Ofte er det mer i et bilde enn det synes, og mange av verdens mest berømte kunstverk har skjulte hemmeligheter under overflaten. Du kan studere ditt favorittmaleri gang på gang og fortsatt oppdage et nytt kryptisk symbol eller skjulte detaljer. Noen av de mest kjente kunstnerne i verden legger bevisst skjulte meldinger i maleriene sine, og noen har til og med vekket populære konspirasjonsteorier, enten for å undergrave autoriteten, utfordre publikum eller avsløre noe om seg selv. Hundrevis av år senere, takket være teknologiske fremskritt, blir mange av disse skjulte meldingene avdekket for første gang. Kuadros ønsker å avsløre disse mysteriene for deg. Her er de berømte maleriene vi har ansett som de mest gåtefulle.
No.1 Den siste kveldsmat - Leonardo Da Vinci
Den berømte fremstillingen av Leonardo da Vinci av Jesus og hans disipler i den siste kveldsmaten har vært sentrum for noen populære teorier de siste årene, som beskrevet i Dan Browns 2003-roman "Da Vinci-koden" og filmatiseringen av boken fra 2006 med Tom Hanks i hovedrollen. Brown foreslo at disippelen til høyre for Jesus egentlig er Maria Magdalena forkledd som apostelen Johannes. Han antyder også at formen "V" som dannes mellom Jesus og "Johannes" representerer et kvinnelig livmor, noe som impliserer at Jesus og Maria Magdalena hadde et barn sammen. Kunsthistorikere er imidlertid skeptiske. Da Vincis Den siste kveldsmaten er viktig på grunn av sin uttrykksfulle komposisjon og bruk av perspektiv, som var en innovasjon på den tiden. Da Vinci justerte figurene og veggene i det malte rommet med snorer som stråler fra en spiker på veggen hvor originalen er malt, over et spiserom i et kloster i Milano. Mange antyder at utseendet til Johannes er feminint bare fordi det er slik han ble representert. Eksperten Mario Taddei sa til Artnet.com: "Leonardo måtte kopiere de tidligere kveldsmaten, og Johannes ser ut som en kvinne." Men et mye mer overbevisende skjult budskap ble oppdaget av den italienske IT-teknikeren Giovanni Maria Pala. Han hevder at Da Vinci skjulte musikalske noter inni "Den siste kveldsmaten" som, når de leses fra venstre til høyre, tilsvarer en 40-sekunders hymne som lyder som en requiem.
Da abbeden i klosteret klaget over at maleriet tok for lang tid, ble det sagt at den rasende kunstneren hadde truet med å bruke ansiktet til abbeden som modell for forræderen Judas. Til slutt besøkte Da Vinci fengslene i Milano for å finne det perfekte skurkeansiktet for Judas, som sitter femte fra venstre. Profesjonelle kunsthistorikere sier at det ikke finnes bevis for konspirasjonsteoriene om Den siste kveldsmaten som presenteres i "Da Vinci-koden" og andre bøker som tar opp temaet; og de avviser identifikasjonen av figuren til venstre for Jesus som hans tilhenger Maria Magdalena, i stedet for apostelen Johannes.
Kjøp en reproduksjon av Den siste kveldsmaten i nettbutikken til Kuadros
No.2 Skapelsen av Adam - Michelangelo
"Skapelsen av Adam" er sannsynligvis den mest kjente av de ni bibelske panelene som Michelangelo malte i taket til Det sixtinske kapell. Men visste du at scenen inneholdt en menneskelig hjerne? Den skjulte meldingen finnes i stoffet der man angivelig kan skille hjernens form. Til synelatende ble det introdusert av kunstneren i sitt fresco fordi obduksjoner var forbudt av Kirken på den tiden. Det viser seg at Michelangelo var en ekspert på menneskelig anatomi. I en alder av 17 år hadde han en ganske skremmende jobb med å dissekere lik fra kirkegården. Derfor mener noen at han ville ha glede av å presentere denne lidenskapen for anatomi i et av sine største verk, i taket til Det sixtinske kapell. Ifølge nevroanatomi-ekspertene Ian Suk og Rafael Tamargo plasserte maleren noen nøye skjulte illustrasjoner av visse kroppsdeler i taket til Det sixtinske kapell. Og hvis du ser på stoffet som omgir Gud i "Skapelsen av Adam", finner du at det skaper en anatomisk illustrasjon av den menneskelige hjernen. Suk og Tamargo mener at Michelangelo mente at hjernen skulle representere ideen om at Gud ga Adam ikke bare liv, men også menneskelig kunnskap.
En lege sier at Michelangelo var svært kjent med den menneskelige hjernen og at han brukte sin kunnskap om neuroanatomi til å symbolsk representere hjernen i sin "Skapelsen av Adam". Andre tolkninger går enda lenger, dette maleriet bryter med religiøs ideologi og formidler budskapet om at alt stammer fra mennesket, snarere enn omvendt. Hvilket faktisk frekk tanke. Et så berømt kunstverk, og likevel finner vi fortsatt skjulte hemmeligheter flere århundrer etter at det ble skapt.
Kjøp en reproduksjon av Skapelsen av Adam i nettbutikken til Kuadros
No.3 Mona Lisa - Leonardo Da Vinci
Så er det Mona Lisa, det mest berømte maleriet blant berømte malerier, det mest besøkte verket i Louvre-museet. Denne gåtefulle damen har faktisk mer å vise enn det beryktede halvsmilet. For det første blir det spekulert i at hun er gravid, gitt måten armene hennes er plassert over magen og sløret rundt skuldrene, som gravide kvinner pleide å bruke under den italienske renessansen. Men de nyeste funnene er i øynene hennes. I 2011 hevdet den italienske forskeren Silvano Vinceti at han fant bokstaver og tall malt mikroskopisk i dem. Han fortalte Associated Press at "L" over høyre øye sannsynligvis representerer kunstnerens navn. Men betydningen av bokstaven "S" som sees i venstre øye og tallet "72" under den buede broen i bakgrunnen er mindre klare. Vinceti mener at "S" kan referere til en kvinne i Sforza-dynastiet som regjerte i Milano, noe som betyr at kvinnen i maleriet kanskje ikke er Lisa Gherardini, som lenge har vært trodd. Når det gjelder "72", argumenterer Vinceti for at det kan skyldes viktigheten av tall både i kristendommen og jødedommen. For eksempel refererer "7" til skapelsen av verden, og tallet "2" kan referere til dualiteten av menn og kvinner.
Enda mer overraskende, i 2015, hevdet en fransk vitenskapsmann som brukte reflekterende lysteknologi å ha funnet et annet portrett av en kvinne under bildet vi ser i dag. Konsensus er at dette var "første utkast" av da Vinci, og at han malte det for å lage sitt mesterverk.
Kjøp en reproduksjon av Mona Lisa i nettbutikken til Kuadros
No.4 Kaféterrasse om natten - Vincent Van Gogh
Dette maleriet med fargerike utendørsvyer er et pittoresk verk, synet av en avslappet betrakter som nyter sjarmen av omgivelsene uten noen moralske bekymringer. Det minner om Van Goghs sinnestemning da han skrev at "natten er mer levende og har flere farger enn dagen." Ved første øyekast ser Vincent van Goghs oljemaleri fra 1888 ut til å være bare det titelen beskriver: en pittoresk caféterrasse i en fargerik fransk by. Men i 2015 foreslo Van Gogh-ekspert Jared Baxter teorien om at maleriet egentlig er artistens versjon av "Den siste kveldsmat". En detaljert studie viser en sentral figur med langt hår omgitt av 12 individer, hvorav en ser ut til å glir inn i skyggene som Judas. Det er også det som ser ut til å være små skjulte kors spredd over hele maleriet, inkludert ett over den sentrale figuren som ligner Jesus.
En religiøs anelse ville ikke vært helt ute av stedet for Van Gogh. Før han dedikerte sin oppmerksomhet til maleri, hadde den kjente nederlandske kunstneren ønsket å "forkynne evangeliet overalt", og faren hans, Theodorus van Gogh, var prest i en nederlandsk reformert kirke. På tidspunktet han arbeidet med Kaféterrasse om natten, skrev Van Gogh til sin bror, Theo van Gogh, og expliserte at han hadde en "tremendous need for, I must say the word, religion", med direkte referanse til maleriet.
Van Gogh signerte aldri "Kaféterrasse om natten". Men han nevnte spesifikt maleriet i tre stykker korrespondanse, så kunsthistorikere er trygge på at han malte det.
Kjøp en reproduksjon av Kaféterrasse om natten i nettbutikken til Kuadros
No.5 Arnolfini-portrettet - Jan Van Eyck
Bilde er hengt opp i Nasjonalgalleriet i London og representerer sannsynligvis Giovanni di Nicolao Arnolfini og hans kone Costanza Trenta. Identiteten til paret ble redusert fra bare noen få muligheter, men bare de levde i Brugge lenge nok til å bli kjent med kunstneren. Den første ledetråden til maleriet er omgivelsene, i et ganske rikt hjem, fylt med vakre gjenstander og klær. Symbolene i maleriet er umulig å overse, selv om de ikke har en enkelt tolkning. Heller ikke betydningen av bildet er helt klar. Gjennom århundrene har det blitt tolket som et portrett av et nygift par, med symboler hentet fra en bryllupsseremoni, som begynner med det åpenbare fruktsymbol for graviditet i posisjonen til Costanzas kropp, som, som vist, bare var en moteinnfald. Faktisk fikk paret aldri barn. Andre fruktsymboler er den røde sengen og teppet. Skoene som lå på den tregulvet hadde også betydning som vanlige bryllupsgaver til en brud fra en brudgom. Appelsinene symboliserer fruktbarhet og kjærlighet, hundens lojalitet. Men hvis du ser nøye på speilet i midten av rommet, vil du se at det er to figurer som går inn i rommet. Det er mye antatt at en av dem er ment å være Van Eyck selv. Du vil også merke at det er en latininskripsjon i veldig utsmykket skrift på veggen over speilet, som oversettes som "Jan van Eyck var her. 1434".
Men den viktigste delen av maleriet, som ikke vises, er uoverensstemmelsen i årene. Maleriet, som nevnt tidligere, ble datert til 1434, mens Costanza Trenta døde i 1433. Maleriet kan også ha hatt en annen kontekst enn det som ble fullført. Som en røntgenstudie har vist, gjorde Jan van Eyck flere endringer, og om disse var relatert til en slik hendelse eller ikke er gjenstand for diskusjon.
Kjøp en reproduksjon av Arnolfini-portrettet i nettbutikken til Kuadros
No.6 Ambassadørene - Hans Holbein den yngre
Mange år før 3D-briller eller å lete etter påskeegg ble populære, klarte renessansekunstnere å få publikum til å se verkene fra nye vinkler ved å leke med perspektivet. Et av de mest kjente eksemplene på teknikken er dobbeltportrettet av Hans Holbein den yngre, Ambassadørene, som har en historie som er like rik som de mange skjulte detaljene i penselstrøkene.
Tolkningen av maleriet som en allegori av den politiske og religiøse omveltningen av det splittede England under Henrik VIII, der de uheldige ambassadørene er fanget, har vært universelt akseptert i over hundre år.
Maleren presenterer en ganske imponerende illusjon i bunnen. Hvis du ser på det skjeve bildet nederst i maleriet fra høyre til venstre, ser det ut til å være et anamorfisk skjelett. Akademikere mener at det er ment å være en påminnelse om at døden alltid er nært.
I det øverste venstre hjørnet, bak den grønne og frodige gardinen, finner du Jesus i en ikonisk posisjon. Noen kunsthistorikere mener dette guddommelige cameoen er knyttet til skjelettet memento mori og antyder et sted utover dødeligheten. Det er et symbol ment å antyde at det er mer enn bare døden, nemlig et liv etter døden gjennom Kristus. Andre mener at det skjulte ikonet representerer splittelsen av kirken som Henrik VIII påførte sine landsmenn.
Figuren på venstre side av Ambassadørene er Jean de Dinteville, den franske ambassadøren i England. Han var i ferd med å fyll 30 år på tidspunktet for dette dobbeltportrettet. Hennes venn og diplomatiske kollega Georges de Selve, på bildet til høyre, var bare 25 år på den tiden og hadde allerede tjent som fransk ambassadør til Republikken Venezia flere ganger.
Oljedukportrettet ble laget for å henge i gangene i Dintevilles hus. Imidlertid har Nasjonalgalleriet hatt Holbeins fortryllende maleri utstilt siden 1890. I over 125 år har det vært en av de mest verdsatte utstillingene i museumet i London.
Kjøp en reproduksjon av Ambassadørene i nettbutikken til Kuadros
No.7 Venus' fødsel - Sandro Botticelli
Nakenheten i det berømte maleriet av Botticelli var ganske innovativt for slutten av 1400-tallet. Men det er ikke der kunstnerens dristighet slutter. Noen kunsthistorikere mener at muslingen som Venus sitter på som rir over havets bølger, faktisk er ment å symbolisere det kvinnelige kjønnsorganet og dermed antyder fruktbarhet, og skaper en fødselscene som reflekterer Venuses havopprinnelse mens den symbolsk forbinder med menneskelig fødsel.
Venus, kjærlighetsgudinnen, sitter beskjeden i muslingen, og trekkes til kysten av Zephyr, vestavinden. Der venter en av Horae, gudinnene for årstidene, med en kappe for å kle den nyfødte guddommen. Den fjerde figuren som Zephyr fører er ment å være en Aura (vind-nymfer) eller Chloris, en nymfe knyttet til våren og blomster som flyter gjennom bildet.
Kristen inspirasjon dominerte kunst i middelalderen, så nakenhet ble sjelden beskrevet. Imidlertid førte oppkomsten av humanismen til en fornyet interesse for myter fra det gamle Roma, og dermed en gjenopplivelse av nakenhet.
I løpet av denne perioden av tidlig Renaissance var det å male på trepaneler på moten. Men populariteten til lerretet var økende, spesielt i de fuktige områdene der treet hadde en tendens til å bøye seg. Siden lerretet var billigere enn tre, ble dets oppfattede status litt lavere, så det var reservert for verk som ikke var ment for store offentlige utstillinger. Maleriet skiller seg ut som det første verket på lerret i Toscana.
Venus' fødsel var ment å henge i et rom. Nakenheten i stykket får en mer sensuell tone når du vet at det var ment å henge over en ekteskapseng. Dette stedet og dens dristige fremstilling bidro til at Venus' fødsel var skjult for offentligheten i omtrent 50 år. Maleriet har et følgesvenn. Selv om det ble fullført fire år før sin søster, Våren kan sees som en slags oppfølger av Venus' fødsel. Mens det andre viser Venuses ankomst til en verden i ferd med å blomstre, viser det første verden i blomst rundt den nå kledde moderfiguren. Det sies at paret av malerier hadde til hensikt å formidle hvordan "kjærligheten triumferer over brutalitet".
Botticelli ba om å bli begravet ved føttene til sin Venus. Ikke maleriet, dog. Han ønsket å ligge evig ved sin jordiske inspirasjon, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Kalt den vakreste kvinnen i Firenze, så vel som den vakreste kvinnen i renessansen, var Simonetta musa som inspirerte flere av Botticellis verk, inkludert Venus' fødsel og Våren. Da hun døde i 1510, ble Botticelli begravet nær denne adelen, som det spekuleres at han nærte en uavhengig kjærlighet til.
Kjøp en reproduksjon av Venus' fødsel i nettbutikken til Kuadros
No.8 Selvportrett - Rembrandt
Rembrandt malte, tegnet og gravere så mange selvportretter i sitt liv at endringene i utseendet hans inviterer oss til å vurdere hans sinnestemning ved å sammenligne ett bilde med et annet. En slik biografisk lesning oppmuntres av måten kunstneren konfronterer betrakteren direkte. Rembrandt malte dette selvportrettet i 1659, etter å ha lidd et økonomisk nederlag på tross av så mange års suksess. Hjemmet hans på Sint-Anthonisbreestraat og andre eiendeler ble auksjonert bort året før for å tilfredsstille kreditorene. I dette sene arbeidet ser det ut til at de dype øynene ser inn i betrakterens, og uttrykker indre styrke og verdighet. Imidlertid er det farlig å tolke malerier basert på biografien til en kunstner, spesielt med en kunstner hvis liv har blitt idealisert så mye som Rembrandt. Lyset som effektivt belyser hodet, fremhever også Rembrandts venstre skulder og, i mindre grad, hans sammenføyde hender, som er bredt utført.
I 2001 annonserte den britiske kunstneren David Hockney og den amerikanske fysikeren Charles Falco at de hadde funnet indikasjoner på at Rembrandt og andre Gamle mestere i stor grad var avhengige av bruken av linser og buede speil for å skape sine virkelige scener og portretter. Og i august 2016 publiserte to forskere i Storbritannia, kunstneren Francis O'Neil og fysikeren Sofia Palazzo Corner, en studie i Journal of Optics som forklarte hvordan Rembrandt kunne ha brukt kombinasjoner av buede speil og linser for å lage sine berømte selvportretter. Forskerne ser mange detaljer i Rembrandts selvportretter som støtter deres teori, inkludert det sterke lyset i sentrum av portrettene og den relative mørket på kantene, som også ses i refleksjoner projisert av buede speil.
Kunstnere bruker stadig nye pigmenter og oljer for å lage mer levende, lyse og interessante farger. Rembrandt van Rijn var ikke annerledes. Den gamle nederlandske mesteren hadde teknikk, kreativitet og flittig arbeid for seg. Han hadde også kjemi. En ny analyse av verkene hans viser at han brukte en sjelden forbindelse i flere av maleriene sine: et blykarbonatmineral kalt plumbonakrita, Pb5 (CO3) 3O (OH). Å kjenne sammensetningen av kunstnerens palett vil hjelpe bevarere med å finne ut hvordan de best kan bevare kunstverkene hans over tid.
Kjøp en reproduksjon av Rembrandts selvportrett i nettbutikken til Kuadros
No.9 Bacchus - Caravaggio
Bacchus-maleriet av Caravaggio inneholder alle festlighetene assosiert med den mytologiske libertin som bobler under overflaten. Det er denne følelsen av storm under roen som gjør det til et så kraftig kunstverk. Bacchus, vinens gud, blir vanligvis fremstilt beruset; Caravaggios Bacchus er rolig og selvstendig. Han ses ofte reise i en triumfkurv trukket av tigre, leoparder eller geiter; i Caravaggios versjon er den bakiske prosessen i ferd med å starte eller har nettopp avsluttet. Eller kanskje denne Bacchus har helt andre planer.
Første gang noe skjult ble oppdaget i dette verket var i 1922, da en kunstrestaurator var i ferd med å rengjøre lerretet fra dette verket fra 1595. Da oppbyggingen av skitt over århundrer forsvant, ble et skjult portrett synlig. I vinflasken i hjørnet nederst til venstre, sitter en liten Caravaggio i det lille refleksjonen av lys på overflaten av vinen.
I dag, nesten et århundre senere, bekrefter forskerne dette. Det synes ikke å være altfor skjult, men takket være moderne teknologi kalt reflektografi, kunne kunste eksperter i 2009 oppdage at bildet av en mann faktisk var skjult i vinflasken nederst til venstre. Og det kan være selveste Caravaggio. "Caravaggio malte en person i oppreist stilling, med en arm strekke mot et lerret på et staffeli. Det ser ut til å være et portrett av seg selv mens han malte," sa eksperten Mina Gregori til The Telegraph.
Kjøp en reproduksjon av Bacchus i nettbutikken til Kuadros
KUADROS ©, et berømt maleri på veggen din.
