हिंदी में: '7 सर्वश्रेष्ठ स्पेनिश भाषी कलाकार'

कला के इतिहास के दौरान, स्पेनिश भाषी कलाकारों ने पायनियर्स के रूप में एक महत्वपूर्ण स्थान स्थापित किया है। जोखिम उठाने से डरने के बिना, वे अक्सर अपने मूल संस्कृतियों की याद दिलाने वाले प्रतीकों और तकनीकों को शामिल करते हैं। इसके अलावा, कई प्रसिद्ध हिस्पैनिक कलाकार अपनी रचनात्मकता का उपयोग राजनीतिक और सामाजिक उथल-पुथल पर चर्चा करने के लिए एक मंच के रूप में करते हैं, ताकि परिवर्तन को प्रभावित करने और राष्ट्रीय गर्व को प्रेरित करने का प्रयास किया जा सके।

नं.1 डिएगो वेलाज़्केज़ - 1599 – 1660

डिएगो वेलाज़्केज़ 17वीं शताब्दी के एक स्पेनिश चित्रकार थे जिन्होंने "Las Meninas" बनाई, जो संभवतः उनका सबसे प्रसिद्ध चित्र है और वह राजा फेलिप IV के रॉयल कोर्ट के सदस्य के रूप में कई प्रसिद्ध पोर्ट्रेट बनाए।

डिएगो रोड्रिग्ज़ डे सिल्वा और वेलाज़्केज़ का जन्म स्पेन के सेविल में 6 जून 1599 के आसपास हुआ था। 11 साल की उम्र में, उन्होंने स्थानीय चित्रकार फ्रांसिस्को पाचेको के साथ छह साल की प्रेक्टिस शुरू की। वेलाज़्केज़ के पहले के काम उनके गुरु द्वारा पसंद किए गए पारंपरिक धार्मिक विषयों के थे, लेकिन वे इटली के चित्रकार कारवाजियो के प्राकृतिकवाद से भी प्रभावित हुए। वेलाज़्केज़ ने 1617 में अपनी प्रेक्टिस पूरी करने के बाद अपना खुद का स्टूडियो स्थापित किया। वह राजा फेलिप IV के कोर्ट के एक सदस्य के रूप में अपने यथार्थवादी और जटिल पोर्ट्रेट के लिए प्रसिद्ध हुए, यह पद उन्होंने लगभग 40 वर्षों तक धारण किया। डिएगो वेलाज़्केज़ की एक सफल करियर थी जिसने उन्हें स्पेन के गोल्डन एज के प्रमुख कलाकार बना दिया।

अपने अंतिम वर्षों में, स्पेनिश मास्टर ने पोप इन्नोसेन्ट X की प्रसिद्ध पेंटिंग और प्रसिद्ध "Las Meninas" का निर्माण किया। उनका निधन 6 अगस्त 1660 को मैड्रिड में हुआ।

वेलाज़्केज़ को पश्चिमी कला के महान मास्टरों में से एक के रूप में याद किया जाता है। पाब्लो पिकासो और सलवाडोर डाली उन कलाकारों में से हैं जिन्होंने उन्हें बड़ी प्रेरणा माना, जबकि फ्रेंच इंप्रेशनिस्ट एदोर्ड माने ने ग्रेट स्पेनिश को "कलाकारों का चित्रकार" के रूप में वर्णित किया।

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नं.2 फ्रांसिस्को डे गोया - 1746 – 1828

फ्रांसिस्को गोया, पूर्ण रूप से फ्रांसिस्को जोस डे गोया और लुसीएंट्स (जन्म 30 मार्च 1746, फुएंतेडोडोस, स्पेन; निधन 16 अप्रैल 1828, बोरडो, फ्रांस)।

फ्रांसिस्को गोया, 18वीं शताब्दी के सबसे प्रभावशाली चित्रकारों में से एक थे, जिनकी ज़िंदगी में बहुत सफलता मिली। उनका काम अक्सर रोमांटिक आंदोलन से जुड़ा होता है और वह अंतिम महान प्राचीन मास्टरों में से एक माने जाते हैं। गोया की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंगों में से एक, El Tres De Mayo De 1808 En Madrid, एक राजनीतिक रूप से चार्ज की गई कृति है जो नेपोलियन द्वारा देश के कब्जे के दौरान स्पेनिश प्रतिरोध को मानती है। यह अभिनव काम कला में युद्ध के हालात को पेश करने के नए उदाहरण स्थापित करता है।

गोया ने रॉयल कलेक्शन में वेलाज़्केज़ के कामों का अध्ययन किया, जिससे एक अधिक लचीला और स्वत: निर्माण की तकनीक विकसित हुई। उसी समय, गोया ने अपनी पहली लोकप्रियता हासिल की। उन्हें 1780 में रियल अकादमी ऑफ सेंट फर्नांडो के लिए चुना गया, 1786 में राजा का चित्रकार नियुक्त किया गया, और 1789 में कोर्ट का चित्रकार बनाया गया। 1792 में एक गंभीर बीमारी ने गोया को स्थायी रूप से बहरा कर दिया। उन्होंने एक नया, साहसी और स्वतंत्र स्टाइल विकसित किया जो कारिकेचर के करीब था। अपने धार्मिक फ़्रेस्को में उन्होंने एक व्यापक और स्वतंत्र स्टाइल और बिना किसी पूर्व मिसाल के धरती के यथार्थवाद का उपयोग किया। गोया ने 1795 से 1797 तक रियल अकादमी में पेंटिंग के निदेशक के रूप में कार्य किया और 1799 में स्पेनिश कोर्ट के पहले चित्रकार के रूप में नियुक्त हुए।

1808 से 1814 तक नेपोलियन के आक्रमण और स्पैनिश स्वतंत्रता युद्ध के दौरान, गोया फ्रांस के कोर्ट का चित्रकार बने। स्पेनिश राजशाही की बहाली के बाद, गोया को फ्रांसीसियों की सेवा करने के लिए क्षमा किया गया, लेकिन उनका काम नए राजा द्वारा पसंद नहीं किया गया। 1816 में उन्होंने बुलफाइट्स पर अपने चित्रण प्रकाशित किए, जिन्हें टौरमाquia कहा जाता है। 1819 से 1824 तक गोया ने मैड्रिड के बाहरी इलाके में एक घर में रहने का निर्णय लिया। न्यायिक प्रतिबंधों से मुक्त, उन्होंने एक अधिक व्यक्तिगत शैली को अपनाया। अपने घर की दीवारों पर की गई काले पेंटिंगों में, गोया ने अपनी सबसे अंधेरी दृष्टियां व्यक्त की। इसी प्रकार का एक दुःस्वप्न गुण सैरिक मॉकरी पर सताता है, जो एक श्रृंखला की शैली में होती है जिसे भी रूपक कहा जाता है। 1824 में, एक उदार सरकार की बहाली के प्रयास के विफल होने के बाद, गोया ने स्वेच्छा से फ्रांस में उत्पीड़न किया। वह बोरदॉ में बस गए और 16 अप्रैल 1828 को अपने निधन तक काम करते रहे।

आज, उनकी कई बेहतरीन पेंटिंगें मैड्रिड के प्राडो आर्ट म्यूजियम में हैं।

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नं.3 फ्रिडा काहलो - 1907 – 1954

मैग्डलीना कार्मेन फ्रिडा काहलो काल्डेरोन (कोयोआकान, 6 जुलाई 1907- कोयोआकान, 13 जुलाई 1954)

मैक्सिकन कलाकार फ्रिडा काहलो को उनके आत्म-चित्रों, दर्द और जुनून, और जीवंत और Bold रंगों के लिए याद किया जाता है। उन्हें मैक्सिको में उनकी मैक्सिकन और आदिवासी संस्कृति पर ध्यान देने के लिए मनाया जाता है और उनके द्वारा महिला अनुभव और रूप का वर्णन करने के लिए नारीवादियों द्वारा।

उनके गहरे व्यक्तिगत और प्रतीकात्मक कार्य के साथ, वह 20वीं शताब्दी की सबसे प्रसिद्ध महिलाओं में से एक बन गई हैं। अपने करियर के बड़े हिस्से के लिए, अक्सर उन्हें डिएगो रिवेरा की पत्नी के रूप में नजरअंदाज किया गया, लेकिन 1970 के दशक से उनके चित्रों की सराहना केवल बढ़ी है। अपनी मैक्सिकन पहचान पर गर्व करते हुए, उन्होंने अक्सर अपने चित्रों में प्रीकॉलंबियन प्रतीकों को शामिल किया और उनकी रंगीन मैक्सिकन ड्रेस के लिए जानी जाती हैं। काहलो, जिन्होंने अपनी युवावस्था में एक बस दुर्घटना के कारण अपनी स्वास्थ्य समस्याओं का सामना किया, ने अपनी रीढ़, क्लैविकल और पसलियों के कई फ्रैक्चर, एक बर्बाद पेल्विस, एक टूटे हुए पैर और एक डिस्लोकेटेड कंधे का सामना किया। वह अपने शरीर में प्लास्टर के साथ ठीक होने पर चित्रण पर बहुत ध्यान केंद्रित करना शुरू कर दी। अपने जीवन में, उन्होंने 30 ऑपरेशन किए। जीवन का अनुभव काहलो के लगभग 200 पेंटिंग, स्केच और ड्रॉइंग का सामान्य विषय है। उनके शारीरिक और भावनात्मक दर्द को चित्रों में स्पष्टता से दिखाया गया है, साथ ही साथ उनके पति, कला साथी डिएगो रिवेरा के साथ उनके उपद्रवी संबंध को भी, जिनसे वे दो बार विवाह कर चुकी हैं। उनकी 143 पेंटिंगों में से 55 आत्म-पोर्ट्रेट हैं। बस दुर्घटना के कारण उनके शरीर के स्वास्थ्य को "La columna rota" में विस्तृत रूप से प्रस्तुत किया गया है। काहलो लगभग नग्न के रूप में चित्रित की गई हैं, उन्हें दो हिस्सों में विभाजित किया गया है, और उनकी रीढ़ को एक सजावटी टूटने वाली कॉलम के रूप में दिखाया गया है। उनकी त्वचा पर नाखून छिड़के गए हैं। वह एक सर्जिकल डिवाइस के साथ भी सुसज्जित है।

अपने मार्क्सवादी झुकाव के लिए व्यापक रूप से जानी जाने वाली, फ्रिडा, मार्क्सवादी क्रांतिकारी चे ग्वेवा और कुछ समकालीन व्यक्तियों के साथ, 20वीं शताब्दी के एक विरोधक सांस्कृतिक प्रतीक बन गई और उन्हें एक चित्र में एक विरासत छोड़ दी, जो आज भी कल्पना और मन को प्रेरित करती है।
उनकी उभरती करियर को 47 वर्ष की छोटी उम्र में उनकी आकस्मिक मृत्यु के कारण बाधित कर दिया गया। उनकी विरासत जीवित है और कई नारीवादी और राजनीतिक आंदोलनों के प्रतीक के रूप में बनी हुई है।

नं.4 डिएगो रिवेरा - 1886 – 1957

डिएगो मारिया डे ला कॉनसेप्सियन जुआन नेपोमिसेनो एस्तानिस्लाओ डे ला रिवेरा य बारींटोस एकोस्टा व रोड्रिगेज, जिन्हें डिएगो रिवेरा के नाम से जाना जाता है (ग्वानाजुआतो, 1886 - मेक्सिको सिटी, 1957) एक प्रमुख मेक्सिकन चित्रकार थे। उनके बड़े फ़्रेस्को ने मेक्सिकन और अंतर्राष्ट्रीय कला में म्यूरल आंदोलन को स्थापित करने में मदद की।
जन्म से मेक्सिकन, रिवेरा ने अपनी अधिकांश वयस्कता यूरोप और अमेरिका में बिताई, साथ ही अपने मेक्सिको सिटी के घर पर भी। अपने करियर के आरंभ में, उन्होंने क्यूबिज़्म में कदम रखा और इसके बाद पोस्ट-इम्प्रेश्निज़्म को अपनाया, लेकिन उनकी अनोखी शैली और परिप्रेक्ष्य तुरंत पहचानने योग्य हैं। वह एक समर्पित मार्क्सिस्ट के रूप में राजनीति की दुनिया में शामिल रहे और 1922 में मेक्सिकन कम्युनिस्ट पार्टी में शामिल हुए। उन्होंने 1930 के दशक में अपनी मेक्सिको सिटी के घर में निर्वासित रूसी लियोन ट्रॉट्स्की और उनकी पत्नी का स्वागत किया। वे अस्थिर समय में रहते थे और एक तूफानी जीवन व्यतीत करते थे, डिएगो रिवेरा, जो अपने मार्क्सवादी प्रवृत्तियों के लिए व्यापक रूप से जाने जाते हैं, चे ग्वेवा और कुछ समकालीन व्यक्तियों के साथ, 20वीं शताब्दी के एक विरोधक सांस्कृतिक प्रतीक बन गए और उन्होंने कला में एक विरासत छोड़ी जो आज भी कल्पना और मन को प्रेरित करती है।
उन्होंने मेक्सिकनता के आधार पर एक राष्ट्रीय पहचान को बनाने में मदद की। मेक्सिकन पहचान के प्रति गर्व रिवेरा के कला में उनके चमकीले रंगों की पैलेट और मायान और एज़्टेक कला से प्रभावित सरल रूपों के प्रयोग के माध्यम से स्पष्ट है। जबकि उनकी कई प्रसिद्ध कृतियाँ मेक्सिको सिटी में हैं, रिवेरा ने अमेरिका में भी बड़े पैमाने पर चित्रित किया। उनका म्यूरल "Hombre en la encrucijada" को न्यू यॉर्क के रॉकफेलर सेंटर से हटा दिया गया था क्योंकि इसमें काम में लेनिन की एक छवि थी।

नं.5 पाब्लो पिकासो - 1881 – 1973

पाब्लो पिकासो, पूर्ण रूप से पाब्लो डिएगो जोस फ्रांसिस्को डी पौला जुआन नेपोमुसेनो क्रिस्पिन क्रिस्पिनियानो मारिया रेमेडियोस डे ला संतísima त्रिनिदाद रुइज़ पिकासो, जिसे (1901 के पहले) पाब्लो रुइज़ या पाब्लो रुइज़ पिकासो के नाम से भी जाना जाता है, (जन्म 25 अक्टूबर 1881, मालागा, स्पेन) का निधन 8 अप्रैल 1973, मोगिन्स, फ्रांस), एक स्पेनी प्रवासी चित्रकार, मूर्तिकार, ग्रैवर, चीनी मृत्तिका और सेट डिज़ाइनर हैं, जो 20वीं सदी के सबसे बड़े और प्रभावशाली कलाकारों में से एक हैं और (जॉर्ज ब्रोके के साथ) क्यूबिज़्म के निर्माता हैं।
उन्हें एक बालक प्रतिभा माना जाता था जिन्होंने पहले पारंपरिक तकनीकों में महारत प्राप्त की और फिर अपना खुद का मार्ग जाने लगे जिन्होंने कला बनाने के पारंपरिक रूप को नष्ट किया। उनका काम प्रभावशाली है, क्योंकि उन्होंने अपने जीवन के दौरान लगभग 50,000 कलाएं बनाईं जिसमें चित्र, मूर्तिकला, चीनी मृत्तिका, ड्राइंग और ग्रैविंग शामिल हैं।
20वीं सदी की शुरुआत में क्यूबिज़्म के जनक के रूप में, उन्होंने कला में यथार्थवादी से बचाने और शुद्ध रूपान्वित होने के लिए लक्ष्य रखा, कुछ ऐसा जिसे पहले इस तरह से नहीं किया गया था। पिकासो का मुख्य कार्य कई स्पष्ट रूप से अलग-अलग युगों में विभाजित किया जाता है, जिसमें नीला युग, गुलाबी युग, अफ्रीकी प्रभाव युग, क्यूबिज़्म का युग और सौरियालिज़्म और क्लासिज़्म का युग शामिल हैं।
क्योंकि पिकासो के कार्यों ने डेमोसेल्स के समय में तीव्रस्वभाव वाले तत्वों का प्रदर्शन किया, 20वीं सदी का कोई भी कलाकार उनकी 영향 से नहीं बच सका। पिकासो ने अपने जीवन के अंतिम दशक में भी नवाचार किया। यह गलतफहमियों और आलोचनाओं का कारण बना, न केवल उनके जीवन में बल्कि इसके बाद भी, और 1980 के दशक में ही उनकी अंतिम पेंटिंगों की सराहना होनी शुरू हुई, न केवल उनके स्वयं के काम के लिए बल्कि तेजी से बढ़ती युवा चित्रकारों की पीढ़ी पर उनकी गहराई से प्रभाव डालने के लिए। जैसे ही पिकासो ने 1920 के दशक से उच्च कीमतों पर काम बेचना शुरू किया, वह अपनी अधिकांश कृतियों को अपनी खुद की संग्रहण में संग्रहित करने में सक्षम हो गए।

नं.6 सलवाडोर डाली - 1904 – 1989

सलवाडोर फेलिप जैसिंटो डाली I डोमेच,​ मार्कीज़ डी डाली डी प्यूबोल (फिगुएरस, 11 मई 1904- फिगुएरस, 23 जनवरी 1989)।
उन्हें सौरियालिज़्म का एक प्रमुख प्रतिनिधि माना जाता है।
एक करियर जो छह दशकों से अधिक चला, सलवाडोर डाली आधुनिक कला के सबसे प्रभावशाली कलाकारों में से एक हैं। "La persistencia de la memoria" जैसे सौरियालिस्ट पेंटिंगों के लिए प्रसिद्ध, डाली भी एक प्रोडक्टिव मूर्तिकार, फिल्म निर्माता, फोटोग्राफर और चित्रकार थे। उन्होंने एक कुक बुक भी बनाई जो उन्होंने और उनकी पत्नी गाला ने आयोजित की।
छोटी उम्र से ही, सलवाडोर डाली को अपनी कला का अभ्यास करने के लिए प्रोत्साहित किया गया, और अंततः उन्होंने मैड्रिड में एक अकादमी में अध्ययन किया। 1920 के दशक में, वह पेरिस गए और पाब्लो पिकासो, रेन मैग्रीट और मिरो जैसे कलाकारों के साथ बातचीत करना शुरू किया, जो डाली के पहले सौरियालिस्ट चरण में ले गया।
वह बहुत कल्पनाशील कलाकार थे, जिनकी स्वार्थी और मेखोलमानी प्रवृत्तियों के कारण सार्वजनिक ध्यान आर्कषण करना पसंद था। यह व्यवहार उन लोगों को चिड़ाता था जो उनकी कला की सराहना करते थे और उनके विहित व्यवहार को अस्वीकार करने वाले आलोचकों को उचित ठहराता था। डाली ने अपने सभी सोने के प्रेम और उत्कंठ या पूर्वी शैली के प्रति अपनी पैशन को एक स्व-घोषित अरब वंश को पेश किया, जो उन्हें आइस्पेन के मध्यकालीन अरब फिरकुमार में उकसा गया था।
यूरोप में युद्ध के करीब आते हुए, विशेष रूप से स्पेन में, डाली ने सौरियालिस्ट आंदोलन के सदस्यों के साथ संघर्ष किया। 1934 में किए गए एक "न्याय" में, उन्हें समूह से निष्कासित कर दिया गया।
1980 में, डाली को स्थायी शैथिलता और हाथों में कमजोरी के कारण पेंटिंग से रिटायर होना पड़ा। वह अब एक ब्रश पकड़ने में अक्षम थे, उन्होंने अपनी अपेक्षित तरीके से अभिव्यक्ति करने की क्षमता खो दी थी। 1982 में एक और त्रासदी हुई, जब डाली की प्रिय पत्नी और दोस्त गाला का निधन हो गया। ये दोनों घटनाएँ उन्हें गहन अवसाद में डाल दी। वह प्यूबोल में गए, एक किले में जो उन्होंने गाला के लिए ख़रीदा और बहाल किया था, संभवतः सार्वजनिक से छिपाने के लिए या, जैसा कि कुछ लोग अनुमान लगाते हैं, मृत्यु के लिए। 1984 में, डाली को एक आग में गंभीर रूप से जलाया गया। उनकी चोटों के कारण, उन्हें व्हीलचेयर में सीमित किया गया। दोस्तों, संरक्षकों और साथी कलाकारों ने उन्हें किले से बचाया और उन्हें फिगुएरस में वापस लाए, जहां उन्होंने थिएटर-म्यूजियम में आराम पाया। नवंबर 1988 में, डाली फिगुएरस में एक अस्पताल में एक दिल की विफलता के साथ भर्ती हुए। एक संक्षिप्त ठीक होने के बाद, वह थिएटर-म्यूजियम में लौट आए। 23 जनवरी 1989 को, अपने जन्मस्थान फिगुएरस में, डाली का दिल की विफलता से 84 साल की उम्र में निधन हो गया। उनका अंतिम संस्कार थिएटर-म्यूजियम में आयोजित किया गया, जहाँ उन्हें एक क्रिप्ट में दफनाया गया।
एक बहुउपयोगी और विचित्र व्यक्तित्व के साथ, जो उनके कला उत्पादन से मेल खाता है, वह अपनी मृत्यु के 30 वर्ष बाद भी जनता की कल्पना को पकड़ना जारी रखते हैं।

नं.7 फर्नांडो बोटेरो - 1932 –

फर्नांडो बोटेरो (कोलंबियाई, जन्म 1932) अपने पेंटेड और स्कल्पटेड दृश्यों के लिए मशहूर हैं, जो जानवरों और मुद्राओं के इन्फ्लेटेड प्रॉपरशन्स के साथ होते हैं, जो कलाकार की सैटायर, कार्टून और राजनीतिक कमेंट के पहले ध्यान को दर्शाते हैं। मेडेलिन, कोलंबिया में जन्मे, वे तीन बच्चों में दूसरे थे, उनके पिता, एक वेंडर, जब बोटेरो केवल चार साल के थे, निधन हो गए। उनकी माँ को परिवार को पालने के लिए एक कपड़ा कामकाजी के रूप में काम करना पड़ा। म़ैटादोर स्कूल में कुछ समय बिताने के बाद, बोटेरो ने तय किया कि कला उनकी असली बुलाहट है और 1948 में, 16 साल की उम्र में, उन्होंने अपनी पहली प्रदर्शनी की। तीन साल बाद, कोलंबिया की राजधानी बोगोटा में बसने के बाद, उन्होंने अपनी पहली व्यक्तिगत प्रदर्शनी की मेज़बानी की।
1950 के दशक में, उन्होंने विभिन्न यूरोपीय देशों जैसे स्पेन, इटली और फ्रांस में यात्रा की ताकि वे पुनर्जागरण और बैरोक के मास्टरों के काम का अध्ययन कर सकें। उन्होंने वर्तमान मैक्सिकन अडवांस को जानने के लिए मैक्सिको की यात्रा भी की। बोटेरो कई स्रोत सामग्रियों के लिए प्रसिद्ध हो गए, जो कोलंबियन फोकल चित्रों से लेकर डिएगो वेलाज़्केज़, पाब्लो पिकासो और फ्रांसिस्को गोया की कैनॉनिकल कृतियों तक हैं।
अपने समकालीन लैटिन अमेरिकी जीवन के चित्रण में, वह ने कोलंबिया में प्रचलित गरीबी और हिंसा का चित्रण करते हैं, साथ ही उनके आईकॉनिक इन्फ्लेटेड आकृतियों में, लैटिन अमेरिकी राष्ट्रपति, फर्स्ट लेडीज और सरकारी अधिकारियों के व्यंग्यात्मक चित्रण। 1960 के दशक की शुरुआत में मॉडर्न आर्ट म्यूज़ियम के डॉरॉथी मिलर से एक बैठक उनके करियर में एक महत्वपूर्ण मोड़ बन गई; उसने उनके काम को उस समय प्रचुरता के एक भाषा में अधिग्रहित किया, और फिर उसने उनके काम को एक महत्वपूर्ण प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया, जिससे उनकी अंतरराष्ट्रीय पहचान को मजबूत किया।
1970 में, बोटेरो पेरिस चले गए, जहाँ उन्होंने अपने हस्ताक्षर के इन्फ्लेटेड फिगर्स के साथ बड़े मूर्तियाँ बनाईं। वह अपनी लैटिन अमेरिकी होम टाउन के चित्रण और खुलकर राजनीतिक चित्रों पर प्रतिबद्ध हैं; उनकी हालिया कृतियों में इराक युद्ध पर एक सीधे टिप्पणी में अबू घ़्रैब के कैदियों की बड़ी चित्रण शामिल हैं। बोटेरो की कृतियों का प्रदर्शन कोपेनहेगन के आधुनिक कला संग्रहालय, पेरिस के मैइलो संग्रहालय, रोम के पलाज्जो बेनेज़िया, सेंट पीटर्सबर्ग के हर्मिटेज़ संग्रहालय और बोगोटा के राष्ट्रीय संग्रहालय में किया गया है। वर्तमान में वह पेरिस, मोनाको और न्यूयॉर्क में रहते हैं और काम करते हैं।
बोटेरो अब 80 वर्ष के हैं और हमेशा की तरह प्रोडेक्टिव हैं। एक उत्साही निर्माता, उन्होंने हजारों पेंटिंग और सैकड़ों मूर्तियाँ बनाई हैं और अपनी व्यक्तिगत शैली के व्यक्तियों और वस्तुओं के साथ मोह रखे रहेंगे। जैसा कि खुद बोटेरो कहते हैं, "एक कलाकार कभी पूरा नहीं होता।"

KUADROS ©, आपकी दीवार पर एक प्रसिद्ध पेंटिंग।