Fundamentene til kunsthistorien går tilbake til titusener av år, da gamle sivilisasjoner brukte tilgjengelige teknikker og medier for å representere kulturelt betydningsfulle temaer. Fra disse første eksemplene har det oppstått mange kunstbevegelser, hver med distinkte stiler og kjennetegn som reflekterer de politiske og sosiale påvirkningene fra sin tid.
Hva betyr fauvisme og hva handler konseptkunst om? Å snakke om kunst er en disiplin i seg selv, og hvis du er ny i denne verden, har du sannsynligvis mange spørsmål, spesielt om hver bevegelse og de forskjellige kunsttypene.
De innflytelsesrike kunstsjangerene, fra renessansen til fremveksten av modernismen, har satt et uutslettelig preg på historien.
Med klare begrep om historien og betydningen av kunstbevegelser, vil vi få en dypere forståelse av hvordan kjente kunstnere som Van Gogh, Picasso og Warhol revolusjonerte kunstverdenen.
Kuadros har forberedt en liste over de viktigste bevegelsene for deg.
Nr.1 Italiensk Renessanse (1400–1550)
Noen utøvere: Ghibertis porter, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Raffaello.
Mot slutten av 1400-tallet proklamerte en gruppe italienske tenkere at de levde i en ny epoke. Den dunkle og barbariske "Middelalderen" var over; en "rinascità" ("renessanse") av lærdom, litteratur, kunst og kultur begynte. Dette var fødselen av perioden som nå er kjent som renessansen. I flere århundrer har fagfolk vært enige om at den italienske renessansen skjedde på denne måten: mellom 1400-tallet og 1700-tallet ble en moderne måte å tenke på verden og menneskets plass i den erstattet av gamle ideer. Mange av prestasjonene innen vitenskap, kunst og kultur i denne perioden deler felles temaer, spesielt den humanistiske troen på at mennesket er sentrum i sitt eget univers.
Italia på 1500-tallet var forskjellig fra noe annet sted i Europa. Det var delt inn i uavhengige bystater, hver med sin egen regjering. Firenze, hvor den italienske renessansen begynte, var en uavhengig republikk og et bank- og handelssenter. De rike firenzeserne viste sin makt ved å støtte kunstnere og intellektuelle, og gjorde byen til det kulturelle sentrum i Europa og renessansen.
Renessansen deles inn i to hoveddeler:
I løpet av den tidlige renessansen begynte kunstnerne å avvise den bysantinske stilen i religiøs maleri og arbeidet for å skape realisme i representasjonen av menneskelig form og rom. Dette målet begynte med Cimabue og Giotto, og nådde sitt høydepunkt med kunstnere som Andrea Mantegna og Paolo Uccello. Selv om religion fortsatt var viktig i hverdagen, ble også mytologiske temaer presentert. Mange peker på Fødslen av Venus av Botticelli som det første panelet med en mytologisk scene.
Perioden kjent som Høyrenessansen representerer kulminasjonen av målene til den tidlige renessansen. De mest fremtredende kunstnerne er Leonardo da Vinci, Raffaello, Tiziano og Michelangelo. Deres malerier og fresker er noen av de mest anerkjente verkene i verden, som Den siste nattverden, Atheneskolen og maleriene på taket i Det sixtinske kapell av Michelangelo.
Kjøp en reproduksjon av La Mona Lisa i Kuadros sin nettbutikk
Nr.2 Barokk (1600–1750)
Noen utøvere: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Versailles.
Begrepet barokk stammer sannsynligvis fra det italienske "barocco", brukt i middelalderen for å beskrive logiske hindringer. Senere kom det til å bety komplekse ideer eller vridde tankegang. En mulig annen kilde er det portugisiske "barroco" (spansk "barrueco"), som beskriver en perle av unormal eller ufullkommen form. Barokken er en bevegelse innen kunst og arkitektur utviklet i Europa fra tidlig på 1600-tallet til midten av 1700-tallet. Den legger vekt på dramatisk og overdrevet bevegelse og klare detaljer for å produsere drama, spenning, overdådighet og storhet.
De første manifestasjonene skjedde i Italia på slutten av 1500-tallet, mens i regioner som Tyskland og kolonial Sør-Amerika, kom visse betydningsfulle barokke prestasjoner ikke før på 1700-tallet.
Kunstnere gjenopplivet renessansens idealer om skjønnhet, og innførte en ny overflod og ornamentikk i sine kunstverk, musikk og arkitektur. Denne stilen, kjent som barokk, var preget av innovative teknikker og detaljerte utforminger, og tilbød et overdådig visuelt språk i en relativt moderat periode for kunsten. Barokken spredte seg i hele Europa, drevet av paven i Roma og katolske herskere i Italia, Frankrike, Spania og Flandern. Den spredte seg enda mer gjennom religiøse ordener via klostre og nonneklostre.
Den barokke stilen som oppsto var både sensuell og åndelig. En naturalistisk behandling gjorde religiøse bilder mer tilgjengelige, mens dramatiske og illusoriske effekter stimulerte fromhet og formidlet guddommelig prakt. Takene i kirkene ble oppløst i malte scener som ledet sansene mot det himmelske.
Selv om tema og stil kan variere mellom barokkmalerier, deler de fleste drama som et felles element. I verk av kunstnere som Caravaggio og Rembrandt manifesterer interessen for drama seg i intense kontraster mellom lys og skygge.
Den store mesteren i den katolske regionen som var styrt av spanjolene var maleren Peter Paul Rubens, hvis dynamiske komposisjoner og kraftfulle figurer er epitomet av barokk maleri. De elegante portrettene til Anthony van Dyck og de solide verkene til Jacob Jordaens fulgte hans eksempel. Kunsten i Nederland var påvirket av de realistiske smakene til middelklassen, så malere som Rembrandt og Frans Hals forble uavhengige fra den barokke stilen i viktige aspekter. Likevel hadde barokken en bemerkelsesverdig innvirkning i England, særlig i kirkene og palassene designet av Sir Christopher Wren og Sir John Vanbrugh.
Akkurat som statuer fra renessansen, som den ikoniske David av Michelangelo, var barokke skulpturer ofte ment å pryde majestetiske bygninger og andre storslåtte scener, som kirkeinteriører og kongelige hager.
Den siste blomstring av barokken skjede i Sør-Tyskland og Østerrike, hvor innfødte arkitekter avvek fra italienske modeller på 1720-tallet.
Kjøp en reproduksjon av Las Meninas i Kuadros sin nettbutikk
Nr.3 Realisme (1848–1900)
Noen utøvere: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Realisme er den presise, detaljerte og uforfinede representasjonen av natur eller moderne liv. Den avviser idealisering til fordel for nær observasjon av eksterne utseender. Som sådan har realismen omfattet mange kunstneriske retninger i ulike sivilisasjoner. I visuelle kunstformer, for eksempel, kan det finnes i hellenistiske greske skulpturer som skildrer boksere og gamle kvinner. Verk av malere fra 1600-tallet som Caravaggio, nederlandske sjangermalere, spanjolene José de Ribera, Diego Velázquez og Francisco de Zurbarán, samt brødrene Le Nain i Frankrike, har en realistisk tilnærming. Verk av britiske romanchikkere fra 1700-tallet som Daniel Defoe og Henry Fielding kan også omtales som realistiske.
Realisme oppsto i Frankrike på 1850-tallet, etter revolusjonen i 1848, som innførte "retten til arbeid" i landet. Det introduserte ideen om vanlige mennesker, moderne settinger og hverdagslige scener som verdige kunstneriske temaer.
Det spredte seg over Europa, fra Aleksander II sitt Russland til Dronning Victorias Storbritannia, gjennom Wilhelm I sitt Tyskland, Risorgimento-tiden i Italia og videre. Året 1855 var betydningsfullt for etableringen av realismen i Europa.
Gustave Courbet regnes som hovedpersonen innen realismen. Han la grunnlaget for bevegelsen på 1840-tallet, ved å skildre bønder og arbeidere uten å idealisere dem, og presenterte dem på en dristig og alvorlig måte, noe som skapte kontrovers.
Stilen og temaet til Courbet var basert på arbeidet til malerne fra Barbizon-skolen. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet og andre bosatte seg i den franske landsbyen Barbizon med mål om å gjenspeile den lokale karakteren til landskapet nøyaktig.
Maleren i realismen utenfor Frankrike ble godt representert i USA på 1800-tallet. De kraftige og uttrykksfulle maleriene til Winslow Homer om maritime temaer og verkene til Thomas Eakins er nøkterne og vel observerte registreringer av moderne liv. Realismen var en distinkt bevegelse innen kunst på 1900-tallet, avledet fra ønsket til kunstnerne om å presentere mer ærlige og uidealiserte visjoner av hverdagen eller bruke kunsten som et verktøy for sosial og politisk kritikk.
De grove og nesten journalistiske scenene fra det urbane livet til gruppen kjent som The Eight (De Åtte) faller inn under denne kategorien. Den tyske bevegelsen Neue Sachlichkeit (Ny Objektivitet) jobbet i en realistisk stil for å uttrykke kynisme og desillusjonering etter første verdenskrig i Tyskland. Socialistisk realisme i Sovjetunionen brukte teknikker for naturalistisk idealisering for å lage portretter av modige arbeidere og ingeniører.
I tillegg inspirerte realismen direkte moderne kunstbevegelser som fotorealisme og hyperrealisme, og demonstrerte sitt varige og evolusjonære arv.
Kjøp en reproduksjon av Las Espigadoras i Kuadros sin nettbutikk
Nr.4 Impresjonisme (1865–1885)
Noen utøvere: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Fransk impresjonisme er en viktig bevegelse som utviklet seg hovedsakelig i Frankrike på slutten av 1800-tallet og tidlig 1900-tall. Dets mest bemerkelsesverdige kjennetegn var forsøket på å registrere visuell virkelighet på en presis og objektiv måte i form av forbigående lys- og fargeeffekter. Impresjonistiske kunstnere viste en ny måte å observere og representere verden på, og ga avkall på realistiske skildringer til fordel for flyktige inntrykk av omgivelsene sine, ofte utendørs. Innen musikk søkte det å formidle en idé eller et effekt gjennom en lydbølge i stedet for en strengt formell struktur.
Mot slutten av 1860-tallet reflekterte kunsten til Manet en ny estetikk som ville bli en ledende kraft i impresjonistisk arbeid, hvor viktigheten av tradisjonelle temaer ble redusert og oppmerksomheten ble flyttet til manipuleringen av farge, tone og tekstur.
I 1874 arrangerte en gruppe kunstnere ved navn Société Anonyme des Peintres, Sculpteurs, Graveurs, etc., en utstilling i Paris som lanserte bevegelsen kalt impresjonisme. Dets grunnleggere inkluderte Claude Monet, Edgar Degas og Camille Pissarro. Maleriet til Monet Impresjon, soloppgang (1872) ga dem navnet "Impresjonister" som opprinnelig var ment som en spøk av journalisten Louis Leroy. Kunstnerne adopterte snart navnet som beskrivende for deres intensjon om å nøyaktig formidle "visuelle inntrykk". Mens konservative kritikere kritiserte arbeidet deres for sitt ufullendte og skissere utseende, roste mer progressive forfattere det for sin beskrivelse av moderne liv.
Siden sin fødsel har impresjonismen vært definert av kjennetegn som løse penselstrøk, distinkte farger, representasjoner av vanlige temaer, et fokus på lys og komposisjoner inspirert av fotografi.
Midt på 1885 begynte impresjonistgruppen å oppløses ettersom hver maler begynte å forfølge sine egne interesser og estetiske prinsipper. Imidlertid oppnådde de en revolusjon i kunsthistorien, ydmykt flere post-impresjonister som Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh og Georges Seurat, og frigjorde vestlig maleri fra tradisjonelle teknikker og tilnærminger.
Arv og tilstedeværelse av impresjonisme i dag
Som utgangspunkt for modernismen påvirket impresjonismen mange etterfølgende bevegelser. Postimpresjonistene adopterte deres løse penselstrøk; abstrakte ekspresjonister fant inspirasjon i den unconventional tilnærmingen til Monet; og mange samtidskunstnere fortsetter å jobbe i en neo-impresjonistisk stil.
Kjøp en reproduksjon av Mujer con Sombrilla i Kuadros sin nettbutikk
Nr.5 Postimpresjonisme (1885–1910)
Noen utøvere: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Postimpresjonisme er et begrep som brukes for å beskrive reaksjonen på 1880-tallet mot impresjonismen. Det ble ledet av Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh og Georges Seurat. Postimpresjonistene avviste bekymringen fra impresjonismen for den spontane og naturalistiske representasjonen av lys og farge.
Dessverre malere, unntatt Van Gogh, var franske, og de fleste begynte som impresjonister; hver av dem forlot stilen for å danne sin egen høyt personlige kunst.
Som impresjonistene, la de vekt på kunstverkets kunstighet. De trodde at fargen kunne være uavhengig av formen og komposisjonen som en emosjonell og estetisk bærer av betydning. Både impresjonismen og postimpresjonismen inkluderer noen av de mest berømte moderne kunstverkene, som nenupharene til Monet og La Noche Estrellada av Van Gogh.
De delte verkene sine med offentligheten gjennom uavhengige utstillinger i Paris. I 1910 myntet kunstkritiker Roger Fry termen "postimpresjonisme" med sin utstilling "Manet og postimpresjonistene". Fry mente at kunstens skjønnhet er forankret i persepsjon. "Kunst er en uttrykkning og en stimulans til det fantasifulle livet i stedet for en kopi av det virkelige liv," forklarte han i "An Essay in Aesthetics".
Postimpresjonistene mente at et kunstverk ikke burde dreie seg om stil, prosess eller estetisk tilnærming, men fremheve symbolikk som kommuniserer budskap fra kunstnerens underbevissthet.
De utstilte ofte sammen, men i motsetning til impresjonistene, som begynte som en sammenkoblet gruppe, malte de hovedsakelig alene. Cézanne malte isolert i Aix-en-Provence; Gauguin bosatte seg på Tahiti i 1891; og Van Gogh malte i landskapet i Arles. Både Gauguin og Van Gogh avviste objektiviteten til impresjonismen til fordel for en mer personlig åndelig uttrykk.
"Farge! Hvilket dypt og mystisk språk, drømmenes språk." - Paul Gauguin
I motsetning til impresjonistene som søkte å fange effekten av naturlig lys, brukte postimpresjonistene en kunstig fargepalett til å portrettere sine oppfattelser av verden. Metningstoner og flerfargede skygger er tydelige i maleriene deres, noe som demonstrerer deres innovative tilnærming.
Postimpresjonismen trakk seg bort fra en naturalistisk tilnærming og beveget seg mot bevegelser som kubismen og fauvismen, som søkte å fremkalle følelser gjennom farge og linje.
Kjøp en reproduksjon av La Noche Estrellada i Kuadros sin nettbutikk
Nr.6 Fauvisme og Ekspresjonisme (1900–1935)
Maleri lagt på tykke lag, farger som stikker ut fra siden og unormale nyanser: fauvisme og ekspresjonisme er to av bevegelsene som ga liv til disse kjennetegnene. Så hva er forskjellen mellom dem, hvis de kan beskrives på samme måte? Først vil vi forklare fauvisme og ekspresjonisme hver for seg.
Fauvisme
Noen utøvere: Matisse, Derain, Signac
Fauvismen inntok den kunstneriske scenen fra 1905 til 1910, preget av intense farger og dristige penselstrøk. I noen tilfeller påførte kunstnerne maling direkte fra tuben. Fargene trengte ikke å være tro mot naturen; de kunne endres for å vise følelser. De valgte enkle temaer, og på grunn av dette så maleriene nesten abstrakte ut. Kunstkritiker Louis Vauxcelles skapte termen etter å ha beskrevet arbeidet til Henri Matisse og André Derain som "les fauves" eller "dyrene" under en utstilling i Salon d’Automne i Paris i 1905. Deres arbeid var fylt med unaturlige farger og ville malingsplamser på lerretet. Det ville være starten på fauvisme.
Fauvistkunstnere var dypt interessert i den 19. århundrets vitenskapelige fargeteori. Spesielt med bruken av komplementære farger, forsto de hvordan man kunne få fargene til å virke mer lyssterke og dristige ved å innarbeide disse teoriene.
Matisse sitt maleri "Kvinne med hatt" ble kritisert for de unaturlige fargene i kvinnens ansikt. Paul Signac er kjent for sin pointillisme og var mentor for Matisse. Pointillisme er en teknikk hvor små prikker av primærfarger legges sammen; når man ser på avstand, kombineres de til en enkelt bilde. Dette kan sammenlignes med pikslene på en dataskjerm.
I tillegg til Matisse og Derain inkluderer andre viktige fauvister Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault og Maurice de Vlaminck.
Ekspresjonisme
Noen utøvere: Munch, Kandinsky, Klee
Ekspresjonisme er et generelt begrep for ethvert kunstverk som forvrenger virkeligheten for å samsvare med kunstnerens indre følelser, synspunkt eller ideer. Kort sagt, det er en kunst som uttrykker indre realiteter i den ytre verden. Det finnes distinkte kjennetegn ved ekspresjonismen: intense og unaturlige farger, malingen påført i store mengder som skaper tekstur på lerretet.
Ekspresjonismen kom "fra innsiden", som et refleksjon av kunstnerens følelser mer enn en representasjon av en scene. To innflytelsesrike ekspresjonistiske kunstnere var Emil Nolde og Edvard Munch.
Viktige bidragsytere til den ekspresjonistiske bevegelsen inkluderer kunstnere som Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner og flere.
Kjøp en reproduksjon av El Grito i Kuadros sin nettbutikk
Fauvisme kan ses på som en underkategori av ekspresjonisme. De bruker lignende teknikker og klassifiseres etter de samme kjennetegnene; den virkelige forskjellen er den spesifikke naturen til fauvismen i kontrast til generaliteten av ekspresjonismen.
Noe som kan betraktes som fauvistisk kan også være en del av ekspresjonismens felt, men ikke all ekspresjonisme er fauvisme. Fauvisme er litt mer vilt, men med et mer enkelt tema.
Nr.7 Kubisme (1905–1920)
Noen utøvere: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubisme er en svært innflytelsesrik visuell kunststil fra det 20. århundre, skapt hovedsakelig av Pablo Picasso og Georges Braque i Paris mellom 1907 og 1914. Kubistisk stil la vekt på den flate og to-dimensjonale overflaten av bildet, og avviste tradisjonelle teknikker for perspektiv, skisse, modellering og chiaroscuro, og motbeviste de gamle teoriene om at kunst må imitere naturen. Kubister trodde at tradisjonene i vestlig kunst hadde blitt utarmet, og for å revitalisere arbeidet sitt, vendte de seg til den uttrykksfulle energien i kunsten fra andre kulturer, spesielt afrikansk kunst.
Kubisme får sitt navn fra kommentarene fra kritikeren Louis Vauxcelles, som nedsettende beskrev Braques arbeid i 1908 som sammensatt av kuber. I Braques maleri minner volumene av husene, de sylindriske formene av trærne og fargeordningen om landskapene til Paul Cézanne, som dypt inspirerte kubistene i deres tidlige utviklingsfase (frem til 1909). Men det var Les Demoiselles d'Avignon, malt av Picasso i 1907, som varslet den nye stilen; i dette arbeidet blir formene av fem nakne kvinner til kantete og brøt figurer.
Kubismen utviklet seg i to distinkte faser: analytisk kubisme og syntetisk kubisme. Den analytiske kubismen (1908–1912) er mer auster og kjennetegnes av en blanding av flater og linjer i dempede toner. Den syntetiske kubismen (1912–1914) er preget av enklere former og lysere farger, inkludert kombinasjoner av reelle elementer, som aviser. Inkluderingen av ekte objekter direkte i kunsten var begynnelsen på noen av de viktigste ideene i moderne kunst.
Selv om Picasso og Braque tilskrives opprettelsen av dette nye visuelle språket, ble det adoptert og utviklet av mange malere, inkludert Fernand Léger, Robert og Sonia Delaunay, Juan Gris og andre. Kubisme påvirket også dypt skulptur og arkitektur i det 20. århundre.
De formelle konseptene som ble frigjort av kubismen hadde vidtrekkende konsekvenser for bevegelser som Dada og surrealisme, og for kunstnere som forfulgte abstraksjon rundt om i verden.
Nr.8 Dada og Surrealisme (1917–1950)
Dada
Noen utøvere: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada var en europeisk avant-garde kunstbevegelse, med sentra i Zürich og New York. Det oppsto som en direkte reaksjon på massakren, propaganda og galskapen til første verdenskrig. Uavhengige grupper knyttet sammen av felles ideer oppsto i Berlin, Paris og andre steder. De delte ikke en universell stil, men var knyttet sammen av sin avvisning av idealisme og utdaterte kunstneriske og intellektuelle konvensjoner.
Navnet "Dada", tilfeldig uttrekket fra en ordbok i 1916, betyr "vugghest" på fransk eller "ja ja" på rumensk og russisk. Men som navnet på en bevegelse betyr det egentlig ingenting. Trøtt av kulturen som hadde produsert slaktingen av første verdenskrig, utfordret dadaistene alle konvensjoner, og feiret tilfeldighet og absurditet.
Rotene til Dada finnes i avantgarden før krigen. Begrepet "anti-kunst", en forløper til Dada, ble myntet av Marcel Duchamp rundt 1913 for å karakterisere verk som utfordrer de aksepterte restriksjonene i kunst.
Dada-bevegelsen inkluderte offentlige møter, demonstrasjoner og publisering av kunst- og litteraturmagasiner. Kunst, politikk og kultur ble ofte diskutert som temaer i ulike medier.
Surrealisme
Noen utøvere: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Surrealisme var en av de mest betydningsfulle og subversive bevegelsene på 1900-tallet. Det oppsto på 1920-tallet og ga et radikalt alternativ til de rasjonelle og formelle kvalitetene i kubismen. Det var en litterær, filosofisk og kunstnerisk bevegelse som utforsket hvordan sinnet fungerer, og forsvarte det irrasjonelle, det poetiske og det revolusjonære.
I motsetning til Dada, som det oppsto fra på mange måter, la det vekt på en positiv avvisning av tidligere tradisjoner. André Breton, lederen av en ny gruppe poeter og kunstnere i Paris, definerte surrealismen i sitt "Surrealist Manifest" (1924) som: "Ren psykologisk automatikk, hvormed det foreslås å uttrykke... den faktiske funksjonen til tankene".
Det kan skilles flere tråder i den visuelle manifestasjonen av surrealisme. Artister som Max Ernst og André Masson favoriserte automatikk, hvor bevisst kontroll blir undertrykt, og lar underbevisstheten ta kontroll. Derimot forfulgte Salvador Dalí og René Magritte en hallusinatorisk følelse av over-realisme der de skildrede scenene ikke har virkelig mening. En tredje variasjon var sammensetningen av ikke-relaterte elementer, som etablerte en realitet utenfor normale grenser.
Surrealisme oppsto i Paris, men dens innflytelse spredte seg gjennom magasiner og internasjonale utstillinger. Med utbruddet av andre verdenskrig flyttet sentrum for surrealistisk aktivitet til New York. Selv om det som bevegelse mistet sammenhengen etter krigen, har den bevart en mektig innflytelse på samtidskunsten.
Nr.9 Abstrakt Ekspresjonisme (1940–1950)
Noen utøvere: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
"Abstrakt ekspresjonisme" var en bevegelse som utviklet seg i New York på 1940- og 1950-tallet. Selv om begrepet ikke var ideelt, omfattet det kunstnere som fylte lerretene sine med felt av farge og abstrakte former, samt de som angrep lerretene med energisk gestural ekspresjonisme. Alle var forpliktet til kunsten som uttrykk for selvet, født av dype følelser og universelle temaer.
Bevegelsen omfattet mange forskjellige malestiler. Noen kunstnere, som Jackson Pollock og Willem de Kooning, karakteriserte seg med en løs og dynamisk håndtering av maleriet. Andre, som Mark Rothko, brukte store områder med flate farger for å oppnå subtile og meditative effekter.
Selv om bevegelsen har blitt representert i stor grad som tilhørende mannlige kunstnere, var det flere viktige kvinnelige abstrakte ekspresjonister som dukket opp i denne perioden.
Nr.10 Pop Art (1960)
Noen utøvere: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Popkunst begynte med kunstnere fra New York som Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist og Claes Oldenburg, som ble inspirert av populære bilder og utgjorde en del av et internasjonalt fenomen. Det var et opprør mot de dominerende tilnærmingene til kunst og kultur og de tradisjonelle oppfatningene om hva kunst burde være. Unge kunstnere følte at det de ble undervist på kunstskoler og det de så i museene ikke hadde noe med livene deres å gjøre.
I 1957 listet popkunstner Richard Hamilton opp egenskapene ved popkunst i et brev: "Popkunst er: populær, forbigående, unødvendig, lav kostnad, masseprodusert, ung, oppfinnsom, sexy, grufull, glamorøs, stor bedrift".
Popførte kunsten til nye tematisk områder og utviklet nye måter å presentere den på, og kan sees på som en av de første manifestasjonene av postmodernismen.
Nr.11 Postmodernisme (1970–)
Noen utøvere: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn i Himmelen av James Gill
Begrepet "postmodernistisk kunst" refererer til en bred kategori av moderne kunst skapt fra omtrent 1970 og fremover. Det karakteristiske trekk er dens avvisning av estetikken som dens forgjenger, "moderne kunst", var basert på. En av de avviste verdiene er ideen om at "kunst" er noe "spesielt" som bør være adskilt fra populær smak.
Aktivistisk av natur, nektet postmodernismen å anerkjenne autoriteten til noen stil eller definisjon av hva kunst burde være. Distinksjonen mellom høy kultur og populær kultur, mellom kunst og hverdagsliv falt bort. Det innførte en ny æra av frihet og følelsen av at "alt er lov".
Ofte ved å blande forskjellige stiler og medier, kan postmodernistisk kunst også ta lån eller kommentere ironisk over stiler fra fortiden. Postmodernister ser sin teoretiske posisjon som inkluderende og demokratisk.
I 1980- og 1990-årene ble postmodernismen den uoffisielle filosofien til "identitetspolitikk"-bevegelsen.
KUADROS ©, et berømt maleri på veggen din.
