Art Nouveau'n alkuvaiheet
Art Nouveau'n - kirjaimellisesti "Uusi Taide" - syntyä voidaan palauttaa kahteen erilaiseen vaikutukseen: ensimmäinen oli brittiläisen Arts and Crafts -liikkeen esittely noin vuonna 1880, joka, kuten Art Nouveau, oli reaktio aikakauden viktoriaanisen taidekoristelun epäjärjestykseen ja koostumuksiin.
Toinen oli tuolloin valloillaan ollut japanilaisen taiteen muoti, erityisesti puulohkografiikat, jotka hurmasivat monia eurooppalaisia taiteilijoita 1880- ja 1890-luvuilla, mukaan lukien taiteilijat kuten Gustav Klimt, Emile Gallé ja James Abbott McNeill Whistler. Japanilaiset puulohkografiikat sisälsivät erityisesti kukka- ja sipulimaisia muotoja, sekä "ruoska"-käyriä, jotka kaikki olivat keskeisiä elementtejä siitä, mitä lopulta tulisi olemaan Art Nouveau.
Japanilainen Art Nouveau - Katsushika Hokusain aalto
On vaikeaa osoittaa ensimmäisiä taideteoksia, jotka virallisesti käynnistivät Art Nouveau'n. Jotkut väittävät, että Vincent van Goghin ja Paul Gauguinin maalauksista löytyvät sulavat, painetut linjat ja kukkapohjat edustavat Art Nouveau'n syntyä, tai jopa Henri de Toulouse-Lautrecin koristeellisia litografioita, kuten Moulin Rouge: La Goulue (1891).
Kuitenkin, useimmat viittaavat koriste-taiteen alkuperiin ja erityisesti englantilaisen arkkitehdin ja suunnittelijan Arthur Heygate Mackmurdo vuoden 1883 Wren's City Churches -teoksen kannen suunnitteluun.
Mackmurdo, Arthur: ensimmäiseksi Art Nouveau'n edustukseksi luonnehdittu
Kannen suunnittelu esittää käärmeennäköisiä kukkien varsi, jotka nousevat tasaisesta palasta sivun alareunassa, mikä muistuttaa selvästi japanilaista puulohkografiikkaa.
Art Nouveau -näyttelyt
Art Nouveau oli usein näkyvämmin esillä kansainvälisissä näyttelyissä sen huipulla. Tämä uusi tyyli sai keskeisen roolin viidellä erityisellä messulla: Expositions Universelles -näyttelyissä Pariisissa vuosina 1889 ja 1900; Tervuerenin näyttelyssä Brysselissä vuonna 1897, jossa Art Nouveau'ta käytettiin laajalti esittelemään Congon eksoottisten puulajien käsityömahdollisuuksia; Turinin vuoden 1902 kansainvälisessä modernien koriste-taiteiden näyttelyssä; sekä Nantes'in vuoden 1909 l' Est de la France -kansainvälisessä näyttelyssä.
Jokaisessa näistä messuista tyyli oli hallitseva koriste-taiteiden ja esitellyn arkkitehtuurin osalta, ja Turinin vuonna 1902 Art Nouveau oli todella kaikkien suunnittelijoiden ja kaikkien edustettujen kansakuntien valitsema tyyli, pois lukien kaikki muut.
Modernin Koriste-taiteen Kansainvälisen Näyttelyn Juliste
Art No
veau: taideliike, jolla on tuhat nimeä
Siegfried Bing, saksalainen kauppias ja japanilaisen taiteen tuntija, joka asui Pariisissa, avasi joulukuussa 1895 kaupan nimeltä L'Art Nouveau, joka tuli yhdeksi tyyliin erikoistuneimmista toimittajista huonekaluissa ja koriste-taiteissa. Pian kaupan nimi tuli synonyymiksi tyylille Ranskassa, Britanniassa ja Yhdysvalloissa. Kuitenkin Art Nouveau'n suuri suosio Länsi- ja Keski-Euroopassa merkitsi, että sillä oli useita eri nimityksiä. Saksan kielialueella sitä kutsuttiin yleensä Jugendstil (nuorison tyyli), joka oli peräisin Münchenistä Jugend-lehdestä, joka teki sen suosituksi. Samaan aikaan Wienissä, joka oli Gustav Klimtin, Otto Wagnerin, Josef Hoffmannin ja muiden Wiener Seceissionin perustajien koti, sitä kutsuttiin Sezessionsstil (sekaantumisen tyyli).
Se tunnettiin myös Modernismina espanjaksi, Modernismona katalaaniksi ja Stile Floreale (kukkamuoto) tai Stile Liberty Italiassa, jälkimmäinen Arthur Liberty -kankaitaan erikoistuneen kaupan vuoksi Lontoossa, joka auttoi tyylin popularisoimisessa. Ranskassa se tunnettiin yleisesti Style Moderne ja ajoittain Style Guimard siellä tunnetuimmalta harjoittajaltaan, arkkitehti Hector Guimardilta, kun taas Alankomaissa se kutsutaan usein Nieuwe Kunst (Uusi Taide).
On syytä korostaa, että sen monilla vastustajilla oli myös useita halventavia nimityksiä: Style Nouille (nuudelityyli) Ranskassa, Paling Stijl (engailla-tyyli) Belgiassa ja Bandwurmstil (pääkonnan tyyli) Saksassa, kaikki nimitykset, jotka viittasivat leikillisesti Art Nouveau'n taipumukseen käyttää kiemuroita ja sulavia linjoja.
Art Nouveau: käsitteet, tyylit ja suuntaukset
Art Nouveau'n yleisyys 1800-luvun lopulla voidaan osittain selittää sillä, että monet taiteilijat käyttivät suosittuja ja helposti toistettavia muotoja, joita esiintyy graafisissa taiteissa. Saksassa Jugendstil-taiteilijat kuten Peter Behrens ja Hermann Obrist painoivat töitään kirjojen kansissa, näyttelyluetteloissa, lehti-ilmoituksissa ja julisteissa.
Mutta tämä suuntaus ei ollut millään tavoin rajoitettu Saksaan. Englantilainen kuvittaja Aubrey Beardsley, joka oli ehkä Art Nouveau'n kiistanalaisin hahmo eroottisten ja karmivien elementtien yhdistelmän vuoksi, loi lyhyellä urallaan sarjan julisteita, jotka käyttivät sulavia ja rytmisiä linjoja. Beardsleyn hyvin koristellut painokset, kuten The Peacock Skirt (1894), olivat sekä dekadentteja että yksinkertaisia, ja ne edustavat kaikkein suoreinta yhteyttä, jota voimme tunnistaa Art Nouveau'n ja japanilaisen taiteen / Ukiyo-e -kaiverrusten välillä.
Aubrey Beardsleyn riikinkukkohame - Art Nouveau
Ranskassa Jules Chéret'n, Henri de Toulouse-Lautrecin, Pierre Bonnardin, Victor Prouvén, Théophile Steinlenin ja joidenkin muiden mainoslippuja ja graafista tuotantoa popularisoivat luxus- ja dekadenttia elämää belle époque -aikana, jota on yleensä kuvattu noin 1890-1914, ja joka liitetään usein Montmarten pohjoiseen kabarettialueeseen.
Heidän graafiset teoksensa käyttivät uusia kromolithografisia tekniikoita edistääkseen kaikkea aina uusista teknologioista, kuten puhelimista ja sähkövaloista, baareihin, ravintoloihin, yökerhoihin ja jopa yksittäisiin taiteilijoihin, herättäen modernin elämän energiaa ja elinvoimaa. Prosessissa he nostivat pian julisteet jalankulkijailmoitusten riveistä korkeaan taiteeseen.
Art Nouveau'n modernistinen arkkitehtuuri
Lisäksi graafisia ja visuaalisia taiteita käsittelevissä vakavissa keskusteluissa Art Nouveau'sta on otettava huomioon arkkitehtuuri ja sen valtava vaikutus eurooppalaiseen kulttuuriin. Kaupunkikeskuksissa, kuten Pariisissa, Brysselissä, Glasgow'ssa, Turussa, Barcelonassa, Antwerpenissä ja Wienissä, sekä pienemmillä paikkakunnilla, kuten Nancyssä ja Darmstadtissa, yhdessä Itä-Euroopan alueilla, kuten Riiassa, Prahassa ja Budapestissa, Art Nouveau'n arkkitehtuuri oli laajalti vahvana, niin kooltaan kuin ilmeeltään, ja se on edelleen näkyvissä nykyään niin monilla erilaisilla rakennusrakenteilla kuin pienistä rivitaloista suurille institutionaalisille ja kaupallisille rakennuksille. Erityisesti arkkitehtuurissa Art Nouveau esitettiin laajalla kielivalikoimalla.
Monet rakennukset sisältävät huikean käytön terakottasta ja värikkäistä laatoista. Ranskalainen keraamikko Alexandre Bigot tuli esimerkiksi kuuluisaksi pääasiassa tuottamaansa terakottakategoriaan parin, joilla on näkyvyyteensä Pariisin asuntojen ja kerrostalon julkisivuille. Muissa Art Nouveau -rakennuksissa, erityisesti Ranska ja Belgia, joissa Hector Guimard ja Victor Horta olivat tärkeitä harjoittajia, ovat näyttäneet teknologisia mahdollisuuksia rautarakenteilla, joissa on lasipaneelit.
Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau
Monilla Euroopan alueilla asuinhuoneistot Art Nouveau -arkkitehtuuri oli luonteenomaista paikalliselle kivelle, kuten keltaiselle kalkkikivelle tai satunnaiselle kalliomaiselle estetiikalle puupaneeleilla. Useissa tapauksissa käytettiin veistoksellista valkoista rappauspintaa, erityisesti Art Nouveau -rakennuksissa, joita käytettiin näyttelyissä, kuten Pariisin vuoden 1900 maailmannäyttelyn paviljonkeissa ja Wienin Secession-rakennuksessa. Jopa Yhdysvalloissa Louis Sullivanin pilvenpiirtäjiä koristavat kasvimaiset muodot, kuten Wainwrightin rakennus ja Chicagon pörssi, lasketaan usein Art Nouveau'n laajan arkkitehtonisen laajuuden parhaiksi esimerkeiksi.
Chicago Stock Exchange - Art Nouveau
Art Nouveau -tyyliset huonekalut ja sisustussuunnittelu
Kuten viktoriaanisten tyylisuuntien ja Arts and Crafts -liikkeen aikana, Art Nouveau oli tiiviisti sidoksissa sisustamiseen niin paljon kuin se oli näkyvissä ulkoisissa julkisivuissa. Kuten nämä muut 1800-luvun tyylit, Art Nouveau -sisustukset pyrkivät myös luomaan harmonisen ja johdonmukaisen ympäristön, joka ei jättänyt yhtäkään pintaa koskemattomaksi. Huonekalusuunnittelu oli keskiössä tässä mielessä, erityisesti puuveistosten valmistuksessa, joissa oli teräviä ja epäsäännöllisiä muotoja, jotka usein olivat käsintehtyjä, mutta joskus myös koneellisesti valmistettuja. Huonekalujen valmistajat tuottivat kappaleita kaikkia mahdollisia käyttötarkoituksia varten: vuoteet, nojatuolit, ruokapöydät ja tuolit, kaapit, vitriinit ja kyntteliköt. Suunnittelun aaltoilevat muodot ruokittiin usein puun luonnollisesta syykuviosta, ja ne asennettiin usein pysyvästi seinäpaneeleina ja listana.
Ranskassa Art Nouveau'n johtavia suunnittelijoita olivat Louis Majorelle, Emile Gallé ja Eugène Vallin, kaikki Nancyssä ja Tony Selmersheim, Édouard Colonna ja Eugène Gaillard, jotka työskentelivät Pariisissa, joista viimeinen erityisesti Siegfried Bingin L'Art Nouveau -kaupassa, joka antoi liikkeelle sen yleisimmin tunnetun nimen.
Suunnittelijan Huonekalu - Louis Majorelle Art Nouveau
Belgiassa niskaa kiertävän linjan ja kulmikkaampien, varautuneiden muotojen voi nähdä Gustave Serrurier-Bovyn ja Henry van de Velde -suunnittelijoiden teoksissa, jotka ihailivat englantilaisen Arts & Crafts -liikkeen taiteilijoiden teoksia. Italia Alberto Bugatti ja Augustino Lauro tunnetaan hyvin omasta tyylinsä. Monet näistä suunnittelijoista liikkuivat vapaasti eri medioissa, mikä teki heistä usein vaikeasti kategorisoitavia: Esimerkiksi Majorelle valmisti omat puuhuonekalusuunnitelmansa ja avasi myös raudankatkaisutehtaan,
Alberto Bugatti Huonekalut Art Nouveau
Art Nouveau -maalaus ja korkeat taiteet
Harvat tyylit voivat väittää olevansa edustettuna lähes kaikissa visuaalisuuden muodoissa ja materiaaleissa yhtä täydellisesti kuin Art Nouveau. Lisäksi niille, jotka työskentelivät pääasiassa graafisella alalla, arkkitehtuurissa ja suunnittelussa, Art Nouveau:lla on joitakin merkittäviä edustajia maalauksessa, kuten wieniläinen secessionist Gustav Klimt, joka tunnetaan Hope II:sta ja Suudelmasta (molemmat vuodelta 1907-08), sekä Victor Prouvé Ranskassa.
Klimtin Toivo II - Art Nouveau
Kuitenkin Art Nouveau -taiteilijoita oli vähän ja he olivat harvakseltaan: Klimtillä ei ollut oikeastaan edes oppilaita tai seuraajia (Egon Schiele meni ekspressionismiin), ja Prouvé tunnetaan yhtä lailla kuvanveistäjänä ja huonekalusuunnittelijana. Sen sijaan voidaan sanoa, että Art Nouveau oli vastuussa, enemmän kuin mikään muu tyyli historiassa, koriste-taiteiden tai käytännön taiteiden, jotka liittyvät käyttöesineisiin, sekä kauniiden taiteiden tai puhtaasti koristeellisten asioiden, kuten maalauksen, kuvanveiston ja arkkitehtuurin, välisten kuilujen kaventamisesta, joita on perinteisesti pidetty tärkeämpinä, puhtaimpina lahjakkuuden ja taiteellisten taitojen ilmentäminä, jolloin on keskusteltava, onko tuota kuilua todella täysin suljettu.
Victor Prouvé Art Nouveau:n piirustus
Art Nouveau -korut ja lasit
Art Nouveau'n ylellinen maine näkyi myös sen käytössä joidenkin tunnetuimpien lasitaiteilijoiden kautta historian. Emile Gallé, Daum Brothers, Tiffany ja Jacques Gruber löysivät ensin mainetta ainakin osittain Art Nouveau -lasistaan ja sen sovelluksista moniin käyttöesineisiin. Gallé- ja Daum-nimimerkit vakiinnuttivat reputaationsa maljakoiden ja lasitaiteen suunnittelussa, ollen edelläkävijöitä uusissa tekniikoissa kaiverretuille happopinnoille, joiden kaarevat pinnat näytti virtaavan läpi läpinäkyvien sävyjen vaivattomasti.
Daum Brothers ja Tiffany hyödyntivät myös lasin taiteellisia mahdollisuuksia käyttöesineissä, kuten lampunvarjostoissa ja toimistotarvikkeissa. Sekä Tiffany että Jacques Gruber, joiden koulut oli Nancyssä Daum Brothersilta koruilla, sekä René Lalique, Louis Comfort Tiffany ja Marcel Wolfers, loivat osan arvokkaimmista teoksista vuosisadan vaihteesta, tuottaen kaikkea, korvakoruista kaulaketjuihin, rannekoruihin ja solkiin, varmistaen siten, että Art Nouveau tulisi aina yhdistettyä luksukseen ja dekadenssiin, vaikka toivottiin, että sen yleisyys voisi tehdä siitä yleisesti saavutettavaa.
Yritysten identiteetti Art Nouveau'ssa
Art Nouveau nousi suosioon samaan aikaan, kun vähittäiskauppa laajeni houkutellakseen todella massiivista yleisöä. Se oli merkittävä rooli monilla suurimmilla kaupunkikaupoilla, joita perustettiin 1800-luvun lopulla, mukaan lukien La Samaritaine Pariisissa, Wertheim's Berliinissä ja Magasins Reunis Nancyn kaupungissa.
Lisäksi sitä markkinoitiin aggressiivisesti joillekin aikakauden tunnetuimmista suunnittelupisteistä, alkaen Siegfried Bingin L'Art Nouveau -myymälästä Pariisissa, joka oli edelleen tyylin levittämisen keskus, kunnes se suljettiin vuonna 1905 pian Bingin kuoleman jälkeen. Se ei suinkaan ollut kaupungin ainoa myymälä, joka erikoistui Art Nouveau -sisustuksiin ja huonekaluihin.
Samaan aikaan Liberty & Co. oli pääasiallinen jakelija tyylin esineistä Britanniassa ja Italiassa, missä tuloksena Liberty-nimitys tuli lähes synonyymiksi tyylille.
Liberty & Co - Art Nouveau
Monta Art Nouveau -suunnittelijaa tuli tunnetuksi työskennellessään yksinomaan näiden jälleenmyyjien kanssa, ennen kuin he siirtyivät muihin suuntiin. Esimerkiksi arkkitehti Peter Behrens suunnitteli käytännössä kaikkea teekannusta kirjan kansiin, mainosjulisteisiin, näyttelypaviljonkien sisustuksiin, astioihin ja huonekaluihin, ja hänestä tuli lopulta ensimmäinen teollinen suunnittelija, kun hän vuonna 1907 otti vastuulleen koko AEG:n, saksalaisen General Electricin, suunnittelutyöt.
Art Nouveau'n kulttuurivaikutus: mitä sen jälkeen tuli
Jos Art Nouveau nopeasti valtasi Euroopan 1800-luvun viimeisinä vuosina, taiteilijat, suunnittelijat ja arkkitehdit hylkäsivät sen yhtä nopeasti 1900-luvun ensimmäisellä vuosikymmenellä.
Vaikka monet sen harjoittajista olivat tehneet opista "muodon on seurattava toimintoa" heidän ideologiansa keskiöksi, jotkut suunnittelijat olivat taipuvaisia käyttämään koristeita runsaasti, ja tyyliä alettiin kritisoida liian monimutkaiseksi. Tietyssä mielessä, kun tyyli kypsyi, se alkoi palata samoihin tapoihin, joita se oli halveksinut, ja yhä kasvava joukko vastustajia alkoi väittää, että sen sijaan, että se olisi uudistanut suunnittelua, se oli vain vaihtanut vanhan pinnallisesti uuteen. Vaikka uusia massatuotantomenetelmiä käytettiin, intensiivinen käsityö, joka oli mukana suuressa osassa Art Nouveau -suunnittelussa, esti sen todellista saatavuutta todella suurelle yleisölle, kuten sen edustajat olivat alun perin toivoneet. Joissakin tapauksissa, kuten Darmstadtissa, kansainväliset tekijänoikeuslait estivät myös taiteilijoita hyötymään taloudellisesti suunnitelmistaan.
Art Nouveau'n yhdistäminen näyttelyihin vaikutti myös pian sen tuhoiseen vaikutukseen. Ensinnäkin, useimmat messurakennukset olivat väliaikaisia rakenteita, jotka purettiin heti tapahtuman päätyttyä. Mutta vielä tärkeämpänä, itse näyttelyt - vaikka niitä järjestettiin koulutuksen, kansainvälisen ymmärryksen ja rauhan edistämisen tekosyyllä - ruokkivat valtiollista kilpailua ja rivaliteettia johtuen näyttelyjen luonteesta, joka oli sisäänrakennettu vertailulle. Monet maat, mukaan lukien Ranska ja Belgia, pitivät Art Nouveau'ta potentiaalisina ehdokkaina "kansallisen tyylin" nimitykselle, kun taas Art Nouveau'n ulkomaalaisia alkuperää tai poliittisia sävyjä väitettiin, kuten esimerkiksi Ranskassa, sillä liittyivät erilaisiin belgialaisiin suunnittelijoihin ja saksalaiseen kauppaan, ja joskus se oli tyyli, jota käytettiin sosialistisiin rakennuksiin, kääntäen julkista mielipidettä sitä vastaan. Lukuun ottamatta joitakin huomattavia poikkeuksia, joissa sillä oli omistautuneita paikallisia tukijoita, vuoden 1910 mennessä Art Nouveau oli lähes kokonaan hävinnyt eurooppalaisen suunnittelun kentältä.
Wiener Werkstätte:sta Art Decoon
Art Nouveau'n kuolema alkoi Saksassa ja Itävallassa, joissa suunnittelijat, kuten Peter Behrens, Josef Hoffmann ja Koloman Moser, alkoivat jo vuonna 1903 omaksua hillitymmän ja jyrkemmän geometrisen estetiikan. Sinä vuonna monet aikaisemmin Wienin Seceission'in kanssa liitetyt suunnittelijat perustivat kollegion tunnetaan Wiener Werkstätte, jonka selkeästi kulmikkaita ja suoraviivaisia muotoja muistuttivat tarkkaa, teollisen inspiraation estetiikkaa, joka jätti kaikki avoimet viittaukset luontoon pois.
Tästä koneellisesti tehdyistä suunnitteluominaisuuksista tuli pian korostetumpia kahdessa avain tapahtumassa vuonna 1907: Behrensin nimittämisestä AEG:n koko yrityssuunnittelun johtajaksi, joka kattoi rakennukset, tuotteet ja mainontaa, jolloin hänestä tuli maailman ensimmäinen teollinen suunnittelija; ja saksalaisen Werkbundin perustaminen, teollisten ja suunnittelijoiden välinen virallinen liitto, joka pyrki yhä enemmän määrittelemään tuotetyyppien järjestelmän standardoinnin pohjalta. Yhdessä uuden kunnioituksen kanssa klassisisille käytännöille sekä osittain inspiroituna vuosisadan 1893 maailmanäyttelystä Chicagossa, ja virallisen City Beautiful -liikkeen tuella Yhdysvalloissa, tämä koneen inspiroima estetiikka kehittyi lopulta ensimmäisen maailmansodan jälkeen siihen tyyliin, jota nyt kutsumme myöhäisittäin Art Deco:ksi.
Tämän luonteeltaan kaupallinen erottuminen ilmestyi tiivimmässä muodossa Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes -näyttelyssä Pariisissa vuonna 1925, tapahtumassa, joka 1960-luvulla antoi nimeksensä Art Deco:n. Yhdessä uuden kunnioituksen kanssa klassisiin käytäntöihin, ja osittain inspiroituna Chicagon maailmanäyttelystä vuonna 1893 ja virallisen City Beautiful -liikkeen tuella Yhdysvalloissa, tämä koneen inspiroima estetiikka kehittyi lopulta ensimmäisen maailmansodan jälkeen siihen tyyliin, jota nyt kutsumme myöhäisittäin Art Deco:ksi.
Art Nouveau:n postmodernit vaikutukset
Huolimatta lyhyestä elämästään, Art Nouveau vaikuttaisi 1960- ja 1970-luvuilla suunnittelijoihin, jotka halusivat vapautua rajoittavasta, ankarasta, epäpersoonallisesta ja yhä enemmän minimalistisesta estetiikasta, joka vallitsi graafisissa taiteissa. Art Nouveau'n vapaasti virtaavat ja hallitsemattomat viivat vaikuttivat inspiraationa taiteilijoille, kuten Peter Maxille, jonka viittaus vaihtoehtoiseen psykedeeliseen ja unimaiseen kokemukseen muistuttaa aikakauden kuvastoa, kuohuvaa ja vapaasti virtaavaa maailmaa.
Alusta alkaen tärkeänä askeleena modernismin kehityksessä taiteessa ja arkkitehtuurissa, nykyään Art Nouveau ymmärretään vähemmän sillaksi siirtymävaiheiden välillä ja enemmän ilmentymänä tyylin, hengen ja älyllisen ajattelun tietyssä aikakehyksessä, keskitettynä vuosisadan vaihteeseen vuonna 1900. Pyrkiessään luomaan todellista modernia estetiikkaa, Art Nouveau muuttui hetkeksi aikakauden määrittäväksi visuaaliseksi kieleksi.
KUADROS ©, kuuluisa maalaus seinälläsi.
