De 10 mest kjente maleriene av Jesus

Jesu figur er en av de mest ikoniske i historien. 

Kunsten rundt bildet av Jesus Kristus har blitt idealisert av både amatørkunstnere og store lærere.

Hvordan er det mulig å vise på lerretet en figur som både er helt menneskelig og helt guddommelig? Denne typen kunstnerisk dristighet er til og med vågal å prøve.

Kunstnerne som malte i den kristne tradisjonen har gjort akkurat det i to årtusener.

De 10 mest kjente maleriene av Jesus

Dette er en titt på de 10 mest kjente Jesus -maleriene gjennom historien, ifølge klassifiseringen som Kuadros -eksperter har gjort.

# 1 The Last Supper - Leonardo Da Vinci

Det mest kjente maleri av Jesus Kristus er utvilsomt Leonardo da Vincis siste middag.

Arbeidet gjenskaper det siste påskemøtet mellom Jesus og hans apostler, fra historien beskrevet i Johannesevangeliet, kapittel 13. Kunstneren forestilte seg, og har klart å uttrykke, ønsket som er rundt hodet på apostlene til å vite hvem som er forråde læreren sin.

Malt på slutten av 1400 -tallet som et veggmaleri på veggene i nektoren til klosteret til Santa Maria Delle Grazie i Milano.

Fresco -malerier skapes vanligvis ved å bruke pigment på Intonaco, et tynt lag med våt rolig gips.

Dette er normalt den beste teknikken å bruke, siden den gjør at fresken kan ta seg av naturlig pust eller svette som får en vegg når fuktigheten beveger seg mot overflaten.

På den siste middagen bestemmer imidlertid Da Vinci seg for å bruke oljemaling siden dette materialet tørker mye tregere, noe som tillot ham å jobbe i bildet på en mye mer treg og detaljert måte.

Leonardo visste at den naturlige fuktigheten som trenger gjennom de fleste av steinmurbygningene, måtte forsegles hvis han brukte oljemalerier, eller fuktighet ville ende opp med å ødelegge arbeidet hans.

Da la kunstneren et dobbelt lag med gips, kitt og bryte for å bekjempe fuktforringelse.

Til tross for dette har kunstverket måttet gjenopprettes mange ganger i sin lange historie.

I dag er det veldig lite av det innledende øvre laget av oljemaling som følge av miljø og også bevisst skade.

#2 Transfiguration - Rafael

Rafael Transfiguration Det er det endelige verket til den store renessansekunstneren Rafael som ble bestilt av kardinal Giulio de Medici fra Medici Banqueros -dynastiet.

Opprinnelig ble kunstverket tenkt for å henge som et sentralt alterstykke av Narbonne -katedralen i Frankrike og henger nå på Vatikanet Pinacoteca i byen Vatikanet.

Etter Rafaels død ble maleriet aldri sendt til Frankrike, og kardinal hang det i stedet i hovedalteret til den velsignede Amadeo -kirken San Pietro i Montorio, Roma i 1523.

I 1797 ble imidlertid maleriet tatt av de franske troppene som en del av den italienske kampanjen i Napoleon og deretter hengende i Louvre.

Det kan vurderes at maleriet gjenspeiler en dikotomi på det enkleste nivået: Kristi forløsende kraft, symbolisert av renheten og symmetrien i den øvre halvdelen av maleriet. Dette står i kontrast til manglene til mennesket, symbolisert i den nedre halvdelen av dystre og kaotiske scener.

Transfigurasjon er relatert til påfølgende historier om Matthew -evangeliet. Den øvre delen av maleriet representerer forhøyet Kristus foran bølgende og opplyste skyer, og begge sider av det er profetene Elijah og Moses. I den nedre delen av maleriet er apostlene representert, prøver uten å lykkes, å ri barnet besatt av demoner. Den øvre delen viser for Kristus transfigurert, som ser ut til å gjøre et mirakel, helbrede barnet og frigjøre ham fra det onde.

Dimensjonene til transfigurasjonen er kolossale, 410 x 279 cm. Rafael foretrakk å male på lerret, men dette maleriet ble laget med oljemalerier på tre som valgte medier. Rafael viste faktisk avanserte manusismeindikasjoner og teknikker fra barokkperioden i dette maleriet.

De stiliserte og forvrengte positurene til de medium figurene indikerer manusisme. Den dramatiske spenningen i disse figurene, og den liberale bruken av lys og mørke, eller kontraster av chiaroscuro, representerer den barokke perioden med overdrevet bevegelse for å produsere drama, spenning, sprudling eller belysning. Faktisk ble transfigurasjonen avansert til hans tid, så vel som Rafaels død, som kom for tidlig.

Dette arbeidet ville være Rafaels siste maleri, som skulle jobbe med henne til hennes død i april 1520.

Rengjøringen av maleriet fra 1972 til 1976 viste at bare noen av de nedre venstre tallene ble fullført av deltakere, mens det meste av maleriet var fra kunstneren selv.

#3 Endelig dom - Miguel Ángel

Miguel Ángels endelige dom Det er på veggen bak alteret i det sixtinske kapell. Hans representasjon av Kristi andre komme i "den endelige dommen" genererte øyeblikkelig kontrovers av den katolske kirken for motreformasjonen.

Miguel Angel måtte male slutten av tiden, begynnelsen av evigheten, når den dødelige blir udødelig, når de valgte blir med Kristus i deres himmelske rike og de dømte blir kastet i helvete. 

Ingen kunstner i det sekstende århundre Italia var bedre posisjonert for denne oppgaven enn Miguel Ángel, hvis endelige arbeid forseglet hans rykte som den største læreren i menneskeskikkelsen, spesielt den mannlige nakne. Pave Paul III var veldig klar over dette da han anklaget Miguel Ángel for å få maling av veggen til alteret i kapellet med den endelige dommen. Med sitt fokus på kroppens oppstandelse, var dette det perfekte temaet for Miguel Ángel.

Den mektige komposisjonen, fokuserer på den dominerende skikkelsen av Kristus, fanget på det tidspunktet før den som ble uttales av dommen for den endelige dommen.

Hans stille og imperative gest ser ut til å tiltrekke seg oppmerksomhet og plassere omgivelsen. På bildet begynner en bred langsom roterende bevegelse der alle figurene griper inn. De to øvre vinduene er ekskludert med grupper av engler som bærer på symbolene på lidenskapen (til venstre for korset, neglene og tornekronen; til høyre på kolonnen i flagellasjonen, trappene og spydet med svampen målrettet i eddik).

I sentrum av den nedre delen er englene i apokalypsen som vekker de døde med lyden av lange trompeter. På venstre side gjenstår de kroppene mens de stiger opp til himmelen (oppstandelsen av kjødet), til de rette englene og demonene kjemper for å få de som er dømt til helvete til å falle. Til slutt, innerst inne med sine årer, sammen med demonene sine, får det til at de dømte forlater båten sin for å kjøre dem for den infernale dommeren Minos, hvis kropp er pakket inn i spiralene i slangen.

Henvisningen i denne delen til helvete av Dante Alighieris guddommelige Commedia er klar. I tillegg til ros, forårsaket den endelige dommen også voldelige reaksjoner blant samtidige. For eksempel sa seremonimester Biagio da Cesena at "det var det mest uærlig på et så ærlig sted å ha malt så mange nakne figurer at skammen deres viser så uærlig og at det ikke var et verk for et kapell i paven, men for ovner og tavernaer "(G. Vasari, Vite). Kontroversene, som fortsatte i årevis, tok i 1564 avgjørelsen fra menigheten til Trent Council å ha dekket noen av tallene for rettsaken som ble ansett som "uanstendig."

Oppgaven med å male gardinene på taket, den så -kallede "Braghe" (bukser) ble overlatt til Daniele da Volterra, siden den gang kjent som "Braghettone". Danieles "Braghe" var bare de første som ble laget. Faktisk ble flere flere lagt til de kommende århundrene.

#4 Kristus som laster korset - El Greco

I løpet av sin lange karriere i Spania laget Greco mange malerier av Kristus som bar korset. Kristus som laster korset Det er et bilde av perfekt menneskehet. Arbeidet skiller seg ut for slagegenskapene som maleren bruker fargen for å modellere volumene og forvrenger kroppene for å gjenspeile karakterens åndelige ønske.

Greco maler Kristi øyne med dramatiske og overdrevne tårer i dem. Øynene hans er det viktigste elementet i maleriet, siden de uttrykker mye følelser.

Det er en delikat kontrast mellom hans robuste skuldre og den feminine skjønnheten i hendene hans. Det er imidlertid ingen tegn til smerter i ansiktet hans. Akkurat som deres passive hender ikke uttrykker kval eller forsøk på å bære korset.

Greco forvandlet bildet av Kristus overveldet og sår fra det tunge korset til en som er rolig og klar til å møte sin skjebne. Kristi ro før hans offer inviterer betrakteren til å akseptere sin egen skjebne i øyeblikk av frykt og tvil. 

#5 korsfestet Kristus - Diego Velázquez

Dette intenst kraftige bildet av Jesus på korset ble malt i den kreative perioden som fulgte Velázquezs første stimulerende tur til Italia. I motsetning til hans andre mannlige nakenbilder som dukket opp i malerier som Apollo i Forge of Vulcano og Tunic of Joseph, er hans Kristus på korset en død eller døende kropp. Det er ikke ledsaget av andre fortellende elementer bortsett fra selve korset. Kunstneren klarer imidlertid å gi arbeidet med stor verdighet og ro.

Det antas at arbeidet var en kommisjon for sakristiet av klosteret San Plácido, den stramme posisjonen til Korsfestet Kristus Den presenterer fire negler, føttene sammen og tilsynelatende støttet av en liten trehylle, som lar armene danne en subtil kurve, i stedet for en trekant. Hodet er kronet av en glorie, mens ansiktet hviler på brystet og lar oss skimte. Hans rette og rette hår henger på høyre side av ansiktet, hans bakre stie trekkes av blodet som drypper såret på høyre side.

Bildet er uvanlig selvbiografisk i den forstand at det illustrerer all hovedpåvirkning i Velázquez maleri. Til å begynne med, husk den andaktige tonen og ikonografien av malingen som er absorbert i løpet av de første årene i Sevilla under Francisco Pacheco, et aktivt medlem av den spanske inkvisisjonen.

For det andre gjenspeiler det evnen til å male figurer ervervet i Spania fra studiet av kunstnerne i den spanske renessansen og, i Italia, av kunsten å klassisk antikken, av kunsten til den høye renessansen i Roma og Venezia, og caravaggio jobber i Roma og Napoli. 

Innflytelsen av klassisisme i verket vises i den generelle roen i kroppen og dens idealiserte posisjon. Karavaggismens innflytelse blir tydelig i dramatisk mørke som fokuserer hele Kristi bleke kropp.

Det er sant at bildet ikke har det karakteristiske dramaet fra barokkmaleri, som sees i religiøse verk som korsfestelsen av St. Peter eller Kryss avstamning. I stedet har den en monumental skulpturell kvalitet som løfter den, i henhold til emnets åndelighet. Sammensetningen er helt enkel, men med en levende kontrast mellom den hvite kroppen og den mørke bakgrunnen, og det er naturalisme på den måten Kristi leder faller på brystet. Sammenfiltret hår er malt med letthet som Velázquez hadde sett og beundret førstehånds i eksempler på venetiansk maleri.

Velázquez vant rykte på seg for å være en av de beste portrettistene i Spania, og ble den offisielle maleren av Felipe IV (regjerte mellom 1621 og 1640) og til slutt, i den største representanten av det spanske maleriet av barokken. Til tross for at religiøs kunst var spesielt viktig i Spania, et land hvis regjerende monarki var stolt over å være en av hovedsponsorene for kunsten til den katolske telleren -reformen, malte Velázquez relativt få bemerkelsesverdige religiøse malerier.

I stedet malte kunstneren verden rundt seg, spesialiserte seg i Portrait Art, noe kjønnsmaleri (Still Lifes) og noe annet historiemaleri. Ironisk nok, gitt mangelen på sine religiøse verk, ble han mer påvirket av det italienske genialt Caravaggio, som hovedsakelig skiller seg ut for sin bibelske kunst, utført i en aggressivt realistisk stil. Velázquez var også sterkt påvirket av ideene om den italienske gjenfødelsen oppnådd fra sin sevillianske lærer Francisco Pacheco.

 

#6 Kristus som laster korset - Titian 

I 1508 eller 1509 malte Tiziano en olje som er kjent som Kristus som laster korset. Den virkelige opprinnelsen til maleriet er noe mystisk, og til og med flere kunsthistorikere har noen ganger tilskrevet det til en annen italiensk maler, Giorgione. Begge malere tilhørte en kunstnergilde knyttet til skole og kirken, begge opptrådte på samme tid og sted, og det er sannsynlig at arbeidet uttrykkelig ble malt for institusjonen. Et annet mysterium om oljemaleri er at det ble sagt at det hadde mirakuløse helbredelsesferdigheter, som det er skrevet i mange historiske fortellinger. Pilegrimene ba i kirken på et sidetall der malingen ble hengt og rapporterte at de hadde helbredet av plager.

Arbeidets generelle stemning er dystert og mørkt. De lyseste fargene er kjøtt -av -tonene, og paletten er dominert av flere brune toner. På en nesten svart bakgrunn vises Kristus fra semierfil som bærer korset på skulderen. Mens han ser til venstre, klemmer en sint utførende bøddel et tau rundt nakken hans, og en annen figur litt bak bøddelen ser inne i scenen. Sammensetningen har en stil som var nyskapende på den tiden, et nærbilde som unngikk perspektiv og dybde for intimitet og detaljer. Karakteristisk for Tiziano er maleri fullt av action og hvile virker fjern for karakterene som er representert.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Dette berømte maleriet, selv om det fremdeles er veldig attraktivt, regnes ikke lenger som et verk av Leonardo da Vinci og mistet sin plass mellom vår liste over de 100 mest kjente maleriene i historien.

Opprinnelig trodde man at Leonardo da Vinci malte Salvator Mundi for kong Louis XII fra Frankrike og hans konsort, Ana de Britain. Ekspertene stiller spørsmål ved tilskrivningen av det italienske lærermaleriet, selv om det ble solgt på en auksjon i november 2017 for $ 450.312.500, en rekordpris for et kunstverk.

Salvator Mundi pleide å være en del av oss listen over berømte malerier, men overlot sin plass til et annet maleri som er valgt av publikum og våre kunstnere.

#8 Emaus Disciples - Caravaggio

 

Dette verket av Master Caravaggio er også kjent som vår Herres pilegrimsreise til Emaus eller ganske enkelt Emaus -middag. Maleriet viser øyeblikket da de to apostlene som følger ham innser at som har snakket med dem hele dagen har vært hans elskede lærer.

Malt i apogee av kunstnerens berømmelse, Emaus disipler Det er et av de mest imponerende religiøse maleriene i kunsthistorien. I dette maleriet fanger Caravaggio strålende det dramatiske klimaks for øyeblikket, den andre exaxt der disiplene plutselig forstår hvem som har vært foran dem fra begynnelsen. Hans handlinger og naturlige reaksjon overfører hans dramatiske forbauselse: den ene er i ferd med å hoppe fra stolen mens den andre strekker armene i en vinnebevegelse. Den rå belysningen understreker intensiteten til hele scenen.

I arbeidet viser Caravaggio disiplene som vanlige arbeidere, med skjeggete ansikter, rynkete og tatterede klær, i motsetning til den unge Kristus uten skjegg, som ser ut til å ha kommet fra en annen verden.

Det er noen hemmeligheter skjult i forskjellige punkter. I arbeidet gjemte kunstneren for eksempel et påskeegg. Skyggen som er projisert av fruktkurven på bordet ser også ut til å skildre en fisk, noe som kan være en hentydning til det store miraklet.

Og det er flere skatter skjult i dette mesterverket. Noen ganger er en mangel ikke en mangel i det hele tatt, men et genialt slag. La oss for eksempel ta stoffet til kurvkurven som vingler i utkanten av bordet i midten av malingen.

Selv om utallige øyne har undret seg over det mystiske dramaet som utvikler seg inne i det vertshuset, har betydningen av en nesten umerkelig ufullkommenhet gått så langt ubemerket gjennom århundrene.

En løs kvist, som skiller seg ut fra vevsflettet, forvandler det berømte lerretet av Caravaggio til en vågal handling, en åndelig utfordring for observatøren.

For å sette pris på alle implikasjonene av denne lille detaljene, er det verdt å huske konturene i det generelle miljøet som Caravaggio fremkaller i arbeidet hans.

Temaet med Emaus -middag er noe som har inspirert store lærere i historien, fra Rembrandt til Velásquez. Det viktigste øyeblikket blir fortalt i Luke -evangeliet i Det nye testamente. Det er historien til Kristi intime mat med de to disiplene, Lucas og Cleofás, som ignorerer følgesvenns sannhet. I maleriet har brødet allerede blitt delt og velsignet, og tiden er inne, ifølge historien om evangeliet, at Kristus "åpner" øynene til hans tilhengere og forsvinner "fra hans syn."

Mesterverket fanger en mystisk terskel mellom skygger og lys, den andre magien før Kristus, som er pakket inn av silhuetten av en fremmed bak seg, forsvinner fra verden. I det umåtelige øyeblikket mellom Åpenbaringen og forsvinningen, Caravaggio Hila hans komplott, mestermøtet mellom to verdener.

Når sannheten er den faderlige onkelen til Kristus, Cleofás, reiser seg fra sin stolfanger av panikk og forbauselse over åpenbaring: albuene hans blir dynamisk hevet gjennom ermene på frakken hans.

På den andre siden av kurvfruktingen, til høyre, åpner Lucas armene høye, som å hevde den uklare skanningen, og tegner den samme holdningen på korset på tidspunktet for hans smertefulle død. I mellomtiden er gjestgiveren ugjennomtrengelig, og observerer uten forståelse mens han lytter til ordene som Kristus har snakket med hans lamslåtte disipler, og ikke klarer å fange betydningen av et transcendental øyeblikk for menneskeheten.

Emaus disipler inntar stillingen nr. 82 på listen over berømte malerier 

#9 Pantocrador Kristus

Pantokrador Kristus Det er et malt trepanel fra det syvende århundre Santa Catalina som ligger i Sinai, Egypt. Dette maleriet regnes som et av de eldste bysantinske religiøse ikonene og er det eldste kjente verket i den pantokrayanske stilen.

Det malte panelet har en høyde på 84 cm med en bredde på 45,5 cm og en dybde på 1,2 cm. Det antas at malingen opprinnelig var større, men den ble kuttet på toppen og sidene på et tidspunkt av ukjente grunner for å produsere de nåværende dimensjonene. Verket viser Kristus kledd i en lilla kappe.- En farge som ofte er valgt for å representere de av imperialstatus og kongelige. Dette fargevalget for tunikaen din er et symbol på din status og betydning. Kristus er representert ved å oppdra venstre hånd som et tegn på velsignelse og med høyre holder en bok.

Vi kan anta at denne boken sannsynligvis er et evangelium fordi den er utsmykket med tverrformet juveler. Maleriet er bevisst asymmetrisk for å symbolisere Kristi natur. Venstre side av Kristus er et symbol på dens menneskelige natur med dens trekk representert som mye mykere og mer lys. Mens høyre side av Kristus symboliserer hans guddommelighet med sitt alvorlige blikk og intense trekk. Øynene i seg selv er forskjellige i form og størrelse, så vel som håret på venstre side blir samlet bak skulderen.

Et av de viktigste kristne ikonene er Pantocker Kristus. Dette bildet skildrer Jesus som verdens suverene hersker. Pantocker Kristus var et av Jesu eldste bilder og vises på de mest fremtredende stedene i bergkirkene.

Ordet Pantocker betyr "allmektig." I den greske versjonen av Det gamle testamente (LXX) er Pantocker -ordet oversettelsen av "Hærens herre" og "den allmektige Gud." I Apocalypses bok vises Pantocrador ni ganger som en tittel som understreker Guds suverenitet og kraft.

Pantocrador Kristus -ikonet understreker Jesu allmakt, hans makt til å gjøre noe. Jesus er "herskeren over alt" som holder alle ting. Symbolikken til Kristus Pantocrador (forklart nedenfor) er inspirert av det romerske keiserlige bildet for å projisere sin suverene makt. De første kristne brukte kulturelle symboler for å forkynne den suverene kraften til den oppstandne Kristus.

I tillegg har plasseringen av Pantocrador Kristus i APSE (Front Sanctuary Wall) også en teologisk betydning. De bysantinske kirkene hadde modellen til den romerske basilikaen, kongens kammer for å feire retten. APSE var autoritetsposisjonen der den regjerende tjenestemannen satt. Jesu stilling i APSE erklærer at han er den legitime herskeren og suverene dommeren fremfor alt. 

De kristne begynte å visuelt representere Jesus på slutten av 300 -tallet, når det ikke lenger var trusselen om forfølgelse. Disse første bildene presenterer Jesus som en stoisk skikkelse som sitter på en trone med en rulle. På 600 -tallet oppsto Christ Pantocrador som en forenkling av det tidlige bildet. Aspektet ved Pantocrador Kristus har knapt endret seg de siste 1500 årene.

De fleste av Jesu første bilder ble ødelagt under ikonoklastkontroversen.

#10 Kristus av San Juan de la Cruz

På lang avstand er det mest populære av alle de religiøse verkene i Dalí utvilsomt hans "Kristus av San Juan de la Cruz", hvis figur dominerer Port Lligat -bukten. Maleriet var inspirert av en tegning, bevart i klosteret av inkarnasjonen av Ávila, Spania, og laget av San Juan de la Cruz selv etter å ha sett denne visjonen om Kristus under en ekstase. Folk ved siden av skipet er avledet fra et bilde av Le Nain og en tegning av Diego Velázquez for overgivelse av Breda.

Ved foten av studiene for Kristus skrev Dalí: "I utgang En metafysisk forstand: Jeg vurderte i 'universets enhet' til Kristus! For det andre, takket være instruksjonene fra Father Bruno, en karmelitt, så jeg Kristus tegnet av Saint John of the Cross, jeg geometrisk utdypet en trekant og en en Circle, som oppsummerte estetisk alle mine tidligere eksperimenter, og registrerte min Kristus i denne trekanten. "

Dette verket ble ansett som banalt av en viktig kunstkritiker da det først ble stilt ut i London. 

Maleriet var et av de mest kontroversielle kjøpene som ble gjort av Dr. Tom Honeyman, daværende direktør for Glasgow -museene. Det er nå anerkjent at Dr. Honeyman tok en veldig utspekulert avgjørelse ved å foreslå det daværende Glasgow Corporation at byen kjøpte maleriet.

Honeyman fikk ikke bare maleriet til mindre enn katalogprisen, men kjøpte også opphavsretten til arbeidet til Salvador Dalí, og sikret dermed en langvarig arv fra kjøpet.

Imidlertid ble maleriet ikke godt mottatt av alle, og studentene ved Glasgow School of Art hevdet at penger kunne ha blitt brukt til å kjøpe verk av skotske kunstnere eller Glasgow.

Etter å ha stilt ut i Kelvingrove i 1952, tiltrakk Dalí massebesøkende.

Maleriet i Glasgow Museum Collection har ikke blitt unntatt fra drama, siden det har blitt skadet to ganger, det mest berømte da lerretet ble alvorlig revet av en besøkende som hadde en skarp stein. Kelvingrove -konservative klarte å reparere malingen til det punktet at skaden knapt er synlig.

Mer enn 60 år etter det opprinnelige kjøpet, viser ikke den varige attraktiviteten til maleriet tegn på nedgang og er nå en av de mest populære utstillingene av museet.

Kuadros ©, en berømt maling på veggen din.