Alt om Art Nouveau

Begynnelsene til Art Nouveau

Fremkomsten av Art Nouveau - bokstavelig talt "Ny Kunst" - kan tilskrives to distinkte innflytelser: Den første var introduksjonen, rundt 1880, av den britiske bevegelsen Arts and Crafts, som, i likhet med Art Nouveau, var en reaksjon mot det uregjerlige designet og dekorativ kunstkomposisjonene fra den viktorianske epoken.

Den andre var den aktuelle moten med japansk kunst, særlig tresnitt, som feide over mange europeiske kunstnere på 1880- og 1890-tallet, inkludert kunstnere som Gustav Klimt, Emile Gallé og James Abbott McNeill Whistler. Japanske tresnitt, spesielt, inneholdt blomstermotiver og bulboide former, samt "peitsje"-kurver, som alle er nøkkelkomponenter i det som til slutt ville bli Art Nouveau.

Japansk Art Nouveau - Bølgen av Katsushika Hokusai

Det er vanskelig å peke på de første kunstverkene som offisielt lanserte Art Nouveau. Noen argumenterer for at de trykte, flytende linjene og blomsterbakgrunnene som finnes i maleriene til Vincent van Gogh og Paul Gauguin representerer fødselen av Art Nouveau, eller kanskje til og med de dekorative litografiene til Henri de Toulouse-Lautrec, som Moulin Rouge: La Goulue (1891).

Imidlertid peker flertallet mot opprinnelsen til dekorative kunst, og spesielt på omslaget til en bok av arkitekten og den engelske designeren Arthur Heygate Mackmurdo til volumet fra 1883 Wren's City Churches.

Mackmurdo, Arthur: tilskrevet som den første representasjonen av Art Nouveau

Designet av boken viser flettede stilker av blomster som kommer fra et flatet blokker nederst på siden, og minner tydelig om japansk tresnitt.

Art Nouveau-utstillinger

Art Nouveau var ofte mer iøynefallende på internasjonale utstillinger under sin storhetstid. Den nye stilen fikk hovedscenen på fem spesifikke messer: Expositions Universelles i 1889 og 1900 i Paris; Tervueren-utstillingen i 1897 i Brussel, hvor Art Nouveau ble brukt i stor grad for å vise mulighetene for håndverk med de eksotiske treslagene fra Belgisk Kongo; den internasjonale utstillingen for moderne dekorativ kunst i Torino i 1902; og den internasjonale utstillingen l'Est de la France i 1909 i Nantes.

På hver av disse messene var stilen dominerende når det gjaldt de dekorative kunstene og arkitekturen som ble stilt ut, og i Torino i 1902 var Art Nouveau virkelig den valgte stilen av praktisk talt alle designerne og alle de representerte nasjonene, med unntak av noen andre.

Plakat for den internasjonale utstillingen av moderne dekorativ kunst

Art Nouveau: en kunstbevegelse med tusen navn

Siegfried Bing, en tysk forhandler og kjennere av japansk kunst bosatt i Paris, åpnet en butikk kalt L'Art Nouveau i desember 1895, som ble en av de viktigste leverandørene av stilen innen møbler og dekorativ kunst. På kort tid ble butikkens navn synonymt med stilen i Frankrike, Storbritannia og USA. Den store populariteten til Art Nouveau i Vest- og Sentral-Europa betydde imidlertid at den hadde flere forskjellige navn. I tyskspråklige land ble den vanligvis kalt Jugendstil (ungdomsstil), etter en tidsskrift fra München kalt Jugend som populariserte den. Samtidig ble det i Wien, hjemmet til Gustav Klimt , Otto Wagner, Josef Hoffmann og de andre grunnleggerne av Wien Secession, kjent som Sezessionsstil (separasjonsstil).

 

Det ble også kjent som Modernisme på spansk, Modernisme på katalansk og Stile Floreale (blomstisk stil) eller Stile Liberty i Italia, sistnevnte etter Arthur Libertys stoffbutikk i London, som hjalp til med å popularisere stilen. I Frankrike ble det vanligvis kalt Style Moderne og av og til Style Guimard til ære for den mest kjente utøveren der, arkitekten Hector Guimard, mens det i Nederland ofte blir kalt Nieuwe Kunst (Ny Kunst).

Det er verdt å merke seg at dens mange motstandere også ga den flere nedsettende navn: Style Nouille (nudelstil) i Frankrike, Paling Stijl (ålestil) i Belgia og Bandwurmstil (båndorm-stil) i Tyskland, alle navn som lekte med Art Nouveau sin tendens til å bruke bølgende og flytende linjer.

Art Nouveau: begreper, stiler og trender

Ubiquiteten av Art Nouveau på slutten av 1800-tallet må delvis forklares av bruken mange kunstnere gjør av populære og lett reproducible former, som finnes i grafiske kunstformer. I Tyskland trykket Jugendstil-kunstnere som Peter Behrens og Hermann Obrist arbeidet sitt på bokomslag og utstillingskataloger, magasinannonser og plakater.

Men denne trenden var på ingen måte begrenset til Tyskland. Den engelske illustratoren Aubrey Beardsley, kanskje den mest kontroversielle figuren innen Art Nouveau for sin kombinasjon av det erotiske og det makabre, laget en rekke plakater i sin korte karriere som brukte grasiøse og rytmiske linjer. De høyt dekorative trykkene til Beardsley, som The Peacock Skirt(1894), var både dekadente og enkle, og representerer den mest direkte forbindelsen vi kan identifisere mellom Art Nouveau og japonisme / ukiyo-e trykk.

 

Den påfuglskjørt av Aubrey Beardsley - Art Nouveau

I Frankrike populariserte plakatene og de grafiske verkene til Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen og noen andre den luksuriøse og dekadente livsstilen fra belle époque, omtrent perioden mellom 1890-1914, vanligvis knyttet til det sordide kabaretområdet Montmartre i nord-Paris.

Deres grafiske arbeider benyttet nye kromolitografiske teknikker for å fremme alt fra ny teknologi som telefoner og elektriske lys til barer, restauranter, nattklubber, og til og med individuelle kunstnere, og fremkalte energien og vitaliteten i det moderne livet. I prosessen hevet de snart plakaten fra nivået av pedestrianannonser til høy kunst.

Den modernistiske arkitekturen av Art Nouveau

I tillegg til grafiske og visuelle kunstformer, må enhver seriøs diskusjon om Art Nouveau vurdere arkitektur og den store innflytelsen den hadde på europeisk kultur. I urbane sentre som Paris, Brussel, Glasgow, Torino, Barcelona, Antwerpen og Wien, samt i mindre byer som Nancy og Darmstadt, sammen med steder i Øst-Europa som Riga, Praha og Budapest, hadde Art Nouveau-arkitekturen en betydelig tilstedeværelse både i størrelse og utseende, og er fortsatt synlig i dag i så varierte strukturer som små rekkehus til store institusjonelle og kommersielle bygninger. Spesielt innen arkitektur ble Art Nouveau vist i et bredt spekter av språklige former.

Mange bygninger inkorporerer en prodigious bruk av terrakotta og fargerike fliser. Den franske keramikeren Alexandre Bigot, for eksempel, ble kjent stort sett gjennom produksjonen av terrakottapynt for fasadene og chimneys til bolig- og leilighetsbygninger i Paris. Andre Art Nouveau-strukturer, særlig i Frankrike og Belgia, hvor Hector Guimard og Victor Horta var viktige utøvere, viser de teknologiske mulighetene med jernstrukturer koblet sammen av glasspaneler.

Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau

I mange områder av Europa ble den boligmessige Art Nouveau-arkitekturen preget av lokal stein, som gul kalkstein eller en tilfeldig grov estetikk med trebeslag. Og i flere tilfeller ble en skulpturell hvit stucco hud brukt, spesielt i Art Nouveau-bygninger som ble benyttet til utstillinger, som paviljongene fra den internasjonale utstillingen i Paris i 1900 og Secession Building i Wien. Selv i USA er de vegetative formene som pryder skyskraperne til Louis Sullivan, som Wainwright-bygningen og Chicago-børsen, ofte blant de beste eksemplene på den brede arkitektoniske rekkevidden av Art Nouveau.

Buenos Aires Børsen - Art Nouveau

Art Nouveau-møbler og interiørdesign

Akkurat som de stilistiske renessansene på viktoriansk tid og Arts and Crafts-bevegelsen, var Art Nouveau nært assosiert med interiørdekorasjon minst like mye som den var iøynefallende på eksteriørene. Også som disse andre stilene fra det 19. århundre, strakte Art Nouveau-interiørene seg for å skape et harmonisk og sammenhengende miljø som ikke etterlot noen overflate intakt. Møbeldesign fikk en sentral rolle i denne sammenhengen, særlig i produksjonen av utskåret treverk som hadde skarpe og uregelmessige konturer, ofte håndlaget, men noen ganger maskinprodusert. Møbelprodusenter laget stykker for alle tenkelige bruksområder: senger, lenestoler, spisestuebord og stoler, skap, bufféer og lysestaker. De slyngete kurvene i designene tok ofte opp treets naturlige årringer, og ble ofte permanent installert som veggpaneler og listverk.

I Frankrike inkluderte de ledende designerne av Art Nouveau Louis Majorelle, Emile Gallé og Eugène Vallin, alle basert i Nancy, og Tony Selmersheim, Édouard Colonna og Eugène Gaillard, som jobbet i Paris, sistnevnte spesifikt for butikken til Siegfried Bing kalt L'Art Nouveau, og ga hele bevegelsen sitt mest brukte navn.

Møbel av designeren - Louis Majorelle Art Nouveau

I Belgia kan nakkekurvene og de mer kantete og reserverte konturene sees i designene til Gustave Serrurier-Bovy og Henry van de Velde, som beundret verkene til de engelske Arts & Crafts-kunstnerne. De italienske Alberto Bugatti og Augustino Lauro var svært kjente for sine ekskursjoner i stilen der. Mange av disse designerne beveget seg fritt mellom mediene, noe som ofte gjorde dem vanskelige å kategorisere: Majorelle for eksempel, laget sine egne møbeldesign i tre og åpnet et smedje,

Alberto Bugatti Muebles Art Nouveau

Art Nouveau-maleriet og de høye kunstene

Få stilarter kan hevde å være representert i nesten alle former for visuelle medier og materialer på en så fullstendig måte som Art Nouveau. I tillegg til de som arbeidet hovedsakelig med grafikk, arkitektur og design, har Art Nouveau noen fremtredende representanter i maleri, som den secessjonistiske Gustav Klimt fra Wien, kjent for Hope II og The Kiss (begge fra 1907-08), og Victor Prouvé i Frankrike.

Håpet II av Klimt - Art Nouveau

Men malerne av Art Nouveau var få og spredt: Klimt hadde knapt studenter eller følgere (Egon Schiele ble mer uttrykkelig i retning av ekspresjonisme), og Prouvé er like kjent som skulptør og møbeldesigner. I stedet kan det sies at Art Nouveau var ansvarlig, mer enn noen annen stil i historien, for å redusere gapet mellom dekorativ kunst eller anvendt kunst for bruksobjekter og de fine kunstene eller utelukkende ornamentale malerier, skulpturer og arkitektur, kunstformer som tradisjonelt hadde blitt ansett som mer betydningsfulle, renere uttrykk for talent og kunstneriske ferdigheter, om det er tvilsomt om dette gapet ble helt lukket.

Tegning av Victor Prouvé Art Nouveau

Art Nouveau-smykker og glasskunst

Den luksuriøse omdømmet til Art Nouveau var også tydelig i utnyttelsen av noen av de mest kjente glasskunstnerne i historien. Emile Gallé, Daum Brothers, Tiffany og Jacques Gruber fant først berømmelse, minst delvis, gjennom sitt Art Nouveau-glass og bruken av det i mange bruksformer. Gallé og Daum-firmaene etablerte sitt rykte på vaser og kunst i glass-design, og var pionerer i nye teknikker på syregravde stykker hvis bølgende og velutformede overflater så ut til å flyte mellom gjennomsiktige toner uten anstrengelse.

Daum-brødrene og Tiffany utnyttet også de kunstneriske mulighetene ved glass for bruksformål, som lampeskjermer og kontorvarer. Både Tiffany og Jacques Gruber, som hadde lært hos Daum Brothers i Nancy i smykker, samt René Lalique, Louis Comfort Tiffany og Marcel Wolfers, laget noen av de mest verdifulle stykkene fra århundreskiftet, og produserte alt fra øreringer til halskjeder, armbånd og brosjer, og sikret dermed at Art Nouveau alltid ville bli assosiert med fin- luksus ved århundreskiftet, til tross for håpet om at dens utbredelse kunne gjøre den universelt tilgjengelig.

Bedriftsidentitet i Art Nouveau

Art Nouveau ble berømt samtidig som detaljhandelen utvidet seg for å tiltrekke seg et virkelig massivt publikum. Den hadde en fremtredende plass i mange av de store byvarene som ble etablert på slutten av 1800-tallet, inkludert La Samaritaine i Paris, Wertheim's i Berlin og Magasins Reunis i Nancy.

Det ble også aggressivt markedsført av noen av de mest kjente designutstedelsene i tiden, med starten fra butikken L'Art Nouveau til Siegfried Bing i Paris, som forble en bastion for spredningen av stilen frem til stenging i 1905 kort tid etter Bings død. Den var langt fra den eneste butikken i byen som spesialiserte seg på Art Nouveau-interiør og møbler.

I mellomtiden var Liberty & Co. den viktigste distributøren av objektene for stilen i Storbritannia og Italia, hvor, som et resultat, Liberty-navnet nesten ble synonymt med stilen.

 

Liberty & Co - Art Nouveau

Mange Art Nouveau-designere ble berømte ved å jobbe eksklusivt for disse detaljhandlere før de beveget seg i andre retninger. Arkitekten Peter Behrens, for eksempel, designet praktisk talt alt, fra tepotter til bokomslag, reklameplakater, interiører til utstillingspaviljonger, redskaper og møbler, og ble til slutt den første industrielle designeren da han i 1907 fikk ansvaret for alt designarbeid for AEG, det tyske General Electric.

 

Innflytelsen av Art Nouveau i kulturen: hva som kom etterpå

Hvis Art Nouveau raskt tok over Europa i de siste fem årene av det 19. århundre, forlot kunstnere, designere og arkitekter det med samme hastighet i det tidlige 20. århundre.

Selv om mange av utøverne hadde gjort doktrinen "formen må følge funksjonen" til kjernen i sitt etos, hadde noen designere en tendens til å være luksuriøse i bruken av dekorasjon, og stilen begynte å bli kritisert for å være for utførlig. I en viss forstand, som stilen modnet, begynte den å vende tilbake til de samme vanene som den hadde foraktet, og et økende antall motstandere begynte å hevde at, i stedet for å fornye design, bare hadde den byttet ut det gamle med det overfladisk nye. Selv med nye masseproduksjonsmetoder, hindret den arbeidsintensive håndverk som var involvert i mye av Art Nouveau-design at det faktisk ble tilgjengelig for et massivt publikum, slik utøverne opprinnelig hadde håpet. I noen tilfeller, som i Darmstadt, hindret også de slappe internasjonale opphavsrettslover kunstnerne fra å dra nytte av designene økonomisk.

Assosiasjonen av Art Nouveau med utstillinger bidro også snart til dens ruin. For det første var de fleste messenes bygninger midlertidige strukturer som ble revet umiddelbart etter arrangementet. Men kanskje enda viktigere, utstillingene i seg selv, selv om de ble holdt med påskudd av å fremme utdanning, internasjonal forståelse og fred, hadde en tendens til å nære rivaliseringen og konkurransen mellom nasjoner på grunn av den iboende sammenlignende naturen til utstillingen. Mange land, inkludert Frankrike og Belgia, anså Art Nouveau som potensielle kandidater for tittelen "nasjonal stil", med anklager om utenlandske opprinnelser eller subversive politiske nyanser av Art Nouveau, som for eksempel i Frankrike, ble det i ulike former assosiert med belgiske designere og tyske forhandlere, og ble noen ganger stilen brukt i sosialistiske bygninger, noe som snudde offentlig opinion mot det. Med noen bemerkelsesverdige unntak der den hadde en dedikert lokal gruppe støttespillere, hadde Art Nouveau forsvunnet fra designlandskapet i Europa nesten helt innen 1910.

Fra Wiener Werkstätte til Art Deco

Døden av Art Nouveau begynte i Tyskland og Østerrike, hvor designere som Peter Behrens, Josef Hoffmann og Koloman Moser begynte å adoptere en mer alvorlig og strengt geometrisk estetikk allerede i 1903. Det året grunnla mange designere som tidligere var tilknyttet Wien Secession kollektivet kjent som Wiener Werkstätte, som hadde en preferanse for markant kantede og rette former som minnet om en mer presis, industri-inspirert estetikk som utelot enhver åpen referanse til natur.

Denne objektiviseringen av maskinlagde designkvaliteter ble understreket i 1907 av to nøkkelbegivenheter: installasjonen av Behrens som sjef for alt bedriftsdesign for AEG, fra bygninger til produkter og reklame, og dermed ble han den første industrielle designeren i verden; og grunnleggelsen av den tyske Werkbund, den formelle alliansen mellom industrifolk og designere som prøvde å definere et system av produkttyper basert på standardisering. Kombinert med en ny respekt for klassisismen, og delvis inspirert av den verdensutstillingen i Chicago i 1893 med den offisielle velsignelsen av City Beautiful-bevegelsen i USA, ville denne maskin-inspirerte estetikken utvikle seg etter første verdenskrig, i stilen vi nå sent langt kaller Art Deco.

Dens svært kommersielle karakter ble uttrykt mer konsist i Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes i Paris i 1925, arrangementet som i 1960-årene ville gi den sitt navn til Art Deco. Kombinert med en ny respekt for klassisismen, inspirert delvis av verdensutstillingen i Chicago i 1893 og med den offisielle velsignelsen av City Beautiful-bevegelsen i USA, ville denne maskin-inspirerte estetikken utvikle seg etter første verdenskrig, til stilen vi nå sent kaller Art Deco.

Postmoderne influenser fra Art Nouveau

Til tross for sitt korte liv, ville Art Nouveau være innflytelsesrik i 1960- og 1970-årene for designere som ønsket å frigjøre seg fra den restriktive, alvorlige, upersonlige og stadig mer minimalistiske estetikken som hersket i de grafiske kunsten. De lineære, frie og ukontrollerte kvaliteter av Art Nouveau ble en inspirasjon for kunstnere som Peter Max, hvis evokasjon av en alternativ psychedelisk og drømmende opplevelse minner om den imaginative, flyktige og flytende estetiske verden fra tidlig århundre.

Alltid anerkjent fra begynnelsen som et viktig skritt i utviklingen av modernismen både i kunst og arkitektur, i dag er Art Nouveau mindre forstått som en overgangsbro mellom kunstneriske perioder og er en uttrykk for stilen, ånden og den intellektuelle tankegangen av en bestemt tidsramme, sentrert rundt århundreskiftet, rundt 1900. I sin søken etter å etablere en virkelig moderne estetikk, ble Art Nouveau det definerende visuelle språket for et flyktig øyeblikk i tid.

KUADROS ©, et berømt maleri på veggen din.