Příběh za 10 nejslavnějších náboženských obrazů západního umění

V průběhu staletí představilo křesťanské umění mnoho různých typů malby, provedených v široké škále médií.

Náboženské umění používá náboženské problémy a motivy, které mají obecně rozpoznatelné morální vyprávění nebo se snaží v divákovi vyvolat silné duchovní emoce. V západním světě lze náboženské umění definovat jako jakékoli umělecké dílo, které má křesťanské téma. Západní náboženské malbě dominují scény ze Starého zákona a života Ježíše Krista.

Mezi nejvíce zastoupená témata patří reprezentace Panny Marie s dítětem Ježíšem a Kristem na kříži. Během renesance bylo vytvořeno mnoho z nejslavnějších náboženských obrazů, vlivné kulturní hnutí, které vzniklo v Itálii.

Na tomto seznamu se objevují tři velké mistry renesance Leonardo da Vinci, Miguel Ángel a Rafael. Kadros vám přináší 10 nejslavnějších náboženských obrazů.

Č. 1 Vytvoření Adama - Miguel Ángel (1512)

Nejslavnější částí střechy Sixtinské kaple je vytvoření Adama Miguela Ángela. Tato scéna se nachází vedle vytvoření Evy, která je panelem ve středu místnosti, a sbor vod, která je blíže k oltáři.

Práce od Miguela Ángel je základním kamenem renesančního umění. Obraz ilustruje biblické vyprávění o stvoření knihy Genesis, ve kterém Bůh podává život Adamovi, prvnímu člověku.

Vytváření Adama se liší od dosud malovaných typických scén stvoření. Zde na scénu dominují dvě postavy: Bůh napravo a Adam vlevo. Bůh je ukázán v plovoucí formě mlhoviny složené ze záclon a jiných postav. Tvar je založen na andělech, kteří létají bez křídel, ale jejichž let je jasně vidět záclonami, které pod nimi vylíhnou. Bůh je reprezentován jako starý muž, ale svalnatý, s šedými vlasy a dlouhými vousy, které reaguje na pohyb letu vpřed. To není daleko od císařských obrazů Boha, kteří jinak stvořili na Západě a datovali do doby pozdního starověku. Místo toho, aby používal skutečné oblečení a byl reprezentovaný jako Všemohoucí vládce, používá pouze lehké roucho, které ponechává většinu jeho paží a nohou. Dalo by se říci, že je to mnohem intimnější portrét Boha, protože je to ve stavu, který není uveden nedotknutelný a daleko od člověka, ale přístupný mu.

Na rozdíl od Boží postavy, která je rozšířená a vysoká, je Adam reprezentován jako líná postava, která lhostejně reaguje na bezprostřední dotek Boží. Tento dotek nejen poskytne život Adamovi, ale dá život veškerému lidstvu. Je to tedy narození lidské rasy. Adamovo tělo má konkávní podobu, která odráží podobu Božího těla, která je v konvexní držení v mlhovině a plovoucí formě. Zdá se, že tato korespondence jedním způsobem s druhým zdůrazňuje širší myšlenku, že člověk odpovídá Bohu; Zdá se, že to znamená, že odráží myšlenku, že člověk byl vytvořen na obraze a podobě Boží, což je myšlenka, se kterou musel být Michelangelo obeznámen.

Barva byla hodně analyzována a mimo jiné bylo zjištěno, že okraje barvy korelují s drážky na vnitřním a vnějším povrchu mozku, mozkovým kufrem, bazilární tepnou, hypofýza a Optická chiasma. Boží ruka se nedotýká Adama, ale Adam je již naživu, jako by jiskra života byla přenášena synaptickou rozštěpem. Pod Boží pravou rukou je smutný anděl v oblasti mozku, který je někdy aktivován při průzkumech domácích zvířat (tomografie), když někdo zažije smutnou myšlenku. Bůh překrývá limbický systém, emocionální centrum mozku a možná anatomický protějšek lidské duše. Boží pravá paže se rozprostírá k prefrontální kůře, nejkreativnější a nejjednodušší oblasti lidského mozku; Červená látka obklopující Boha má tvar lidské dělohy; A věří se, že zelená šátek je nově řezaná pupeční šňůra. Adamovo stvoření je možná nejznámějším obrazem po Moně Lise; A spolu s poslední večeří je to nejvíce replikovaná náboženský malba všech dob. Obraz téměř dojatých rukou Boha a Adama se stal ikonou lidstva a byl napodoben a parodován nespočetnými časy.

Střecha Sixtinské kaple utrpěla škodlivé účinky století kouře, které způsobily, že střecha značně ztmavila. Teprve v roce 1977 začalo čištění stropu. Čištění bylo po dokončení v roce 1989 úžasné; To, co bylo dříve temné a monotónní, se stalo živým. Změna předchozího čištění následného čištění byla tak velká, že někteří zpočátku odmítli uvěřit, že Miguel Ángel namaloval. Dnes chápeme Michelangelovu barevnou paletu mnohem lépe a svět, který namaloval, krásně zachycený na střeše Sixtinské kaple.

Koupit reprodukci stvoření Adama Miguelem Ángel v internetovém obchodě Kadros

 Č. 2 Poslední večeře - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Poslední večeře, nebo italský cenacolo, jedno z nejslavnějších uměleckých děl, malované Leonardem da Vinci pravděpodobně mezi 1495 a 1498 pro dominikánský klášter Santa Maria Delle Grazie v Miláně.

Tento slavný obraz představuje dramatickou scénu popsanou v několika okamžicích úzce souvisejících v evangeliích, včetně Matouše 26: 21-28, ve kterém Ježíš prohlašuje, že ho jeden z apoštolů zradí a poté zavede eucharistii. Podle Leonardova přesvědčení, že pozice, gesto a výraz musí projevovat „pojmy mysli“, každý z 12 učedníků reaguje takovým způsobem, že Leonardo považoval za přiměřenou osobnost apoštolů. Výsledkem je složitá studie různých lidských emocí, vyjádřených v klamně jednoduchém složení.

Leonardo nepracoval v tak velkém obrazu a neměl žádné zkušenosti se standardní nástěnnou malbou freska. Barva byla prováděna pomocí experimentálních pigmentů přímo na suché sádrové stěně a na rozdíl od fresek, kde se pigmenty mísí s vlhkou omítkou, čas času se neodolalo dobře. Ještě předtím, než bylo dokončeno, byly problémy s tmamerovou barvou zdi a Leonardo ji musel opravit. V průběhu let se zhroutil, podléhal vandalismu, bombardován a obnoven. Dnes pravděpodobně vidíme velmi málo původního obrazu.

Tématem poslední večeře je poslední Kristovo jídlo se svými apoštoly, než Judáš identifikuje Krista před úřady, které ho zatknou. Poslední večeře (věří se, že odpovídá sederu židovských Velikonoc), je si pamatována na dvě události: Kristus říká svým apoštolům „jeden z vás mě zradí“ a apoštolové reagují, každá podle jejich osobnosti. Leonardo, s odkazem na evangelia, představuje Felipeho se zeptá: „Pána, jsem to já?“ Kristus odpoví: „Ten, kdo se mnou položí ruku na talíř, mi dá“ (Matouš 26). Vidíme, jak se Kristus a Judáš šíří současně směrem k jídlu, které je mezi nimi, i když se Judáš vrátí k defenzivnímu. Leonardo také současně představuje Krista, že požehne chléb a říká apoštolům: „Vezměte, jíst; Toto je moje tělo “a požehnáním vína a říká:„ Pijte to všechno; Protože to je moje krev z paktu, která je prolita pro odpuštění hříchů “(Matouš 26). Tato slova jsou zakládajícím okamžikem svátosti eucharistie (zázračná transformace chleba a vína v těle a krvi Kristovo).

Vyvážené složení je ukotveno rovnostranným trojúhelníkem tvořeným tělem Kristovým. Sedí pod klenutým pedimentem, který, pokud je dokončen, nakreslí kruh. Tyto ideální geometrické tvary se týkají renesančního zájmu o neoplatonismus (prvek humanistického znovuzrození, který sladí aspekty řecké filozofie s křesťanskou teologií). Ve své alegorie „La Cueva“, řecký filozof Platón zdůraznil nedokonalost pozemského království. Geometrie, kterou Řekové používají k vyjádření nebeské dokonalosti, použila Leonardo k oslavě Krista jako inkarnace nebe na Zemi. Leonardo nakreslil zelenou krajinu za okny. Často interpretováno jako ráj bylo navrženo, že této nebeské svatyně lze dosáhnout pouze prostřednictvím Krista. Dvanáct apoštolů je uspořádáno ve čtyřech skupinách po třech a jsou zde také tři okna. Číslo tři je často odkazem na Nejsvětější Trojici v katolickém umění. Naproti tomu číslo čtyři je důležité v klasické tradici (například čtyři Platónovy čtyři ctnosti).

Od dokončení poslední večeře, když byl vyhlášen mistrovským dílem, nástěnná malba získala chválu umělců, jako jsou Rembrandt Van Rijn a Peter Paul Rubens a spisovatelé, jako jsou Johann Wolfgang von Goethe a Mary Wollstonecraft Shelley. Inspiroval také nespočet reprodukcí, interpretací, konspiračních teorií a fikčních prací. Jemný stav poslední večeře nesnížil přitažlivost malby; Místo toho se to stalo součástí dědictví uměleckého díla. 

Kupte si reprodukci poslední večeře Leonarda da Vinci v internetovém obchodě Kadros 

Č. 3 Návrat zádivního syna - Rembrandt (1669)

V podobenství pro marnotratné syna má otec dvě děti; Nejmladší žádá o své dědictví, promarnil své jmění a vrátil se domů poté, co zůstal v bídě. Má v úmyslu prosit svého otce, aby z něj udělal jednoho ze svých služebníků, ale na druhé straně otec slaví svůj návrat. Když se jeho nejstarší syn postaví, otec mu řekne, že slaví, protože jeho bratr, který byl ztracen, nyní znovu získal smysl.

Rembrandtovo poslední slovo se vyskytuje v jeho monumentálním obrazu návratu marnotratného syna. Zde interpretuje křesťanskou myšlenku milosrdenství s mimořádnou vážností, jako by to byla jeho duchovní vůle do světa. Přesahuje práce všech ostatních barokních umělců při evokaci náboženského humoru a lidské sympatie. Síla realismu staršího umělce se nesnižuje, ale zvyšuje se s psychologickým vnímáním a duchovním vědomím. Osvětlení a expresivní barva a magický návrh jeho techniky, spolu se selektivní jednoduchostí nastavení, nám pomohou cítit celý dopad události.

Hlavní skupina Otce a marnotratného syna vyniká ve světle proti obrovskému temnému povrchu. Obzvláště živé jsou potrhané šaty syna a rukávů starších, které jsou obarveny ocher se zlatou olivem; Ocherná barva kombinovaná s intenzivní šarlatovou červenou v otcově plášti tvoří nezapomenutelnou koloristickou harmonii. Pozorovatel se probudí k pocitu mimořádné události. Syn, zničený a nechutný, s holohlavou hlavou a vzhledem k vyvržence, se po dlouhých dobrodružstvích a mnoha neschodech vrací do domu svého otce. Ztrácel své dědictví v cizích zemích a potopil se do stavu Vagabunda.

Jeho starý otec, oblečený do bohatých oblečení, stejně jako asistentky, se spěchal, aby ho přijal u dveří a přijímal ztraceného syna s největší otcovskou láskou. Tato událost postrádá jakékoli momentální násilné emoce, ale stoupá na slavnostní klid, který propůjčuje postavám některé vlastnosti soch a dává emocím trvalou postavu, která již nepodléhá změnám v čase. Nezapomenutelný je obraz pokání hříšníka podporovaného hrudníkem jeho otce a starým módním otcem na svém synovi. Otcovy rysy hovoří o vznešené a srpnové dobrotě; Stejně tak jejich prodloužené ruce, ne osvobozeny od tuhosti stáří. Celek představuje symbol každého návratu domů, temnoty lidské existence osvětlené něžností, unaveného a hříšného lidstva, které se uchýlí k útočiště v útočišti Božího milosrdenství.

Inherentní zpráva, kterou tento slavný obraz přenáší, je jasná. Bůh vždy odpustí pokání hříšníka, ať se stane cokoli.

Náboženská ikonoclasie, ke které došlo po propuštění Nizozemska koloniálního jho ze Španělska a katolické církve, přeměnila kalvinistické církve na holé skořápky, které se věnovaly uctívání, kázání a modlitbě. Nizozemské úřady nechtěly ozdobit svá uctívání oltáři, čerstvými nebo jiným typem náboženského umění.

Na druhé straně se Holland stal slavným nizozemským realismem, typem stylu malování a portrétem pohlaví malých rozsahu, podrobné a vysoce realistické, z nichž mnohé obsahovaly moralistické zprávy různých typů.

Třetím typem umění, ve kterém vystupovali holandští realističtí umělci, byl obraz mrtvé povahy (zejména Vanitas malby), která také obsahovala morální poselství, někdy náboženské. To bylo nejbližší, co mnoho Holanďanů přišlo k „protestantskému umění“.

Je proto ještě překvapivější, že holandský protestantský malíř, jako je Rembrandt, se stane tak bystrým tlumočníkem biblických scén.

Kupte si reprodukci návratu Son Son - Rembrandt v internetovém obchodě Kuadros

Č. 4 Svatby Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Téma tohoto slavného obrazu je založeno na biblické historii vyprávěné v evangeliu sv. Jana (John 2: 1-11), na manželství konaném v Kaně v Galileu, kterého se zúčastnilo Marie, Ježíše a její učedníky. Ke konci svatební hostiny, když víno začne docházet, Ježíš požádá, aby kamenné nádoby byly naplněny vodou, kterou učitel promění ve víno. Tato epizoda, první ze sedmi příznaků evangelia Johna, který svědčí o Božském stavu Ježíše, je předchůdcem Eucharistie.

Kananské svatby (nebo kananské svatební banket) od Paolo Veronese je olej na plátně, který byl v roce 1563 malován pro benediktinský klášter San Giorgio Maggiore v Benátkách. Veronese přeložil biblický příběh do nejmodernější fáze typicky extravagantní benátské svatby.
Canaova svatba kombinuje prvky několika různých stylů, přizpůsobující se kompozici Dissege vysoké renesance - doloženo prací Leonarda, Rafaela a Miguela Ángel. K tomu přidala jednu nebo dvě charakteristiky manýrismu, jakož i množství alegorických a symbolických rysů.

Obsah obrazu se také skládá ze složité směsi posvátného a profánského, náboženského a světského, divadelního a světského, evropského a východního. Banket, zastoupený ve velkém stylu současné benátské společnosti, se odehrává uvnitř terasy lemované dorickými a korintskými sloupy a ohraničené nízkou balustrádou. V dálce můžete vidět portikuovanou věž navrženou architektem narozením v Padově Andrea Palladio. V popředí se skupina hudebníků dotýká několika lutes a strunných nástrojů. Mezi hudební postavy patří čtyři velké malíře Benátek: Veronese sám (oblečený v bílé barvě, hrající Viola da Gamba), Jacopo Bassano (ve flétnu), Tintoretto (housle) a Tiziano (oblečené červené, dotýkající se violoncello).

Večeři na svatebním stole, všichni na ně čekají, spolu s znepokojující rozmanitost členů královských poplatků, šlechtici, úředníky, zaměstnanci, služebníky a další, představující reprezentativní vzorek benátské společnosti a oblékání různými způsoby s biblickým, benátským nebo orientálním a zdobené kostýmy zdobené luxusními účesy a články klenotníků. Ve svatebách Kanny se objevují četné historické postavy, včetně: císaře Carlos V, Leonor de Rakousko, Francisco I z Francie, María I Anglie, Solimán, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Pole a Sokollu Mehmet. Celkem je zastoupeno v tomto slavném relidious malbě asi 130 jedinečných postav.

V práci jsou zahrnuty náboženské symboly vášně spolu s luxusními stříbrnými nádobami 16. století. Nábytek, pohodlný, džbán a skleněné brýle a vázy odhalují stranu ve celé své nádheře. Každý host ke stolu má individuální místo, doplněné ubrousek, vidličkou a nožem. V této duplicitě významu žádný detail neuniká oka umělce.
Malíř vybral drahé pigmenty dovezené z východu benátskými obchodníky: oranžová žlutá, intenzivní červená a Lapislázuli se široce používají v záclonách a v nebi. Tyto barvy hrají důležitou roli při čitelnosti malby; Pro své kontrasty přispívají k individualizaci každé z čísel.

Poznámka: Zatímco mnoho čísel na obrázku navzájem interaguje, nikdo z nich opravdu nemluví. To má splnit kodex ticha pozorovaného všemi benediktinskými mnichy v refektáři, kde bude obraz zavěšen.

Canaova svatební hostina obsahuje spoustu symboliky. Celá práce například symbolizuje interakci mezi pozemským potěšením a pozemskou úmrtností. Za balustrádou, na postavě Ježíše, je zvíře obětováno, v narážce další Ježíšově oběti, jako je Beránek Boží, odkaz, který se spoléhá na psa, který žvýká kost na úpatí obrazu. Mezitím, vlevo od Ježíše, Panna Marie Ahueca její ruce, aby představovala sklenici, která bude obsahovat nové víno lidstva, tj. Kristova krev. Kromě toho před hudebníky jsou pískové hodinky, standardní odkaz na pomíjivostí pozemských potěšení, včetně lidské marnosti.

Benediktini kláštera San Giorgio Maggiore de Venice pověřili tento obrovský obraz v roce 1562, aby zdobili jejich nový refektář. Smlouva, která se dopustila Veronese při realizaci svatební bankety, byla nesmírně přesná. Mniši trvali na tom, aby práce byla monumentální, aby naplnila celou stěnu refektáře. Byl zavěšen ve výšce 2,5 metrů od země, byl navržen tak, aby vytvořil iluzi prodlouženého prostoru. Tato práce 70 m² obsadila Veronese po dobu 15 měsíců, s největší pravděpodobností s pomocí jeho bratra Benedetta Caliariho. Komise byla zlomem ve Veronesově kariéře; Po úspěchu malby by jiné náboženské komunity plakaly po podobné práci ve svých vlastních klášterech. Přes své výjimečné dimenze byl obraz zabaven, zapsán a poslán do Paříže Napoleonovy vojáky v roce 1797.

Kupte si reprodukci svateb Cana de Paolo Veronese v internetovém obchodě Kadros

 Č. 5 Athénská škola - Rafael (1509-1511)

Miliony očí se divily věčnému setkání bývalých filozofů a matematiků, státníků a astronomů, které si Rafel jasně představuje ve své slavné fresky.

Zejména Rafael's Fresco, Athénská škola, přišla symbolizovat spojení umění, filozofie a vědy, která byla výraznou pečetí italského znovuzrození. Malovaný mezi 1509 a 1511, nachází se v první ze čtyř místností navržených Rafael, Stanza della Segnatura. V té době byla komise papeže vrcholem kariéry jakéhokoli umělce. Pro Rafela to byla ověření již vzkvétající kariéry.

Rafael probíhal s výzvou a vytvořil rozsáhlý katalog přípravných náčrtů pro všechny jeho fresky. Poté by byly rozšířeny na velké rozdělovací karikatury, aby pomohly převést design na mokrou omítku. Předpokládá se, že to působí ve stejnou dobu jako Miguel Ángel na střeše Sistinské kaple, a to pomohlo posílit a inspirovat Rafaela stimulací jeho konkurenční povahy.

Rafel přinesl tuto myšlenku na zcela novou úroveň s hromadnými kompozicemi, které odrážely filozofii, teologii, literaturu a jurisprudenci. Přečtěte si jako celek, okamžitě předali papežovým intelektem a způsobili by diskusi mezi vzdělanými myslí, které měly to štěstí, že vstoupily do tohoto soukromého prostoru. Athénská škola byla třetím obrázkem, který Rafael dokončil po sporu (což představuje teologii) a Parnassus (což představuje literaturu). Je postaven proti sporu a symbolizuje filozofii a stanoví kontrast mezi náboženským a světským přesvědčením.

Aténská škola je v nesmírné architektonické iluzi a je mistrovským dílem, které vizuálně představuje intelektuální koncept. V obraze použil Rafael skupiny postav k představení složité lekce o historii filozofie a různých přesvědčeních vyvinutých velkými řeckými filozofy. Rafael by si určitě byl vědom soukromých výstav Sixtinské kaple v Progreso, které organizoval Bramante.

Kdo jsou postavy aténské školy?
Dva myslitelé samotného centra, Aristoteles, napravo a Platón, vlevo, ukazují nahoru, byli pro západní myšlení obecně velmi důležití. Různými způsoby byly jejich různé filozofie začleněny do křesťanství.

Na Platónově levici je Socrates díky svým výrazným rysům rozpoznatelný. Říká se, že Raphael by mohl použít starý portrét filozofa jako průvodce. Je také identifikován gestem jeho ruky, jak Giorgio Vasari zdůrazňuje v životě umělců.

V popředí sedí Pythagoras s knihou a inkoustem, také obklopeným studenty. Ačkoli Pythagoras je dobře známý svými matematickými a vědeckými objevy, pevně věřil v metempsychózu.
Euclid odráží polohu Pythagoras na druhé straně a má sklon prokázat něco s kompasem. Jejich mladí studenti se snaží zachytit lekce, které učí.

Velký matematik a astronom Ptolemy je hned vedle Euclidu se zády k divákovi. Se žlutým rouchem drží v ruce pozemní balón. Předpokládá se, že vousatý muž se zastavil před sebou, který držel nebeský balón, astronom Zoroastro. Zajímavé je, že mladá stojící vedle Zoroastu, pohledu na diváka, není nikdo jiný než sám Raphael. Začlenění tohoto typu vlastního portrétu není v té době něco neslýchaného, ​​ačkoli to bylo odvážné hnutí pro umělce, aby začlenil jeho podobnost s dílem takové intelektuální složitosti.

Je všeobecně přijímáno, že starší pán ležící na schodech Diogenes. Zakladatel cynické filozofie byl ve své době kontroverzní postavou, žil jednoduchým životem a kritizoval kulturní konvence.
Jednou z nejvýraznějších postav složení je promyšlený muž, který sedí v popředí, s rukou v hlavě v klasické poloze „myslitele“.

V oblasti filozofů je Heraclitus, průkopníkem vlastní moudrosti. Byl to melancholická postava a nelíbilo se společnosti ostatních, což z něj učinilo jednu z mála postav izolovaných z freska.

Při dokončení programu Rafaela sedí dvě velké sochy ve výklencích v zadní části školy. Na Platónově pravici vidíme Apolla, zatímco vlevo od Aristotela je Minerva. Minerva, bohyně moudrosti a spravedlnosti, je adekvátním zástupcem na straně morální filozofie fresky. Je zajímavé, že jeho pozice se také blíží fresku Rafaela o jurisprudenci, která se vyvíjí přímo na jeho levici.

Kupte si přehrávání ze školy Rafael Athény v online obchodě Kuadros

Transfigurace č. 6 - Rafael (1520)

 

Na starosti v roce 1517 kardinál Giulio de 'Medici (1478-1534) (rodina Florentine Medici), který by se brzy stal papežem Clemente VII (1523-34), jako oltář francouzské katedrály v Narbonne (v soutěži se soutěží Vzkříšení Lázaro ze Sebastiana del Piombo), jehož byl arcibiskupem, toto slavné dílo náboženského umění bylo nedokončeno Rafaelem k jeho smrti v roce 1520 a jeho asistenti Giulio Romano (1499-1546) a Giovanni Francesco Penni (1496 (1496 - 1536).

Koneckonců, kardinál si zachoval obraz v Římě a přístupem k papežství v roce 1523 ho dal kostele San Pietro v Montorio v Římě. V roce 1774 nařídil nový papež Pius VI (1775-99) kopii mozaiky a nainstaloval ji do baziliky San Pedro. Samotný obraz byl vyloučen Napoleonem v roce 1797 a převezen do Paříže, odkud byl repatriován v roce 1815.

Tato práce vypráví dvě nesouvisející biblické události. Nahoře je historie transfigurace Krista. Ve spodní části je příběh mladého muže, který je posedlý démonem.

Ježíš ukazuje na vrcholu hory Tabor (Izrael) s bílým rouchem, jako je lesklý sníh, a vedle něj proroci Mojžíš na pravé straně a Eliáš vlevo. Mraky za Ježíšem jsou osvětleny. Ježíš zvedne ruce a dívá se k Bohu.

Pod Ježíšem jsou tři z jeho učedníků, zleva doprava, Santiago, Pedro a John. Zakrývají jejich tvář rukama, protože nebe je pro jeho oči příliš jasné. Dvě postavy vlevo jsou pravděpodobně Justus a Pastor. Jsou to dva křesťanští mučedníci, kterým je církev zasvěcena, ve kterých měl obraz původně zamýšlen umístit.

Níže můžete vidět devět Ježíšových učedníků, kteří nešli na horu umístěné na levé straně. Snaží se vyléčit mladého muže, který je posedlý zlým duchem. Postava modré tuniky vlevo dole je pravděpodobně Mateo. Poraďte se s knihou, ale nenajděte řešení pro vyléčení mladého muže. Mladý žák žluté tuniky je Felipe. Napravo od Felipe s červeným rouchem jsou Andrés. Muž za Andrésem, který ukazuje na nemocné dítě, je Judas Tadeo a nejstarší muž po jeho levici je Simon. Muž na extrémní levici je pravděpodobně Judas Iscariot. Učedníci nemohou vyléčit mladého muže. To může vysvětlit, proč červený žák ukazuje na Ježíše na vrchol hory. Nemocný mladý muž napravo má kolem pasu modrou látku omotanou a vypadá velmi bledě, zatímco dělá divoké gesto. Můžete vidět, že vaše oči se dívají různými směry. Muž za ním se zelenými roucho je jeho otec, který ho drží, a zároveň se dívá na učedníky s nadějí a strachem. Před mladým mužem se dvě ženy dívají na učedníky a ukazují na mladého muže.

Oba příběhy jsou popsány v Matouš 17, Marcos 9 a Lukáš 9. Historie Bible popisuje, jak Ježíš přeměňuje do zářivé slávy, když se modlí se třemi ze svých učedníků na hoře. Ježíš mluví s Mojžíšem a Eliášem a také poslouchá Boží hlas. Transfigurační strana je stále slavena v mnoha církvích, a to buď 6. srpna nebo 19. srpna.

Rozměry transfigurace jsou 403x276 cms. Rafael upřednostňoval malování na plátně, ale tento obraz byl vyroben z olejomaleb na dřevě jako vybraná média. Rafael v tomto obraze ve skutečnosti vykazoval pokročilý manýrismus a techniky barokního období. Stylizované a zkroucené pozice postav dolní poloviny naznačují manýrismus. Dramatické napětí v těchto postavách a liberální použití světla k tmě nebo kontrasty Chiaroscuro představují barokní období přehnaného pohybu za účelem produkce dramatu, napětí, nadšení nebo osvětlení. The Transfigurace Postupoval do svého času, stejně jako Raphaelova smrt přišla příliš brzy.

The Transfigurace byla uLASTO SKVĚLÉ PRÁCE Rafaela a nepochybné mistrovské dílo altské italské renesance, je nyní v apoštolské Pinacoteca, jednom z vatikánských muzeí. V důsledku důležité obnovy provedené v roce 1977 odborníky na ochranu Vatikánu je nyní paleta barev Rafael Renaissance nyní zcela viditelná a obraz obnovil svou nedotčenou nádheru. Obnovení také rozptýlilo všechny přetrvávající otázky týkající se tvůrce obrazu. Přestože bylo toto velké mistrovské dílo nedokončeno, bylo naprosto produktem Rafaelova geniality.

Koupit reprodukci transfigurace Rafael v internetovém obchodě Kadros

Č. 7 Konečný rozsudek - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros dává čtenáři bližší pohled na historii této ikonické fresky, aby lépe porozuměl tomu, jak má konečný úsudek trvalý dopad na svět náboženského umění.

Západní prorocká náboženství (tj. Zoroastrismo, judaismus, křesťanství a islám) vyvinuly koncepty konečného rozsudku, které jsou bohaté na obrazy.

„Přijde soudce naživu a mrtvého“ (z vyznání apoštolů, jednoho z prvních prohlášení křesťanské víry).

Konečný rozsudek byl jedním z prvních uměleckých děl, které Paul III pověřil, aby byl vybrán do papežství v roce 1534. Církev, kterou zdědil, byla v krizi; Rabování Říma (1527) bylo stále nedávnou pamětí. Paul se pokusil řešit nejen mnoho zneužívání, které způsobilo protestantskou reformu, ale také potvrdil legitimitu katolické církve a pravoslaví jeho doktríny (včetně instituce papežství). Vizuální umění by hrálo klíčovou roli v jejich agendě, počínaje zprávou, kterou adresoval do svého intimního kruhu, když zadal konečný rozsudek.

Malovaný, když byl Miguel Ángel úplně ve svém zralém stylu, umělecké dílo mělo okamžitý dopad a způsobilo kontroverzi. Zatímco tento konečný úsudek lidstva nebyl pro umělce renesance neobvyklým tématem, Miguel Ángel to udělal výhradně pomocí stylu, který byl oceněn a omezen.

Tato nová zeď Sistinské kaple by měla konkrétní téma: konečný úsudek. Popis druhého příchodu Ježíše Krista a konečného Božího úsudku o lidskosti byl populárním tématem po celou dobu renesance. Vize Miguela Ángela na toto téma se v průběhu času stala ikonickou. Ve fresku vidíme více než 300 čísel namalovaných odborníky k provedení tohoto příběhu. Kristus sedí uprostřed, s rukou zvednutou, aby soudil odsouzeného, ​​kdo se ponoří do hloubky pekla. S zvlněnými svaly je tento Kristus impozantní postavou. Na levé straně sedí Panna Marie. Přijal zveřejněné vlastnictví a dívá se na ty, kteří byli zachráněni. Bezprostředně kolem tohoto centrálního páru je skupina důležitých světců. San Pedro, který má klíče nebe a sv. Jana Křtitele, jsou uvedeny ve stejném měřítku jako Kristus. Caronte a duše odsouzeného. Obecná kompozice se točí v tekutém pohybu, přičemž ty, které jsou uloženy nalevo od Krista na fotografii, která stoupá z jejich hrobů, zatímco jsou odsouzeny tlačeny do pekla. Ve spodní části freska vidíme Caronte, mytologickou postavu. V řecké a římské mytologii transportoval duše do podsvětí. Zde je vezme přímo do pekla, které je plné strašidelných postav.

Jak Dante ve své velké epické básni, Božská komedie, se Miguel Ángel snažil vytvořit epický obraz, hodný velikosti okamžiku. Použil metafory a narážky k ozdobení svého předmětu. Jeho vzdělané publikum by se potěšilo jeho vizuální a literární odkazy. Reprodukční rytiny fresky, původně určené pro omezené publikum, jej rychle rozšířily všude a vložily jej do animovaných středových debat o zásluhách a zneužívání náboženského umění.

Zatímco někteří povzbuzovali tento slavný obraz jako vrchol uměleckých úspěchů, jiní to považovali za ztělesnění všeho, co by se mohlo s náboženským uměním pokazit, a požádala o jejich zničení. Nakonec bylo dosaženo závazku. Krátce po smrti umělce v roce 1564 byl Daniele da Volterra najat, aby zakryl Nalgae a anglicky nahý kousky záclon a překreslil Santa Catalina de Alejandría, původně zobrazený bez oblečení, a San Blas, který ji ohrožoval svými ocelovými kovy (to, co váží !).

Na rozdíl od jeho omezeného publika v 16. století nyní tisíce turistů vidí konečný rozsudek denně. Během papežských konclaves se však opět stává silnou připomínkou pro kardinální vysokou školu svého místa v historii spasení, protože se setkávají, aby si vybrali pozemského vikáře Krista (dalšího papeže), osobu, kterou bude odpovědný za pastvu věřící. ve společenství vyvolených.

Koupit reprodukci konečného úsudku Miguela Ángel v internetovém obchodě Kadros

Č. 8 Věž Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Podle historie Starého zákona Bůh potrestal lidstvo třemi způsoby.

Prvním bylo vyhoštění Adama a Evy z Eden, po původním hříchu. Pak přišla velká povodeň, trest za mnoho lidských nepravosti. A třetí bylo, když Bůh nedůvěřující hrdosti a domněnce občanů násilného nového města Babylon, „zmátl řeč každého a šířil je širokou tváří Země“.

Co tak dělali Babyloniané? V Božích očích zpochybnili pořadí věcí svou deklarovanou touhou stát se „velkým lidem“, reprezentovanou konstrukcí obrovské věže, „s vrcholem, který dosáhne nebe“. Lidé měli usilovat o takové vysoké výšky, ať už fyzické nebo metaforické. Trest vybraný Bohem za to bylo ukončit společný jazyk, který používal ke sjednocení všech národů a vytvořil mnohonásobnost různých jazyků, „aby je nelze pochopit“. Výsledný zmatek znamenal, že „stavba města skončila.“ Podle Bible „proto se město nazývalo Babel“ nebo Babylon. Ze všech uměleckých reprezentací této velké věže, která tolik urazila Boha, je nejpamátnější věž Babel Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Tento slavný obraz, jeden z mnoha obrazů věnovaných náboženskému umění, byl druhým ze tří verzí Babelské věže namalované Pieterem Bruegelem. První verze (nyní ztracená) byla miniatura slonoviny, která byla v inventáři italského miniaturisty narozeného v Chorvatsku Giulio Clovio (1498-1578), se kterou Bruegel spolupracoval v roce 1553. Třetí verze byla ropa menší malovaná na Wood, datované v roce 1564, které se nyní nachází v muzeu Boijmans Van Beuningen v Rotterdamu. Obecně se věří, že Rotterdamovo malby pochází z přibližně jednoho roku po obrázku Vídeň. „Velká“ vídeňská věž je téměř dvojnásobná velká než „malá“ věž Rotterdam a je charakterizována tradičnějším ošetřením subjektu. Na základě Genesis 11: 1-9, ve kterém Pán zaměňuje lidi, kteří začali stavět „věž, jejíž vrchol může dosáhnout nebe“, zahrnuje, jak to druhá verze nedělá, scénu krále Nimroda a jeho doprovodu. před množstvím klečících pracovníků. Tato událost není uvedena v Bibli, ale byla navržena v starožitnostech Židů Flavio Josephus.

Pro Bruegela to bylo důležité, protože podtrhl hřích hrdosti a arogance krále, který má obraz zdůraznit.

Podrobný realismus Babelova věž představuje velké množství pečlivých detailů souvisejících s konstrukcí budovy, bezpochyby Bruegelův složitými znalostmi o stavebních technikách, získaných během provádění několika obrazů, které ilustrují vykopávky Amberes-Buselass kanál. Napravo je obrovský jeřáb, velmi podobný tomu, který je viditelně umístěn na přístavu v Grimani Breviary.

Mravenci Podobní pracovníci jsou zaneprázdněni tím, že ji nosí s obrovskými kamennými deskami, které dostali zdola, a předají se na horní rampu, kde jsou ostatní připraveni je přijmout. Pracovník jde nahoru po žebříku směrem k této sekci, která se transformuje ze skály na architekturu strukturovanou množstvím dalších lidí. Vlevo, část fasády již částečně končí; Žena vstupuje přes jeden z dveří, žebřík se objeví přes jedno z horních oken. Nahoře na střeše pracuje další velké množství pracovníků, a tak dále do nekonečna.

Bez ohledu na přiměřenost těchto individuálních akcí a tento bod dosud nebyl zcela prozkoumán, divák okamžitě cítí groteskní nedostatečnost inženýrských médií a šílenství celé stavební společnosti.

Jako pracovité jsou tito „mravenci“, čelí zoufalým protivenstvím, které jsou brilantně demonstrovány. Na stejné úrovni se ukončení posledního detailu staví proti nahým začátkům, s mezilehlými stádii uprostřed, což naznačuje zběsilé závody proti neúprosnému času, zatímco horní část je stále napadena mraky.

Když jsme se podívali na Bruegelův obraz a pokusili jsme se ho interpretovat, jsme také ponořeni do překladačního cvičení: jednoduše dával vizuální výraz biblické historii? Nebo jsem se snažil udělat něco širšího? Nebo prostě kombinace obou?

Nemělo by nás překvapit, že ve světě umění není nutně dohoda o záměrech Bruegelu. Místo toho, aby byl otevřen kontroverzní, učitel zakonal svou práci se znameními a nechal nás, jeho věrné diváky, aby si je interpretovali pro sebe.

Koupit reprodukci Torre de Babel od Pieter Bruegel El Viejo v internetovém obchodě Kuadros

Č. 9 Virgen Del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Virgen del Jilguero, jeden z Rafaelových florentských panelů, byl Rafael namalován za manželství její přítelkyně Lorenzo Nasi a Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Obraz byl vážně poškozen po částečném kolapsu domu Nasi v roce 1547, jak zmiňuje Vasari. Následně to pravděpodobně obnovil Michele Di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini), spolupracovník v dílně Ghirlandio, který byl hluboce ovlivněn Rafaelem.

Dítě Ježíš láskyplně hladí ptáka Jilguez, který mu baptistické dítě právě dalo. Symbol vášně (vrchol, protože se živí mezi trny), je tedy kombinován ve scéně, která lze na první úrovni smyslu považovat jednoduše za hraní dětí.

Rafael absorboval úspěchy florentinského umění, které bylo v té době v popředí v Evropě. Umělec byl silně ovlivněn postavou Leonarda. Vliv Velkého umělce vědeckého se projevuje v krásné Madonna del Jilguero („Madonna del Cardellino“) (1506), nedávno obnovena (2008) moudře a kvalifikovaná. Rafael přijímá přístup pyramidálního složení, měkké účinky tlumeného světla a emocionálního dialogu mezi postavami a odhaluje prvky Leonarda malby. Přesto je také jasné, jaký bude Rafaelův osobní styl: extrémní sladkost tváří, zejména Madonnas, mistrovské použití barev, realistická reprodukce krajiny a hluboká intimita mezi postavami.

Panna Marie je oblečená v červené a modré barvě. Červená je symbolem vášně Krista a Blue je symbolem církve a Marie. Byl to jeden z nejdražších pigmentů, a proto je vhodné použít v důležité postavě, jako je Maria. Evropský Jilguero je spojen s ukřižováním Ježíše. V tomto obrazu St. John předává ptáka Ježíši jako varování před jeho násilnou smrtí. Z knihy, kterou Mary drží, odborníci identifikovali slova „Sedes sapientiae“. Toto je jeden z oddaných titulů poskytovaných Marii a znamená „sídlo moudrosti“. Zdůrazňuje, že Marie porodila Ježíše (což představuje moudrost). Když je Mary zastoupena v roli „sídla moudrosti“, je obvykle zobrazen na trůnu s Ježíšem v klíně. V tomto případě však skála, na které se Maria cítí, slouží jako trůn.

V obraze můžete vidět několik květin. I když ne všechny květiny byly přesvědčivě identifikovány, mnozí se domnívají, že květiny jsou: sasanky (které představují bolest Marie vášně Ježíše), margarity (které představují nevinnost dítěte Ježíše), banány (které představují cestu k cestě k Sledujte Ježíše) a fialky. (což představuje pokoru).

V evropském umění se vrchol často používá jako symbol. Evropský Jilguero, Carduelis Carduelis, má červenou tvář a hlavu v černé a bílé. Stovky obrazů znovuzrození reprezentovaly Jilguero. Evropský Jilguero je často spojován s vzkříšením, ale také s duší, obětí a smrtí. Legenda říká, že hráč obdržel červenou skvrnu na hlavě během Ježíšova ukřižování, když chtěl roztrhnout trn z Ježíšovy koruny a jeho hlavu stříkala kapka Ježíše. Ve skutečnosti je známo, že hráč jí bodky a trny, a proto byl spojen s korunou trnů, kterou Ježíš použil ve svém ukřižování.

Krajina, a zejména architektonické formy, které obsahuje, odráží vliv Flamenco Art, ačkoli je stále strukturována v cestě Umbrii. Tento vliv byl ve Florencii stejně živý jako v Urbinu ve druhé polovině Quattrocento. Možná je to viditelnější na nakloněných střechách a vysokých jehel, neobvyklé prvky ve středomořské krajině. Vliv Miguela Ángela je opět patrný v dobře strukturované postavě dítěte Krista.

Tento slavný obrázek utrpěl na konci 16. století vážné škody kvůli kolapsu budovy, kde to bylo. Utrpěl vážné poškození, jako jsou hluboké a dlouhé řezy, které znetvořily dřevěný panel. Po staletí následovalo mnoho výplní, ale pouze díky poslední (vyrobené v roce 2008) se práce vrátila do své původní nádhery. Proto může být Virgen del Jilguero znovu milován a obdivován jako jeden z nejkrásnějších příkladů Rafaelova velkého malíře „Božského“.

Koupit reprodukci Virgen del Jilguero - Rafael v internetovém obchodě Kadros

No.10 Christ of San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Kristus San Juan de la Cruz byl namalován španělským surrealistickým malířem Salvadorem Dalí v roce 1951 v době, kdy se vynořil ze silného anti -religického ateismu ze své mládí a znovu objal katolickou víru.

Nejznámější náboženské dílo Dalí je bezpochyby jeho „Kristus San Juan de la Cruz“, jehož postava dominuje Port Lligat Bay. Obraz byl inspirován kresbou, zachovanou v konventu inkarnace v Ávile ve Španělsku a vyrobeným samotným San Juan de la Cruz poté, co viděl tuto vizi Krista během extáze.

V Daliině malbě lidé vedle lodi pocházejí z obrazu Le Naina a kresby Diego Velázquez pro Bredovu kapitulaci. Na konci studia pro Krista Dalí napsal: „V první řadě jsem měl v roce 1950„ kosmický sen “, ve kterém jsem viděl tento barevný obraz a že ve svém snu představovalo jádro atomu. Toto jádro jsem Později jsem získal metafyzický smysl: Zvažoval jsem „Jednotu vesmíru“, Kristus! Za druhé, když, díky pokynům otce Bruna, karmelita, jsem viděl Krista nakresleného svatým Johnem z kříže, pracoval jsem pracoval, pracoval jsem Geometricky trojúhelník a kruh, který esteticky shrnul všechny mé předchozí experimenty a zapsal můj Krista do tohoto trojúhelníku. “

V portrétu používal Salvador Dalí důmyslně dvě různé realistické barvy, které zahrnují modrou a zelenou, aby vykreslily úžasnou krajinu moře, pravděpodobně alegorie k moři Galilee. Malíř použil jedinečnou techniku ​​k malování moře na úrovni očí, zatímco Kristovo tělo visí ve vzduchu kříže. Za křížem malíř použil černou olejovou barvu. To mělo učinit z těla Krista středem pozornosti.

Dalí dokázal vykreslit Kristovo svaly jemným tónem. Kromě toho se mu podařilo malovat stíny, které vytvořily hloubku. Kromě toho Salvador maloval vzdálené hory ve výšce očí. Ve spodní části obrázku můžete vidět osamělý muž stojícího na doku s jeho lodí. Renomovaný malíř byl schopen kombinovat realistické barvy a řádný design a vytvořit působivý neskutečný portrét náboženské postavy.

Bylo řečeno, že původní verze 16. století zobrazuje krucifix z úhlu, ve kterém by to umírající člověk viděl, když to ukáže, aby ji uctíval.

Dalí nás nutí vidět Krista a kříž přímo shora a dívat se dolů do souboru mraků pod a na Zemi pod ním. Ve skutečnosti je to nebeská perspektiva Boha Otce. Je zajímavé, že Syn, Kristus sdílí stejnou perspektivu jako Otec: jeho pohled sleduje a pokračuje v Otci. Čtvrté evangelium zdůrazňuje, že Syn pochází od Otce a je s ním jeden, vidí a dělá všechno, co mu otec říká. Svým způsobem otec také nabízí Synovi světu, aby ho zachránil.

V obraze Krista San Juan se posvátné srdce Ježíše neodráží navenek, ale je zapojeno do uměleckého rozmístění síly, která překonává ignominy kříže. Dalí nás maluje vítězného Krista. Ukazuje, že Kristus San Juan de la Cruz vyprší k smrti za lásku.

V „Kristus San Juan de la Cruz“ z Dalí Ježíš zavěšen z kříže odzbrojil síly a úřady a učinil z nich veřejnou podívanou a zvítězil nad nimi s mocí své lásky na kříži (pl. 2: 15).

Kříž je tedy místem, kde dobře vyprší do zla, kde je temnota poražena světlem, kde semeno ženy konečně rozdrtí hlavu hada (Gen 3:15), kde byla zničena obvinění proti světu a při křižovatce přibit. Především to je místo, kde láska dobyvá nenávist a všechny formy zloby.

Toto slavné Dalího dílo bylo považováno za banální důležitou uměleckou kritikou, když byl poprvé vystaven v Londýně. O několik let později však byl vyříznut fanouškem, když byl zavěšen v muzeu Glasgow, což důkaz úžasného opačného efektu na diváky.

V obraze je několik perspektiv, znamení fenomenálního talentu Dalí.

Vzhledem k tomu, že Dalího díla ještě nejsou ve veřejné doméně, Kadros nedělá repliky tohoto malíře, samozřejmě ho nepřestávat obdivovat. 

Kuadros ©, slavná barva na vaší zdi.