10 Nejznámějších maleb Ježíše

Postava Ježíše je jednou z nejikoničtějších v historii. 

Umění kolem obrazu Ježíše Krista bylo idealizováno jak amatérskými umělci, tak velkými mistry.

Jak je možné zobrazit na plátně postavu, která je zároveň úplně lidská a úplně božská? Tento typ umělecké odvážnosti je něčím, co je dokonce odvážné pokusit se provést.

Umělci, kteří malovali v křesťanské tradici, dělali přesně to po celé dva tisíce let.

10 Nejznámějších obrazů Ježíše

Toto je pohled na 10 nejznámějších obrazů Ježíše v historii, podle klasifikace provedené odborníky z Kuadros.

# 1 Poslední večeře - Leonardo Da Vinci

Nejznámější obraz Ježíše Krista je bezpochyby Poslední večeře od Leonarda Da Vinci.

Obraz rekonstruuje poslední velikonoční setkání mezi Ježíšem a jeho apoštoly, na základě vyprávění popsaného v evangeliu podle Jana, kapitola 13. Umělec si představoval a podařilo se mu vyjádřit touhu, která obklopuje mysl apoštolů zjistit, kdo zradil jejich Mistra.

Namáčeno na konci 15. století jako nástěnná malba na zdech refektáře kláštera Santa Maria delle Grazie v Miláně.

Nástěnné obrazy se obvykle vytvářejí aplikací pigmentu na intonaco, tenkou vrstvu mokré vápenné omítky.

Tato technika je obvykle nejlepší, protože umožňuje fresce reagovat na přirozené dýchání nebo pocení, které stěna dělá, jak se vlhkost pohybuje k povrchu.

Nicméně, v Poslední večeři, da Vinci se rozhodl použít olejové barvy, protože tento materiál schne mnohem pomaleji, což mu umožnilo pracovat na obraze mnohem pomaleji a podrobněji.

Leonardo věděl, že přirozená vlhkost, která proniká většinou kamenitých budov, bude muset být utěsněna, pokud použije olejové barvy, nebo vlhkost nakonec zničí jeho dílo.

Tak umělec přidal dvojitou vrstvu sádry, tmelu a dehtu, aby bojoval proti zhoršování způsobenému vlhkostí.

Navzdory tomu, dílo umění muselo být v dlouhé historii mnohokrát restaurováno.

V současnosti zbývá velmi málo z počáteční horní vrstvy olejové barvy v důsledku environmentálního a také úmyslného poškození.

#2 Proměnění - Rafael

Proměnění od Rafaela je konečné dílo velkého renesančního umělce Raffaela, které bylo objednáno kardinálem Giuliem de' Medici z bankovní dynastie Medici.

Obraz byl původně koncipován jako centrální oltář pro katedrálu v Narboně ve Francii a nyní visí v Pinenko Vatican v Římě.

Po smrti Rafaela nebyl obraz nikdy poslán do Francie, a kardinál jej místo toho pověsil na hlavní oltář kostela Blahoslaveného Amadea ze San Pietro in Montorio v Římě v roce 1523.

Nicméně v roce 1797 byl obraz zabaven francouzskými vojsky v rámci napoleonské italské kampaně a poté visel v Louvru.

Obraz lze považovat za zrcadlo dichotomie na nejsnazším úrovni: vykupitelská síla Krista, symbolizovaná čistotou a symetrií horní poloviny obrazu. To kontrastuje s nedostatky člověka, symbolizovanými ve spodní polovině temnými a chaotickými scénami.

Proměnění se vztahuje k následným příběhům Evangelia podle Matouše. Horní část obrazu zobrazuje Krista vyvýšeného před vlnícími se a osvětlenými mraky, po jeho stranách jsou proroci Eliáš a Mojžíš. Ve spodní části obrazu jsou reprezentováni apoštolové, kteří se neúspěšně snaží osvobodit posedlého chlapce od démonů. Horní část ukazuje proměněného Krista, který se zdá, že vykonává zázrak, uzdravuje chlapce a osvobozuje ho od zla.

Rozměry Proměnění jsou kolosální, 410 x 279 cm. Rafael preferoval malování na plátno, ale tento obraz byl vytvořen pomocí olejových barev na dřevě jako vybrané médium. Rafael ve skutečnosti vykazoval pokročilé prvky manierismu a barokní techniky v tomto obraze.

Stylizované a konturované pózy dolních polovin postav naznačují manierismus. Dramatičnost uvnitř těchto postav a liberální použití světla a tmy, nebo kontrastů jasnost-šero, reprezentují barokní období s přehnaným pohybem pro vytvoření dramatu, napětí, nádhernosti nebo osvětlení. Ve skutečnosti se Proměnění předběhlo svému času, stejně jako smrt Rafaela, která přišla příliš brzy.

Toto dílo by bylo posledním obrazem Rafaela, který by na něm pracoval až do své smrti v dubnu 1520.

Údržba obrazu v letech 1972 až 1976 ukázala, že pouze některé z dolních levých postav byly dokončeny asistenty, zatímco většina obrazu byla od samotného umělce.

#3 Poslední soud - Michelangelo

Poslední soud od Michelangela se nachází na zdi za oltářem v Sixtinské kapli. Jeho zobrazení Druhého příchodu Krista v "Posledním soudu" okamžitě vyvolalo pobouření ze strany katolické církve během protireformace.

Michelangelo měl namalovat konec času, začátek věčnosti, kdy to smrtelné se stává nesmrtelným, když se vyvolení setkávají s Kristem v jeho nebeském království a prokletí jsou vrženi do nekonečných muk pekla.

Žádný umělec v 16. století Itálie nebyl lépe postaven pro tuto úlohu než Michelangelo, jehož poslední dílo potvrdilo jeho reputaci jako největšího mistra lidské postavy, zvláště nahého muže. Papež Pavel III. si toho byl vědom, když obvinil Michelangela, že znovu namaloval zeď oltáře kaple Posledním soudem. S jeho zaměřením na vzkříšení těla to bylo ideální téma pro Michelangela.

Silná kompozice se soustředí na dominantní postavu Krista, zachycenou v okamžiku před vyhlášením pravomoci Posledního soudu.

Jeho klidné a mocné gesto jakoby přitahovalo pozornost a uklidňovalo obklopující vzrušení. Na obrázku začíná široký pomalý rotační pohyb, kterého se účastní všechny postavy. Vyřazeny jsou dvě horní lunety se skupinami andělů nesoucích v letu symboly Umučení (vlevo Kříž, hřebíky a koruna z trní; vpravo sloup bičování, schody a kopí se houbou namočenou v octě).

Ve středu dolní části jsou andělé Apokalypsy, kteří probouzejí mrtvé zvukem dlouhých trumpets. Vlevo povstávající oživení získávají svá těla, zatímco stoupají do nebe (Vzkříšení těla), vpravo andělé a démoni bojují o shazování prokletých do pekla. Nakonec v pozadí Caronte se svými vesly, spolu se svými démony, vyhnává prokleté z jejich lodě, aby je dovedl před infernálního soudce Minose, jehož tělo je obklopeno spirálami hada.

Odkaz na tuto část k Peklu od Božské komedie Danta Alighieriho je jasný. Kromě chvály Poslední soud také vyvolal násilné reakce mezi současníky. Například mistr ceremonií Biagio da Cesena řekl, že "bylo velmi neslušné v tak úctyhodném místě malovat tolik nahých postav, které tak neslušně ukazují své hanby a že to nebylo dílo pro papežskou kapli, ale pro kamna a hospody" (G. Vasari, Le Vite). Kontroverze, které pokračovaly po mnoho let, vedly v roce 1564 k rozhodnutí Kongregace Tridentského koncilu zakrýt některé postavy v Soudě, které byly považovány za "obscénní".

Úkol namalovat závěsy krytu, tzv. "braghe" (kalhoty), byl svěřen Daniele da Volterra, od té doby známému jako "braghettone". Danieleho "braghe" byly pouze první, které byly realizovány. Ve skutečnosti bylo v následujících staletích přidáno další.

#4 Kristus nese kříž - El Greco

Během svého dlouhého působení ve Španělsku vytvořil El Greco množství obrazů Krista nesoucího kříž. Kristus nese kříž je obraz dokonalé lidskosti. Dílo se vyznačuje charakteristickými tahy štětce, pomocí kterých malíř používá barvu k modelování objemů a deformuje postavy, aby odrážely duchovní touhu postavy.

El Greco maluje oči Krista s dramatickými a přehnanými slzami. Jeho oči jsou klíčovým prvkem obrazu, neboť vyjadřují mnoho emocí.

Mezi jeho robustními rameny a ženskou krásou jeho rukou existuje jemný kontrast. Nicméně na jeho tváři nejsou žádné znaky bolesti. Stejně jako jeho pasivní ruce nevyjadřují úzkost ani snahu nést kříž.

El Greco transformoval obraz Krista, trpícího a bolavého pod těžkým křížem, na takového, který je klidný a připraven čelit svému osudu. Kristova klidná tvář před jeho obětí zve diváka, aby přijal svůj vlastní osud v okamžicích strachu a pochybností. 

#5 Ukřižovaný Kristus - Diego Velázquez

Tento intenzivně mocný obraz Ježíše na kříži byl namalován během kreativního období, které následovalo po první inspirativní cestě Velázqueze do Itálie. Na rozdíl od jeho dalších mužských nahých postav, které se objevily v obrazech jako Apollo v Kovářství Vulcana a Tuniky Josefa, jeho Kristus na kříži je mrtvé nebo umírající tělo, které není doplněno žádnými dalšími narativními prvky kromě samotného kříže. Přesto se umělci podařilo této práci dodat velkou důstojnost a klid.

Předpokládá se, že dílo bylo objednáno pro sakristii Kláštera San Plácido, striktní postoj Ukřižovaného Krista prezentuje čtyři hřebíky, nohy spolu a zřejmě podepřené malou dřevěnou římsou, což umožňuje, aby se paže vytvořily jemnou křivku, namísto trojúhelníku. Hlavu zdobí aura, zatímco tvář spočívá na prsou, což nám dovoluje nahlédnout do jeho rysů. Jeho hladké a hebké vlasy visí na pravé straně jeho tváře, jeho cesta je vyznačena krví, která kapá z rány na jeho pravé straně.

Obraz je neobvykle autobiografický v tom smyslu, že ilustruje všech hlavní vlivy na malbu Velázqueze. Začněme vzpomínat na modlitbový tón a ikonografii obrazů, které absorboval během svých prvních let v Seville pod Francisco Pacheco, aktivním členem španělské inkvizice.

Za druhé, odráží jeho schopnost v malbě postav získanou ve Španělsku zkoumáním umělců španělské renesance a, v Itálii, umění klasické antiky, umění vrcholné renesance v Římě a Benátkách, a díla Caravaggia v Římě a Neapoli. 

Vliv klasicismu v díle se projevuje v obecné klidnosti těla a jeho idealizovaném postoji. Vliv caravaggismu se projevuje v dramatickém tenebrisimu, který soustředí veškerou pozornost na bledé tělo Krista.

Je pravda, že obraz nemá dramatismus typický pro barokní malbu, který se nachází v náboženských dílech jako Ukřižování svatého Petra nebo Sestoupení z kříže. Naopak má monumentální sochařskou kvalitu, která ho povyšuje, v souladu se spiritualitou tématu. Kompozice je naprosto jednoduchá, ale s živým kontrastem mezi bílým tělem a tmavým pozadím, a existuje naturalismus v tom, jak Kristova hlava padá na jeho hruď. Zmatek je malován volně, což Velázquez pozoroval a obdivoval přímo na příkladech benátské malby.

Velázquez si vysloužil reputaci jedné z nejlepších portrétních maleb ve Španělsku, stal se oficiálním malířem Felipe IV. (vládl mezi lety 1621 a 1640) a v konečném důsledku se stal největším představitelem španělské malby barokního období. Nicméně, i přes to, že náboženské umění mělo ve Španělsku zvláštní význam, země, jejíž vládnoucí monarchie se pyšnila tím, že je jedním z hlavních mecenášů umění katolické protireformace, Velázquez namaloval relativně málo významných náboženských obrazů.

Naopak umělec maloval svět, který viděl kolem sebe, specializoval se na umění portrétu, nějaké žánrové malby (bodegones) a občasné historické malby. Ironií je, že vzhledem k nedostatku jeho náboženských děl byl více ovlivněn italským géniem Caravaggiem, který se vyznačuje svým biblickým uměním, provedeným v agresivně realistickém stylu. Velázquez byl také silně ovlivněn ideami italské renesance, které získal od svého sevillského mistra, Francisca Pacheca.

 

#6 Kristus nese kříž - Tiziano 

Kolem roku 1508 nebo 1509, Tiziano namaloval olej, který je známý jako Kristus nese kříž. Skutečné původy obrazu jsou poněkud tajemné, a dokonce i někteří historici umění ji občas připisovali jinému italskému malíři, Giorgionemu. Oba malíři patřili do cechu umělců spojeného se školou a církví, oba působili ve stejné době a místě, a je pravděpodobné, že dílo bylo namalováno výslovně pro institucí. Dalším tajemstvím olejového obrazu je, že se říkalo, že má zázračné uzdravovací schopnosti, o kterých se psalo v mnoha historických narativech. Poutníci se modlili v kostele na bočním oltáři, kde byl obraz zavěšen, a informovali, že byli uzdraveni z nemocí.

Obecný nálad díla je ponurý a temný. Nejasnější barvy jsou mdlé tělové tóny, a paleta je dominována několika odstíny hnědé. Na téměř černém pozadí se Kristus objevuje ze strany, nesoucí kříž na rameni. Zatímco se dívá vlevo, naštvaně vypadající kat utahuje provaz kolem jeho krku, a další postava mírně za katem se dívá dovnitř do scény. Kompozice má styl, který byl v té době inovativní, pohled zblízka, který se vyhnul perspektivě a hloubce ve prospěch intimity a detailu. Pro Tiziana charakteristicky je obraz plný akce a klid se zdá daleko pro zobrazené postavy.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Tento známý obraz, přesto zůstává velmi přitažlivý, již není považován za dílo Leonarda da Vinci a ztratil své místo mezi naším seznamem 100 nejznámějších obrazů v historii.

Původně se myslelo, že Salvator Mundi namaloval Leonardo da Vinci pro krále Ludvíka XII. Francouzského a jeho partnerku, Anu Bretanská.  Dnes experti zpochybňují připsání obrazu italskému mistrovi, i přes to, že se prodal na aukci v listopadu 2017 za 450 312 500 dolarů, rekordní cenu za dílo umění.

Salvator Mundi býval součástí našeho seznamu známých obrazů, ale uvolnil své místo dalšímu obrazu, o kterém veřejnost a naši umělci hlasovali.

#8 Učení z Emaús - Caravaggio

 

Toto dílo mistra Caravaggia je také známé jako Pouť našeho Pána do Emaús nebo jednoduše Večeře v Emaús. Obraz ukazuje okamžik, kdy si dva apoštolové, kteří ho doprovázejí, uvědomí, že ten, kdo s nimi celý den mluvil, byl jejich milovaný mistr.

Namáčeno na vrcholu slávy umělce, Učení z Emaús je jedním z nejpůsobivějších náboženských obrazů v historii umění. V tomto obraze Caravaggio brilantně zachycuje dramatický vrchol okamžiku, právě v minutě, kdy apoštolové náhle pochopí, kdo byl před nimi od samého začátku. Jejich jednání a přirozená reakce předávají jejich dramatické úžas: jeden se chystá vyskočit ze židle, zatímco druhý rozprostře ruce v gestu neuvěření. Drsná iluminace zdůrazňuje intenzitu celé scény.

V díle Caravaggio ukazuje apoštoly jako obyčejné pracovníky, s vousatými, pomačkanými tvářemi a hadrovými šaty, na rozdíl od mladého Krista bez vousů, který vypadá, jako by přicházel z jiného světa.

Na několika místech jsou skryta některá tajemství. V díle umělec skryl velikonoční vajíčko, například. Stín vržený košíkem ovoce na stole také vypadá, že zobrazuje rybu, což by mohlo být narážkou na velký zázrak.

A jsou v této mistrovské práci skryty další poklady. Někdy není vada vadou, ale geniální zásahem. Vezměme si například látku košíku z proutí, která se houpá na okraji stolu uprostřed obrazu.

I když nespočet očí obdivovalo tajemný dramat, který se odehrává v temném interiéru této hostince, smysl téměř neznatelné nedokonalosti dosud ve stáří unikl.

Uvolněná větvička, vyčnívající z pleteného tkaní, promění slavné plátno Caravaggia na odvážný akt, duchovní výzvu pro pozorovatele.

Abychom ocenili všechny implikace tohoto malého detailu, stojí za to vzpomenout na kontury obecného prostředí, které Caravaggio ve svém díle evokoval.

Téma Večeře v Emaús je něčím, co inspirovalo velké mistry historie, od Rembrandta po Velázqueze. Klíčový okamžik je popsán v evangeliu podle Lukáše v Novém zákoně. Tam je vyprávěn příběh o intimní večeři Krista se dvěma apoštoly, Lukášem a Kleofášem, kteří ignorují pravou identitu společníka. V obraze je chléb již rozdrcen a požehnán, a podle vyprávění evangelia nastal čas, aby Kristus "otevřel" oči svých následovníků a zmizel "z jejich pohledu".

Mástrství zachycuje mystický práh mezi stíny a světlem, magickou sekundu předtím, než Kristus, který je obklopen siluetou cizince za ním, zmizí ze světa. V tom nepopsatelném okamžiku mezi odhalením a zmizením, Caravaggio weaves svou nit, mistrovské setkání mezi dvěma světy.

Když se pravda odhalí, strýc Krista, Kleofáš, se zvedá ze židle, pohlcen panikou a úžasem tváří v tvář odhalení: jeho lokty se dynamicky zvedají skrze rukávy jeho kabátu.

Na druhé straně proutěného košíku, vpravo, Lukáš rozprostírá ruce dokořán, jako by požadoval neuvěřitelnost scény, kreslí stejnou postavení na kříži v okamžiku jeho bolestivé smrti. Mezitím je hostinský klidný, sleduje bez pochopení, zatímco poslouchá slova, která Kristus pronesl svým udiveným apoštolům, neschopen zachytit význam přelomového okamžiku pro lidstvo.

Učení z Emaús obsazuje místo č. 82 na seznamu známých obrazů 

#9 Kristus Pantokrátor

Kristus Pantokrátor je dřevěný panel namalovaný, který pochází ze 6. století z kláštera svaté Kateřiny v Sinaji, Egypt. Tento obraz je považován za jeden z nejstarších byzantských náboženských ikon a je nejstarším známým dílem ve stylu pantokrátor.

Malý panel má výšku 84 cm, šířku 45,5 cm a hloubku 1,2 cm. Předpokládá se, že původně byl obraz větší, ale byl zkrácen v horní části a po stranách v nějakém okamžiku, z neznámých důvodů, aby vytvořil současné rozměry. Na díle je zobrazen Kristus oblečený v purpurovém plášti.- barva běžně vybíraná pro reprezentaci statusu císaře a království. Tato volba barvy pro jeho plášť je symbolem jeho postavení a významu. Kristus je zobrazen, jak zvedá levou ruku na znak požehnání a s pravou rukou drží knihu.

Předpokládáme, že tato kniha je pravděpodobně evangelium, protože je zdobena křišťálovými šperky ve tvaru kříže. Obraz je záměrně asymetrický, aby symbolizoval dvojí povahu Krista. Levá strana Krista je symbolem jeho lidské přirozenosti s jeho rysy zobrazenými jako mnohem jemnější a lehčí. Zatímco pravá strana Krista symbolizuje jeho božství s jeho přísným pohledem a intenzivními rysy. Oči samotné jsou různých tvarů a velikostí, stejně jako vlasy na levé straně jsou sebrány za jeho ramenem.

Jedna z nejdůležitějších křesťanských ikon je Kristus Pantokrátor. Tento obraz zobrazuje Ježíše jako suverénního vládce světa. Kristus Pantokrátor byl jednou z nejstarších obrazů Ježíše a objevuje se na prominentních místech jeskynních kostelů.

Slovo Pantokrátor znamená "Všemohoucí". V řecké verzi Starého zákona (LXX) je slovo pantokrátor překladem "Pána zástupů" a "Boha Všemohoucího". V knize Zjevení se pantokrátor objevuje devětkrát jako titul, který zdůrazňuje svrchovanost a moc Boha.

Ikona Kristus Pantokrátor zdůrazňuje všemohoucnost Ježíše, jeho moc, aby dělal cokoliv. Ježíš je "Vládcem všeho", který drží všechno. Symbolika Krista Pantokrátora (vysvětlená níže) je inspirována římským císařským zobrazováním, aby projikovala svou suverénní moc. První křesťané používali kulturní symboly, aby deklarovali moc suverénního vzkříšeného Krista.

Kromě toho umístění Krista Pantokrátora v apsidě (stěna předního svatyně) také má teologický význam. Byzantské kostely měly model římské baziliky, prostoru krále pro slavení soudu. Apsida byla místem autority, kde seděl vládnoucí činitel. Umístění Ježíše v apsidě prohlašuje, že je legitimním vládce a svrchovaným soudcem všeho. 

Křesťané začali vizuálně reprezentovat Ježíše koncem 300. let, když už neexistovala hrozba pronásledování. Tyto první obrazy představovaly Ježíše jako stoického muže sedícího na trůně s pergamenem. V 600. letech se Kristus Pantokrátor objevil jako zjednodušení této rané podoby. Vzhled Krista Pantokrátora se za posledních 1500 let sotva změnil.

Většina prvních obrazů Ježíše byla zničena během ikonoklastické kontroverze.

#10 Kristus svatého Jana křížete

Bezpochyby nejpopulárnějším náboženským dílem Dalího je jeho "Kristus svatého Jana kříž", jehož postava dominuje zálivu Port Lligat. Obraz byl inspirován náčrtem, zachovávaným v klášteře Zasvěcení v Ávile, Španělsko, a vytvořeným samotným svatým Janem křížem po tom, co viděl tuto vizi Krista během extáze. Osoby poblíž lodi pocházejí z obrazu Le Nain a z náčrtu Diega Velázqueze pro Surrender of Breda.

Na úpatí jeho studií pro Krista napsal Dalí: "Nejdříve, v roce 1951, jsem měl kosmickou vizi, v níž jsem viděl tento obraz v barvách a že v mé vizi představoval jádro atomu. Toto jádro později nabylo metafyzického významu: Krista jsem považoval za 'jednotu sama vesmíru'! Za druhé, díky instrukcím otce Bruna, karmelita, jsem viděl Krista, kterého nakreslil svatý Jan kříž, geometricky jsem vypracoval trojúhelník a kruh, které esteticky shrnovaly všechny mé předchozí experimenty, a zapsal jsem svého Krista do tohoto trojúhelníku".

Toto dílo bylo považováno za banální důležitým kritikem umění, když bylo poprvé vystaveno v Londýně. 

Obraz byl jednou z nejvíce kontroverzních nákupů, které učinil Dr. Tom Honeyman, tehdejší ředitel Glasgow Museums. Nyní je široce uznáváno, že Dr. Honeyman učinil velmi chytré rozhodnutí, když navrhl tehdejší Glasgow Corporation, aby město zakoupilo obraz.

Honeyman nejenže získal obraz za nižší cenu než katalog, ale také koupil autorská práva k dílu od Salvadora Dalího, čímž zajistil dlouhodobý odkaz na koupi.

Nicméně, zpočátku obraz nebyl dobře přijat všemi, a studenti Glasgow School of Art tvrdili, že by peníze mohly být použity na nákup děl skotských nebo glasgowských umělců.

Po vystavení v Kelvingrove v roce 1952 přitahoval Dalí masivně návštěvníky.

Obraz v kolekci Glasgow Museums nebyl bez dramatu, neboť byl dvakrát poškozen, nejvíce slavně, když byl plátno vážně roztrženo návštěvníkem, který držel ostrý kámen. Kurátoři Kelvingrove byli schopni obraz opravit do takové míry, že je nyní poškození jen těžko viditelné.

Více než 60 let po jeho původním nákupu se trvalá přitažlivost obrazu nejeví jako klesající a nyní je jednou z nejpopulárnějších výstav muzea.

KUADROS ©, slavný obraz na tvé zdi.