Fundațiile istoriei artei datează din zeci de mii de ani până când civilizațiile antice au folosit tehnicile și mijloacele disponibile pentru a reprezenta o temă semnificativă din punct de vedere cultural. Din aceste prime exemple, au urmat o mulțime de mișcări artistice, fiecare cu propriile lor stiluri și caracteristici care reflectă influențele politice și sociale ale perioadei din care au apărut.
Ce înseamnă Fauvismul și ce este arta conceptuală? A vorbi despre artă pare o disciplină în sine și dacă ești nou în lumea artei, probabil că ai multe întrebări, în special despre fiecare mișcare în artă și diferite tipuri de artă.
Genurile de artă influente, de la Renaștere până la apariția modernismului, și -au lăsat fără îndoială amprenta în istorie.
Având concepte clare despre istorie și importanța mișcărilor sale artistice, vom avea o înțelegere mai clară a modului în care artiști celebri precum Van Gogh, Picasso și Warhol au revoluționat lumea artei.
Kadros a făcut o listă cu cele mai importante mișcări pentru tine.
No.1 Renașterea italiană (1400-1550)
Unii exponenți: Doors Giberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Spre sfârșitul secolului al XIV -lea d. C., o mână de gânditori italieni au declarat că trăiesc într -o nouă eră. Barbara, care nu a fost iluminată „Evul Mediu” s -a terminat; Cel nou ar fi un „rinincità” („renaștere”) de învățare și literatură, artă și cultură. Aceasta a fost nașterea perioadei acum cunoscute sub numele de Renaștere. Timp de secole, savanții au fost de acord că renașterea italiană (un alt cuvânt pentru „renaștere”) s -a întâmplat exact așa: că între secolul al XIV -lea și al XVII -lea, un mod nou și modern de a gândi despre lume și locul omului omului în el El a înlocuit vechile idei. De fapt, multe dintre realizările științifice, artistice și culturale ale renașterii așa -numite împărtășesc probleme comune, în special credința umanistă că omul era centrul propriului său univers.
Renașterea italiană în contextul Italiei din secolul al XV -lea a fost diferită de orice alt loc din Europa. Acesta a fost împărțit în statele orașe independente, fiecare cu o formă diferită de guvernare. Florența, unde a început renașterea italiană, a fost o republică independentă. De asemenea, a fost o bancă și capital comercial și, după Londra și Constantinopol, al treilea oraș ca mărime din Europa. Florentinii bogați și -au evitat banii și să poată deveni patroni sau susținători ai artiștilor și intelectualilor. În acest fel, orașul a devenit centrul cultural al Europei și Renașterea.
Se poate spune că Renașterea a fost împărțită în două părți:
În timpul renașterii timpurii, artiștii au început să respingă stilul bizantin al picturii religioase și s -au străduit să creeze realism în reprezentarea lor a formei și spațiului uman. Acest obiectiv față de realism a început cu Cimabue și Giotto și a atins apogeul în arta artiștilor „perfecți”, precum Andrea Mantegna și Paolo Uccello. În timp ce religia a fost un element important în viața de zi cu zi a oamenilor care au trăit în timpul Renașterii, vedem și un nou traseu deschis către Gasp: Tema mitologică. Mulți savanți subliniază Nașterea lui Venus din Botticelli ca primul pictură de panou a unei scene mitologice.
Perioada cunoscută sub numele de renaștere înaltă reprezintă punctul culminant al obiectivelor renașterii timpurii. Cei mai cunoscuți artiști ai acestei faze sunt Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano și Miguel Ángel. Picturile sale și proaspete sunt printre cele mai cunoscute opere de artă. Ultima cina Da Vinci, Școala Atenei Rafael și tablourile acoperișului Capelei Sixtine din Miguel Ángel sunt capodoperele acestei perioade și întruchipează elementele înaltei Renașteri.
Cumpărați o reproducere a Lisa Mona în magazinul online de Kadros
No.2 Barocco (1600–1750)
Unii exponenți: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Termenul baroc derivă în cele din urmă din cuvântul italian Barocco, pe care filosofii l -au folosit în Evul Mediu pentru a descrie un obstacol în logica schematică. Ulterior, cuvântul a ajuns să denoze orice idee sau un proces răsucit de gândire implicată. O altă sursă posibilă este cuvântul portughez baroc (Barrueco spaniol), care este folosit pentru a descrie o perlă neregulată sau imperfectă, iar această utilizare supraviețuiește încă în termenul de perlă barocă a bijutierului. Barocul este o mișcare în artă și arhitectură dezvoltată în Europa de la începutul secolului al XVII -lea până la mijlocul secolului -18. Acesta subliniază mișcarea dramatică și exagerată și detaliile clare și ușor de interpretat, care este departe de suprarealism, de a produce dramă, tensiune, exuberanță și măreție.
Primele manifestări, care au avut loc în Italia, datează din ultimele decenii ale secolului al XVI -lea, în timp ce în unele regiuni, în special în Germania și în America de Sud colonială, anumite realizări culminante ale barocului nu au apărut până în secolul al XVIII -lea.
Artiștii au continuat să reînvie idealurile frumuseții Renașterii, insuflând lucrărilor de artă, muzică și arhitectură ale vremii, un wink a reînviat la clasicism și mai îmbunătățit de o nouă extravaganță și înclinație exuberantă pentru ornamentate. Acest stil extrem de împodobit a fost creat ca baroc și a fost caracterizat prin tehnicile și detaliile sale inovatoare, oferind un limbaj vizual nou și luxuriant în ceea ce fusese o perioadă relativ atenuată pentru artă. Barocul s -a răspândit în toată Europa, regizat în principal de Papa din Roma și conducătorii catolici din Italia, Franța, Spania și Flandra. S -a răspândit și mai mult prin ordine religioase puternice prin rețeaua sa extinsă de mănăstiri și mănăstiri. Stilul s -a extins rapid în Franța, Italia de Nord, Spania și Portugalia, apoi în Austria și sudul Germaniei.
Stilul baroc care s -a dezvoltat din acest program a fost, paradoxal, senzual și spiritual; În timp ce un tratament naturalist a făcut ca imaginea religioasă să fie mai accesibilă pentru enoriașul mediu, efectele dramatice și iluzorii au fost utilizate pentru a stimula evlavia și devotamentul și a transmite o impresie a splendorii divinului. Acoperișurile bisericilor baroce s -au dizolvat în scene pictate care au prezentat viziuni vii ale infinitului observatorului și au îndreptat simțurile spre preocupările cerești.
În timp ce tema și chiar stilul pot varia între tablourile baroce, majoritatea pieselor din această perioadă au un lucru comun: drama. În opera pictorilor cunoscuți ca Caravaggio și Rembrandt, interesul pentru dramă se materializează ca contraste intense între lumina radiantă și umbrele iminente.
Acest mare profesor al regiunii catolice, guvernat în mare parte de spanioli, a fost pictorul Peter Paul Rubens, ale căror compoziții diagonale furtunoase și figuri largi de sânge complet sunt epitetul vopselei baroce. Portretele elegante ale lui Anthony Van Dyck și lucrările figurative robuste ale lui Jacob Jordaens au emulit exemplul lui Rubens. Art in the Netherlands was conditioned by the realistic tastes of their dominant middle class patterns, and therefore, both the innumerable genre and the landscape painters of that country and the imposing teachers such as Rembrandt and Frans Hals remained independent of the style Baroque in important aspects . Cu toate acestea, barocul a avut un impact remarcabil asupra Angliei, în special în bisericile și palatele concepute, respectiv, de Sir Christopher Wren și Sir John Vanbruch.
La fel ca statuile Renașterii, inclusiv iconicul David din Miguel Ángel, sculpturile baroce erau adesea destinate să decoreze clădirile maiestuoase. De asemenea, au fost comandate pentru alte scenarii mari, cum ar fi interioarele bisericilor de aur și grădinile reale.
Ultima înflorire barocă a fost în mare parte catolică Roman în sudul Germaniei și Austriei, unde arhitecții autohtoni s -au despărțit de modelele de construcții italiene din anii 1720.
Cumpărați o reproducere a meninelor în magazinul online de Kadros
Nr.3 Realism (1848–1900)
Unii exponenți: Corot, Court, Daumier, mei.
Realism, în arte, reprezentarea precisă, detaliată și fără ornamente ale naturii sau a vieții contemporane. Realismul respinge idealizarea imaginativă în favoarea unei observații strânse a aparițiilor externe. Ca atare, realismul în sensul său larg a acoperit mulți curenți artistici în diferite civilizații. În artele vizuale, de exemplu, realismul poate fi găsit în vechile sculpturi grecești elenistice care înfățișează cu exactitate boxerii și decorațiunile vechi. Lucrările pictorilor din secolul al XVII -lea precum Caravaggio, pictorii genului olandez, pictorii spanioli José de Ribera, Diego Velázquez și Francisco de Zurbarán și frații Le Nain din Franța sunt o abordare realistă. Lucrările romancierilor englezi din secolul al XVIII -lea Daniel Defoe, Henry Fielding și Tobias Smollett pot fi, de asemenea, numite realiste.
Realismul a apărut în Franța în anii 1850. Imediat după Revoluția din 1848, un eveniment care a stabilit „dreptul la muncă” în țară, mișcarea a introdus ideea clasei medii, muncitoare, a scenariilor contemporane, a scenariilor contemporane și a scenelor de zi cu zi ca teme artistice decente.
Realismul s -a extins în toată Europa, de la Rusia din Alejandro II până la Marea Britanie a reginei Victoria, de la Germania Guillermo I până la Italia Risorgimento și de la Imperiul Habsburgului până la Scandinavia și țările dincolo. Anul 1855 a fost semnificativ în stabilirea realismului în Europa.
Gustave Coubet Adesea este considerată figura principală a realismului. El a pus bazele mișcării în anii 1840, când a început să înfățișeze țăranii și muncitorii. Faptul că Courbet nu le -a glorificat, ci că le -a prezentat cu îndrăzneală și a creat sever o reacție violentă în lumea artei.
Stilul și lucrările lui Courbet emise au fost construite într -un câmp deja rupt de pictorii Școlii Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet și alții la începutul anilor 1830 au fost înființate în orașul francez Barbizon, cu scopul de a reproduce cu fidelitate caracterul local al peisajului.
Realismul pictorial în afara Franței a fost poate mai bine reprezentat în secolul al XIX -lea în Statele Unite. Acolo, picturile puternice și expresive ale lui Winslow Homer pe probleme marine și portrete, scene de navigație și alte lucrări ale lui Thomas Eakins sunt înregistrări sinceră, neatractive și foarte observate ale vieții contemporane. Realismul a fost un curent diferit în arta secolului al XX -lea și a fost în general derivat din dorința artiștilor de a prezenta mai sinceră, sinceră și fără a idealiza păreri despre viața de zi cu zi sau încercările lor de a folosi arta ca vehicul pentru critici pentru critici sociale și politice .
Scenele aspră, conturate, aproape jurnalistice ale vieții urbane, cu cusătura grupului de pictori americani cunoscuți sub numele de opt (8) căderea din prima categorie. Mișcarea artistică germană cunoscută sub numele de Neue Sachlichkeit. Realismul socialist, sponsorizat oficial în Uniunea Sovietică, a folosit tehnici de idealizare naturalistă pentru a crea portrete de lucrători și ingineri intriți care au fost surprinzător de similari atât în pozitivismul lor eroic, cât și în lipsa lor de credibilitate reală.
În plus, realismul a inspirat direct mișcări importante ale artei contemporane, cum ar fi fotorealismul și hiperrealismul. Pe baza abordării remarcabil de moderne a realismului, aceste genuri demonstrează moștenirea durabilă și evolutivă a mișcării inovatoare.
Cumpărați o reproducere a Spimators în magazinul online de Kadros
No.4 Impresionism (1865-1885)
Unii exponenți: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Impresionismul francez este o mișcare importantă, mai întâi în pictură și apoi în muzică, care s -a dezvoltat în principal în Franța la sfârșitul secolului al XIX -lea și începutul secolului XX. Cea mai notabilă caracteristică a impresionismului în pictură a fost o încercare de a se înregistra precis și obiectiv la reprezentări realiste ale impresiilor trecătoare ale împrejurimilor lor, care erau adesea afară. În muzică, a fost să transmită o idee sau un efect printr -o spălare sonoră în loc de o structură formală strictă.
La sfârșitul anilor 1860, arta Manet A reflectat o nouă estetică, care ar trebui să fie o forță de ghidare în lucrarea impresionistă, în care importanța temei tradiționale a fost redusă și atenția a trecut la manipularea culorii, tonului și texturii artistului. Se termină în ei înșiși.
În 1874, un grup de artiști au numit pictori, sculptori, înregistratoare etc. El a organizat o expoziție la Paris care a lansat mișcarea numită Impresionism. Membrii săi fondatori au inclus Claude Monet, Edgar Degas și Camille Pissarro, printre altele. Grupul a făcut primul său spectacol, independent de sala oficială a Academiei Franceze, care a respins constant majoritatea lucrărilor sale. Pictura lui Monet Rising Sun Printing ) În timp ce criticii conservatori și -au criticat munca pentru aspectul și schița lor incompletă, cei mai progresivi scriitori l -au lăudat pentru descrierea vieții sale moderne. Edmond Duranty, de exemplu, în eseul său din 1876 The Nouvelle Peinture (noua pictură), a scris despre reprezentarea sa a temei contemporane într -un stil inovator adecvat ca revoluție în pictură.
De la concepția sa, impresionismul a fost definit de un set de caracteristici. Acestea includ: perii picturali, culori distinctive, reprezentări ale problemelor comune, un accent pe lumină și compoziții inspirate de fotografie.
La mijlocul anilor 1880, grupul impresionist începuse să se dizolve în timp ce fiecare pictor a urmărit din ce în ce mai mult propriile interese și principii estetice. Cu toate acestea, în scurta sa existență, a obținut o revoluție în istoria artei, oferind un punct de plecare tehnic pentru artiștii -impresionisti Cézanne, De gaz, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh și Georges Seurat și eliberează toată pictura posterioară occidentală a tehnicilor tradiționale. și abordări ale subiectului.
Moștenirea și prezența impresionismului astăzi
Desigur, ca punct de plecare al modernismului, impresionismul a influențat multe mișcări ulterioare. Postimpresionistii au adoptat periajul lor pictorial; Expresierii abstracti au găsit inspirație asupra abordării neconvenționale a formei Monet; Și mulți artiști contemporani chiar continuă să lucreze într -un stil neo -impresionist.
Cumpărați o reproducere o femeie cu o umbrelă în magazinul online de Kadros
No.5 Post -impresionism (1885–1910)
Câțiva exponenți: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -impresionismul este un termen folosit pentru a descrie reacția din anii 1880 împotriva impresionismului. A fost regizat de Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh și Georges Seurat. Post -impresionistii au respins îngrijorarea impresionismului cu privire la reprezentarea spontană și naturalistă a luminii și a culorii.
Toți acești pictori, cu excepția lui Van Gogh, erau francezi, iar cei mai mulți au început ca impresionisti; Fiecare dintre ei a abandonat stilul, pentru a -și forma propria artă extrem de personală.
Ca și impresionistii, ei au evidențiat artificialitatea imaginii. Post -impresionistii au crezut, de asemenea, că culoarea ar putea fi independentă de forma și compoziția ca purtător emoțional și estetic al sensului. Atât impresionismul, cât și post -impresionismul includ unele dintre cele mai cunoscute opere moderne de artă, cum ar fi Crinii de apă monet, o serie de peisaje acvatice și Noaptea înstelată de Van Gogh.
Impresionistii post -a împărtășit munca lor cu publicul prin expoziții independente din Paris. În 1910, criticul de artă proeminent, istoricul și curatorul Roger Fry a inventat termenul „post -impresionism” cu spectacolul său, Manet și Post -Impresionists. La fel ca și -impresionistii înșiși, Fry credea că frumusețea artei este înrădăcinată în mod inerent în percepție. „Arta este o expresie și un stimul pentru viața imaginativă în loc de o copie a vieții reale”, explică Fry într -un eseu din estetică.
După cum a explicat Fry, post -impresionistii au crezut că o operă de artă nu ar trebui să se învârtă în jurul stilului, procesului sau abordării estetice. În schimb, trebuie să subliniați simbolismul, comunicând mesaje din subconștientul artistului.
Post -impresionistii au expus adesea împreună, dar, spre deosebire de impresionistii, care au început ca un grup foarte unit și cordial, au pictat mai ales singuri. Cézanne pictat în izolare în Aix-en-Provence în sudul Franței; Singurătatea lui a fost potrivită de cea a lui Paul Gauguin, care în 1891 a fost instalată în Tahiti, și Van Gogh, care a pictat pe câmp în Arles. Atât Gauguin, cât și Van Gogh au respins obiectivitatea indiferentă a impresionismului în favoarea unei expresii spirituale mai personale.
„Ce culoare profundă și misterioasă!
Spre deosebire de impresionistii care s -au străduit să surprindă efectul luminii naturale asupra nuanței, post -impresionistii au folosit pe scop o paletă de culori artificială ca o modalitate de a -și înfățișa percepțiile asupra lumii care le -a înconjurat. Tonurile saturate, umbrele multicolore și gamele de culori bogate sunt evidente în majoritatea picturilor postimpresioniste, demonstrând abordarea inovatoare și imaginativă a artiștilor pentru reprezentare.
În general, post -impresionismul s -a îndepărtat de o abordare naturalistă și a mers la cele două mișcări principale ale artei de la începutul secolului XX care a înlocuit -o: cubismul și fauvismul, care a căutat să evoce emoțiile prin culoare și linie.
Cumpărați o reproducere stele în magazinul online de Kadros
Nr. 6 Fauvismul și expresionismul (1900–1935)
Pictura așezată în culori groase, care ies din pagină și tonuri antinaturale: fauvismul și expresionismul sunt două dintre mișcările care au dat viață acestor caracteristici. Deci, care este diferența dintre ei, dacă pot fi descrise în același mod? În primul rând, vom explica pe cont propriu fauvismul și expresionismul.
Fauvism
Unii exponenți: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo a confiscat scena artistică din 1905 până în 1910, mai mult sau mai puțin, și se caracterizează printr -o culoare intensă și pensule îndrăznețe. În unele cazuri, artiștii din această perioadă au aplicat vopsea direct din sticlă. Culorile nu trebuiau să fie credincioase naturii, neapărat. S -ar putea schimba pentru a arăta emoția. Au ales probleme simple și din această cauză, tablourile păreau aproape abstracte. Criticul de artă Louis Vauxcelles a inventat termenul după ce a descris opera lui Henri Matisse și Andre Derain, cum ar fi „Les Fauves” sau The Beasts, în timpul unei expoziții din 1905, în camera de zi, automobilul din Paris. Lucrarea în expoziția lui Matisse și Derain a fost plină de opțiuni de culoare nefirească și pete de vopsea sălbatică pe pânză. Ar fi începutul fauvismului.
Artiștii Fauvism au fost profund interesați de teoria științifică a culorii secolului al XIX -lea. Mai exact, cu utilizarea culorilor complementare, Fauvistas a înțeles cum să facă culorile să pară mai strălucitoare și îndrăznețe pentru a încorpora aceste teorii.
Pictura lui Henri Matisse „Femeia cu o pălărie”. A fost criticat de culorile anti -naturale de pe chipul femeii. Paul Signac (1863-1935) este renumit pentru punctul său. El a fost, de asemenea, un mentor al lui Henri Matisse. Puntillismo este o tehnică în care sunt plasate împreună puncte mici de culori primare. Când vă îndepărtați, este combinat într -o singură imagine. Acest lucru poate fi comparat cu pixelii de pe ecranul computerului. Fiecare pixel individual este o culoare diferită, dar când vedeți o distanță ușoară, creează o imagine. Stilul punctului Rill a arătat ce ar putea face artiștii cu culorile primare și cum ar putea folosi iluzii optice în munca lor.
Pe lângă Matisse și Derain, alți artiști importanți Fauvistas includ Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault și Maurice de Vlaminck.
Expresionism
Unii exponenți: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Expresionismul este un termen general pentru orice operă de artă care denaturează realitatea pentru a coincide cu sentimentele interne, viziunile sau ideile artistului. Pe scurt, este o artă care exprimă realități interne în lumea exterioară. Aceasta este o definiție destul de generalizată, dar există unele caracteristici distinctive ale expresionismului. În special, culorile utilizate în expresionism vor fi intensă și adesea nefirești, ceea ce înseamnă că pielea cuiva ar putea fi pictată albastru în loc de bronz sau maro. Vopseaua este folosită adesea în cantități mari în stilul expresionist, ceea ce creează multă textură pe pânză.
Expresionismul a venit din „din interior”, fiind o reflectare a sentimentelor artistului mai mult decât o reprezentare a unei scene. Doi artiști expresionisti influenți au fost Emily Carr și Edvard Munch.
În ceea ce privește subiectul, arta expresionistă tinde să fie emoțională și, uneori, chiar mitică, presupunând că expresionismul este o extensie a romantismului. Deoarece expresionismul este un termen atât de larg, este ușor să începi să -l atribuim artei oricărui timp. Apoi, în cea mai mare parte, expresionismul se aplică în general la arta secolului XX. Se spune că a început cu opera lui Vincent Van Gogh și se extinde la arta modernă așa cum o știm astăzi.
Principalii contribuabili ai mișcării expresioniste sunt artiști precum Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch și alții.
Cumpărați o reproducere a strigătului în magazinul online al Kadros
Fauvismul poate fi văzut ca un subset de expresionism. Expresionismul poate include o gamă atât de largă de artă și mișcări, încât este aproape imposibil să le separați pentru a fi cu adevărat diferite. Ei folosesc aceleași tehnici și sunt clasificate după aceleași caracteristici, iar singura diferență reală este natura specifică a fauvismului, în contrast cu natura generală a expresionismului.
Ceva care poate fi considerat Fauvista ar putea face parte și din domeniul expresionismului. Dar, ceva care este considerat expresionist nu este neapărat în stilul Fauvista. Fauvismul este ceva mai sălbatic, dar cu o temă mai simplistă.
Deci, fauvismul versus expresionism nu este un lucru. Nu concurează între ei, deoarece una este pur și simplu o versiune a celuilalt.
Nr.7 Cubism (1905–1920)
Unii exponenți: Pablo Picasso, Georges Braque
Cubismul, foarte influent Stil de arte vizuale din secolul al XX -lea, care a fost creat în principal de artiștii Pablo Picasso și Georges Braque la Paris între 1907 și 1914. Stilul cubist a subliniat suprafața plată și două dimensiuni a planului imaginii, respingând tehnicile tradiționale și tehnicile tradiționale . de perspectivă, Scorzo, modelarea și clarificarea și respingerea teoriilor antice că arta ar trebui să imite natura. Cubiștii credeau că tradițiile artei occidentale au fost epuizate și pentru a -și revitaliza opera, au recurs la energia expresivă a artei altor culturi, în special a artei africane.
Cubismul își derivă numele din comentariile făcute de criticul Louis Vauxcelles, care a eliminat lucrările lui Braque în 1908 case din Iestaque, compuse din cuburi. În tabloul lui Braque, volumele caselor, formele cilindrice ale copacilor și schema maro și verde își amintesc peisajele lui Paul Cézanne, care i -a inspirat profund pe cubiști în prima lor etapă de dezvoltare (până în 1909). Cu toate acestea, a fost Les Demoiselles D'Avignon, pictat de Picasso în 1907, care a prevestit noul stil; În această lucrare, formele a cinci nuduri feminine devin forme unghiulare și fracturate.
Se poate observa că cubismul s -a dezvoltat în două faze diferite: cubismul analitic inițial și mai auster și o fază posterioară a cubismului cunoscut sub numele de cubism sintetic. Cubismul analitic a fost dezvoltat între 1908–12. Lucrările sale de artă arată mai severe și sunt formate dintr -o combinație de avioane și linii în tonuri de pe negri, gri și ocru. Cubismul sintetic este faza posterioară a cubismului, se consideră în general că datează de la aproximativ 1912 până în 1914 și se caracterizează prin forme mai simple și culori mai strălucitoare. Lucrările cubiste sintetice includ, de obicei, elemente reale combinate, cum ar fi ziarele. Includerea obiectelor reale direct în artă a fost începutul uneia dintre cele mai importante idei ale artei moderne.
În timp ce crearea acestui nou limbaj vizual este atribuită lui Picasso și Braque, acesta a fost adoptat și dezvoltat de mulți pictori, inclusiv Fernand Léger, Robert și Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes și Jean Metzinger. Deși este asociat în principal cu pictura, cubismul a exercitat, de asemenea, o influență profundă asupra sculpturii și arhitecturii secolului XX. Principalii sculptori cubisti au fost Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon și Jacques Lipchitz. Adoptarea esteticii cubiste de către arhitectul elvețian Le Corbusier se reflectă sub formele caselor pe care le -a proiectat în anii 1920.
În timpul iernii 1912–13, Picasso a executat un număr mare de Papiers Collés. Cu această nouă tehnică de lipire a pieselor de hârtie colorată sau imprimată în compozițiile lor, Picasso și Braque au mărit ultimele vestigii ale trei spațiu -dimensional (iluzionism) care au rămas încă în lucrarea lor analitică „înaltă”.
Conceptele formale de eliberare inițiate de cubism au avut, de asemenea, consecințe mari pentru Dada și suprarealism, precum și pentru toți artiștii care urmăresc abstracția în Germania, Olanda, Italia, Anglia, Statele Unite și Rusia.
No.8 Dada și Surrealism (1917–1950)
Dadaist
Câțiva exponenți: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Domeniul de aplicare internațional și producția artistică diversă, atât cele date, cât și suprarealismul au fost mișcări artistice, literare și intelectuale de la începutul secolului XX, care au fost fundamentale pentru a defini modernismul. Mișcarea dată, lansată la Zurich în 1916 de poeți și artiști precum Tristan Tzara și Hans ARP, a fost o reacție directă la masacru, propagandă și nebunie a Primului Război Mondial. Grupuri independente legate de idei comune au apărut la scurt timp după New York. , Berlin, Paris și alte locuri. Aceste diferite grupuri nu au împărtășit un stil universal, ci au fost conectate pentru respingerea lor de idealism, convenții artistice și intelectuale învechite și îmbrățișarea necontrolată a societății moderne pentru „raționalism” și „progres”.
Având în vedere că a fost o mișcare artistică de avangardă europeană, cu centre timpurii în Zurich, Elveția și New York.
Numele, extras dintr -un dicționar din Zurich în 1916, înseamnă „balansoar” în franceză sau „da” în română și rus. Dar, întrucât numele unei mișcări nu înseamnă cu adevărat nimic deloc. Bolnav de cultură care a produs carnavalul Primului Război Mondial, având în vedere că a contestat toate vacile sacre, aruncând expresia și autorul prin fereastră și sărbătorind șansa și absurdul.
Rădăcinile Dada se găsesc în avangardă înainte de război. Termenul Antiarte, un precursor al Dada, a fost creat de Marcel Duchamp în jurul anului 1913 pentru a caracteriza lucrări care contestă restricțiile acceptate ale artei.
Mișcarea Dadaist a inclus întâlniri publice, demonstrații și publicarea revistelor de artă / literare; Acoperirea pasională a artei, politicii și culturii a fost adesea discutată într -o varietate de mass -media.
Mișcarea a influențat stiluri posterioare, cum ar fi avangarda și mișcările de muzică centrală și grupuri care includ suprarealismul și arta pop.
Apoi, suprarealismul a ajuns să canalizeze energiile anti -nadale ale dadaistilor precum Marcel Duchamp înapoi la muzeu, care a declanșat o mișcare extrem de reușită, dar frenetică, care a devastat Europa între războaie și a îmbrățișat multe media.
Suprarealism
Unii exponenți: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Una dintre cele mai importante și subversive mișcări ale secolului XX, suprarealismul a înflorit în special în anii 1920 și 1930 și a oferit o alternativă radicală la calitățile raționale și formale ale cubismului. O mișcare literară, filozofică și artistică a secolului XX care a explorat funcționarea minții, apărând irațional, poetic și revoluționar.
Spre deosebire de Dada, din care a apărut în multe feluri, a subliniat respingerea pozitivă, mai degrabă decât pesimistul tradițiilor anterioare.
Cuvântul „suprarealist” (care sugerează „dincolo de realitate”) a fost creat de poetul de avangardă francez Guillaume Apollinaire într -o lucrare scrisă în 1903 și reprezentată în 1917. Dar a fost André Breton, liderul unui nou grup de poeți și artiști În Paris, care, în manifestul său suprarealist (1924), a definit suprarealismul ca: automatism psihic pur, prin care se propune să exprime, fie verbal, în scris, fie în orice alt mod, funcționarea reală a gândirii. Dictarea gândirii în absența oricărui control exercitat pentru rațiune, dincolo de orice problemă estetică și morală.
Mai multe fire diferite pot fi distinse în manifestarea vizuală a suprarealismului. Artiști precum Max Ernst și André Masson au favorizat automatismul în care controlul conștient este suprimat, iar subconștientul este permis să preia controlul. Dimpotrivă, Salvador Dalí și René Magritte au urmărit un sentiment uimitor de superrealitate în care scenele reprezentate nu au un sens real. O a treia variație a fost juxtapunerea elementelor fără legătură, stabilind o realitate nerealizabilă în afara limitelor realității normale. Surrealismul își are originea inițial la Paris. Influența sa a fost extinsă printr -o serie de reviste și expoziții internaționale, fiind cele mai importante exemple ale acesteia din urmă expoziția internațională suprarealistă din New Burlington, Londra și Fada de artă fantastică, suprarealism în Muzeul de Artă Modernă New York, ambele realizate în 1936. Odată cu izbucnirea celui de -al Doilea Război Mondial, centrul activității suprarealiste a fost transferat la New York, iar la sfârșitul războiului, mișcarea și -a pierdut coerența. Cu toate acestea, a păstrat o influență puternică, evidentă în mod clar în aspecte ale expresionismului abstract și în alte manifestări artistice din a doua jumătate a secolului XX.
Mulți susțin că suprarealismul, ca mișcare culturală identificabilă, s -a încheiat cu moartea lui Breton în 1966. Alții cred că rămâne astăzi o forță vitală și relevantă.
No.9 Expresionism abstract (1940–1950)
Unii exponenți: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
„Expresionismul abstract” nu a fost niciodată o etichetă ideală pentru mișcare, care a fost dezvoltată la New York în anii ’40 -’50. Într -un fel, a fost destinată să acopere nu numai munca pictorilor care și -au umplut pânzele cu câmpuri cu câmpuri de culoare și forme abstracte, dar și cei care și -au atacat pânzele cu o expresie gestuală viguroasă. Toți s -au angajat în artă ca expresii ale sinelui, născute din emoții profunde și teme universale, iar majoritatea au fost formate prin moștenirea suprarealismului, o mișcare care s -a tradus într -un stil nou care s -a adaptat la starea de spirit de anxietate și traume. În succesul lor, acești pictori din New York au furat Parisul ca manta ca lider al artei moderne și au pregătit scena pentru stăpânirea Statelor Unite în lumea artei internaționale. Expresionismul abstract a marcat începutul influenței orașului New York ca centru al lumii artei occidentale. Lumea artiștilor expresionisti abstracti era ferm înrădăcinată în Manhattan scăzut. O plimbare de -a lungul străzii 8 ar lua -o de la cantina Waldorf, unde artiștii fără bani au făcut „supă de roșii” cu apă caldă și ketchup gratuit; După Hans Hofmann School of Plastic Artists fondat de pictorul cu același nume; Spre club, un mansardă în care conferințele și argumentele încălzite despre artă au continuat până noaptea târziu. Jackson Pollock's study was at EAST 8th Street, Kooning and Philip Guston Willem were in East 10th, and although Franz Kline moved to several houses and studies in the area, most of the nights found him and many of his Contemporaries in Cedar Street Tavern at the Site -ul universitar.
Mișcarea a inclus multe stiluri picturale diferite care au variat atât în tehnică, cât și în calitatea expresiei. De multe ori folosesc grade de abstractizare; Adică reprezintă forme nerealiste sau, la forme extreme, care nu sunt extrase din lumea vizibilă (non -obiectiv). Acestea subliniază expresia emoțională liberă, spontană și personală și exercită o libertate considerabilă de tehnică și execuție pentru a atinge acest obiectiv, cu un accent deosebit pus pe exploatarea caracterului fizic variabil al tabloului pentru a evoca calități expresive (de exemplu, senzualitate, dinamism ) , violență, mister, lirism).
Majoritatea artiștilor asociați cu expresionismul abstract s -au maturizat în anii 1930. Au fost influențați de politica de stânga a vremii și au ajuns să aprecieze o artă bazată pe experiența personală. Puțini își vor menține opiniile politice radicale anterioare, dar mulți au continuat să adopte poziția Frank Avant -Garde.
În ciuda diversității mișcării expresioniste abstracte, se pot distinge trei abordări generale. Unul, pictura de acțiune, se caracterizează printr -o manipulare liberă, rapidă, dinamică sau energetică a vopselei în scanarea sau tăierea pensulelor și în tehnici parțial dictate din întâmplare, cum ar fi picurarea sau vărsarea vopselei direct pe pânză. Artiști: Pollock, Kooning.
Termenul mediu din expresionismul abstract este reprezentat de mai multe stiluri variate, variind de la forme mai lirice, delicate și fluide. Artiști: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
A treia abordare mai puțin expresivă a fost cea a lui Rothko, Newman și Reinhardt. Acești pictori au folosit zone mari, sau câmpuri, vopsea plană și fină și diafană pentru a obține efecte silențioase, subtile și aproape meditative.
Deși mișcarea a fost reprezentată în mare parte de -a lungul documentației istorice, ca aparținând eroicului artist masculin punctat cu pictură, au existat mai mulți expresionisti abstracti importanți care au apărut din New York și San Francisco în anii ’40 -’50, care acum primesc credit ca membri elementari ai elementarii ai elementelor elementare din taxa.
No.10 Pop Art (1960)
Unii exponenți: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist și Claes Oldenburg
Pop Art a început cu artiștii din New York, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist și Claes Oldenburg, care au fost inspirați de imagini populare și au făcut parte dintr -un fenomen internațional.
A fost o revoltă împotriva abordărilor dominante ale artei și culturii și opiniile tradiționale despre ce ar trebui să fie arta. Tinerii artiști au considerat că ceea ce i -au învățat la Școala de Artă și ceea ce au văzut în muzee nu au nicio legătură cu viața lor sau cu lucrurile pe care le -au văzut în jurul lor în fiecare zi. În schimb, surse precum filme de la Hollywood, publicitate, ambalaje pentru produse, muzică pop și benzi desenate pentru a -și obține imaginile. După popularitatea expresionistilor abstracti, reintroducerea imaginilor identificabile de către POP (extrase din mass -media și cultura populară) a fost o schimbare importantă în direcția modernismului.
În 1957, artistul pop Richard Hamilton a enumerat „Caracteristicile artei pop” într -o scrisoare către prietenii săi Arhitecții Peter și Alison Smithson: Pop Art Is: Popular (conceput pentru un public de masă), tranzitoriu (soluție pe termen scurt), cheltuieli de cheltuieli (ușor de uitat), costuri reduse, produs de Mass, Young (direcționat către tineret), ingenioase, sexy, truculente, glamour, mari întreprinderi mari. Criticii modernisti au fost îngroziți de utilizarea artiștilor pop cu o temă atât de „scăzută” și pentru tratamentul lor aparent puțin critic în acest sens. De fapt, pop a adus artă în noi zone tematice și a dezvoltat noi moduri de prezentare a acesteia în artă și poate fi privită ca una dintre primele manifestări ale postmodernismului.
Deși s -au inspirat de probleme similare, pop -ul britanic este adesea văzut ca un pop american distinctiv. Arta pop timpurie din Marea Britanie a fost condusă de cultura populară americană văzută de la distanță, în timp ce artiștii americani au fost inspirați de ceea ce au văzut și au experimentat trăind în cadrul acelei culturi. În Statele Unite, stilul pop a fost o revenire la arta reprezentativă (arta care a reprezentat lumea vizuală într -un mod recunoscut) și la utilizarea marginilor dure și a diferitelor forme după slăbiciunea picturală a expresionismului abstract. Folosind imagini impersonale și mundane, artiștii pop au dorit, de asemenea, să se îndepărteze de accentul pe sentimentele personale și simbolismul personal care a caracterizat expresionismul abstract. În Marea Britanie, mișcarea a fost mai academică în abordarea sa. În timp ce folosea ironia și parodia, el s -a concentrat mai mult pe ceea ce au reprezentat imaginile populare americane și puterea lor de a manipula stilurile de viață ale oamenilor. Grupul de artă din anii 50, grupul independent (IG), este considerat precursorul mișcării de artă pop britanică. Pop Art a fost descendent al lui Dada.
Majoritatea artiștilor pop au aspirat la o atitudine impersonală și urbană în lucrările lor. Cu toate acestea, unele exemple de artă pop au exprimat în mod subtil critici sociale, de exemplu, obiectele căzute ale Oldenburg și repetările monotone ale lui Warhol ale aceleiași imagini banale au un efect tulburător, fără îndoială, și altele, ca și cadrele segale misterioase și singure, care sunt expresiviști în mod deschis.
Poate datorită încorporării de imagini comerciale, arta pop a devenit unul dintre cele mai recunoscute stiluri de artă modernă.
No.11 Postmodernism (1970–)
Unii exponenți: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn pe cerul ©James Gill
Că postmodernitatea este nedeterminată este un adevăr. Cu toate acestea, acesta poate fi descris ca un set de practici critice, strategice și retorice care folosesc concepte precum diferența, repetarea, urmele, simularea și hiperrealitatea pentru a destabiliza alte concepte precum prezența, identitatea, progresul istoric, certitudinea epistemică și univocitatea sensului.
Termenul „artă postmodernistă” se referă la o categorie largă de artă contemporană creată din aproximativ 1970. Sigiliul distinctiv al „artei postmoderniste” este respingerea sa de estetică pe care s-a bazat predecesorul său, „Arta modernă” (1870-1970). Una dintre aceste valori respinse este ideea că „arta” este ceva „special” care ar trebui să fie „ridicat de„ gustul popular. Coincidând cu o serie de noi evoluții tehnologice, postmodernismul a dus la aproape cinci decenii de experimentare artistică cu noi media și noi forme de artă, inclusiv „artă conceptuală”, diverse tipuri de „artă performantă” și „artă de instalare”, precum și asistate mișcări precum deconstructivismul și arta de proiecție. Folosind aceste noi forme, artiștii postmoderni au extins definiția artei până la punctul în care „totul merită”.
Primul stil de artă important după Renaștere a fost arta academică, materialul clasic care a fost predat de profesori în academii. Arta academică este echivalentul artistic al tradiționalului „costum și cravată”. În continuare, în jurul anului 1870, vine „arta modernă”. Acesta este echivalentul artistic al „cămașei și pantalonilor” sau „sacou și pantaloni”. În continuare, în jurul anului 1970, vine „arta postmodernă”, care este echivalentul artistic al „Jeans și t -thirt”. În același mod în care codurile vestimentare au devenit mai puțin formale și mai mult „totul merită”, artiștii de astăzi sunt mai puțin impresionați de vechile idei despre ceea ce ar trebui să fie și mai mult concentrat pe crearea de ceva (orice) decât este observat.
Anti-autoritar prin natură, postmodernismul a refuzat să recunoască autoritatea oricărui stil sau definiție a ceea ce ar trebui să fie arta. Distincția dintre cultura înaltă și cultura de masă a fost prăbușită între artă și viața de zi cu zi. Deoarece postmodernitatea a încălcat regulile stabilite asupra stilului, a introdus o nouă eră a libertății și sentimentul că „totul merită”. Adesea amuzant, ironic sau ridicol; Poate fi conflictual și controversat, provocând limitele gustului; Dar cel mai important este că reflectă o auto -conștientizare a stilului în sine. Adesea, amestecarea diferitelor stiluri și media artistică și populară, arta postmodernistă poate împrumuta, de asemenea, să comenteze în mod conștient sau conștient sau ironic o varietate de stiluri din trecut. Astfel, cei postmoderni consideră că poziția lor teoretică este excepțional de incluzivă și democratică, deoarece le permite să recunoască hegemonia nedreaptă a discursurilor ilustrației din perspectivele la fel de valabile ale grupurilor care nu sunt elite.
În anii 1980 și 1990, apărătorii academici în numele mai multor grupuri etnice, culturale, rasiale și religioase au adoptat critici postmoderne ale societății occidentale contemporane și postmodernism
Kuadros ©, o vopsea faimoasă pe peretele tău.
