Základy historie umění se datují na desítky tisíc let, kdy starověké civilizace používaly techniky a prostředky dostupné k reprezentaci kulturně významného tématu. Z těchto prvních příkladů sledovaly mnoho uměleckých hnutí, z nichž každá měla vlastní různé styly a vlastnosti, které odrážejí politické a sociální vlivy období, ze kterého vzniklo.
Co znamená fauvismus a co je to koncepční umění? Mluvit o umění se zdá být samo o sobě disciplína a pokud jste ve světě umění noví, pravděpodobně máte mnoho otázek, zejména o každém hnutí v umění a různých typech umění.
Vlivné umělecké žánry, od renesance po vznik modernismu, nepochybně nechaly svou známku v historii.
Máme jasné pojmy o historii a důležitosti jejích uměleckých hnutí, budeme mít jasnější pochopení toho, jak slavní umělci jako Van Gogh, Picasso a Warhol revolucionizovali svět umění.
Kadros pro vás vytvořil seznam nejdůležitějších pohybů.
Italská renesance č. 1 (1400–1550)
Někteří exponenti: Gibertiho dveře, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Ke konci čtrnáctého století d. C., hrstka italských myslitelů prohlásila, že žili v nové éře. Barbara, ne osvětlená „středověk“ skončila; Nový by byl „rinintità“ („renesance“) učení a literatury, umění a kultury. To bylo narození období, které se nyní známé jako renesance. Po staletí se učenci shodli, že italské znovuzrození (další slovo pro „znovuzrození“) se stalo přesně tímto způsobem: že mezi čtrnáctým a sedmnáctým století, nový a moderní způsob myšlení o světě a místo člověka v něm v něm Nahradil staré myšlenky. Ve skutečnosti mnoho vědeckých, uměleckých a kulturních úspěchů sdílí renesanční problémy, zejména humanistické přesvědčení, že člověk byl středem svého vlastního vesmíru.
Italská renesance v kontextu Itálie patnáctého století se lišila od jakéhokoli jiného místa v Evropě. Byl rozdělen do nezávislých měst, každá s jinou formou vlády. Florence, kde začalo italské znovuzrození, byla nezávislá republika. Byl to také bankovní a komerční kapitál a po Londýně a Konstantinopoli třetí největší město v Evropě. Bohatí Florentines vychloubali své peníze a byli schopni stát se patronem nebo příznivci umělců a intelektuálů. Tímto způsobem se město stalo kulturním centrem Evropy a renesance.
Lze říci, že renesance byla rozdělena do dvou částí:
Během časného znovuzrození umělci začali odmítnout byzantský styl náboženského malby a snažili se vytvořit realismus ve své reprezentaci lidské formy a prostoru. Tento cíl vůči realismu začal Cimabue a Giottem a dosáhl svého vrcholu v umění „dokonalých“ umělců, jako jsou Andrea Mantegna a Paolo Uccello. Zatímco náboženství bylo důležitým prvkem v každodenním životě lidí, kteří žili během renesance, vidíme také novou trasu otevřenou po dechu: mytologické téma. Mnoho učenců poukazuje na Narození Venuše z botticelli jako prvního panelu malování mytologické scény.
Období známé jako vysoké znovuzrození představuje vyvrcholení cílů raného znovuzrození. Nejlepší -známí umělci této fáze jsou Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano a Miguel Ángel. Jeho obrazy a čerstvé patří mezi nejznámější umělecká díla. Poslední večeře Da Vinci, Aténská škola Rafael a obrazy střechy Sixtinské kaple Miguela Ángel jsou mistrovskými díly tohoto období a ztělesňují prvky vysoké renesance.
Kupte si reprodukci Lisy Mona v internetovém obchodě Kadros
Č. 2 Barocco (1600–1750)
Někteří exponenti: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Barokní termín nakonec pochází z italského slova Barocco, které filozofové používali ve středověku k popisu překážky ve schématické logice. Následně přišlo slovo označit jakoukoli zkroucenou myšlenku nebo proces myšlení. Dalším možným zdrojem je barokní portugalské slovo (španělský Barrueco), které se používá k popisu nepravidelné nebo nedokonalé perly, a toto použití stále přežívá v barokním perlovém období klenotníka. Baroko je hnutí v umění a architektuře vyvinuté v Evropě od začátku sedmnáctého století do poloviny do poloviny do poloviny 18. století. Zdůrazňuje dramatický a přehnaný pohyb a jasný a snadno interpretatelný detail, který zdaleka není surrealismus, produkovat drama, napětí, nadšení a velikost.
První projevy, které se vyskytly v Itálii, datují od posledních desetiletí 16. století, zatímco v některých regionech, zejména v Německu a koloniální Jižní Americe, k určitým vyvrcholením baroka nedošlo až do 18. století.
Umělci nadále oživili ideály krásy renesance a vnášeli do díl umění, hudby a architektury doby, kdy se mrknutí oživilo k klasicismu ještě více vylepšené novou bujnou extravagancí a sklonem pro ozdobu. Tento vysoce zdobený styl byl vytvořen jako barokní a byl charakterizován svými inovativními technikami a detaily, nabízející nový a svěží vizuální jazyk v tom, co bylo pro umění relativně oslabené. Barokní se šířil po celé Evropě, režírovaný hlavně papežem v Římě a katolickými vládci v Itálii, Francii, Španělsku a Flanders. Ještě více se šířila pomocí silných náboženských řádů prostřednictvím své rozsáhlé sítě klášterů a klášterů. Styl se rychle rozšířil na Francii, severní Itálii, Španělsko a Portugalsko, poté do Rakouska a jižního Německa.
Barokní styl, který se vyvinul z tohoto programu, byl paradoxně, smyslný a duchovní; Zatímco naturalistické zacházení způsobilo, že náboženský obraz byl přístupnější průměrnému farníkovi, dramatické a iluzorní účinky byly použity ke stimulaci zbožnosti a oddanosti a přenosu dojmu nádhery božského. Střechy barokních církví se rozpustily v malovaných scénách, které představovaly pozorovateli živé vize nekonečna a nasměrovaly smysly k nebeským obavám.
Zatímco téma a dokonce i styl se mohou lišit mezi barokními obrazy, většina kusů tohoto období má společnou věc: drama. V práci malířů známých jako Caravaggio a Rembrandt, zájem o drama se zhmotňuje jako intenzivní kontrasty mezi sálavým světlem a bezprostředními stíny.
Ten velký učitel katolické oblasti, z velké části ovládající Španělové, byl malíř Peter Paul Rubens, jejichž bouřlivé diagonální kompozice a široké postavy úplné krve jsou ztělesněním barokní barvy. Elegantní portréty Anthonyho Van Dycka a robustní figurativní díla Jacoba Jordaense emulovaly příklad Rubense. Umění v Nizozemsku bylo podmíněno realistickým vkusem jejich dominantních vzorců střední třídy, a proto jak nespočetný žánr, tak krajinní malíři této země a impozantní učitelé, jako jsou Rembrandt a Frans Hals, zůstali v důležitých aspektech nezávisle na stylu barokní . Baroque však měl pozoruhodný dopad na Anglii, zejména v církvích a palácích navržených sirem Christopherem Wrenem a sirem John Vanbruch.
Stejně jako sochy renesance, včetně ikonického Davida z Miguela Ángel, byly barokní sochy často určeny k ozdobení majestátních budov. Byli také pověřeni dalšími skvělými scénáři, jako jsou interiéry zlatých kostelů a skutečné zahrady.
Poslední barokní kvetení byl převážně katolický Roman v jižním Německu a Rakousku, kde se rodící architekti oddělili od italských stavebních modelů ve 20. letech 20. století.
Kupte si reprodukci Meninas v internetovém obchodě Kadros
Č. 3 Realismus (1848–1900)
Někteří exponenti: Corot, Court, Daumier, Millet.
Realismus, v umění, přesné, podrobné reprezentace a bez ozdob přírody nebo současného života. Realismus odmítá imaginativní idealizaci ve prospěch pečlivého pozorování vnějších vzhledů. Realismus v jeho širokém smyslu jako takový pokrýval mnoho uměleckých proudů v různých civilizacích. Například ve vizuálním umění lze realismus nalézt ve starověkých helénistických řeckých sochách, které přesně zobrazují boxery a staré detrepy. Práce malířů 17. století, jako je Caravaggio, malíři nizozemského žánru, španělských malířů José de Ribera, Diego Velázquez a Francisco de Zurbarán a bratři Le Nain ve Francii jsou realistický přístup. Díla anglických romanopisců z 18. století Daniel Defoe, Henry Fielding a Tobias Smollett mohou být také nazývány realistickými.
Realismus vznikl ve Francii v 50. letech 20. století. Ihned po revoluci z roku 1848, událost, která v zemi zavedla „právo na práci“, zavedla hnutí myšlenku průměrného, dělnického třídy, současných scénářů, současných scénářů a každodenních scén a každodenních scén jako slušná umělecká témata.
Realismus se rozšířil po celé Evropě, od Ruska Alejandra II po Velké Británii královny Viktorie, od Německa Guillermo I po Itálii Risorgimento a od říše Habsburg do Skandinávie a zemí za nimi. Rok 1855 byl významný při zřízení realismu v Evropě.
Gustave Coubet Často se považuje za hlavní postavu realismu. Položil základy hnutí ve 40. letech 20. století, když začal zobrazovat rolníky a dělníky. Skutečnost, že je Courbet neoslavil, ale že je odvážně představil a vážně vytvořil násilnou reakci ve světě uměleckého světa.
Styl a vydaná práce Courbet byla postavena v poli, které již byly zlomeny malíři školy Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet a další na počátku 30. let byly založeny ve francouzském městě Barbizon s cílem věrně reprodukovat místní charakter krajiny.
Obrázkový realismus mimo Francii byl možná lépe zastoupen v 19. století ve Spojených státech. Tam jsou silné a expresivní obrazy Winslow Homera o portrétech a portrétech, navigačních scénách a dalších dílech Thomase Eakina upřímné, neatraktivní a velmi pozorované záznamy o současném životě. Realismus byl v umění dvacátého století odlišným proudem a byl obecně odvozen z touhy umělců představit upřímnější, upřímnější a bez idealizace názorů na každodenní život nebo jejich pokusy použít umění jako vozidlo pro kritiku pro kritiku sociální a politické .
Hrubé, nastíněné, téměř žurnalistické scény městského života se švem skupiny amerických malířů známých jako osm (8) pád v první kategorii. Německé umělecké hnutí známé jako Neue Sachlichkeit. Socialistický realismus, oficiálně sponzorovaný v Sovětském svazu, použil naturalistické idealizační techniky k vytvoření portrétů neohrožených pracovníků a inženýrů, kteří byli překvapivě podobný jak v jejich hrdinském pozitivismu, tak v nedostatku skutečné důvěryhodnosti.
Realismus navíc přímo inspiroval důležité pohyby současného umění, jako je fotorealismus a hyperrealismus. Na základě pozoruhodně moderního přístupu realismu tyto žánry demonstrují trvalý a evoluční odkaz inovativního hnutí.
Kupte si reprodukci Spimatorů v internetovém obchodě Kadros
Č. 4 Impresionismus (1865–1885)
Někteří exponenti: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Francouzský impresionismus je důležitým hnutím, nejprve v malbě a poté v hudbě, které se vyvinulo hlavně ve Francii na konci 19. a počátku dvacátého století. Nejpozoruhodnější charakteristikou impresionismu v malbě byl pokus přesně a objektivně se zaregistrovat k realistickým reprezentacím prchavých dojmů jejich okolí, které byly často venku. V hudbě to mělo přenést nápad nebo efekt zvukovým praním namísto přísné formální struktury.
Na konci 60. let 20. století, umění Manet Odráží to novou estetiku, která by měla být vodicí silou v impresionistickém díle, ve kterém byla snížena význam tradičního tématu a pozornost se přesunula k manipulaci s barvou, tónem a texturou umělce. Končí to samy o sobě.
V roce 1874 skupina umělců nazvala malíře, sochaře, rekordéry atd. Organizoval výstavu v Paříži, která zahájila hnutí zvané Impresionismus. Mezi jeho zakládající členy patřili mimo jiné Claude Monet, Edgar Degas a Camille Pissarro. Skupina provedla svou první show, nezávislou na oficiální síni Francouzské akademie, která neustále odmítla většinu svých děl. Monetova malba Rostoucí sluneční tisk (1872) jim vydělal původně zesměšňující jméno „impresionisty“ novináře Louise Leroye, který v roce 1874 napsal v satirickém časopise Le Charivari. Umělci brzy přijali jméno jako popis jejich záměru přesně předat „vizuální dojmy“. Zatímco konzervativní kritici kritizovali svou práci za jejich neúplný vzhled a načrtnutí, nejprogresivnější spisovatelé ho ocenili za jeho popis moderního života. Edmond Durantty například ve své eseji z roku 1876 Nouvelle Peinture (nový obraz) psal o jeho reprezentaci současného tématu v adekvátně inovativním stylu jako revoluce v malbě.
Od svého pojetí byl impresionismus definován souborem charakteristik. Patří mezi ně: obrazové štětce, výrazné barvy, reprezentace běžných otázek, zaměření na světlo a kompozice inspirované fotografií.
V polovině -18. let se impresionistická skupina začala rozpouštět, když každý malíř stále více pronásledoval své vlastní estetické zájmy a principy. Ve své krátké existenci však dosáhl revoluce v dějinách umění a poskytl technický výchozí bod pro post -immpresionistické umělce Cézanne, Plynu, Paul Gauguin, Vincent van Gogh a Georges Seurat a uvolňující všechny zadní západní malby tradičních technik. a přístupy k předmětu.
Dědičnost a přítomnost impresionismu dnes
Jako výchozí bod modernismu přirozeně ovlivnil impresionismus mnoho následných hnutí. Postimpresionisté přijal svůj obrazový štětcem; Abstraktní expresionisté našli inspiraci v nekonvenčním přístupu k podobě Monet;; A mnoho současných umělců dokonce i nadále pracuje ve stylu neompít.
Koupit reprodukci ženy s deštníkem v internetovém obchodě Kadros
Č. 5 Post -impresionismus (1885–1910)
Někteří exponenti: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -impresionismus je termín používaný k popisu reakce v 80. letech 20. století proti impresionismu. Režíroval ji Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh a Georges Seurat. Post -impresionisté odmítli obavy z impresionismu o spontánní a naturalistické reprezentaci světla a barvy.
Všichni tito malíři, kromě Van Gogha, byli Francouzi a většina z nich začala jako impresionisté; Každý z nich opustil styl, aby si vytvořil své vlastní vysoce osobní umění.
Stejně jako impresionisté zdůraznili umělost obrazu. Post -impresionisté také věřili, že barva může být nezávislá na formě a složení jako emocionální a estetický nositel významu. Jak impresionismus, tak post -impresionismus zahrnují některá z nejslavnějších moderních uměleckých děl, jako například Monetové vodní lilie, řada vodních krajin a Hvězdná noc Autor: Van Gogh.
Post -impresionisté sdíleli svou práci s veřejností prostřednictvím nezávislých výstav po celé Paříži. V roce 1910 prominentní umělecký kritik, historik a kurátor Roger Fry vytvořil termín „post -impressionismus“ svou show, Manet a post -immpresionists. Stejně jako samotní poimpresionisté, Fry věřil, že krása umění je ze své podstaty zakořeněna ve vnímání. „Umění je výraz a podnět pro imaginativní život místo kopie skutečného života,“ vysvětluje Fry v eseji v estetice.
Jak vysvětlil Fry, post -impressionisté věřili, že umělecké dílo by se nemělo točit kolem stylu, procesu nebo estetického přístupu. Místo toho musíte zdůraznit symboliku a komunikovat zprávy z podvědomí umělce.
Post -impresionisté často vystavovali společně, ale na rozdíl od impresionistů, kteří začali jako velmi sjednocená a srdečná skupina, malovali hlavně sami. Cézanne maloval izolovaně v aix-en-provence v jižní Francii; Jeho osamělost byla spojena s nohou Paula Gauguina, který byl v roce 1891 nainstalován na Tahiti, a Van Gogh, který maloval na poli v Arles. Gauguin i Van Gogh odmítli lhostejnou objektivitu impresionismu ve prospěch osobního duchovního vyjádření.
„Jaká hluboká a tajemná barva!
Na rozdíl od impresionistů, kteří se snažili zachytit účinek přirozeného světla na odstín, post -impressionisté používali záměrně umělou barevnou paletu jako způsob, jak vykreslit jejich vnímání světa, který je obklopoval. Ve většině postimpresistických obrazů jsou patrné nasycené tóny, vícebarevné stíny a bohaté barevné rozsahy, což prokazuje inovativní a imaginativní přístup umělců pro reprezentaci.
Obecně se post -impresionismus vzdálil od naturalistického přístupu a šel ke dvěma hlavním pohybům umění na počátku dvacátého století, které jej nahradilo: kubismus a fauvismus, který se snažil vyvolávat emoce barvou a linií.
Koupit reprodukci hvězdy v internetovém obchodě Kadros
Č. 6 Fauvismus a expresionismus (1900–1935)
Malování umístěné v hustých barvách, které vycházejí ze stránky a antinatural tóny: fauvismus a expresionismus jsou dva pohyby, které tyto vlastnosti daly život. Jaký je tedy rozdíl mezi nimi, pokud je lze popsat stejným způsobem? Nejprve vysvětlíme fauvismus a expresionismus sami.
Fauvismus
Někteří exponenti: Matisse, derain, signac
Fauvismo zabavil uměleckou scénu v letech 1905 až 1910, víceméně, a je charakterizován intenzivní barvou a odvážnými štětcem. V některých případech umělci tohoto období aplikovali barvu přímo z láhve. Barvy nemusely být nutně věrné přírodě. Mohli by se změnit, aby ukázali emoce. Vybrali si jednoduché problémy, a proto se zdálo, že obrazy jsou téměř abstraktní. Umělecký kritik Louis Vauxcelles vytvořil tento termín poté, co popsal práci Henri Matisse a Andre Deraina, jako jsou „Les Fauves“ nebo zvířata během výstavy z roku 1905 v obývacím pokoji D'Am AUTRENE v Paříži. Práce na výstavě Matisse a Derainu byla plná nenaturalistických barevných možností a divokých skvrn na plátně. Byl by to začátek fauvismu.
Umělci fauvismu se hluboce zajímali o vědeckou teorii barvy devatenáctého století. Konkrétně, s použitím doplňkových barev, Fauvistas pochopil, jak učinit barvy, aby vypadaly jasnější a odvážné, aby tyto teorie začlenily.
Henri Matisseho malba „Žena s kloboukem“. Bylo to kritizováno anti -přirozenými barvami na tváři ženy. Paul Signac (1863-1935) je známý svým bodem. Byl také mentorem Henri Matisse. Puntillismo je technika, kde jsou malé body primárních barev umístěny dohromady. Když se odstěhujete, je kombinován na jediném obrázku. To lze porovnat s pixely na obrazovce počítače. Každý jednotlivý pixel je jiná barva, ale když vidíte mírnou vzdálenost, vytvoří obrázek. Styl bodu Rill ukázal, co mohou umělci dělat s primárními barvami a jak mohou ve své práci použít optické iluze.
Kromě Matisse a Derainu patří mezi dalšími důležitými umělci Fauvistas Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault a Maurice de Vlamicck.
Expresionismus
Někteří exponenti: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Expresionismus je obecný termín pro jakékoli umělecké dílo, které narušuje realitu, aby se shodovala s vnitřními pocity, názory nebo myšlenky umělce. Stručně řečeno, je to umění, které vyjadřuje vnitřní realitu ve vnějším světě. Jedná se o poměrně zobecněnou definici, ale existují určité charakteristiky expresionismu. Zejména barvy používané v expresionismu budou intenzivní a často nenaturalisté, což znamená, že něčí kůže může být natřena modrá místo opálení nebo hnědé. Barva se také často používá ve velkém množství v expresionistickém stylu, který na plátně vytváří spoustu textury.
Expresionismus pocházel z „zevnitř“, což byl odraz umělcových pocitů více než reprezentací scény. Dva vlivní expresionističtí umělci byli Emily Carr a Edvard Munch.
Pokud jde o toto téma, expresionistické umění bývá emocionální a někdy i mýtické za předpokladu, že expresionismus je rozšířením romantismu. Vzhledem k tomu, že expresionismus je tak široký termín, je snadné jej začít připisovat umění kdykoli. Pak se z velké části expresionismus obecně vztahuje na umění dvacátého století. Říká se, že to začalo prací Vincenta Van Gogha a rozšiřuje se na moderní umění, jak to dnes známe.
Hlavními daňovými poplatníky expresionistického hnutí jsou umělci jako Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch a další.
Kupte si reprodukci výkřiku v internetovém obchodě Kadros
Fauvismus lze považovat za podskupinu expresionismu. Expresionismus může zahrnovat tak širokou škálu umění a pohybů, že je téměř nemožné je oddělit za to, že jsou opravdu odlišné. Používají stejné techniky a jsou klasifikovány podle stejných charakteristik a jediným skutečným rozdílem je specifická povaha fauvismu na rozdíl od obecné povahy expresionismu.
Něco, co lze považovat za Fauvista, může být také součástí oblasti expresionismu. Ale něco, co je považováno za expresionistu, nemusí být nutně ve stylu Fauvista. Fauvismus je trochu divoší, ale s zjednodušenějším tématem.
Fauvismus versus expresionismus tedy není jedna věc. Nekonkurují se navzájem, protože jedna je prostě jedna verze druhé.
Č. 7 Cubism (1905–1920)
Někteří exponenti: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubismus, velmi vlivný styl vizuálního umění ve dvacátém století, který vytvořili hlavně umělci Pablo Picasso a Georges Braque v Paříži v letech 1907 až 1914. Styl kubistického stylu zdůraznil byt a dvě --rozměrné povrch roviny roviny obrazu a odmítl tradiční techniky . perspektivy, Scorzo, modelování a jasné a vyvrácení starověkých teorií, které by umění mělo napodobovat přírodu. Kubisté věřili, že tradice západního umění byly vyčerpány a aby revitalizovaly svou práci, uchýlili se k expresivní energii umění jiných kultur, zejména afrického umění.
Kubismus pochází z komentářů kritického Louise Vauxcellese, který v roce 1908 v L'estaque zlikvidoval Braqueovu práci v roce 1908, které se skládaly z kostek. V Braqueově malbě si objemy domů, válcových tvarů stromů a hnědé a zelené schéma pamatují krajinu Paula Cézanneho, které hluboce inspirovaly kubisty v jejich první fázi vývoje (do roku 1909). Byl to však Les Demoiselles d'Avignon, malovaný Picasso v roce 1907, který předstíral nový styl; V této práci se formy pěti ženských aků stávají úhlovým a zlomeným formám.
Je vidět, že kubismus se vyvinul ve dvou různých fázích: počáteční a strohý analytický kubismus a zadní fáze kubismu známá jako syntetický kubismus. Analytický kubismus byl vyvinut v letech 1908–12. Jeho umělecká díla vypadají závažnější a jsou tvořena kombinací letadel a linií v tónech mimo černé, šedé a okrové. Syntetický kubismus je zadní fáze kubismu, obecně se má za to, že pochází z přibližně 1912 do roku 1914 a je charakterizován jednoduššími tvary a jasnějšími barvami. Syntetická kubistická díla také obvykle zahrnují kombinované skutečné prvky, jako jsou noviny. Začlenění skutečných objektů přímo do umění bylo začátkem jedné z nejdůležitějších myšlenek moderního umění.
Zatímco vytvoření tohoto nového vizuálního jazyka je připisováno Picasso a Braque, bylo přijato a vyvinuto mnoha malíři, včetně Fernanda Légera, Roberta a Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes a Jean Metzinger. Ačkoli je to hlavně spojeno s malbou, kubismus také měl hluboký vliv na sochu a architekturu dvacátého století. Hlavními kubistickými sochaři byli Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon a Jacques Lipchitz. Přijetí kubistické estetiky švýcarským architektem Le Corbusierem se odráží ve formách domů, které navrhl během dvacátých let.
Během zimy 1912–13 provedl Picasso velké množství papiálů. S touto novou technikou vložení kusů barevného nebo tištěného papíru do jejich kompozic Picasso a Braque zametli poslední zbytky třírozměrných prostorů (iluzionismus), který stále zůstal v jejich „vysoké“ analytické práci.
Formální osvobozující koncepty iniciované kubismem měly také vysoké následky pro DADA a surrealismus, jakož i pro všechny umělce, kteří sledují abstrakci v Německu, Holandsku, Itálii, Anglii, Spojených státech a Rusku.
Č. 8 Dada a surrealismus (1917–1950)
Dadaista
Někteří exponenti: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Mezinárodní rozsah a rozmanitá umělecká produkce, daný i surrealismus byly uměleckými, literárními a intelektuálními hnutími na počátku dvacátého století, která byla zásadní pro definování modernismu. Dané hnutí, zahájené v Curychu v roce 1916 básníky a umělci, jako jsou Tristan Tzara a Hans ARP, bylo přímou reakcí na masakr, propagandu a šílenství světové války. V New Yorku se objevily nezávislé skupiny spojené s běžnými myšlenkami. , Berlín, Paříž a další místa. Tyto různé skupiny nesdílely univerzální styl, ale byly spojeny pro odmítnutí idealismu, zastaralých uměleckých a intelektuálních konvencí a nekontrolovaného objetí moderní společnosti k „racionalismu“ a „pokroku“.
Vzhledem k tomu, že se jednalo o evropské umělecké hnutí Avant -Garde, s ranými centry v Curychu, Švýcarsku a New Yorku.
Jméno, extrahované ze slovníku v Curychu v roce 1916, znamená „houpající se kůň“ ve francouzštině nebo „ano“ v rumunském a ruštině. Ale protože jméno hnutí opravdu vůbec nic neznamená. Nemocní kultury, která produkovala krveprolití první světové války, vzhledem k tomu, že zpochybnila všechny posvátné krávy, házely výraz a autorství oknem a oslavovaly šanci a absurdní.
Kořeny Dada se nacházejí v Avant -Garde před válkou. Termín Antiarte, prekurzor Dada, byl vytvořen Marcelem Duchampem kolem roku 1913, aby charakterizoval díla, která zpochybňují akceptovaná omezení umění.
Dadaistické hnutí zahrnovalo veřejné schůzky, demonstrace a vydávání uměleckých / literárních časopisů; Vášnivé pokrytí umění, politiky a kultury bylo často diskutováno v různých médiích.
Hnutí ovlivnilo zadní styly, jako jsou Avant -Garde a Central Music Movements, a skupiny, které zahrnují surrealismus a pop art.
Poté dorazil surrealismus, aby nasměroval anti -dadish energii dadaistů, jako je Marcel Duchamp, zpět do muzea, což spustilo nesmírně úspěšné, ale zběsilé hnutí, které zničilo Evropu mezi válkami a objala mnoho médií.
Surrealismus
Někteří exponenti: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Jeden z nejdůležitějších a nejdůležitějších hnutí dvacátého století, surrealismus vzkvétal zejména ve dvacátých a třicátých letech a poskytoval radikální alternativu k racionálním a formálním vlastnostem kubismu. Literární, filozofické a umělecké hnutí dvacátého století, které prozkoumalo fungování mysli a bránilo iracionální, poetický a revolucionář.
Na rozdíl od DADA, ze kterého se objevila mnoha způsoby, zdůraznila spíše pozitivní odmítnutí než pesimistické předchozí tradice.
Slovo „surrealista“ (což naznačuje „mimo realitu“) vytvořil francouzský avant -garde básník Guillaume Apollinaire v díle napsaném v roce 1903 a zastoupeno v roce 1917. Ale to byl André Breton, vůdce nové skupiny básníků a umělců V Paříži, který ve svém surrealistickém manifestu (1924) definoval surrealismus jako: čistý psychický automatismus, prostřednictvím kterého se navrhuje, aby se slovně vyjadřoval, nebo jiným způsobem, skutečné fungování myšlení. Diktát myšlení při absenci jakékoli kontroly vykonávané z důvodu, nad rámec jakéhokoli estetického a morálního zájmu.
Při vizuálním projevu surrealismu lze rozlišit několik různých vláken. Umělci jako Max Ernst a André Masson upřednostňovali automatismus, ve kterém je potlačena vědomá kontrola a podvědomí může převzít kontrolu. Naopak, Salvador Dalí a René Magritte sledovali úžasný pocit superreality, ve kterém reprezentované scény nemají žádný skutečný smysl. Třetí variantou byla juxtapozice nesouvisejících prvků, která vytvořila nerealizovatelnou realitu mimo limity normální reality. Surrealismus původně vznikl v Paříži. Její vliv byl rozšířen o řadu mezinárodních časopisů a výstav, což byl nejdůležitější příklady posledně jmenovaného mezinárodní výstavy Surreal v novém Burlingtonu, Londýně a Fada of Fantastic Art, Surrealismus v muzeu moderního umění New York, oba v muzeu, oba 1936. S vypuknutím druhé světové války bylo centrum surrealistické činnosti převedeno do New Yorku a na konci války hnutí ztratilo soudržnost. Zachovala však silný vliv, jasně patrný v aspektech abstraktního expresionismu a dalších uměleckých projevů druhé poloviny dvacátého století.
Mnozí tvrdí, že surrealismus, jako identifikovatelné kulturní hnutí, skončil smrtí Bretonu v roce 1966. Jiní věří, že dnes zůstává životně důležitou a relevantní silou.
Abstraktní expresionismus č. 9 (1940–1950)
Někteří exponenti: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
„Abstraktní expresionismus“ nebyl nikdy ideálním štítkem pro pohyb, který byl vyvinut v New Yorku ve 40. a 50. letech 20. století. Nějakým způsobem bylo předurčeno pokrýt nejen práci malířů, kteří naplnili plátna polí barvou polí polí. a abstraktní tvary, ale také ti, kteří zaútočili na jejich plátna s energickým gestickým výrazem. Všichni byli odhodláni k umění jako projevy sebe, narozeného z hlubokých emocí a univerzálních témat, a většina z nich byla vytvořena odkazem surrealismu, což je hnutí, které se promítlo do nového stylu, který se přizpůsobil postvárné náladě úzkosti a traumatu. Ve svém úspěchu tito newyorské malíři ukradli Paříž jako plášť jako vůdce moderního umění a připravili jeviště pro zvládnutí Spojených států ve světě mezinárodního umění. Abstraktní expresionismus znamenal začátek vlivu New Yorku jako centra světa západního umění. Svět abstraktních expresionistických umělců byl pevně zakořeněn na Low Manhattanu. Procházka podél 8. ulice by ji vzala z kavárny Waldorf, kde umělci bez peněz vydělali „rajčatovou polévku“ s horkou vodou a kečupem zdarma; Po Hans Hofmann School of Plastic Artists založený malířem stejného jména; Do klubu, podkroví, kde konference a vyhřívané argumenty o umění pokračovaly až do pozdní noci. Studie Jacksona Pollocka byla na East 8th Street, Kooning a Philip Guston Willem byli na východním 10. místě, a přestože se Franz Kline přestěhoval do několika domů a studií v této oblasti, většina nocí ho našla a mnoho jeho současníků v Tavern Cedar Street v Univerzitní místo.
Hnutí zahrnovalo mnoho různých obrazových stylů, které se lišily jak v technice, tak v kvalitě výrazu. Často používají stupně abstrakce; To znamená, že představují nerealistické nebo v extrémních formách, které nejsou extrahované z viditelného světa (ne -bezjektivní). Zdůrazňují svobodné, spontánní a osobní emoční výraz a vykonávají značnou svobodu techniky a provádění k dosažení tohoto cíle, se zvláštním důrazem na využití variabilního fyzického charakteru obrazu, aby evokoval expresivní vlastnosti (například smyslnost, dynamika, dynamika, dynamika ). , násilí, tajemství, lyricismus).
Většina umělců spojených s abstraktním expresionismem ve 30. letech dozrála ve 30. letech. Byli ovlivněni levicovou politikou času a přišli ocenit umění založené na osobní zkušenosti. Málokdo by si zachoval své předchozí radikální politické názory, ale mnoho z nich pokračovalo v přijímání postavení Frank Avant -Garde.
Navzdory rozmanitosti abstraktního expresionistického hnutí lze rozlišit tři obecné přístupy. Jeden, akční malba, je charakterizována volným, rychlým, dynamickým nebo energetickým manipulací s barvou při skenování nebo řezání štětců a v technikách částečně diktované náhodou, jako je kapání nebo rozlití barvy přímo na plátně. Umělci: Pollock, Kooning.
Průměrný termín v abstraktním expresionismu je reprezentován několika různými styly, od lyričtějších, jemnějších a tekutějších forem. Umělci: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
Třetím méně expresivním přístupem byl přístup Rothka, Newman a Reinhardt. Tito malíři používali velké plochy nebo pole, ploché a jemné barvy a průměrné, aby dosáhli tichých, jemných a téměř meditativních účinků.
Ačkoli hnutí bylo převážně zastoupeno v celé historické dokumentaci jako patřící hrdinskému mužskému umělci posetém malbou, bylo několik důležitých abstraktních expresionistů, které se objevily z New Yorku a San Francisca během čtyřicátých a padesátých let, které nyní dostávají kredit jako základní členové. Poplatek.
No.10 Pop Art (1960)
Někteří exponenti: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist a Claes Oldenburg
Pop Art začal s umělci New Yorku Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist a Claes Oldenburg, kteří byli inspirováni populárními obrazy a ve skutečnosti byli součástí mezinárodního jevu.
Byla to vzpoura proti dominantním přístupům umění a kultury a tradičních názorů na to, jaké umění by mělo být. Mladí umělci cítili, že to, co je učili na umělecké škole a to, co viděli v muzeích, nemá nic společného s jejich životy ani s věcmi, které kolem nich viděli každý den. Místo toho, zdroje, jako jsou hollywoodské filmy, reklama, balení produktů, populární hudba a komiksy, aby získaly své obrázky. Po popularitě abstraktních expresionistů byla znovuzavedení identifikovatelných obrazů Popem (extrahovaným z médií a populární kultury) důležitou změnou ve směru modernismu.
V roce 1957 popový umělec Richard Hamilton uvedl „Charakteristika popového umění“ v dopise svým přátelům Architekti Peter a Alison Smithson: Pop Art Is: Popular (navržený pro masové publikum), přechodné (krátkodobé řešení), výdaje (Snadno zapomínají), nízké náklady, produkované mše, mladý (zaměřený na mládež), geniální, sexy, poddajné, okouzlující, velké podniky. Modernističtí kritici byli zděšeni použitím popových umělců takového „nízkého“ tématu a pro jejich zjevně malé kritické zacházení s tím. Ve skutečnosti Pop přinesl umění do nových tematických oblastí a vyvinul nové způsoby, jak jej prezentovat v umění, a lze je považovat za jeden z prvních projevů postmodernismu.
Ačkoli byly inspirovány podobnými problémy, British Pop je často považován za výrazný americký pop. Brzy popové umění v Británii bylo poháněno americkou populární kulturou viděnou z dálky, zatímco američtí umělci byli inspirováni tím, co viděli a zažili život v této kultuře. Ve Spojených státech byl popový styl návratem k reprezentativnímu umění (umění, které představovalo vizuální svět rozpoznatelným způsobem) a k použití tvrdých okrajů a různých forem po obrazové uvolnění abstraktního expresionismu. Použitím neosobních a světských obrazů se popoví umělci také chtěli dostat z důrazu na osobní pocity a osobní symboliku, která charakterizovala abstraktní expresionismus. V Británii bylo hnutí ve svém přístupu akademičtější. Zatímco používal ironii a parodii, zaměřil se více na to, co americké populární obrazy a jejich síla manipulovat s životním stylem lidí. Umělecká skupina 50. let, nezávislá skupina (IG), je považována za předchůdce britského hnutí popového umění. Pop Art byl potomek Dada.
Většina popových umělců v jejich dílech usilovala o neosobní a městský postoj. Některé příklady popového umění jemně vyjádřily sociální kritiku, například padlé objekty Oldenburgu a monotónní opakování Warhola stejného banálního obrazu mají nepochybně znepokojivý účinek a některé, jako záhadné a osamělé segální kádry, které jsou otevřeně expresionisté.
Možná kvůli začlenění komerčních obrazů se popové umění stalo jedním z nejznámějších stylů moderního umění.
Č. 11 postmodernismus (1970–)
Někteří exponenti: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn na obloze ©James Gill
Tato postmodernita je nedefinovatelná je pravda. Lze jej však popsat jako soubor kritických, strategických a rétorických praktik, které používají koncepty, jako je rozdíl, opakování, stopa, simulace a hyperrealita, aby destabilizovala jiné koncepty, jako je přítomnost, identita, historický pokrok, epistemická jistota a univocita významu.
Termín „postmodernistické umění“ se týká široké kategorie současného umění vytvořeného přibližně od roku 1970. Výraznou pečetí „postmodernistického umění“ je jeho odmítnutí estetiky, na které byl založen jeho předchůdce „Modern Art“ (1870-1970). Jednou z těchto odmítnutých hodnot je myšlenka, že „umění“ je něco „zvláštního“, které by mělo být „vysokou„ populárním vkusem “. Pomodernismus, který se shoduje s řadou nových technologických vývoje, vedl k téměř pěti desetiletím uměleckých experimentů s novými médii a novými uměleckými formami, včetně „konceptuálního umění“, různých typů „uměleckého umění“ a „instalační umění“, stejně jako asistovanému Pohyby, jako je dekonstruktivismus a projekční umění. Pomocí těchto nových forem postmoderní umělci rozšířili definici umění do té míry, že „všechno stojí za to“.
Prvním důležitým uměleckým stylem po renesanci byl akademické umění, klasický materiál, který učili učitelé na akademiích. Akademické umění je uměleckým ekvivalentem tradičního „obleku a kravaty“. Poté kolem roku 1870 přichází „moderní umění“. Toto je umělecký ekvivalent „košile a kalhot“ nebo „bundy a kalhot“. Poté kolem roku 1970 přichází „postmoderní umění“, což je umělecký ekvivalent „džíny a t -košile“. Stejným způsobem, jakým se kódy oděvů staly méně formálními a více „všechno stojí za to“, dnešní umělci jsou méně ohromeni starými představami o tom, jaké umění by mělo být a více se zaměřuje na vytváření něčeho (cokoli), než si toho všimne.
Antiautoritářská příroda, postmodernismus odmítl rozpoznat autoritu jakéhokoli stylu nebo definice toho, co by mělo být umění. Rozdíl mezi vysokou kulturou a masovou kulturou se zhroutil mezi uměním a každodenním životem. Protože postmodernita porušila stanovená pravidla pro styl, představila novou éru svobody a pocit, že „všechno stojí za to“. Často vtipné, ironické nebo směšné; Může to být protichůdné a kontroverzní a zpochybnit limity vkusu; Nejdůležitější však je, že odráží sebevědomí samotného stylu. Postmodernistické umění si může často promíchat různé styly a umělecká a populární média si často vědomě nebo vědomě nebo ironicky komentovat různé styly minulosti. Postmoderní tedy považují, že jejich teoretické postavení je mimořádně inkluzivní a demokratické, protože jim umožňuje rozpoznat nespravedlivou hegemonii diskurzů ilustrace o stejně platných perspektivách ne -elitních skupin.
V 80. a 90. letech se akademičtí obránci ve jménu několika etnických, kulturních, rasových a náboženských skupin přijali postmoderní kritiku současné západní společnosti a postmodernismus se stal neoficiální filozofií nového hnutí „politiky identity“
Kuadros ©, slavná barva na vaší zdi.
