アールデコスタイルで機能するだけでなく、キュービズム、構成、バウハウス、スティフル、未来派などのスタイルの前衛絵画や彫刻の例の近くに職人のアイテムを配置しました。 1920年代には、アールデコは青々としたカウンターポイントでしたが、ほとんど慣習的であり、最も脳の美学バウハウスとスティルでした。 3人は、組織化デザインの原則として、清潔で強いラインに重点を置いていました。アールデコの実践者は、技術革新、現代の素材、機械化を採用し、スタイル自体の一般的な美学でそれらを強調しようとしました。開業医はまた、他のモダニズム運動から借りて学びました。アールデコは、現代の前衛的な動きの将来の視点で最新のファンによって考慮されました。皮肉なことに、モダニズムの絵画と彫刻は、ソビエトのパビリオンとル・コルブジエのエスプリ・ヌーヴォー・パビリオンのいくつかの例外を除いて、展覧会で二次的な役割を果たしました。
大恐pressionの後のアールデコ
アールデコの第2フェーズの始まりは、大恐pressionの始まりと一致しました。実際、緊縮は、この2番目のアールデコの開発の実用的および概念的な理由の両方の中心的な美学である可能性があります。たとえば、アールデコアーキテクチャは、高さまで上昇した高層ビルで垂直方向に向けられていましたが、その後のアールデコの建物は、主に装飾品、エレガントな曲線、水平強調が堅牢性、静かな尊厳、抵抗を象徴していました。 1929年から1931年までの最悪の経済災害の間に、アメリカのアールデコは、それらを確立するために次の傾向から行きました。
modrneを合理化します
Streamline Modrneは、ヨーロッパのアールデコムーブメントのアメリカの継続になりました。深刻な経済的および哲学的影響を超えて、-siglo XXの開始時の最初の流線modrneの審美的なインスピレーション。
アールデコ - Modrneを合理化します
新しい客観性の芸術家と建築家は、Streamline Modrneの擁護者が表現主義の感情を含む過剰を排除するように強制した同じタイプの地味なプラグマティズムに触発されました。新しい客観性の建築家は、実生活の要求を反映するなど、実用的であると考えられる構造の生産に集中しました。彼らは、自分のデザインが他の人に少し実用的な美学に適応させるのではなく、現実の世界に適応することを好んだ。そのために、新しい客観性アーキテクトは、プレハブ技術の先駆者でさえありました（ドイツの貧しい人々を迅速かつ効率的に収容するのに役立ちました）。
私は装飾品を欠いており、Streamlineの近代的な建築にはきれいな曲線、長い水平線（窓バンドを含む）、ガラスのレンガ、Oxのアイスタイルの窓、円筒形の形、時には航海がありました。これまで以上に、空力やその他の現代技術の表現に重点が置かれていました。アールデコの最も高価でしばしばエキゾチックな素材は、Reirmline Modernでコンクリート、ガラス、クロムハードウェアに置き換えられました。色は適度に使用されていました。なぜなら、白っぽい、ベージュ、アーストーンはアールデコの最も鮮やかな色に取って代わるからです。このスタイルは最初にアーキテクチャに導入され、その後、伝統的なアールデコスタイルに似た他のオブジェクトに拡張されました。
アールデコは遡及的に名前が付けられています
もともと、「アールデコ」という用語は、有名な中傷者であるモダニズムの建築家であるル・コルビュジエによって、彼が現代建築で不必要だと考えた特徴である彼の装飾のためのスタイルを批判した記事で、軽jor的に使用されていました。スタイルディフェンダーは、特に彼の前任者であるアート・ヌーボーと比較して、彼を過度の装飾に対するモダニストで簡略化された反応として称賛しましたが、あらゆる装飾がル・コルビュジエにとって余計なものだったからです。スタイルへの関心が活性化された1960年代の終わりまで、イギリスの歴史家で批評家のBevis Hillierが「アールデコ」という用語を前向きに使用しました。
米国のアールデコ
米国では、アールデコムーブメントの受容が異なる軌跡で発生しました。米国商務長官のハーバート・フーバー。当時、彼は米国のデザイナーと建築家が国際展示会で彼らの作品を展示できないと宣言しました。十分に新しい。」別の方法として、彼は展覧会の申し出を評価するためにフランスに代表団を派遣し、彼らが見たものを現代のアメリカの芸術的で建築的スタイルに適用しました。フーバーから送られた美的解放の条件では、アメリカ建築協会、大都市美術館、ニューヨークタイムズの重要な人物が含まれていました。このミッションは、米国の芸術的革新のほぼ即時のブームに影響を与えました。
1926年までに、「モダン、インダストリアル、装飾芸術の国際展示会からのオブジェクトの選択されたコレクション」と呼ばれるフランスのフェアの小さなバージョンは、多くの米国の都市をツアーしました。 、ミネアポリス、ボストン。とフィラデルフィア。シカゴのアメリカンワールドフェア（1933年）とニューヨーク市（1939）はアールデコのデザインを強調し、ハリウッドは美学を採用し、全国で魅力的にしました。ゼネラルモーターズやフォードなどの米国企業でさえ、ニューヨークワールドフェアでパビリオンを建設しました。
アールデコ - ニューヨークのワールドフェア
アメリカのアールデコ様式の最もよく知られている例には、高層ビルやその他の大規模な建物があります。実際、建物の設計におけるアールデコのアメリカのイテレーションは、その角張った建築ファサードとしての角張ったパターンと幾何学的パターンのために、Zigzag Modernと呼ばれています。しかし、一般的にアメリカのアールデコは、ヨーロッパの前任者よりも装飾が少ないことがよくあります。きれいな線と強い曲線を超えて、大胆な幾何学的な形、強烈な色、時には豪華な装飾品を超えて、米国のバージョンはよりシンプルです。 1920年代後半から1930年代初頭の新しい客観性や国際的なスタイルの建築スタイルなどの重要な影響が、芸術デコの美学に影響を与え始めたため、スタイルはそれほど贅沢になりませんでした。
アールデコ - Zig Zag Modern
アメリカのアールデコ様式は、大量生産を含む技術の進歩と社会の進歩で回復した信仰を祝うために開発されました。本質的に、これらの成果は、国民の誇りを反映していると見なすことができます。 1930年代には、RooseveltのWorks Progress Administration（WPA）の下で、作成された作品の多くは、図書館や学校などの市構造から大規模な壁画まで、アールデコでした。 WPAは、公共事業での雇用の創出を通じて戦後経済を高めることを意図しており、雇用の創出とデザイン内の価値を植え付けることでコミュニティに奉仕しようとしました。アメリカのアールデコの使用は、デザインを通じて民主主義の表現をもたらしました。アールデコの作成でよく使用されていた一部の素材は高価であり、したがって、平均的な男性の手の届かないところにありました。ただし、新規または低コストの材料を使用することで、幅広い手頃な価格の製品を生産することが可能になり、したがって、新しい方法で公共の領域に美しさをもたらしました。
アールデコの世界的な成長
アールデコスタイルは、ハバナ、キューバ、ムンバイ、ヤカルタのように多様な世界の首都で強化されました。ハバナには、アールデコスタイルに組み込まれた近所全体があります。ロンドン地下鉄鉄道システムには、主にスタイルが組み込まれています。上海港には50を超えるアールデコ構造があり、そのほとんどはハンガリーのラスロハデックによって設計されています。戦争の記念碑から病院まで、オーストラリアのシドニーやメルボルンのような遠い都市も驚異的なスタイルを吸収しました。
アールデコ - ラズロハデック
アールデコの主な視覚特性は、ジグザグ、台形、シェブロンのパターンを含む三角形を含む線形および幾何学的形式の繰り返し使用から派生しています。前任者のアート・ヌーボーと同様に、花、動物、人間の姿などのオブジェクトが表現されているとき、これらは様式化され、アートデコの一般的な美学を維持するために多くのものを単純化します。様式化の性質と範囲は、スタイルの地域の反復によって異なります。たとえば、フランスのデザイナーRenéLaliqueのFire Bird（1922）のような人物は、エレガントに細長く減衰していますが、ロックフェラーセンターの外のリーローリー（1937）のアトラスは、両方とも強力に直線的な筋肉質で固く堅牢で堅牢ですが、デコスタイルの良い表現と考えられています。
アールデコ - ロッカーフェラービルディングのアトラスデリーローリー
現代のテクノロジーにおけるムーブメントの重点によれば、アーティストとデザイナーのアールデコは、プラスチック、バケリタ、ステンレス鋼などの近代的な素材を活用しました。しかし、富と洗練のタッチが必要なとき、デザイナーは象牙、角、シマウマの皮などのよりエキゾチックな素材を取り入れました。芸術ヌーボーや芸術や工芸の動きと同様に、アールデコのスタイルは、伝統的に最高ランクの視覚芸術の表現の形式である絵画と彫刻にあまり適用されませんでした。
アールデコのデザイン
アールデコスタイルは、マシンのスピードと崇拝への愛を伴うイタリアの未来派の影響を明らかにする方法で、グラフィックアートへの影響を及ぼしました。未来派の芸術家は、「スピード口ひげ」として知られる動きを示すためにラインを使用しました。これは、車と速いモーション列車の車輪から出てきました。さらに、アールデコの実践者は、対称性と空力主義を示唆する平行線と円錐形の形状を使用しました。タイポグラフィは、アールデコの国際的な影響と、Bifur、Broadway、Peignotのフォントの種類の影響を受けました。
アールデコ - フエンテビフル
画像の観点から、シンプルな形態と大規模なカラー地域は、1868年の孤立時代の江戸が終了した後、特にフランスで西洋の芸術家にとって重要な影響源となっていた日本の木材の彫刻を思い出させます。その後の日本の流入ヨーロッパへのアートは大きな影響を与えました。特に、木材の正式なシンプルさで発見されたアーティストは、印象派から始まる独自の独自のモダンなスタイルを作成するためにモデルを刻みます。
アールデコの家具
1920年代の終わりまで、フランスの前衛家具のデザインは、主にアートヌーボースタイルのバリエーションで構成されていましたが、単純化されていて曲線的ではありませんでした。 10年が進むにつれて、エミール・ジャック・ルールマンはメインの家具デザイナーとして登場しました（ルールマンは1925年の展示会で彼自身のパビリオンを持っていました）。彼のデザインは主に新古典派のスタイルでプロデュースされた18世紀の断片に触発されましたが、彼はマホガニー、エボニー、パリサンドロ、アイボリー、タートルシェルなど、デザイナーのアートヌーボーが好むエキゾチックな素材を使用しながら、装飾の多くを排除しました。もちろん、彼らの作品は、最も裕福なものを除いて、誰かがそれらを獲得するには高すぎることが多すぎました。
ルールマンの豪華なデザインとは対照的に、スタイルアールヌーボーとアールデコの中で馬に乗っているように見えました。彼は新しいスタイルがアートヌーボーに取って代わるまで伝統的なデザイナーであり、パリのエリジウム宮殿の素晴らしいダイニングルームのデザインと、エレガントなノルマンディー蒸気船のファーストクラスのデッキにある豪華なキャビンで知られています。
アールデコ - ジュールレールの家具
LeleuとRuhlmannとは対照的に、Le Corbusierは非常に小さなバージョンの擁護者であり、アールデコスタイルの装飾品のないものであり、多くの場合、独自の建築構造の厳格なインテリアに適した家具を作成します。彼の意図は、プロトタイプ、特に椅子を設計することでした。特に、質量によって生産される可能性があるため、アンプ市場には手頃な価格でした。
混乱。また、ニューヨーク市の有名な関心のあるドナルドデスキーのインテリアデザインであるシティミュージックホールは、アメリカのアールデコの家具のデザインの優れた例であり、まだ元の形ではそのまま残っています。現在。
アールデコ - ルコルビュジエの家具
アールデコアーキテクチャ
アールデコアーキテクチャは、しばしば豊かに飾られており、きらめく金属のディテールによって強調されるハードエッジデザインによって特徴付けられます。これらの建物の多くは、注目を集めるつもりで構築された垂直的な強調を持っています。多くの場合、ブロック内の長方形の形が幾何学的に配置されており、屋根に針を加えたり、空力効果を提供するために湾曲した装飾的な要素を加えたりします。ニューヨークの高層ビルとマイアミのパステル色の建物は、最も有名なアメリカの例の1つですが、このスタイルは世界中のさまざまな構造に実装されています。
米国では、Works Progress Administrationが建築アールデコの一般化を支援しました。興味深いことに、うつ病の多くの公共事業で見られる古典主義の芸術デコとビーアアートの融合は、PWA ModrneまたはModerneうつ病として知られています。
アールデコ Pwa Moderne- 現代のうつ病
その後の開発：アールデコの後
アールデコは、ヨーロッパと北米での第二次世界大戦の年の間にスタイルを廃止しました。金属は、建物や内部スペースを飾るのではなく、武装の建設でそれらを使用するために回復しました。家具はステータスオブジェクトとは見なされなくなりました。その他の技術的進歩により、基本的な消費記事の安価な生産が可能になり、アールデコデザイナーのニーズと人気がなくなりました。
多くの点で過去とともに壊れようとした動きは、今では最高のノスタルジアを生み出し、愛をもって記憶されている古典になっています。 1960年代以来、スタイルには絶え間なく継続的な関心がありました。アールデコは、デコの空力の美学を実行し、バウハウスのきれいなシンプルさをレビューする中世のモダンなデザインのアールデコエコーを見ることができます。デコはまた、1980年代にミラノを中心としたデザインと建築のムーブメントであるメンフィスグループのインスピレーションを支援しました。メンフィスは、カラフルで意識的にポストモダンのデザインのソースとしてポップアートとキッチュに基づいていました。
クアドロス ©、あなたの壁に有名な絵の具。
